В каталоге 20 лотов: семь живописных работ, пять листов оригинальной и два — печатной графики, четыре работы в смешанной технике и два альбома

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 390 и 76-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 390-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 31 июля, в 12:00.

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

КОНДРАТЕНКО Гавриил Павлович (1854–1924) Тризна. Вариант картины. Конец XIX — начало XX века
Холст, масло. 61 × 97,8

Гавриил Павлович Кондратенко родился в семье крепостного крестьянина в селе Павловское Пензенской губернии. Учился в ИАХ (1873–1882) сначала в качестве вольнослушающего в классе исторической живописи у К. Ф. Гуна, с 1875 — постоянным учеником в пейзажном классе у М. К. Клодта. За период учебы неоднократно награждался малыми и большими серебряными медалями. В 1881 за «пейзаж по собственному выбору» получил малую золотую медаль. В 1882 выпущен из Академии со званием классного художника 2-й степени за картину «Ночь в Бахчисарае».

Жил в Петербурге (Петрограде — Ленинграде). Будучи учеником ИАХ и после ее окончания ежегодно путешествовал по югу России, Кавказу, Крыму (создал большое количество красивейших крымских пейзажей и видов Воронцовского дворца в Алупке), часто посещал Италию, бывал в Греции. Работал преимущественно как пейзажист, писал натюрморты, занимался иллюстрацией. В 1880 за картину «Заглохший парк» получил первую премию по ландшафтной живописи Общества поощрения художеств. В 1880-х исполнил серию из двадцати пейзажей и картин, связанных с лермонтовскими местами в Москве и на Северном Кавказе.

Активно выставлялся. Участвовал в выставках в залах ИАХ, Общества поощрения художеств, Московского общества любителей художеств, на Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде (1896), Всемирной выставке в Париже (1900), выставке картин петроградских художников всех направлений (1923). Был членом и экспонентом Санкт-Петербургского (Петроградского) общества художников, а также Общества художников им. А. И. Куинджи. Устраивал благотворительные выставки.

Датируя картину «Тризна» концом XIX — началом XX века, эксперт отмечает, что она «посвящена историческим событиям Древней Руси: киевская княгиня Ольга правила Русью после восстания древлян и убийства ими в 945 году ее мужа, князя Игоря. Княгиня Ольга расправилась с древлянами и сожгла их главный город Искоростень.

Из биографии Г. П. Кондратенко известно, что он создал цикл картин, посвященный княгине Ольге. Им было написано около ста картин. В цикл входили пейзажи местностей, связанных с княгиней Ольгой, а также картины, отображающие исторические события ее правления. Выставка цикла состоялась в Академии наук. Часть картин была опубликована на открытых письмах Общины Святой Евгении. Известен другой вариант картины Кондратенко с тем же сюжетом».

СОМОВ Константин Андреевич (1869–1939) Le Livre de la Marquise. Recueil de Poesie et de Prose. [Книга Маркизы. Сборник поэзии и прозы]. Venise,Chez Cazzo et Coglioni, 1918. [2], VIII, 252 cтр.,[8], 2 л. фронт, 31 л.л. цветных и черно-белых иллюстраций
Бумага, офорт. 25,8 × 20 × 4,5
Тираж 50 экземпляров

Идея «Книги маркизы» принадлежит австрийскому переводчику, эссеисту, издателю порнографических журналов Францу Блею, составившему хрестоматию эротической литературы «галантного века» (фрагментов сочинений Казановы, Андре Шенье, Вольтера, Парни, Кребийона-младшего, Шодерло де Лакло).

Константина Андреевича Сомова, известного своим искренним интересом к французской куртуазной культуре XVIII столетия, пригласили выступить иллюстратором и общим оформителем издания. Выбор оказался верным — Сомов блестяще справился с поставленной ему задачей: не опустившись до порнографии, он смог передать атмосферу чувственности и эротизма, пронизывающую весь сборник. Общая работа над книгой, вышедшей в трех изданиях, заняла у Сомова более 15 лет.

