Открыты 402-е торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   19 октября 2021

В каталоге 20 лотов: девять живописных работ, четыре листа оригинальной и два — печатной графики, две работы в смешанной технике, одна икона, одна скульптура и одна фотокомпозиция

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 402 и 88-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 402-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 22 октября, в 12:00.

В начале каталога представлена икона «Богоматерь Тихвинская», созданная в Центральной России во второй четверти — середине XVII века.

Икона «Богоматерь Тихвинская». Центральная Россия, вторая четверть — середина XVII века
Дерево, левкас, темпера. 31,0 × 25,7 × 2,9

Тихвинская икона Божией Матери, по преданию, одна из икон, написанных святым апостолом и Евангелистом Лукой. В V веке из Иерусалима была перенесена в Константинополь, где для нее был построен Влахернский храм.

В 1383 году, за 70 лет до взятия турками Константинополя, икона исчезла из храма и в лучезарном свете явилась над водами Ладожского озера. Чудесно носимая с места на место, она остановилась близ города Тихвина. На месте явления иконы был построен деревянный храм в честь Успения Богородицы.

Усердием великого князя Василия Ивановича (1505–1533) вместо деревянного храма был возведен каменный. В 1560 году по приказу царя Иоанна Грозного при храме был устроен мужской монастырь, обнесенный каменной стеной.

В 1613–1614 годах шведские войска, захватив Новгород, не раз пытались уничтожить монастырь, но заступлением Божией Матери обитель была спасена. Так, однажды, в виду приближавшегося шведского войска, иноки решили бежать из монастыря, взяв чудотворную икону, но не могли сдвинуть ее с места. Это чудо остановило малодушных, и они остались в монастыре, уповая на защиту Божией Матери. Незначительные по числу защитники монастыря успешно отражали атаки намного превосходивших их сил противника. Наступающим шведам то представлялась многочисленная рать русских, идущая от Москвы, то какое-то небесное воинство, и они обращались в бегство. После чудесной победы над шведами в монастырь прибыли царские послы. Сняв список с чудотворной иконы, они отправились в деревню Столбово, в 50 верстах от Тихвина, где 10 февраля 1617 года был заключен мир со шведами. Главною порукою мира с русской стороны был принесенный список с чудотворной иконы. Впоследствии этот список был принесен в Москву и поставлен в Успенском соборе, а затем по просьбе новгородцев, участников войны со шведами, отправлен в Новгород и поставлен в Софийском соборе. Так с начала XVII века началось всероссийское почитание Тихвинской иконы Божьей Матери.

В ХХ веке, в годы лихолетья и жестоких гонений на Церковь Божию монастырь был закрыт. В 1944 году будущий архиепископ Чикагский и Миннеаполисский Иоанн (Гарклавс) и мирянин по имени Сергий (впоследствии его приёмный сын), спасая чудотворную Тихвинскую икону, увезли её в Европу, а затем — в США. Перед своей кончиной в 1982 году архиепископ Иоанн завещал своему приёмному сыну протоиерею Сергию Гарклавсу заботиться об иконе Богородицы Тихвинская и вернуть её России тогда, когда в стране изменится отношение светской власти к Церкви и будет восстановлен Тихвинский монастырь. Торжественное возвращение святыни произошло в 2004 году: 8 июля 2004 года, после 60-летнего отсутствия, святыня вернулась в Тихвинский Богородичный Успенский монастырь, который избрала для своего постоянного пребывания шесть столетий назад

26 июня. Празднование в честь явления иконы Пресвятыя Владычицы нашея Богородицы и Приснодевы Марии, именуемыя «Тихвинская» (azbyka.ru).

К образу принято обращаться о здоровье новорожденных. Эксперт отмечает, что на иконе чудотворный образ передан точно.

«Данная икона, — указывает эксперт, — была написана прекрасным профессиональным, возможно, московским иконописцем, работавшим во второй четверти — середине XVII века. В его иконописной манере еще не появились признаки нового иконописания, которое будет внедряться мастерами Оружейной палаты, во главе которой стоял знаменитый Симон Ушаков, с середины XVII века. О времени, предшествующем перелому, свидетельствует сама графическая манера письма. Выверенность художественных средств, высокий уровень исполнения говорит о принадлежности иконы художественному центру с давними традициями, близкими к Москве. Хронологические и стилистические аналогии можно увидеть в иконах Владимиро-Суздальского музея.

Лик Богоматери с огромными миндалевидными глазами отличается определенным своеобразием. Лик Младенца Христа, как всегда в иконах, строг и значителен. Хотя мастер строго следует канону и точно повторяет иконографию, тем не менее, благодаря рисунку глаз Богоматери, в этом образе есть своя особая выразительность и индивидуальность».

Русское искусство конца XIX века

ЛАНСЕРЕ Евгений Александрович (1848–1886) Убитый араб. Санкт-Петербург. Модель 1883. Отливка — фабрика художественной бронзы Ф. Шопена. 1884
Бронза, литье, чеканка, патинирование. 22 × 31 × 17

«К редким образцам творчества» Евгения Александровича Лансере, знаменитого русского скульптора и одного из основателей жанра кабинетной пластики, относит эксперт бронзовую статуэтку «Убитый араб». Художник прожил всего 37 лет, но его творческое наследие, включающее около четырехсот моделей, чрезвычайно многогранно.

