В каталоге 20 лотов: одиннадцать живописных работ, семь листов оригинальной и один — печатной графики и одна работа в смешанной технике

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 384 и 70-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 384-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 18 июня, в 12:00.

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

ЯРОШЕНКО Николай Александрович (1846–1898) Окраина села. Пейзаж с овином (Этюд). 1881
Дерево, масло. 16,2 × 25,5

Кисти Николая Александровича Ярошенко принадлежит этюд «Окраина села. Пейзаж с овином» (1881) — как указывает эксперт, «натурное произведение, характеризующее ряд особенностей живописной манеры Н. А. Ярошенко 1870–80-х годов».

Родился Николай Ярошенко в 1846 году в Полтаве в семье отставного генерал-майора, который хотел, чтобы старший сын продолжил военную карьеру и не придавал особого значения художественному таланту мальчика. С 1855 учился в полтавском Петровском кадетском корпусе. В 1863 вместе с родителями переехал в Петербург, продолжил образование в Павловском военном училище (1863–1864) и в Михайловском артиллерийском училище (1864), которое окончил в числе лучших учеников. В 1867–1870 учился в Михайловской артиллерийской академии. С 1870 руководил штамповальной мастерской на Петербургском патронном заводе. В 1892 вышел в отставку в чине генерал-майора.

Наряду с военной службой занимался искусством. Первоначальное художественное  образование получил в Петровском кадетском корпусе у бывшего крепостного Ивана Кондратьевича Зайцева (1805–1887). В начале 1860-х брал частные уроки живописи и рисования у Адриана Марковича Волкова (1829–1873), благодаря которому познакомился с кругом художников и литераторов, сотрудничающих в сатирическом журнале «Искра». Посещал вечерние классы Рисовальной школы Общества поощрения художников, где учился у И. Н. Крамского, и занятия в ИАХ (1867–1873). Летом 1874 вместе с Крамским работал на станции Сиверская под Петербургом. С 1874 был организатором так называемых «ярошенковских суббот» на Сергиевской улице в Петербурге, которые были популярны в среде демократической интеллигенции. Неоднократно бывал на Украине и Кавказе, совершил поездку по Уралу.

С начала 1880-х годов неоднократно с художественными целями путешествовал по Кавказу и Закавказью; посетил Тифлисскую, Кутаисскую и Бакинскую губернии, Сванетию, Абхазию, Осетию, Чечню, Кабарду, Дагестан, Теберду и другие живописнейшие местности этого края. Результатом поездок стали многочисленные горные пейзажи и портреты различных народностей, населяющих Кавказ.

В 1885 приобрел усадьбу в Кисловодске, жил в ней летом и осенью. В 1895–1896 путешествовал по Италии, Ближнему Востоку.

В 1875 году Ярошенко дебютировал на 4-й Передвижной выставке с картиной «Невский проспект». Годом позже он вступил в члены Товарищества и сразу же был избран в правление. Оставался его ведущим представителем вместе с Иваном Николаевичем Крамским. Более 10 лет Ярошенко после смерти учителя был его преемником и выразителем его идей. Крамского называли «разумом» передвижничества, а Ярошенко — его «совестью».

Эксперт отмечает, что «характер изобразительного мотива и время создания… пейзажа позволяют предположить, что он мог быть создан Н. А. Ярошенко" в Калужской губернии.

В 1880-х годах художник часто гостил у своего брата В. А. Ярошенко в имении Степановское-Павлищево близ Калуги, где, по воспоминаниям воспитанницы супругов Ярошенко П. И. Васильевой, неизменно много работал. <…>

Наиболее полно пейзажные этюды мастера разных лет были представлены на “Посмертной выставке И. И. Ендогурова, И. И. Шишкина и Н. А. Ярошенко”, состоявшейся в С.-Петербурге в 1898 году. (К сожалению, нынешнее местонахождение подавляющего большинства экспонированных этюдов, выполненных художником в Калужской губернии, в окрестностях Петербурга и во время поездок по Волге и на Урал, неизвестно)».