Представленное на аукционе издание, третье по счету, так называемая «Большая Маркиза», вышло в свет в 1918 году в петербургском издательстве «Голике и Вильборг» (чтобы избежать скандала, издатели разместили на титульном листе вымышленное название венецианского печатного дома Chez Cazzo et Coglioni). Сомов лично участвовал в подборке материала для антологии, включив в нее анонимные, непристойные песенки, анекдоты и даже полицейские протоколы, фиксировавшие примеры аморального поведения. Именно эта книга содержит все рисунки Сомова, не пропущенные немецкой цензурой в первое издание 1907 года, а также созданные дополнительно специально для текущего издания. Отталкиваясь от сюжетно-композиционных ходов своих известных «галантных сцен», Сомов создает серию виртуозно выполненных рисунков, украсивших этот провокационный сборник. В книге можно найти как штриховые и силуэтные рисунки, так и цветные акварели. Последние представляют собой линеарные плоскостные композиции, где изящество линии сочетается с тщательной проработкой деталей и богатой колористической насыщенностью. Есть здесь и множество интимных, чувственных и сладострастных сцен, происходящих за закрытыми дверями частных апартаментов. Читатель книги словно сам украдкой подглядывает за этими откровенными шалостями, часто не лишенными юмора и гротеска. В издании яркое воплощение получила эстетизация непристойного и перверсивного, что соответствует в целом сюжетным линиям европейского декаданса рубежа веков в духе О. Уайльда, Ж.К. Гюисманса. Помимо откровенных сцен, в издании можно найти и вполне пристойные сюжеты, разворачивающиеся в парках, на балах-маскарадах, где кавалеры деликатно ухаживают за дамами, не нарушая нормы общественной морали. Книга прославила мастера на всю Европу, став библиографической редкостью еще при жизни Сомова (Мария Беликова).

Искусство художников Русского Зарубежья

ДЕЛОНЕ Соня (1885–1979)
Sonia Delaunay : ses peintures, ses objets, ses tissus simultanés, ses modes / préface d’André Lhote ; poèmes de Cendrars, Delteil, Tzara, Soupault. Paris : Librairie des Arts Décoratifs, [1925]

Соня Делоне — французская художница и дизайнер украинского происхождения, представитель абстракционизма и ар-деко, имевшая тесные связи с русской художественной средой. Вместе с мужем Робером Делоне является создателем направления симультанизма (орфизма). При всем разнообразии видов искусства, материалов, техник, неизменной в творчестве художницы оставалась ее приверженность к геометрической абстракции.

Альбом содержит 20 работ Сони Делоне, созданных в период 1915–1925  в технике пошуара (трафаретной печати), и был опубликован в связи с ее участием в Выставке декоративного искусства в Париже в 1925 году. Обложка выполнена в строгом конструктивистском стиле: живописная плоскость поделена на сетку из блоков локального цвета, а лаконичная цветовая гамма построена на ритмичном чередовании бежевого, черного, серого и красного цветов. Сами же рисунки созданы в узнаваемой стилистике художницы, не делавшей различий между изобразительным и декоративным искусством и переносившей на повседневные, функциональные предметы принципы симультанизма, «в основе которых лежат цветовые соотношения, возникшие во взаимодействии контрасты, диссонансные гармонии» (rusavangard.ru).

В орнаментах, эскизах тканей, одежды и оформлении книг Делоне активно использует цветовые контрасты для создания иллюзии глубины, движения и перспективы. В сборник вошли также иллюстрации (так называемые «платья-стихотворения»), созданные к стихотворениям поэтов Жозефа Дельтейя, Блеза Сандрара, Тристана Тцары и Филиппа Супо, близких друзей супругов Делоне. Предисловие к изданию написал выдающийся французский художник и писатель Андре Лот (Мария Беликова).

