В общем каталоге собрано, как обычно, 30 лотов: 20 живописных работ, 5 листов оригинальной графики, 3 работы в смешанной технике, 1 фотография и 1 скульптура из керамики

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 355 и 41-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 355-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 41-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Раздел русского искусства конца XIX — начала ХХ века открывает пейзаж «Закат. Финский залив» (1889) Альберта Николаевича Бенуа.

БЕНУА Альберт Николаевич (1852–1936) Закат. Финский залив. 1889
Бумага на картоне, акварель, белила. 30 × 25

Альберт Бенуа — крупнейший мастер акварельной живописи второй половины XIX — начала ХХ века, художник академической традиции. Он родился в 1852 году в одной из самых знаменитых художнических семей русского искусства, давшей миру знаменитых архитекторов, живописцев, графиков, сценографов. Первоначальное художественное образование получил в домашних условиях, в 1871–1877 учился в ИАХ на архитектурном отделении и одновременно занимался акварелью под руководством Л. О. Премацци, неоднократно удостаивался медалей Академии. В 1877 за программу «Вокзал в парке близ станции» был признан достойным получения большой золотой медали, дающей право на заграничное пенсионерство; однако награды не получил, так как женился во время конкурса, что не допускалось правилами. В том же году выпущен из Академии со званием классного художника-архитектора 1-й степени. В 1883 по приглашению Александра III сопровождал Царскую семью в летней экскурсии по финским шхерам на яхте «Царевна».

После окончания ИАХ сосредоточился на акварельной живописи; принимал участие в академических выставках. В 1883–1885 — пенсионер ИАХ в Италии, Франции, Испании. В 1884 за акварели, выполненные в пенсионерской поездке, был удостоен звания академика.

По возвращении в Петербург назначен преподавателем акварели в ИАХ. С 1894 — действительный член ИАХ. В 1890-х — 1910-х много путешествовал, исполнил пейзажи побережья Финского залива, Кавказа, Поволжья, Северной Африки, Средиземноморья, Сибири, Манчжурии, Китая, Японии, Кореи. Создал обширную серию видов Петербурга и пригородов.

В 1880 стал одним из основателей Кружка русских акварелистов (с 1887 — Общество русских акварелистов). Провел персональные выставки в Петербурге и Киеве.

С 1895 — хранитель Русского музея императора Александра III, на этой должности провел большую работу по систематизации фондов и подготовке их к экспозиции. С 1897 — инспектор по художественной части Департамента торговли и мануфактуры.

В 1918 был назначен заведующим Музеем прикладного искусства Комиссариата торговли и промышленности, участвовал в создании Музея природы северного побережья Невской губы. В 1920 побывал в северной экспедиции Петроградского геологического института, исполнил пейзажи побережья Баренцева моря и Новой Земли. Экспонировал свои работы на персональных и групповых выставках.

В 1924 эмигрировал, поселился в Париже; провел ряд персональных выставок, но признания не добился. Умер в 1936-м в Фонтене-о-Роз под Парижем.

Пейзаж «Закат. Финский залив» (1889) «по всей видимости, написан А. Н. Бенуа непосредственно с натуры, во <время> его отдыха и работы на собственной даче у Финского залива, — отмечает эксперт. — В этой работе хорошо просматривается виртуозное владение А. Н. Бенуа техникой акварельной живописи, его умение мастерски и “живо” передавать настроение и состояние выбранного пейзажного мотива, сделать его возвышенным и одухотворенным, наполнить своеобразной поэтикой».

ДУБОВСКОЙ Николай Никанорович (1859–1918) Закат (Этюд). 1890
Холст, масло. 17 × 26

Пейзаж «Закат (Этюд)» (1890) принадлежит кисти выдающегося русского пейзажиста, продолжателя передвижнических традиций Николая Никаноровича Дубовского.

Николай Дубовской родился в 1859 году в семье потомственного казака. В 1877 году в качестве пенсионера войска Донского поступил в класс пейзажной живописи ИАХ, учился у М. К. Клодта, удостоен нескольких поощрительных серебряных медалей. В 1882-м оставил Академию, не окончив курса.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже занимался портретом. В 1890-х — 1900-х неоднократно совершал поездки на Дон, Азовское море, Волгу, на Кавказ. Летние месяцы часто проводил на этюдах в Силламяэ на Балтийском побережье. Много путешествовал по европейским странам, побывал в Италии, Греции, Турции, Швейцарии, Франции, Германии.