ВАСНЕЦОВ Аполлинарий Михайлович (1856–1933) Берег моря. 1890-е (1896 (?))
Холст на картоне, масло. 17,5 × 37,6

Аполлинарий Михайлович Васнецов, автор небольшой живописной композиции «Берег моря» (1890-е (1896 (?)), не получил профессионального художественного образования, однако не только сумел достичь вершин живописного мастерства, но и стал одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX — начала XX века. Художник семнадцать лет преподавал в пейзажном классе МУЖВЗ, был одним из основателей и, впоследствии, руководителей Союза русских художников. Вдохновенный наблюдатель старины, Аполлинарий Васнецов долгое время занимался охраной памятников Москвы, с поразительной точностью запечатлевал их в своих произведениях.

Эксперты отмечают, что натурный этюд «Берег моря» (1890-е (1896 (?)) стилистически (по характеру мотива, композиции, колорита) близок к работе Аполлинария Васнецова «В горах Кавказа» 1896 года: «именно в этот год художник создал серию натурных этюдов, послуживших основой известных кавказских пейзажей».

Подробный и интересный рассказ о жизни и творчестве художника, а также о ценовых и маркетинговых показателях рынка его произведений читайте на AI: «Художник недели: Аполлинарий Васнецов».

КИСЕЛЁВ Александр Александрович (1838–1911) Летний день. Конец XIX — начало XX века
Холст на картоне, масло. 21,4 × 34,9

Живописная композиция «Летний день», датируемая концом XIX — началом ХХ века, являет собой характерный образец зрелого творчества Александра Александровича Киселёва.

Живописец-пейзажист, активный участник выставок передвижников, академик Императорской академии художеств, Киселёв развивал в своем творчестве лирическое направление пейзажной живописи и внес большой вклад в становление пейзажного жанра в России во второй половине XIX — начале ХХ века.

«В летние месяцы, — отмечает эксперт, — А. А. Киселёв много путешествовал и работал на пленэре. Камерные деревенские пейзажи передавали тонкие натурные наблюдения художника в русле передвижнической традиции».

В пейзаже «Летний день» Киселёв изобразил тихий уголок русской природы, типичный для средней полосы России. На картине запечатлен солнечный день конца лета или начала осени, о чем свидетельствуют желтые участки поля, преобладающие над зелеными. Деревья и кустарники трактованы как живописная масса и написаны с использованием богатой палитры зеленых оттенков. Большое внимание уделяется эффектам освещения, все пространство наполнено солнечным светом. Пространственную глубину работы подчеркивает уходящая вдаль протоптанная дорожка с акцентированной художником игрой теней. С большой тщательностью выписано небо: Киселёв накладывает много слоев краски, передавая тонкие градации цвета в облаках, что добавляет им осязательности. Светлая и яркая палитра работы создает атмосферу радостного летнего дня (Мария Беликова).

ПОЛЕНОВ Василий Дмитриевич (1844–1927) Лодка. Первая четверть XX века (после 1915)
Дерево, масло. 24 × 30,8

Небольшой этюд «Лодка» Василия Дмитриевича Поленова на доске красного дерева эксперт, по результатам химического анализа, датирует временем после 1915 года.

Тяготение к эпическим пейзажным образам возникло в творчестве художника в начале 1880-х. Источником вдохновения ему служила северная природа Олонецкого края, где располагалось родовое имение семьи Имоченцы (проданное в 1884-м). «Поиски мотивов для пейзажей с широким пространственным разворотом будут продолжены в 1880-е годы и в Абрамцеве, и в Жуковке на Клязьме. В этих произведениях появляются основные характерные элементы сложившегося у художника образа национального пейзажа: река, мерно и величаво несущая свои воды вдоль холмистых, извилистых, покрытых лесами, с заводями и луговинами берегов; уходящие к самому горизонту дали. Реальную возможность для воплощения этого образа Поленов получил, поселившись в 1890 году в имении Бехово на Оке. Именно здесь родится своеобразный тип ”поленовского” лирико-эпического пейзажа. <…>