ПОЖИДАЕВ Григорий Анатольевич (1894–1977) Эскиз костюмов к спектаклю The Jealous Mistress. Вторая половина 1920-х
Бумага верже с водяными знаками, акварель, белила, графитный карандаш. 47,5 × 62 (в свету)

Автор эскиза костюмов к спектаклю The Jealous Mistress (вторая половина 1920-х) Григорий Анатольевич Пожидаев оставил Россию не ранее 1921 года — об этом свидетельствуют документы из архива семьи балетмейстера К. Я. Голейзовского, который работал с Пожидаевым в Москве. Сначала он жил и работал в Бухаресте, Праге, Берлине, Вене, а в 1925 году поселился в Париже. «Эскиз костюмов для постановки спектакля The Jealous Mistress хорошо узнаваемый пример театрального творчества Г. И. Пожидаева, — отмечает эксперт. — Эскиз исполнен стильно, мастерски, с пониманием сценических и режиссерских задач, характера постановки. Возможно, что исследуемый эскиз костюмов предназначался для одного из спектаклей парижского кабаре “Фоли-Берже”, с которым Г. А. Пожидаев сотрудничал в 1926–1927 годах».

БОГДАНОВ-БЕЛЬСКИЙ Николай Петрович (1868–1945) Мальчики на лошади. 1930-е — начало 1940-х
Холст, масло. 72 × 61,5

Николай Петрович Богданов-Бельский — русский художник-передвижник. Писал жанровые картины, создал сотни образов крестьянских детей, пейзажи, портреты. Его работы хранятся в крупных музейных собраниях, но, видимо, большая часть творческого наследия художника находится в частных коллекциях по всему миру.

Родился будущий художник в деревне Смоленской губернии. «Поскольку он был внебрачным сыном крестьянки, то выбрал себе фамилию-псевдоним Богданов, а вторая часть фамилии — по названию родного уезда — добавится в 1905 году, при получении художником звания академика. Впоследствии живописец так вспоминал об этом: “Мою простонародную фамилию как бы облагородил сам государь, вписав ее собственноручно в диплом через дефис — Бельский”» (pravoslavie.ru).

Учился в двухклассном училище, затем в народной школе. По инициативе и на средства профессора Московского университета С. А. Рачинского, заметившего способности мальчика к рисованию, был определен в ученики к иконописцу Троице-Сергиевой лавры иеромонаху Симеону.

Сделаем небольшое отступление… Образование, известность, признание, поездки, заказы, встречи, выставки по всему миру — всего этого не было бы в жизни художника, если бы мальчишку, незаконного сына крестьянки, не заметил и не поддерживал много лет совершенно посторонний человек — Сергей Александрович Рачинский (1833–1902). «В своих воспоминаниях Н.П. Богданов-Бельский писал: “…на дорогу меня вывел Рачинский. Учитель жизни. Я всем, всем ему обязан”» (pravoslavie.ru).

Учился в МУЖВиЗ у В. Д. Поленова, В. Е. Маковского и И. М. Прянишникова; в 1889 был удостоен серебряной медали и получил звание классного художника. В 1894–1895 продолжил образование в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ в мастерской И. Е. Репина. В 1895 уехал в Париж, два года занимался живописью в студии Ф. Кормона и рисунком в Школе Ф. Коларосси.

Жил в Петербурге, совершил поездки в Константинополь, на Афон, в Крым. Путешествуя по Европе, посетил Мюнхен, Берлин, Рим, Милан, Флоренцию, Венецию, Вену. Регулярно выезжал для работы в село Татево Смоленской губернии, где имел собственную мастерскую.

Активно экспонировался. В 1905 был удостоен звания академика. В 1910 вступил в общество А. И. Куинджи, позднее председательствовал в нем. В 1914 избран действительным членом Академии художеств.

После революции 1917 года принял решение эмигрировать из большевистской России и по приглашению своего друга, известного живописца Сергея Виноградова, в 1921 году переехал жить в Ригу. С этого времени началась новая глава его творчества длиною в двадцать лет (1921–1941). Богданов-Бельский продолжил активно участвовать в выставках русского изобразительного искусства за границей. В эмиграции тематика его работ не претерпела значительных изменений, и он продолжал создавать идиллические во многом сцены с крестьянскими детьми на фоне тихой русской природы.