Излюбленными темами Лансере были сцены охоты, скачки, статуэтки конных воинов, тройки, лошади. При жизни мастера его произведения пользовались высоким спросом в основном как атрибуты интерьера, а не предметы коллекционирования.

Евгений Александрович Лансере родился 12 августа 1848 в Моршанске Тамбовской губернии в семье инженера-путейца. В 1870 окончил юридический факультет Санкт-Петербургского университет с ученой степенью кандидата права. Около четырех лет состоял на службе в Министерстве финансов, однако оставил карьеру ради занятий скульптурой, которую стал осваивать еще в бытность студентом.

Профессионального художественного образования не получил: самостоятельно занимался лепкой, а также посещал мастерские скульпторов, в частности академика ИАХ Н. И. Либериха. Много работал с натуры. В 1867 и 1876 совершил поездки в Париж, где посещал музеи, а также изучал художественное литье из бронзы. В 1869 получил от ИАХ звание классного художника 2-й степени; в 1872 — звание классного художника 1-й степени. С 1874 — почетный вольный общник ИАХ. Был женат на дочери известного архитектора Н. Л. Бенуа — Екатерине. Отец художников Е. Е. Лансере и З. Е. Серебряковой, архитектора Н. Е. Лансере.

В 1883 году Е. А. Лансере вместе со своим другом В. С. Россоловским совершил путешествие в Алжир. Учитывая устойчивый интерес к таинственной экзотике стран Ближнего Востока, особую моду на произведения этой тематики, известный петербургский бронзовщик Ф. Шопен финансировал путешествие скульптора. Результатом поездки явилась серия моделей, многие из которых были отлиты в бронзе на фабрике Шопена.

В том же 1883 году скульптором была создана модель статуэтки «Убитый араб» — именно эта дата установлена у ее изображения в Альбоме произведений Лансере, который в настоящее время хранится у наследников скульптора. «Представленную статуэтку, — пишет эксперт, — отличает особенно виртуозная деталировка; с тщательным вниманием воспроизведены особенности традиционного костюма и вооружения персонажа. Подобная точность предполагает серьезное изучение натуры».

Будучи приверженцем академического направления, мастер стремился к композиционной завершенности своих скульптур, большое внимание уделял деталям и качеству отливок. При этом сам Лансере создавал, как правило, лишь восковые или гипсовые формы, не занимаясь непосредственно выполнением бронзовых отливок. Изготовление скульптур было поставлено на поток. Изначально предназначенные для широкого тиражирования, произведения Лансере отливались во многих экземплярах в бронзолитейных мастерских частных фирм Ф. Шопена, Н. Штанге, А. Морана, К. Берто, а также на чугунолитейных заводах Урала, о чем свидетельствуют клейма на изделиях.

Статуэтка «Убитый араб» была отлита в 1884 году (при жизни Е. А. Лансере) на фабрике художественной бронзы Ф. Шопена. Эксперт особо указывает, что «данная модель исполнялась в бронзе крайне редко: она не значится в каталогах музейных собраний. Известен еще один экземпляр статуэтки в бронзе, хранящийся в частном собрании».

Эксперт отмечает, что аналогичная отливка экспонировалась на персональной выставке Лансере, организованной им совместно со скульптором А. Обером в залах Общества поощрения художеств в Санкт-Петербурге в 1886 (№ 46) и приводит список из пяти изданий, в которых работа опубликована.

Искусство художников Русского Зарубежья

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Маха. Эскиз костюма к балету «Гойески» на музыку Э. Гранадоса. 1940
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 32 × 21,5 (в свету)

Очередной блестящий пример авторской театральной графики представляет эскиз костюма Махи к балету «Гойески» на музыку Э. Гранадоса (1940) работы Наталии Сергеевны Гончаровой.

«Испанская тема — своеобразная визитная карточка Натальи Гончаровой, — пишет эксперт. — На протяжении всего парижского периода Гончарова неоднократно исполняла эскизы декораций и костюмов на испанский сюжет. Балет “Гойески” (Capriccios Goyesque) — одна из наиболее интересных работ Гончаровой 1930–40-х годов». Характеризуя общий настрой гончаровской работы над балетом «Гойески», эксперт отмечает, что «обращаясь к оформлению балета, Гончарова вслед за композитором ищет вдохновение в творчестве Ф. Гойи. Она стремится не к стилизации, а к передаче в сценическом оформлении атмосферы гойевских полотен. Как художник, она воспринимает и ощущает Испанию XVIII века как бы сквозь призму искусства Гойи. Художник и бутафор Вера Попова вспоминала о работе над балетом “Гойески”: “…костюмы были решены в трех тонах: белый, черный, серый…” В эскизе “Маха” Гончарова изысканно варьирует эти излюбленные тона гойевских полотен, добавляя к ним яркие акценты — розового и оранжевого».

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Эскиз четырех женских костюмов к художественному фильму «Черная магия». 1949
Бумага, графитный карандаш, тушь, перо. 32,4 × 49,5

Эскиз четырёх женских костюмов к американо-итальянскому фильму «Черная магия / Калиостро» создан Юрием Павловичем Анненковым в 1949 году.