Поселившись на берегу Оки, Поленов мог полностью отдаться любимому делу — созданию лодочной флотилии. Лодки делались тут же в усадьбе по чертежам и рисункам художника и хранились зимой в “Адмиралтействе”, выстроенном в усадьбе домике. Мотивы с лодками и баржами на реке, изображение лодок на берегу были постоянными сюжетами в живописи художника этого времени», — отмечает специалист по творчеству художника Э. Пастон. (tg-m.ru)

В этюде «Лодка», созданном в поздний период творчества, Поленов вновь обращается к мотиву лодки на реке. Здесь в полной мере проявились талант и мастерство Поленова-пленэриста. Для поздних работ художника характерно особенное внимание к различным состояниям природы, желание запечатлеть едва уловимую изменчивость переходных моментов — и в этюде мы наблюдаем либо начало сумерек, либо, наоборот, рассвет. С тончайшими цветовыми нюансировками трактованы сине-зеленые волны, написанные сложным цветом, пастозно, динамичными мазками, что передает волнение на воде, усиливает атмосферу напряженности. С точностью передано ощущение сырого воздуха, а также пена, которую ветер заносит в лодку. Вдали виднеются розоватые холмы, освещенные солнцем, укрытые наполовину кучевыми облаками. Эпический размах здесь достигается не открывающейся величественной панорамой, какую можно найти на других полотнах Поленова, посвященных видам Оки, а скорее за счет уподобления Оки морю, а холмов, покрытых облаками, — горам. Одинокая романтическая мужская фигура, показанная со спины, сливается с лодкой, образуя с ней единое цветовое пятно. В этом лирико-драматическом этюде в полной мере выразилось обостренное чувство единения человека с миром природы (Мария Беликова).

Искусство художников Русского Зарубежья

ПЕТРОВ Владимир Константинович (1880–1935) Внутренний дворик мечети. Стамбул. 1927
Холст на картоне, масло. 43 × 30,1 (в свету)

Небольшая композиция «Внутренний дворик мечети. Стамбул» (1927) создана кистью Владимира Константиновича Петрова.

Биографические данные о художнике, увы, немногочисленны. В 1911–1914 Петров учился в Тифлисском художественном училище у Н. В. Склифосовского. Учебу прервала Первая мировая война; он участвовал в боях против Германии, затем в Гражданской войне на стороне Белой армии, после поражения которой в 1920 перебрался в Турцию, попал в английский лагерь для беженцев в Тузлах, затем поселился в Константинополе. Приобрел известность как художник архитектуры и декоративных интерьерных произведений. Писал архитектурные пейзажи для интерьеров богатых особняков и отелей. Любил изображать Софийский храм и его интерьеры. Его работы вызывали интерес у иностранных туристов и успешно продавались в 1920–30-е годы.

Работы Владимира Петрова продаются на аукционах по обе стороны океана. В базе аукционных продаж ARTinvestment.RU зафиксированы 62 аукционных события, в том числе продажи на Christie’s и Bonhams.

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Итальянская танцовщица. Эскиз костюма для танца «Тарантелла». Конец 1930-х — начало 1940-х
Бумага, гуашь, графитный карандаш. 34,5 × 24,3 (в свету)

Образец театральной графики в каталоге — музейного значения (как отмечает эксперт) гуашевый рисунок Наталии Сергеевны Гончаровой «Итальянская танцовщица», датируемый концом 1930-х — началом 1940-х годов. Этот яркий эскиз костюма, полный динамики итальянского народного танца тарантелла, происходит из собрания близких друзей художницы — супругов-танцовщиков Михаила и Анны Савицких. В этот период Гончарова тесно сотрудничала с балетными антрепризами и часто исполняла костюмы для сольных выступлений знакомых артистов. По мнению эксперта, этот эскиз костюма «с большой долей вероятности можно отнести к группе эскизов, предназначавшихся для составных дивертисментов, исполняемых во время концертов и состоящих из отдельных “национальных” танцев».