Полотно «Мальчики на лошади» создано в рижский период творчества художника и датируется, согласно экспертному заключению, 1930-ми — началом 1940-х годов. Светлая и яркая палитра работы передает атмосферу спокойствия и тихой радости. Герои работ Богданова-Бельского, далекие от городской жизни, привязанные к земле, сохранившие свою непосредственность, гармонично сосуществуют с миром природы. Для художника, находящегося вдали от России в годы ее стремительных преобразований и разрушения патриархального быта, эти произведения были еще и ностальгией о прошлом его родины, безвозвратно утерянном (Мария Беликова).

Прекрасный рассказ о жизни художника и его работах читайте здесь.

Искусство ХХ века

ЗДАНЕВИЧ Кирилл Михайлович (1892–1969) Летний пейзаж. 1930–40-е
Бумага, синий карандаш, темпера. 38 × 54 (в свету)

К 1930–40-м годам эксперты относят темперу «Летний пейзаж» Кирилла Михайловича Зданевича, одного из крупнейших представителей русского художественного авангарда. В творчестве Зданевича нашли свое отражение черты кубизма, футуризма, народного искусства, неопримитивизма. В стилистике последнего выполнен наш городской пейзаж, в котором предстают дома и улочка старого Тбилиси, родного города художника (родился в небольшом селе близ Тифлиса), в котором он провел большую часть жизни. Зданевич учился в Петербурге в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ (курса не окончил), там, сблизившись с Михаилом Ле Дантю, Михаилом Ларионовым и Наталией Гончаровой, участвовал в авангардных выставках, подписал манифест «Лучисты и будущники». Путешествуя с Ле Дантю по Кавказу, познакомился с Нико Пиросманишвили и занимался популяризацией его творчества в Петербурге и Москве. Несколько лет жил в Париже, вернулся с началом Первой мировой войны, после демобилизации жил в Тбилиси, Константинополе, посетил Париж. В 1920-х принимал активное участие в деятельности грузинских футуристов, занимался разработкой теорий «оркестровой живописи» и «всёчества». В Тбилиси был арестован, осужден, и вернулся в родной город после освобождения и реабилитации.

ТЕЛЯКОВСКИЙ Всеволод Владимирович (1894–1963) Молодая женщина или барышня на балу. Эскиз костюма. 1950-е (?)
Бумага, акварель, графитный карандаш. 27 × 16,6

Театральную графику в каталоге представляет изящный эскиз женского костюма Всеволода Владимировича Теляковского — русского, советского художника, театрального декоратора, знатока истории костюма.

Родился Всеволод Теляковский в театральной семье: его отец — знаменитый русский театральный деятель Владимир Аркадьевич Теляковский, последний директор Императорских театров (1901–1917). Мать — Гурли Логиновна Теляковская, художник-любитель, помогала Александру Головину и Константину Коровину работать над эскизами костюмов для спектаклей Императорских театров, выполняя рисунки костюмов для второстепенных персонажей постановок.

С детства он увлекался рисованием. «Странно, при таком разнообразии красок ни одной колористической ошибки», — говорил о его детских работах Александр Головин, который вместе с Константином Коровиным обучал мальчика искусству. Художники часто бывали в доме у директора Императорских театров, летом приезжали в его имение Отрадное Ярославской губернии.

По окончании гимназии, по совету своих учителей, Всеволод Теляковский поехал продолжать обучение в Париж, где поступил в Академию Рансона, учился у М. Дени и Ф. Валлотона. С началом Первой мировой войны вернулся в Петербург, в 1916 году был мобилизован в армию, рядовой. После демобилизации в 1918 году работал в Мариинском театре помощником у Александра Головина. В 1924 году уволен из театра по сокращению. Работал преподавателем декоративной живописи в Государственной Архитектурном институте (1924–1927), художником по разовым договорам в различных организациях, театрах и т. д. (1927–1935).

После убийства С. М. Кирова, в марте 1935 года был выслан вместе с женой из Ленинграда как социально чуждый элемент и сын царского сановника в город Атбасар в Казахстане. Почти год проработал в Атбасарском театре. Служил художником-постановщиком в Государственном академическом театре оперы и балета им. Абая (1936–1938, 1941–1946), создал декорации к русским операм и балетам, произведениям западной классики; главным художником Актюбинского областного драматического театра (1938–1941) и Алма-Атинского ТЮЗА (1946). Участвовал в оформлении Казахского павильона на ВДНХ — выполнил большое панно и другие работы (1950–1952).