С кинематографом художника связывали несколько десятилетий работы. С 1933 года Анненков работал в кино как художник по костюмам. До 1939 разработал костюмы и грим для полутора десятков фильмов, сотрудничая с таким режиссерами, как А. Грановский, А. Литвак, В. Туржанский, Ф. Оцеп, Г. В. Пабст, А. Ганс, М. Л’Эрбье. По его рисункам печатались афиши и рекламные издания к фильмам.

В годы войны принял участие в работе над 10 фильмами, среди которых были такие известные, как «Кавалькада любви» (1940), «Герцогиня де Ланже» (1942) по повести О. Бальзака, «Горбун» (1944), «Отец Сергий» (1945) по Л. Н. Толстому. В 1943 на французские экраны вышел ставший культовым фильм «Вечное возвращение» по сценарию Жана Кокто, основанному на сюжете о Тристане и Изольде. Анненков создал для персонажей «вневременные костюмы». Необычная прическа главной героини (М. Солонь) — высветленные до белизны волосы, свободно падающие на плечи, и пуловер главного героя (Жан Маре) — быстро вошли в моду.

В послевоенный период продолжал активно работать в кино, на его счету появились такие известные фильмы, как «Пасторальная симфония» (1946, реж. Ж. Деланнуа), фильм-опера «Травиата» (1947, реж. К. Галлоне), хорошо известный в СССР фильм «Пармская обитель» (1948, реж. Кристиан-Жак), «Легенда о Фаусте» (1948, реж. К. Галлоне), «Калиостро» (1949, реж. Орсон Уэллс, продюсер Григорий Ратов). Фильмы 1945–1949 годов снимались в Италии, так что Анненков в эти годы жил в основном в Риме.

Самым значительным эпизодом послевоенного периода художник считал свое сотрудничество и дружбу с режиссером Максом Офюльсом. Он работал как художник по костюмам в его фильмах: «Карусель» (1950), «Удовольствие» (1951), «Мадам де…» (1953), «Лола Монтес» (1955), оформил спектакль «Женитьба Фигаро» в Гамбургском театре. Вместе с Офюльсом была начата работа над знаменитым фильмом «Монпарнас, 19» (1958, реж. Ж. Беккер, ) с Жераром Филипом в роли Амадео Модильяни.

Полная фильмография Анненкова насчитывает около 60 фильмов. В 1945 он стал учредителем секции художников по костюмам в Профсоюзе технических работников кинематографа Франции и возглавлял ее до 1955. Последней его работой в кино был фильм «Только не в субботу» (1965, реж. Алекс Жоффе).

В 1967 начал сбор материала о русских в западной кинематографии (artrz.ru).

«Блестящий график и театральный художник Ю. П. Анненков… много и успешно работал в кинематографе, — отмечает эксперт, — оформив классические французские фильмы и снискав заслуженную славу великолепного и тонкого стилиста, мастера изящных и исторически точных костюмов и декораций».

ГЛЮКМАН Григорий Ефимович (1898–1973) Летний пейзаж. Вторая треть ХХ века
Картон, масло. 47,5 × 36

«Летний пейзаж», датируемый экспертом второй третью ХХ века, представляет в каталоге творчество интереснейшего художника Григория Ефимовича Глюкмана (Гликмана).

Григорий Гликман родился в Витебской губернии. До 1917 жил в Витебске, самостоятельно занимался искусством. В 1917–1920 учился в МУЖВЗ (ГСХМ).

В 1920 эмигрировал в Берлин. Входил в берлинское литературное содружество «Веретено» (1922). В 1924 около 9 месяцев работал во Флоренции, изучал средневековое итальянское искусство, затем поселился в Париже, где изменил свою фамилию на Глюкман.

С середины 1920-х занимался преимущественно живописью. Писал портреты, сцены из городской жизни, пейзажи. Особую популярность в 1930-е получили его ню. В Париже познакомился и подружился с известным скрипачом Яковом Хейфецем, который впоследствии собрал наибольшую коллекцию его картин (artrz.ru).

«…Картина представляет характерный для Г. Глюкмана мотив — изображение обнаженной молодой женщины, — отмечает эксперт. — “Ню” в интерьере либо на фоне пейзажа были распространены в творчестве художника.

Исследуемое произведение характерно для зрелого периода творчества художника и, по всей вероятности, было создано в Америке. В 1930-х годах Г. Глюкман работал во Франции, а в июне 1941 эмигрировал в США, жил сначала в Нью-Йорке, а с 1945 — в Лос-Анджелесе, в Беверли-Хиллз. В это время автор много работает в области станковой живописи, обращаясь к своим излюбленным темам — портретам, пейзажам с купальщицами, “ню”, изображениям актрис и балерин, оживленным городским сценам, жанровым композициям. В созданных произведениях прослеживается “фирменный” стиль художника, основанный на сочетании русской реалистической школы живописи и традиций европейских старых мастеров, венецианских колористов и францкзских художников второй половины XVII — XIX века (А. Ватто и Н. Ланкре, Ж.О.Д. Энгра), голландских живописцев и Ханса Гольбейна Младшего. Отсюда четкий рисунок; определенная структура композиции, когда фигуры многих женщин повернуты спиной и затылком к зрителю или даны в пол-оборота; любовь к тонкой многослойной живописи, что требовало долгой и кропотливой работы, так как краски нижнего слоя должны были высохнуть, прежде чем приступить к наложению следующего слоя. Но именно подобный трудоемкий процесс позволил выглядеть полотнам мастера объемными, как бы “светящимися” изнутри, призрачно-иллюзорными, наполненными поэтическим волшебством.