ДОБУЖИНСКИЙ Мстислав Валерианович (1875–1957) Комната в саду. Вариант 1947
Бумага, акварель, графитный карандаш, гуашь. 24 × 18,5

Творчество Мстислава Валериановича Добужинского в каталоге представлено графикой «Комната в саду» (1947). Вариант работы, созданный годом ранее, в 1946-м, был впервые опубликован в книге: Добужинский М. В. Воспоминания / Сост., послесл. и коммент. Г. И. Чугунов. М.: Наука, 1987.

Искусство ХХ века

ЧЕКРЫГИН Василий Николаевич (1897–1922) Композиция на тему «Воскрешение мертвых». 1922
Бумага, графитный карандаш, уголь. 24 × 30,8

Рисунок углем «Композиция на тему “Воскрешение мертвых”» (1922) Василия Николаевича Чекрыгина относится к серии графических эскизов к задуманной им одноименной фреске и создан в последний год жизни художника, который он сам определял как период «исступленного» рисования. Всего к двум фрескам — «Бытие» и «Воскрешение мертвых» — художник создал более 1400 рисунков.

Чекрыгин учился в МУЖВЗ вместе с В. Маяковским и Д.Бурлюком, прошел через увлечение лучизмом М. Ларионова, был известен в московских кругах как участник футуристических выставок и эпатажных шоу. «Вскоре окончательно охладев к абстрактному формотворчеству, Чекрыгин со свойственной ему страстностью вступил в жесткую полемику с супрематистами и конструктивистами, отстаивая завоевания классического искусства.
<…>
В конце 1920 года художник, прочитав сочинения религиозного мыслителя и одного из основоположников русского космизма Н. Ф. Фёдорова, стал преданным последователем его учения. Для философа природа была силой не только рождающей, но и умерщвляющей, поэтому он призывал научиться управлять природными явлениями, чтобы преодолеть голод, болезни и, наконец, саму смерть. Победа над смертью, воскрешение всех когда-либо живших людей и заселение ими других планет должно стать, по Фёдорову, “общим делом” землян. <…> Н. А. Бердяев писал, что оригинальность и сила философии Фёдорова заключались “в его исключительном, небывалом сознании активного призвания человека в мире, в его религиозном требовании активного, регулирующего, преображающего отношения к природе”.

Чекрыгина потрясли мысли философа о регуляции природных процессов и заселении Вселенной людьми. “Читаю Николая Фёдорова, московского философа, — писал он. — Его мысли совпали с моими <...> Воскрешение умерших, но не Воскресение. Воскрешение активное, нами, сыновьями умерших отцов. А не пассивное ожидание чуда Воскресения <...>. Воскрешенными отцами будут заселены звезды, ход которых будет регулирован общей волей всех живущих...”. Вслед за Фёдоровым художник остро осознал феномен смерти как главную проблему человеческого существования, и у него родился небывалый замысел — создание монументальной росписи на тему “Воскрешение мертвых”. В пяти эскизах 1921 года, которые, очевидно, должны были стать композиционным центром среднего пояса фрески, он создал выразительную картину всеобщего спасения. Образно воплощая мысль философа о воскрешении всех людей, а не только праведников, Чекрыгин изобразил все фигуры в бурном движении: либо восстающими, либо еще только освобождающимися из плена смерти. Мастерски используя выразительный язык графики — линию, пятно, контраст света и тени, — художник нашел адекватное пластическое выражение федоровскому методу воскрешения, согласно которому ученые будут пользоваться лучистыми энергиями, возникающими от вибраций молекул. По Фёдорову, именно свет, исходящий от молекул, будет иметь решающее значение, и художник также уделяет большую роль свету: он не только исполняет в его рисунках формообразующую функцию, но и выступает как символ духовного преображения, “одухотворяет” возникающие из небытия фигуры воскресших, которые художник наделяет весомой материальностью. В другой группе рисунков он, пытаясь создать “очищенный образ просветленной плоти”, использовал тончайшие градации черного цвета, добиваясь удивительной прозрачности, эфемерности фигур, населяющих Вселенную Фёдорова. Ученый верил, что человеческое существо, прежде только взиравшее на небо, рано или поздно станет “пловцом” во Вселенной. Для второй половины XIX века это было абсолютно утопическое высказывание, но оно оказалось пророческим. <...>