В мае 1961 вернулся в Ленинград. Всю жизни собирал материалы для так называемой «Костюмной книги» — практического пособия для художников-декораторов, в которой подробно нарисовал и описал костюмы народов мира на протяжении большого периода времени (не издана). 346 листов рисунков «Костюмной книги» и подробное описание к ним хранятся в Санкт-Петербургской государственной Театральной библиотеке (ru.wikipedia.org).

Театральный рисунок Всеволода Теляковского позволяет соприкоснуться с творчеством человека высокой культуры и очень интересного театрального художника. Возможно, новому владельцу эскиза удастся установить, когда именно и к какому спектаклю он был сделан.

ГАПОШКИН Владимир Илларионович (1907–1961) Зима в Подмосковье. 1960
Холст, масло. 99 × 149

Единственная зимняя композиция в каталоге — большой пейзаж «Зима в Подмосковье» (1960) Владимира Илларионовича Гапошкина, мастера пейзажа и исторических полотен.

Владимир Гапошкин — живописец, театральный художник, искусствовед, педагог — родился в Евпатории, учился в Запорожской школе искусства и ремесла (1926–1927), московском ВХУТЕИНе у С. Герасимова, Д. Кардовского, И. Рабиновича (1927–1930), окончил Институт пролетарских изобразительных искусств (ИНПИИ) в Ленинграде (1931). Член Союза художников СССР (1934). Участник Великой отечественной войны.

Жил и работал в Ярославле (с 1931), преподаватель (1930-е) и директор (1936–1937) Ярославского художественного училища; был председателем правления Ярославского Союза художников (1937–1941). С 1941 жил в Москве.

С 1929 года участник выставок: областных (Ярославль, Кострома, Иваново, Углич), зональных, республиканских и всесоюзных. В 1939 в Москве совместно с А. А. Чуриным провел персональную выставку. В 1949 участвовал во Всесоюзной художественной выставке (Москва).

Работы художника находятся в музейных собраниях, в том числе в Центральном музее современной истории России (Москва), Ярославском государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике (Ярославль), Алтайском краеведческом музее (Барнаул), Чувашском государственном художественном музее (Чебоксары) и в частных коллекциях.

Написал около сотни статей по теории искусства (unionart76.ru).

ПОПКОВ Виктор Ефимович (1932–1974) Без названия (Братск. Овраг). 1960 (?)
Бумага, гуашь. 47 × 29

Гуашь «Без названия (Братск. Овраг)» — одна из ранних работ Виктора Ефимовича Попкова. Работа не датирована, но, предположительно, именно она упомянута под названием «Этюд» (Бумага, гуашь. 48 × 30. Выставка «На таежных стройках», 1960, Москва) в списке графических произведений художника за 1960 год в альбоме В. С. Манина «Виктор Ефимович Попков (Убиенный художник Виктор Попков)».

Многочисленные поездки молодого художника по стране начались еще в годы учебы. Они очень многое дали ему и в творческом, и в человеческом плане: он проехал от Севера до Сибири, посетил Белоомут, целинные земли в Казахстане, стройки Братской и Иркутской ГЭС, побывал в Архангельске и Ферапонтово, ездил на Белое море и в северные области страны, на Мезень, на строительстве трассы Абакан — Тайшет и др.

МЕЖБЕРГ Лев Леонидович (1933–2007) Натюрморт с головой лошади. 1992
Картон, акрил. 39 × 81

Кисти Льва Леонидовича Межберга принадлежит большой «Натюрморт с головой лошади» (1992). «Михаил Шемякин, человек не очень щедрый на похвалу, назвал Льва Межберга “лучшим колористом в современной мировой живописи”.

Одесский художник — это определение очень точно характеризует суть умонастроений Льва Межберга, который для американских галеристов был Лео Межберг, а для одесситов — навсегда Люсик» (odessa-memory.info).