“У Глюкмана есть портреты и картины, в которых чувствуется, что искусству он учился у Ренуара и Дега. Но у Глюкмана совершенно самостоятельный подход к духовной жизни человека. Глюкман — лирический поэт линий и красок, причем лиризм его оригинальный, ни у кого не перенятый. И палитра у него своя, особенная, излучающая радость жизни и насыщенная светом” (В. Завалишин. Памяти Григория Глюкмана // Новое слово. 1973).

Представленная работа происходит из Dalzell Hatfield Galleries (Лос-Анджелес), где начиная с 1944 выставлялся Г. Глюкман. Галерея была расположена в гостинице Ambassador на бульваре Wilshire, ее посещали многие голливудские знаменитости. В 1955 владелица галереи издала книгу о творчестве художника, а в августе 1973 в этой же галерее прошла мемориальная выставка Г. Глюкмана».

Произведения Глюкмана находятся в частных собраниях и в коллекциях многих европейских и американских музеев, среди которых Национальный музей современного искусства, Люксембургский музей и Музей Пти Пале в Париже, Художественный музей Чикаго и др.

Искусство ХХ века

ЧЕРНИХОВ Яков Георгиевич (1889–1951) Памятник. 1927–1930
Бумага, акварель, графитный карандаш. 30 × 24

Акварель Якова Георгиевича Чернихова «Памятник» (1927–1930) опубликована в книге «Основы современной архитектуры» (Л., 1930).

«Чувство, переживаемое нами от удачно решенных конструкций, по своей силе и ценности равносильно тому чувству, которое получается при созерцании предметов искусства высокого качества, — пишет Чернихов. — То прекрасное, что таится в совершенных конструкциях, осознается нами благодаря непосредственному воздействию объектов, сотворенных руками человека. Это в одинаковой степени относится и к сооружениям, и к машинам. На нас действует вся совокупность элементов, собранных в определенной гамме» (Яков Чернихов. Конструкция архитектурных и машинных форм. [Л.], 1931. С. 66–68).

КРЫМОВ Николай Петрович (1884–1958) Весна. 1949
Картон, масло. 12,6 × 17,5

Пейзаж «Весна» (1949) выполнен кистью Николая Петровича Крымова. «В искусстве живописи нужно передавать в правдивых отношениях по свету и цвету природу или выразительность природы. Для этого нужно изучать натуру, приглядываться к выразительности всего, что нас окружает, — как кошка смотрит, например, на птичку, как скупой жадно схватывает монеты и т.д. Идеал, конечно, будет, когда соединится и первое и второе, так как будет и верность отношений тонов, правдиво передающих природу, в смысле чисто живописном, плюс выразительность всего, что на картине передано. Это как раз то, что нужно», — писал художник (krimov.ru).

«Изобразительный мотив — небольшой пейзажный этюд, написанный с натуры, типичный для творчества художника, — указывает эксперт. — С 1928 по 1958 год художник регулярно приезжал из Москвы в Тарусу, где исполнил множество подобных зарисовок и картин.

Н. П. Крымов — автор теории тональной живописи, в своем позднем творчестве, к которому относится экспертируемый этюд, уже смело применяет эту методику, сохраняя при этом свежесть живописного впечатления и фактурность живописи. Для него было важно наблюдать природу, работать с натуры и точно передавать ее состояния. Художник работает быстрыми мазками, которые формируют пространство и очерчивают формы изображения. Чередуя корпусные и полупрозрачные мазки, Крымов создает узнаваемую фактуру красочного слоя. Колористическое решение строится на многообразии оттенков зеленого: от теплого охристого к глубокому изумрудному. Зелень звучит на фоне ясного белесо-голубого неба и лиловой полосы на горизонте».

СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович (1926–1973) Деревня Боровая. 1958
Картон, масло. 24,7 × 33,6

К раннему творчеству Владимира Фёдоровича Стожарова относится небольшой картон «Деревня Боровая» (1958).

Стожаров — выпускник Суриковского института (1945–1951), ученик Д. К. Мочальского, Г. К. Савицкого, В. В. Почиталова. Заслуженный деятель искусств РСФСР, член-корреспондент Академии художеств СССР, лауреат Государственной премии РСФСР им. И. Е. Репина. Член союза художников СССР с 1954.

Мастер деревенского пейзажа, поэт Русского Севера, Стожаров уже в раннем творчестве определил ведущую тему всего своего творчества — тему русской природы, деревни и быта. В 1946–1950 годах, будучи студентом института, он каждый год приезжал в Костромскую и Ярославскую области. И после, с 1955 по 1959 год, ежегодно выезжал в Кострому и Ярославль. «В Костромской и Ярославской областях есть места, где мало железных дорог, города редки и среди нетронутой человеком природы раскинулись деревни с сохранившимся во многом старинным укладом жизни. Сюда, где живет его многочисленная родня, художник ездил постоянно», — пишет в альбоме «Стожаров» (М., 2006) искусствовед Галина Кириллова. Знал он эти места с детства, чувствовал их, именно отсюда — все его стога, овины и стада.