Федоровский проект всеобщего спасения был высказан Чекрыгиным ярко и убедительно языком пластического искусства. Его рисунки, исполненные в технике мягкого прессованного угля и графита, покоряют совершенством. Благодаря своей динамичной манере, основанной на красоте гибких плавных линий и глубокой мерцающей светотени, он добивался удивительной живописности изображения. Характерно, что Чекрыгин рассматривал все им созданное в последние два года жизни как фрагменты фрески — так страстно он стремился к большой монументальной форме, способной отразить всю гармонию мироздания. Жегин (Л. Ф. Шехтель (Жегин) — друг художника и соученик по МУЖВЗ. — AI.) вспоминал: “Отношение к пространству, композиции, цвету и самой фактуре — все изобличало в нем душу великого мастера фрески <...> О фреске как о своем жизненном деле он говорил уже тогда, отметая все то мелко житейское, что могло бы помешать осуществлению этого «самого главного»”. Цикл “Воскрешение мертвых”, в котором каждая композиция воспринимается как отдельный фрагмент грандиозной настенной росписи, стал главным творческим свершением Чекрыгина» (Елизавета Ефремова, tg-m.ru).

ДЕЙНЕКА Александр Александрович (1899–1969) Лежащая модель. 1-я половина 1930-х
Бумага, тушь, перо. 12,9 × 20,8

Первой половиной 1930-х годов датирован легкий, изящный тушевый рисунок «Лежащая модель» Александра Александровича Дейнеки. Эксперт отмечает, что для музейного собрания рисунок может «представлять интерес как характерный образец вспомогательной графики художника».

ТЫШЛЕР Александр Григорьевич (1898–1980) Эскиз костюма к спектаклю «Мистерия-буфф» Московского театра Сатиры. 1956
Московский театр Сатиры. 1957
Бумага, графитный карандаш, гуашь, акварель. 40,6 × 28

Спектакль «Мистерия-буфф» по пьесе Владимира Маяковского главный режиссер Театра Сатиры Валентин Плучек поставил в 1957 году в оформлении Александра Григорьевича Тышлера, создавшего, в частности, чудесный графический «Эскиз костюма» (1956) к этой постановке. Судя по владельческой надписи, эскиз был подарен художником Лиле Брик, а от нее перешел к поэту Андрею Вознесенскому. Вот такая поэтическая преемственность в этом небольшом рисунке: из рук той, которая была любовью и музой поэта-громовержца и автора «Мистерии-буфф» в 1930-х, — к тому, чей голос звучал не так громко, но ярко, честно и чисто в 1960-х и так же отвечал мечтам и надеждам целого поколения.

ГЕРАСИМОВ Сергей Васильевич (1885–1964) Осень. 1963
Холст, масло. 51 × 61

К 1960-м годам, позднему периоду творчества выдающегося русского пейзажиста Сергея Васильевича Герасимова, относится живописная композиция «Осень» (1963), выполненная в жанре натурного пейзажа, широко распространенного в творчестве автора. Работа, как отмечает эксперт, отличается «характерными для мастера импрессионистическим подходом, экспрессивным мазком, ярким и сложным колоритом».

Творчество шестидесятников

СИДУР Вадим Абрамович (1924–1986) Мужчина и женщина. 1971
Бумага, фломастер, тушь. 32 × 24

В 1971 году выполнен фантазийный парный портрет «Мужчина и женщина» Вадима Абрамовича Сидура. В отличие от многих лаконичных и даже, можно сказать, минималистичных рисунков художника и скульптора, где законченный образ создавался несколькими линиями, в нашем сегодняшнем рисунке тщательно проработаны многочисленные детали странных, но очень выразительных лиц.

«Сидур всегда дает возможность узнать сюжет, но, когда начинаешь присматриваться, в его работах обнаруживается какая-то неоднозначность, они призывают зрителя к диалогу, — писал Карл Аймермахер, немецкий ученый-славист, друг Сидура и куратор его московского музея. — Некое отчуждение, преувеличенность жеста — все это дает каждому возможность интерпретировать их по-своему» (jewish.ru).