В 1950 году Лев Межберг окончил детскую художественную школу, поступил в Одесское художественное училище к педагогу Дине Михайловне Фруминой. В. Голубовская писала: «В самом конце пятидесятых годов — первая персональная выставка Люсика Межберга на Большой Арнаутской угол Белинского, в доме художников, в маленьком выставочном зале. В политическом климате — оттепель. А на картинах Люсика — воздушных, залитых светом, солнцем, впитавших уроки импрессионистов и южнорусской школы, — вибрирует, трепещет, переливается сочными мазками, тончайшими цветовыми нюансами одесская весна, одесское лето!» (odessa-memory.info).

В 1973 году художник уехал в США. Через несколько лет работами Л. Межберга заинтересовались американские галереи, его картины продавались на аукционах (в базе аукционных результатов AI содержится информация о 78 аукционных событиях). Он был первым зарубежным художником, чья выставка была показана в Белом доме. Позже Межберг переехал в Италию, в Каррару, где проработал много лет, до конца жизни.

Творчество шестидесятников

РАБИН Оскар Яковлевич (1928–2018) Без названия (Кот). 1962
Бумага, тушь, фломастер. 25,2 × 31

Редкую раннюю графику Оскара Яковлевича Рабина представляет тушевый рисунок «Без названия (Кот)» (1962).

«…Как всякий подлинный художник, Оскар Рабин, используя приемы тех или иных школ, создал собственный, ни на кого не похожий стиль, нашел особый ключ к раскрытию образа России. Этот ключ — бытовая символика, предметы из обихода, из повседневной жизни, вынесенные на передний план холста. Предметы самые разные — рыбы, газеты, рубашки, коты, водочные бутылки, скрипки — и вроде бы самые обычные. Однако всегда, беря тот или иной предмет, Рабин превращал его в предмет-символ, придавал ему второй смысл, вторую функцию, дополнительную к основной обыденной, а порой даже от нее отличную. И оттого эти символы обретали особую силу. И оттого они — обыкновенные (подумаешь, невидаль — рыба на газете “Правда”!) — каждый раз смотрелись наново и неожиданно.

“В России, — говорит он, — зрители чувствовали мою символику и потому безошибочно определяли ее суть. А тут [во Франции] разные люди воспринимают мои символы по-разному, каждый видит свое, во Франции нет такого четкого, как в Союзе, разделения: вот — добро, вот — зло, вот — черное, вот — белое...”» (Александр Глезер, artwork2.com).

Строй лианозовских бараков с освещенными окнами на первом плане, вьются печные дымы, снежное покрывало на крышах — все производит довольно мирное впечатление, которое нарушает огромный, ростом с барак, кот — один из рабинских предметов-символов и источник напряжения всего рисунка.

ПРИГОВ Дмитрий Александрович (1940–2007) Динамика бога. Стадия IV (The Dynamic Of The God. Stadium IV). 1993
Бумага, шелкография. 78,7 × 61,4 (лист), 59,2 × 41,8 (изображение)

Единственная в каталоге работа представителя следующего поколения второго русского авангарда — семидесятников — тиражный лист «Динамика бога. Стадия IV» (1993) Дмитрия Александровича Пригова.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Композиция с зеленым кругом. 2010
Холст, акрил, игральные карты, коллаж. 100 × 100

«Композиция с зеленым кругом» (2010) Владимира Николаевича Немухина относится к тому «уникальному циклу произведений» художника, «в которых он блестяще перерабатывает, цитирует и переосмысливает наследие мастеров русского авангарда 1910–20-х годов, органично включая в их композиции свои любимые карточные пасьянсы и ломберные столики, — отмечает эксперт. — В данной, конкретной работе отчетливо прослеживается влияние наследия строгих и лаконичных композиций Л. М. Лисицкого».