«Следуя указанной автором датировке (1958) и месту (Боровая), данный этюд также можно отнести к серии работ из этих поездок, — отмечает эксперт. — Деревня Боровая расположена на берегу реки Которосли в Ярославской области. На этюде представлен солнечный летний день. Вид на деревню открывается сверху, с пригорка. На дальнем плане виднеется река.

<…> Быстрый натурный этюд написан широкими мазками, создается выразительная фактура живописной поверхности. Направление мазка формирует объемы и очерчивает силуэты (домов, деревьев и холма, облаков). Работая с цветом, художник замешивает краски на самом этюде. Он использует теплые, немного приглушенные и более естественные оттенки зеленого, охристого, ясного голубого, лилового, кирпично-рыжего. Стожаров работает на картоне без грунта, что позволяет автору включить цвет основы в общее колористическое решение».

КРЫЛОВ Порфирий Никитич (1902–1990) Тырново. Ворота и дорога на Царевец. 1959
Холст на картоне, масло. 22 × 34,5

Небольшой холст «Тырново. Ворота и дорога на Царевец» (1959) представляет творчество Порфирия Никитича Крылова.

Знаменитый карикатурист, художник группы «Кукрыниксы» Порфирий Крылов был тонким и чутким графиком и живописцем. Самостоятельное творчество художника было посвящено пейзажу. Он много работал на пленэре, особенно в любимых местах — в Туле, на родине, в Ясной Поляне, на Оке, на озере Сенеж, в Поленово, Костроме. Во время поездок писал пейзажи Крыма, Кавказа, природу Италии, Франции, Болгарии.

В его пейзажах редко встречаются фигуры людей, но человек негласно присутствует: в образах деревенских домов или стогов. Для П. Н. Крылова природа — самостоятельный и самодостаточный персонаж.

Пейзаж «Тырново. Ворота и дорога на Царевец» (1959) написан в болгарском городе Велико-Тырново. Крепость Царевец располагалась на одноименном скалистом холме высотой 206 м, который огибает река Янтра. Стены болгарской крепости возведены поверх старых византийских построек. На территории крепости находились царские палаты и Дворец патриарха болгарской церкви. Новая крепость долгое время оставалась неприступной, но в конце XIV века ею завладели турецкие войска, разрушившие город и укрепления. Руины крепости сохранились до настоящего времени и стали местной достопримечательностью (ru.wikipedia.org).

НОВИКОВ Тимур Петрович (1958–2002) Пингвины. 1992
Бумага черная, шелкография. 60 × 60 (лист), 40 × 40 (изображение)

Минималистичен пейзаж на одной из самых известных шелкографий Тимура Петровича Новикова «Пингвины» (1992) — черно-белой, стильной, изящной. Эта работа, как и другие его тиражные вещи, вышла из его коллажей, из стремления к знаковости изображения. «Силуэты очень маленькие — не знаки, а значки; их малость делает громадным возникшее пространство, — писала искусствовед Любовь Гуревич о коллажах Тимура Новикова. — Художник доходит до предельного минимализма: на одном полотнище один значок: солнце, лебедь, рыба. Карликовые изображения… тиражируют… прием, примененный Малевичем в “Красной коннице”. К Малевичу, а также к иконе в окладе отсылает и квадрат в квадрате… В этих работах были простота и элегантность, с утверждением неоакадемизма утраченные». Вот — точное описание и нашей работы, и впечатления, производимого ею: простота и элегантность.

ЕГЕЛЬСКИЙ Денис Евгеньевич (1963) Архистратиг Михаил. Из серии «Городская скульптура Петербурга». 1994
Картон, авторская смешанная техника. 76 × 57

Автор картона «Архистратиг Михаил» из серии «Городская скульптура Петербурга» (1994) Денис Евгеньевич Егельский родился в 1963 году в Ленинграде. Учился в Хореографической академии им. А. Я. Вагановой в Ленинграде (1973–1977). В 1978 начал заниматься изобразительным искусством в студии Игоря Тюльпанова, редкого профессионала в среде «неофициальных художников», ставших известными после выставки в ДК «Невский». В конце 1980-х вошел в «Клуб друзей Маяковского». Один из основателей Новой Академии Изящных Искусств (len-sovet.ru).

В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

Творчество шестидесятников

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Диван. 1971
Шелк, акрил, смешанная техника. 63 × 91,5

Юрий Леонидович Купер — живописец, график, сценограф, автор объектов и инсталляций, творчество которого получило международное признание, а работы выставляются на ведущих площадках мира. Произведения автора находятся в собрании Третьяковской галереи, Метрополитен музея, Библиотеки Конгресса США, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Национального фонда современного искусства в Париже, а также во множестве отечественных и зарубежных частных коллекций.