Читайте о художнике на AI: «Хиты аукционов ARTinvestment.RU. Вадим Сидур. Спрос, цены, инвестиции».

МАСТЕРКОВА Лидия Алексеевна (1927–2008) Портрет художника Владимира Немухина. 1975
Бумага, гуашь. 59,5 × 42

Автор «Портрета художника Владимира Немухина» (1975) Лидия Алексеевна Мастеркова — единственная женщина в знаменитом «Списке Гробмана» — перечне единомышленников, словами Гробмана, художников «героического периода» Второго русского авангарда, «полностью ушедших от советской “культуры” изгоев, живших независимой эстетикой и отличными от стандарта концепциями (сюда же вплеталась не приемлемая официальным миром асоциальность)». Работы Мастерковой конца 1950-х — 1960-х годов — это и искрящиеся моцартовские цветовые симфонии, и мощные органные цветовые фуги. Середина 1970-х — это период, когда прекрасный, свободный колорист Мастеркова все чаще отказывалась от цвета в пользу монохромных работ.

Известно довольно много портретов Владимира Немухина работы Анатолия Зверева, в творчестве Лидии Мастерковой этот портрет тоже не единственный. Портрет — яркая, сильная, композиционно точная и очень эмоциональная вещь. Более того, это вещь фигуративная, да к тому же еще и скульптурный портрет с элементами натюрморта. Большая редкость!

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Снежное поле. 1978
Холст, масло. 27 × 45,8

Тончайший колорит отличает масло «Снежное поле» (1978) Александра Васильевича Харитонова.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

Этот пейзаж синтезирует традиции нескольких направлений отечественной истории искусства. С одной стороны, перед нами панорама с характерными видами средней полосы России, отсылающая к лирической пейзажной живописи в духе Саврасова, одного из любимых художников Харитонова. Ощущение бескрайности просторов русской природы передано за счет расширения пространственных рамок композиции, что придает пейзажу «эпическую широту», характерную и для многих саврасовских полотен. С другой стороны, общее колористическое решение работы — мерцающая серебристо-голубая дымка, покрывающая всю поверхность картины, и приглушенная палитра отсылают к произведениям русских художников круга «Голубой розы». Примечательно, что большую часть произведения занимает безграничное небесное пространство, переданное художником при помощи мельчайших тональных градаций. Несмотря на то, что в работе отсутствуют религиозные образы, часто встречающиеся в подобных картинах Харитонова (ангелы, святые), его пристальное внимание к изображению «мира горнего», вносит в полотно космическое измерение, расширяя таким образом жанровые рамки произведения вплоть до возможности его религиозно-философского прочтения и позволяя двигаться в его восприятии от пейзажа к картине всего мироздания (Мария Беликова).

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Праздник Флоры. 1983
Холст, масло. 107 × 93

«Хотелось запечатлеть быстротечность и театральность нашей жизни. Я совершенно не заботился ни о стиле, ни о модных исканиях в живописи. Всё возникало спонтанно, виденное однажды преломлялось в воображении», — писал Вячеслав Васильевич Калинин, автор метрового холста «Праздник Флоры» (1983).

Флора, пожалуй, идеальный персонаж для художника, картины и графика которого наполнены множеством сцен и деталей. Флора — буйное цветение, Флора — праздник жизни! Женщина в легком, полупрозрачном платье сидит на лавочке, ее длинные пышные волосы вплетены в роскошный венок из цветов и трав, изящная туфелька с небольшим каблучком соскользнула с ножки, обнажив тонкую ступню, руки унизаны кольцами. Рядом с ней на земле лежит белая роза, а на лавочке — что-то тонкое кружевное… И даже мраморный путти украшен венком из живых цветов.

Образ — воплощение женственности автор пишет в скверике на Болотной площади, совсем рядом с Софийской набережной, где в коммуналке прошло его детство и где все ему знакомо до последней тропки и камешка — и кинотеатр «Ударник», и водоотводный канал, и мост, и фонтан, и огромные вазоны, и мощные столбы с гроздьями фонарей. Место действия в «Празднике Флоры» исключительно важно. Место детства — знак искренности.