Немухин всегда исходил из двоякой природы карт. Карта, воспринимаемая, с одной стороны, как вещь, как элемент предметной реальности, с другой — как прямоугольная геометрическая фигура, с помощью которой можно выстраивать умозрительные композиции, оторванные от повседневного восприятия, — своего рода абстрактные натюрморты. «Заявляя карту как эстетический феномен, я старался дистанцироваться от присущей ей бытовой символики, хотя сознавал, что полностью игнорировать ее невозможно. В повседневном, вещественном мире карта являет собой одновременно и вещь, и игру, и уникальное средство коммуникации, позволяющее соединить друг с другом различные социально-культурные типы», — писал Немухин.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Тюльпан
Фанера, акрил, смешанная техника. 63 × 89

В уникальной авторской технике выполнен недатированный акрил «Тюльпан» Юрия Леонидовича Купера, своего рода портрет цветка. В творчестве художника подобные «портреты» тюльпанов образуют довольно большую серию, объединяемую, пожалуй, лишь удивительной нежностью и изяществом «моделей». Белые, розовые или желтые, вертикальные, лежащие или согнутые — цветы на «портретах» невероятно многолики и, вне сомнений, выставленные вместе, составили бы уникальную по красоте и разнообразию экспозицию, в которой наша работа заняла бы свое достойное место.

Читайте об авторе на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Без названия (Атлеты (?))
Бумага, цветная литография. 60,8 × 38,4 (лист в свету), 50,9 × 35 (изображение)
Тираж 300 экземпляров. Экземпляр № 111

Не датирована, но, очевидно, выполнена уже после эмиграции в США (1976–1977) тиражная цветная литография «Без названия (Атлеты (?))» Эрнста Иосифовича Неизвестного. Работа подписана и маркирована автором.

Творчество современных художников

ЧХАИДЗЕ Омар Валерьянович (1944) Бегство в Египет. 1983
Холст на картоне, масло. 36,2 × 36,2

В 1983 году написана композиция «Бегство в Египет» Омара Валерьяновича Чхаидзе — трогательное и очень деликатное авторское воплощение одного из самых драматических сюжетов в мировой истории.

ЦЕРЕТЕЛИ Зураб Константинович (1934) Без названия. 2005–2008
Бумага, шелкография, тушь, графитный карандаш. 89,3 × 62

Необычная композиция «Без названия» (2005–2008) Зураба Константиновича Церетели выполнена в смешанной технике, с использованием туши и графитного карандаша, на основе известной авторской шелкографии, возможно, непосредственно к персональной выставке его графики «Эротика» в московской галерее «Файн Арт» (2008), где она экспонировалась.

Искусствовед Фёдор Ромер писал о выставке: «Церетели занимает прежде всего сама игра линий, спонтанно рождающаяся в процессе рисования… а влюбленные слияния тел в какой-то “гимнастической” иконографии — очень хороший повод для подобной каллиграфии. К тому же к своей натуре он относится с чисто грузинским юмором. Достаточно взглянуть на картинку (кстати, чуть ли не единственную цветную на выставке), где здоровенная деваха держит на поднятых руках субтильного мужика. <…> Более того, рисунки Церетели (может быть, даже в отличие от его живописи и скульптуры) выдают хорошую художественную школу и профессиональное мастерство. Разглядывая их, сразу вспоминаешь графику Пикассо или Матисса, тоже неоднократно баловавшихся эротическими мотивами. Вообще это очень «французистая» серия — не столько по тематике (хотя кто лучше француза понимает в науке любви?), сколько по изящной стилистике. Несколько парадоксальной, поскольку герои Церетели как всегда отличаются кавказской витальной корпулентностью и лишены аполлоновской грациозности. Лица их условны, а вот формы вполне материальны.

Церетели вообще художник, скажем так, хтонический, телесный, любящий цвет, фактуру, масштаб и размах, и не только в монументах, но и в картинах. Так что понятно, отчего родились эти эротические рисунки, типичные для него и одновременно обаятельно оригинальные, непохожие по своей легкости на прочее, столь привычное и хорошо известное всем нам его творчество» (museum.ru).

ХАМДАМОВ Рустам Усманович (1944) Без названия (Девушка с перчатками). 2009
Бумага, акварель, пастель. 57,8 × 40 (в свету)

Рисунок «Без названия (Девушка с перчатками)» (2009) — работа Рустама Усмановича Хамдамова.