Большинству зрителей Купер известен лаконичными натюрмортами, на которых запечатлены простые предметы — часто старые, отслужившие свой век вещи, которые в его произведениях как бы обретают вторую жизнь. Он также использует характерную монохромную приглушенную палитру: «Я люблю свет, а не цвет, — много пишу в оттенках серого», — говорит Купер. Указанные стилевые особенности работ художника сближают их на идейном уровне, с одной стороны, с минимализмом, а с другой — с направлением «арте повера».

Живопись на шелке «Диван» (1971) отражает характерные черты художественного почерка Купера. В работе узнается приглушенный колорит со сложными градациями серебристо-серых оттенков, ставший визитной карточкой мастера. Старый серый диван и призрачная женская фигура погружены в дымку, растворяющую контуры запечатленных объектов. Название работы подчеркивает, что Купера интересует в первую очередь именно жизнь вещей — в данном случае дивана, который также имеет свою историю и, возможно, не менее интересную, чем человеческая (Мария Беликова).

Читайте о художнике на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Цветок на окне. 1989
Бумага, гуашь. 48,5 × 70,3 (в свету)

Узнаваемый, изящный, нежный — гуашевый «Цветок на окне» (1989) Владимира Игоревича Яковлева. «Написанные им цветы трудно назвать натюрмортами, скорее, быть может, портретами цветов или их образами-символами», — писал о Яковлеве арт-критик Сергей Кусков (art-critic-kuskov.com).

В истории отечественного современного искусства творчество Владимира Яковлева предстает своеобразным мерилом колористического мастерства и индивидуальной экспрессии. Его творческий поиск совпадал с тенденциями современного европейского искусства (в особенности немецких «новых диких»), а естественность художественной манеры отчасти обусловлена болезненной инфантильностью и почти полной потерей зрения на протяжении многих лет. Начав с абстрактных работ в технике ташизма, к концу 1950-х годов в живописи Владимира Яковлева появляются цветы и портреты; никогда не с натуры, всегда — отражение внутренних образов и переживаний. Цветы впоследствии стали «визитной карточкой» художника во всех смыслах: не только самая узнаваемая серия работ, но и глубокий отпечаток сугубо личного — почти символический портрет (Сергей Попов, искусствовед, pop/off/art).

Художник, интуитивно-непосредственный, в творчестве которого главенствуют чувства и эмоции, — таким предстает Владимир Яковлев, чье искусство трудно определить в строгих категориях направления или стиля. Скорее всего, в нем можно увидеть очень самобытного отечественного художника-экспрессиониста.

Заметим, что порою при первом беглом и достаточно поверхностном знакомстве с творчеством Яковлева возникает искушение (на основе некоторых наивно-инфантильных интонаций его искусства и выразительных «неправильностей» его рисования) увидеть в нем приметы примитивизма. Но такая точка зрения нам представляется ошибочной. При всей, быть может, наивной душевной открытости личностного склада Яковлева это отнюдь не «наивный», а раннезрелый, эстетически и профессионально искушенный мастер. Все его деформации для знающего взгляда выдают мастерство рисовальщика, владение композицией и тонко развитую культуру живописца, к тому же, как известно, осведомленного в истории искусства, в том числе по тем временам актуального.

Яковлев… творил на едином дыхании, по ту сторону рассудочной рефлексии и осознанно привлекаемых культурных реминисценций. В искусстве Яковлева (если отвлечься от утонченности его живописного мастерства, как и от тревожного драматизма, характерного для его мироощущения) можно было бы усмотреть проявление почти детской наивности-открытости.

Однако, учитывая укорененность Яковлева в большой художественной культуре, его осведомленность в современном искусстве, трагические обстоятельства его жизни, уместнее говорить не о детскости или инфантилизме (свойственных наивному искусству), а скорее о каком-то первозданно-свежем, чистом, освобожденном от всего наносного мировосприятии.

Кажется, что Яковлев вышел к некоей высшей Простоте как особой форме изощренного артистизма, художественной маэстрии (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Лестница на Монмартре. 2017
Холст, масло, коллаж. 92 × 73,5

Большой эмоциональный холст Оскара Яковлевича Рабина «Лестница на Монмартре» (2017), вероятно, один из последних крупных холстов художника и одна из самых пронзительных работ последнего периода жизни и творчества мастера. Синюю чашку с ромашками (она есть сразу на нескольких холстах этого времени) Рабин отнес подальше от яркой кричащей красотки в ноутбуке. Колорит коллажной девицы резко контрастирует с рабинской палитрой, а экран ноутбука отбрасывает чужой розовый отсвет на окружающие предметы.

Рабинская палитра — ее «почти монохромная серо-коричневость обманчива: в колористике Рабина главная роль безоговорочно отдана оттенкам. Он практически вылепливает ими объемы и пространства своих картин таким образом, что написанное начинает буквально светиться изнутри переливчато-перламутровым, ртутным светом. Оттенки эти настолько тонкие, что их практически невозможно воспроизвести в самых лучших репродукциях или на мониторах. Искусство Рабина — одно из тех редких явлений, которое, чтобы постигнуть его в полной мере, надо видеть вживую, собственными глазами» (artinvestment.ru).