При всей узнаваемости авторской манеры Калинина, очевидной театральности, «карнавальности» в осмыслении действительности, которыми окрашены его работы, в «Празднике Флоры», похоже, нет ни привычной калининской сатиры, ни гротеска. Как Волшебник в «Обыкновенном чуде», художник, оставив на время свою иронию, захотел поговорить о любви.

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Вячеслав Калинин».

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Женщина. 1986
Холст, акрил. 101,2 × 77

Эрнст Иосифович Неизвестный, автор метрового холста «Женщина» (1986), синтезировал в своем творчестве классические традиции с экспериментами в сфере пластической выразительности. К живописи он обратился в эмиграции в 1980–90-е годы, и ее следует рассматривать в тесной связи с его скульптурой, в которой он воплощал ключевые образы своего мифотворчества.

«Всякое состояние в искусстве Неизвестного — это акт действия — прямого, физического. Именно в акте действия происходит переформирование людей, животных, предметов; их фантастические формы… продукт того действия, которое свершается в материи образа», — пишет Н. Новиков о характерных чертах художественного видения скульптора (Новиков Н. Эрнст Неизвестный: Искусство и реальность /New York: Chalidze, 1981. С. 33.).

Монументальное полотно «Женщина» (1986) не является исключением. В центре внимания скульптора находится, как всегда, человеческое тело, претерпевающее мучительные трансформации на фоне цветного калейдоскопа абстрактных форм. Яркая палитра работы соответствует поздним живописным произведениям Неизвестного. Художник пишет обобщенный женский образ. При этом женское тело трактовано скульптурно, особенно выделяется правая рука — монументальная и рельефная, с металлическим отблеском, будто бы персонаж отлит из бронзы. Остальные части тела героини изображены менее объемно и выпукло, а местами ее плоть и вовсе истончается, оставляя лишь пустоты, через которые просвечивает абстрактное небесно-голубое пространство. Энергетические вихри в виде бледно-желтых дуг опоясывают фигуру. Создается впечатление, что физическая оболочка скоро полностью растворится и сольется с хаосом первозданных форм. В левом нижнем углу холста из голубого отверстия «в этот мир» выступает чей-то лик — словно смерть одной жизни рождает другую, символизируя цикличность и непрерывность событий в мире (Мария Беликова).

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934) Младенец. Из проекта Международного Олимпийского комитета «Олимпийское столетие». 1992
Бумага Arches, литография. 89,6 × 63 (лист), 60,7 × 49,5 (изображение)
Тираж 250 экземпляров. Экземпляр № 203

Литография «Младенец» (1992) Олега Николаевича Целкова выполнена в рамках международного проекта «Олимпийское столетие» (Olympic Centennial) по заказу Международного Олимпийского комитета в ознаменование столетнего юбилея со дня его основания в 1894 году.

Серия Olympic Centennial объединяет 50 работ художников из разных стран, представляющих самые разные современные художественные тенденции.

Для отбора работ МОК привлек двух известных французских арт-критиков Жерара Ксюригера и Франсиса Парена. Более двух лет понадобилось на составление серии, которая должна была представить всего в 50 работах все многообразие творческих поисков последних пяти десятилетий, от фигуратива до абстракции, от гиперреализма до минимализма, от новой фигуративной школы до абстрактного экспрессионизма, а также геометризма, концептуального искусства и боди-арта. Было решено, что каждый из выбранных авторов должен создать двухмерную работу. Многие из этих художников, понимая значение послания, заложенного в олимпийском движении, отдали дань уважения его духу, оставаясь при этом верными своему авторскому стилю. В работе Олега Целкова легко просматривается остроумная аллегория молодости олимпийского движения, при этом она не лишена иронии и, возможно, представляет собой едва ли не единственный в творчестве автора детский образ.

МОК отпечатал каждую из 50 работ серии тиражом 250 экземпляров. Все литографии пронумерованы и подписаны авторами.

Читайте о художнике на AI: «Инвестиционные идеи на рынке искусства. Мысль № 2. Вложения в работы Олега Целкова».