«...Редкостно одаренный, с шлейфом загадочности, манящей незавершенности, Хамдамов существует в сознании современников скорее как образ, миф, сотканный из отблесков виденного, чем реальная фигура...» (Зоя Богуславская, fergananews.com).

«Когда я возвращался из Москвы в далекие времена моих первых приездов в Россию, у меня с собой всегда были драгоценные рисунки Рустама Хамдамова. Я вез и показывал их Висконти, Феллини, Антониони, и они восхищались вместе со мной… Ему дан талант милостью Божьей — дар художника, режиссера, дизайнера. А главное — он человек глубокой тайны» (Из интервью Тонино Гуэрра газете «Русская мысль», Париж, 23 октября 2003, bersoantik.com).

«Рустам Хамдамов — одна из самых таинственных личностей в современном искусстве России. …Даже те, кто его ругает, имеют в “закромах” пару-тройку его рисунков. Хамдамов превосходный стилист и чрезвычайно талантливый рисовальщик. Кажется, что он рисовал всегда. Однако систематического художественного образования Хамдамов не получил, был и остается самоучкой (что тренированный взгляд быстро обнаруживает в его работах), но уровень таланта настолько высок, что легко справляется с недостатками» (Вступительное слово издателя к альбомам Рустама Хамдамова, bersoantik.com).

Художник создал множество подобных тушевых женских портретов. Его дамы очень разные — загадочные, забавные, ироничные, веселые, холодные, изящные, трогательные, наивные девушки и женщины-вамп. Они всегда элегантны, как будто сошли с киноафиш Серебряного века, но каждая из них обладает своим настроением, а авторское перо несколькими штрихами передает отношение художника к модели: влюбленность, любование, восхищение, теплый беззлобный юмор, а иногда и иронию, едва не доходящую до сарказма.

Холоден взгляд нашей сегодняшней героини. «Она очень сильная, но достаточно мудрая, чтобы не всегда это показывать. А еще колкая, по-своему душевная, глубокая и непростая. Она красивая, изящно и аккуратно одетая и безумно соблазнительная. В общем, если сравнить ее с героиней из недорогого романа, она по-настоящему “роковая”, прямо по канону, соответствует всем описаниям.

Есть такая категория женщин. С тяжелым взглядом. С огромным жизненным опытом, легкой долей скепсиса и внутренней верой в чудеса. Но без мужчины...» (cosmo.ru)

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Рустам Хамдамов».

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Кислород. 2018
Холст, масло. 100 × 80

«Кислород» (2018) — одна из самых первых работ так нашумевшего и ставшего знаменитым Радостного периода творчества Люси Вороновой.

Совершенно неожиданная для начала 2018 года концептуальная работа с говорящим названием «Кислород» — это буквальный образ глотка свежего воздуха для Люси, открывающий дорогу к новому художническому видению автора и новому этапу творчества. Геометрический образ, едва ли не впервые появившийся в этой картине в качестве ключевого элемента композиции, в последующих работах Люси обрел постоянное место, геометрические фигуры находят себя практически в каждом ее произведении.

«Кислород» (2018) — это первый опыт художницы в самостоятельном оформлении произведения. Рама, раскрашенная Люсей вручную, — неотъемлемая часть работы (Георгий Воронов).

АРХИПЕНКО Даниил Александрович (1985) Наблюдатель. 2020
Бумага, масло. 56,8 × 36

Живописная работа Даниила Александровича Архипенко из серии «Наблюдатель» (2020) завершает рассказ о текущем аукционе.

«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).

Одновременно с нашим штатным 390-м AI Аукционом открыт 76-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Галины Дулькиной, Ильи Евдокимова, Александра Кацалапа, Игоря Кислицына, Владимира Ковальчука, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Александра Курилова, Олега Ланга, Андрея Медведева, Андрея Мунтяна, Ирины Раковой, Яны Ческидовой.

Всем желаем удачи на 390-м AI-Аукционе и 76-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.