«… Как всякий подлинный художник, Оскар Рабин, используя приемы тех или иных школ, создал собственный, ни на кого не похожий стиль, нашел особый ключ к раскрытию образа России. Этот ключ — бытовая символика, предметы из обихода, из повседневной жизни, вынесенные на передний план холста. Предметы самые разные — рыбы, газеты, рубашки, коты, водочные бутылки, скрипки — и вроде бы самые обычные. Однако всегда, беря тот или иной предмет, Рабин превращал его в предмет-символ, придавал ему второй смысл, вторую функцию, дополнительную к основной обыденной, а порой даже от нее отличную. И оттого эти символы обретали особую силу. И оттого они — обыкновенные (подумаешь, невидаль — рыба на газете “Правда”!) — каждый раз смотрелись наново и неожиданно.

“В России, — говорит он, — зрители чувствовали мою символику и потому безошибочно определяли ее суть. А тут [во Франции] разные люди воспринимают мои символы по-разному, каждый видит свое, во Франции нет такого четкого, как в Союзе, разделения: вот — добро, вот — зло, вот — черное, вот — белое...”» (Александр Глезер, artwork2.com).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Оскар Рабин».

КАНДАУРОВ Отари Захарович (1937) Без названия
Холст на картоне, наклеенный на картон, масло. 48 × 33 (холст на картоне); 49,2 × 34 (картон)

Не датирована работа «Без названия» Отари Захаровича Кандаурова. Предположительно, она представляет собой копию фрагмента картины Эль Греко «San Francisco en éxtasis» («Экстаз Святого Франциска», ок. 1600–1605, холст, масло, 194 × 150), находящейся в музее Museo Cerralbo (Мадрид, Испания, culturaydeporte.gob.es)

Творчество художников XXI века

КЛАВИХО-ТЕЛЕПНЕВ Владимир (1962) Рената у камина. 1997
Тираж 3 экземпляра. Экземпляр № 1
Бумага, фотопечать. 80 × 96,5

К проекту «Русские красавицы в образе кинодив 20-х — 40-х годов» относится фотография «Рената у камина» (1997) современного мастера фотографии Владимира Клавихо-Телепнева.

«Главную идею проекта сам автор кратко характеризует так: “Это художественное кино, действие которого происходит в 20-х — 40-х годах прошлого века, сконцентрированное в одном кадре”. В одном этом кадре в сжатом виде выражается целое сценарное содержание фильма, прослеживается стиль произведения и, несмотря на разыгрываемую в кадре роль, раскрывается психологическая суть и личность портретируемого.

Выполненные в монохромной гамме фотопортреты известных в России представительниц разных видов искусства, а среди них есть писательницы, актрисы, балерины, художницы, фотографы, дают психологическую расшифровку сразу двух людей, а именно образа героини фильма, с одной стороны, и личности самой исполнительницы этой роли — с другой.

Все персонажи этой серии являются для автора не просто красивыми женщинами, но и состоявшимися личностями в разных сферах искусства и других видах интеллектуальной деятельности. Все они — музы фотографа, вдохновляющие его самого как творческую личность.

И еще одна важная деталь: всегда очень трудно передать эмоциональное состояние, возникающее между фотографом и портретируемым, а именно состояние диалога, те неуловимые живые связи и флюиды, которые затем материализуются, приобретая объем и плотность, так явственно различимые в фактуре фотографий. И нужно подчеркнуть, что автору это блестяще удается.

В серии “Кинодивы” представлены фотопортреты Илзе Лиепа в образе культовой фигуры русского искусства начала ХХ века Иды Рубинштейн, кинокритика Кати Мцитуридзе в духе воспоминаний об актрисе Вере Холодной, режиссера, сценариста и актрисы Ренаты Литвиновой в стилистике изображения женщины в искусстве Третьего рейха.

В результате такого художественного подхода возникает уникальное сценарное насыщение кадра, создается запоминающийся зрительный образ с раскрытием психологического портрета самого персонажа и исполняемой им роли» (clavijo.ru).

ПЕТРОВ-ГЛАДКИЙ Владимир Николаевич (1948–2017) Возвращение с сенокоса. 2002
Холст, акрил, масло. 33 × 55

Автор холста «Возвращение с сенокоса» (2002) Владимир Николаевич Петров-Гладкий профессионального художественного образования не получил, однако вписал свое имя в историю искусства второй половины ХХ — начала XXI века. Ученик В. Я. Ситникова, он создал свой стиль, который называли «метафизическим реализмом» и «фантастическим реализмом», стал одним из ярких участников известной в 1970–80-х группы «20 московских художников», стилистически разных, но объединенных пониманием творчества как свободы делать «чистое искусство».

Продолжая поиски русской философской и религиозной мысли конца XIX — начала ХХ века, художник воплощал на холсте умозрительные пространства, переосмысляя старую европейскую и русскую культуру. Он чертил свои образы, где есть ангелы и средневековые красавицы, боги греческих и антропософских мифов, портреты жен дипломатов и светских львиц, которые появлялись словно на поверхности театрального занавеса, а за ним «белый шум», мерцающая поэзия невыразимого.

Петров-Гладкий — один из русских современных художников, чье творчество оказалось не только востребовано за рубежом, но и вписано в европейскую историю искусства. В 90-х годах в Вене состоялась встреча художника с основателем школы «венского фантастического реализма» Эрнстом Фуксом, признавшем в нем одного из носителей созданного им течения.