Творчество современных художников

ГРИГОРЬЕВ Александр Ефимович (1949) Размышление о круге — 1. 1969
Картон, темпера, графитный карандаш, коллаж. 56,5 × 56,5

Коллаж «Размышление о круге — 1» Александра Ефимовича Григорьева создан в 1969 году. Художнику 20 лет, и идет недолгий, но интереснейший период в его жизни — участие в группе русских кинетистов «Движение», возглавляемой Львом Нусбергом.

«Мы дружили, все делили поровну, разбирали работы друг друга. Была интересная жизнь, хотя мы находились в полном одиночестве. Ничем подобным никто вокруг не занимался… До нас уже дошли отрывочные сведения о западном кинетизме — и мы приняли русский эквивалент этого термина: “Движение”» (из интервью Франциско Инфантэ, члена группы «Движение»). «Кинетисты жаждали преодолеть искусство реальных эстетических объектов и статических конструкций. Конструктивисты 20-х годов понимали движение не только как механическое движение, а также как форму восприятия времени и пространства, движение как универсальное положение. Отсюда возник тезис Нусберга, подтвержденный всей группой: “Я хочу работать с электромагнитными полями, со светящимися и пульсирующими концентрациями в пространстве, с различными движениями потоков газов и жидкостей, с зеркалами и оптическими эффектами, с изменениями тепла и запахов … и, конечно, с музыкой”. В тексте программы 1965 года под названием “Что такое кинетизм?” Нусберг определяет кинетический синтез: “…мы требуем использования всех возможностей и средств, как технических, так и эстетических, физических и химических явлений, всех видов искусства, всех процессов и форм восприятия, а также вовлечение психических реакций и влияние различных сенсорных возможностей человека, в качестве средства художественного выражения”» (quartagallery.ru).

Григорьев примкнул к группе в 1967 году (вышел в 1972-м) и успел принять участие в нескольких ее проектах. «Благодаря кинетическим экспериментам открывались новые возможности эмоционального и концептуального видения окружающего, овладение пространством реальным и иллюзорным. Появилось предчувствие нового пластического стиля — выход в пространство, творчески-художественная рефлексия на разнообразные проявления человеческой деятельности» (alegrig.ru).

К тому же периоду относятся его первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты (alegrig.ru), в том числе и наш коллаж «Размышление о круге — 1». Творчество большинства участников группы в нашей стране не очень хорошо известно, тем интереснее и ценнее работа «правильного» периода.

ПРОВОТОРОВ Владислав Алексеевич (1947) Голова. 1980
Холст на оргалите, масло. 91,5 × 74

В 1980 году написана картина «Голова» Владислава Алексеевича Провоторова, ныне протоиерея, а в период создания работы — одного из самых известных и ярких представителей «Двадцатки московских художников».

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Розовые гиацинты. 2009
Холст, масло. 99,5 × 119,5

Работа «Розовые гиацинты» Люси Вороновой относится к одной из самых знаменитых серий — «Цветы на черном». Без этой серии, начатой еще в 2006 году, не обошлась, пожалуй, ни одна выставка за последние 15 лет.

Мы уже привыкли к большому акценту на фон в произведениях Люси Вороновой, однако же здесь его заменяет абсолютно черное пространство, буквально выдавливающее на передний план яркие краски разнообразных цветов.

Что же выделяет работу среди других холстов этой с первого взгляда узнаваемой серии? Пожалуй, провенанс: огромный для своего времени холст (100 × 120) запечатлен сразу в двух больших каталогах Люси Вороновой. Случай крайне редкий, работы, вошедшие в оба каталога, можно в буквальном смысле пересчитать по пальцам одной руки (Георгий Воронов).

Одновременно с нашим штатным 384-м AI Аукционом открыт 70-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В аукционе, получившем название «Династия», собраны работы представителей трех поколений одной семьи: Гурия Захарова, Татьяны Соколовой, Натальи Захаровой, Анастасии Захаровой.

Всем желаем удачи на 384-м AI-Аукционе и 70-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.