Если в том, что касается содержания, творчество Петрова-Гладкого шло по пути переосмысления европейского и русского художественного наследия, то сама его манера — трансформация уроков, полученных от своего учителя Василия Ситникова, фигуры уникальной по силе воздействия на своих современников. Художник «перевел» ситниковское ощущение нетленной красоты повседневной жизни в чувственное барокко мазков, в вибрирующее свечение красок и линий (gallery-nagornaya.com).

ПЕППЕРШТЕЙН Павел Викторович (1966) Альбом «The Gun & The Heart» («Пистолет и Сердце»). 2010
Бумага Tiepolo — Fabriano, литография. 50 × 70 (каждый лист)
Тираж 49 экземпляров, пронумерованных арабскими цифрами + авторские экземпляры. Экземпляр № 12

Альбом «The Gun & The Heart» («Пистолет и Сердце») (2010) Павла Викторовича Пепперштейна — настоящая детективная киноистория, переданная средствами печатной графики. В составе альбома: титульный лист, 8 листов литографий, оригинальная упаковка в виде белой пластиковой коробки с крышкой. Альбом отпечатан по оригинальным рисункам, специально созданным для этой серии, в типографии Stamperia Carini (коммуна San Giovanni Valdarno, Италия) с алюминиевых пластин / 8 цветовых прогонов (шаги по цвету от светло-серого до чёрного).

ДУБОСАРСКИЙ Владимир Ефимович (1964), ВИНОГРАДОВ Александр Александрович (1963) Тихий час. 2010–2012
Холст, масло. 145 × 195

Сложившийся еще в 1990-е годы творческий тандем Александра Виноградова и Владимира Дубосарского, авторов двухметрового холста «Тихий час» (2010–2012), стал одним из самых успешных художественных проектов на отечественной сцене современного искусства. Разработав оригинальный эклектичный стиль, основанный на соцреализме, совмещенном с эстетикой поп- и соц-арта, художники создают ироничные произведения, в которых обыгрываются образы как из советской истории, так и из современной массовой культуры и рекламы. По словам куратора и критика В. Мизиано, этот яркий дуэт двух авторов «с исчерпывающей емкостью воплотил постсоветскую эпоху — владевшие ею фантазмы, осознанные или вытесненные, определявшие ее идеологемы, воспринятые программно или же бессознательно» (kandinsky-prize.ru).

Работы Виноградова и Дубосарского подчас обладают галлюциногенным эффектом: чистые яркие цвета, жизнерадостный живописный стиль, переплетающиеся фигуры, полные эротических подробностей сцены, знаки почитания массовой культуры и панорамные многосоставные холсты. Художники делают все, чтобы создать вокруг зрителя атмосферу необарокко: впечатляющие сюжеты наполнены солнечным светом и блеском (Валентин Дьяконов, sxn.io).

Их картины стали отражением целых эпох — постсоветских 1990-х и гламурных 2000-х. Совмещая российские и западные медийные образы, используя цитаты из соцреалистической живописи, Виноградов&Дубосарский создавали ироничные, театральные сюжеты, напоминающие условную «русскую фантазию». В 2010-х художники вернулись к реальности: обратились к повседневным уличным сюжетам (vladey.net).

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Осенний букет. 2020
Холст, масло. 80 × 60

«Я часто пишу людей, у которых не видно лиц. Картина не должна все рассказывать. Что-то должно быть скрыто, иначе не интересно» (portal-kultura.ru), — говорит Наталия Игоревна Нестерова, автор холста «Осенний букет» (2020).

Наталия Нестерова — советский и российский живописец, педагог, академик РАХ, представитель поколения художников-семидесятников, искусство которых отличал напряженный поиск собственного стиля. Для произведений Нестеровой характерны монументальность форм, пастозность живописного мазка, а также лирическо-меланхолические интонации. В работах художницы обнаруживается диалог с модернистским наследием, в особенности с произведениями М. Ларионова, Н. Гончаровой, А. Руссо, Н. Пиросмани, развивавших традиции наивного искусства (Мария Беликова).

Золотая осень. Воздух чистый и прозрачный. Видно далеко-далеко. Золотой свет заливает все кругом. Еще тепло, листья в лесу с шорохом льются золотым дождем, они шуршат, сухо шелестят, и кажется, что где-то негромко звучит челеста… Героиня держит обеими руками огромную охапку листьев, он закрывает лицо женщины. Это будет длиться всего несколько мгновений: забыв обо всем, она вдыхает горький холодный запах.

Одновременно с 402-м AI Аукционом открыт 88-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Юрия Бабича, Константина Батынкова, Марии Буртовой, Анатолия Горяинова, Дмитрия Горячкина (группа «ДаДим»), Юрия Григорьева, Михаила Ермолова, Александра Кацалапа, Бориса Кочейшвили, Валерия Кошлякова, Андрея Мунтяна, Дамира Муратова, Шамиля Надрова, Ирины Раковой, Романа Рахматулина и Тимофея Смирнова.

Всем желаем удачи на 402-м AI Аукционе и 88-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.