Много экспонировался, в т.ч. был членом и экспонентом ТПХВ. Участвовал во Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде (1896), международных выставках в Мюнхене (1897, 1909), Всемирной выставке в Риме (1911) и других. Был награжден малой серебряной медалью на Всемирной выставке в Париже (1900); а также малой золотой медалью на международной выставке в Мюнхене (1913).

В 1898 «за известность на художественном поприще» был удостоен звания академика. С 1911 — профессор-руководитель пейзажной мастерской Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. С 1910 — действительный член Общества художников им. А. И. Куинджи. Один из организаторов Союза деятелей искусств Петрограда. Коллекционировал живопись и графику русских художников, свою большую коллекцию завещал родному городу Новочеркасску. Оставил большое творческое наследие.

Помимо подписи и даты «Дубовской // 90», как отмечает эксперт, на нашей работе имеются скрытые планками подрамника инициал «Н», а также авторская надпись «№ 431» (обозначающая номер работы по реестру Н. Н. Дубовского) и личный штамп художника «Н. Н. Дубовской». Эксперт указывает, что «характер изобразительного мотива и особенности его художественного воплощения сближают… работу с эталонными этюдами, созданными Н. Н. Дубовским летом 1890 года на побережье Финского залива, в местечке Дубки близ Петербурга.

В наиболее полном списке произведений мастера, составленном его вдовой Ф. Н. Дубовской, под № 431 значится этюд “Закат” 1890 года, соответствующий… работе по размерам и формату. После смерти автора и семейного раздела коллекции его работ этюд хранился в собр. Ф. Н. Дубовской, затем — у сына художника, С. Н. Дубовского, впоследствии был продан наследниками в неустановленную частную коллекцию».

ГОРБАТОВ Константин Иванович (1876–1945) Венеция. Понте дел Кавалло. Вид на Скуолу Сан-Марко. 1911–1913
Холст на фанере, масло. 29,5 × 40

Редкий образец раннего творчества Константина Ивановича Горбатова представляет собой городской пейзаж «Венеция. Понте дел Кавалло. Вид на Скуолу Сан-Марко» (1911–1913).

Константин Горбатов родился в 1876 году в Самаре. Первоначальное художественное образование получил в 1891–1895 в Классах живописи и рисования Ф. Е. Бурова в Самаре, затем учился в Рижском политехническом институте у Дж. Кларка и в Школе рисования и живописи В. О. Блюма (1896–1903). В 1903 поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ, занимался сначала на архитектурном факультете, с 1904 — на живописном отделении в мастерской А. А. Киселева и Н. Н. Дубовского. В 1911–1913 — пенсионер ИАХ в Италии и Испании.

Жил в Петербурге (Петрограде). Работал как пейзажист, реже обращался к портрету, натюрморту, бытовому жанру. Экспонировался на академических выставках, выставках Общества русских акварелистов, Московского общества любителей художеств, ТПХВ, Товарищества независимых. В 1910 награжден второй премией на Весенней выставке ИАХ, в 1913 —  золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене, в 1916 — первой премией им. А. И. Куинджи.

Еще в годы учебы (1905–1906) как карикатурист сотрудничал в журналах «Секира», «Жало», «Зарница». В 1914–1915 как иллюстратор сотрудничал с журналом «Вершины». Работы Горбатова часто репродуцировались в журналах «Нива», «Лукоморье», «Столица и усадьба», «Солнце России».

В 1922 эмигрировал, в 1926 поселился в Берлине. Совершил несколько поездок по Европе, побывал в Палестине. Провел персональные выставки в ряде городов Германии, в Италии, Дании, Нидерландах, Великобритании. Участвовал в выставках русского искусства в Гааге, Питтсбурге, Кельне, Берлине. В годы Второй мировой войны безвыездно находился в Берлине. Большинство произведений Горбатова находится в музее «Новый Иерусалим».

Наша композиция, как отмечает эксперт, «относится к раннему творчеству К. И. Горбатова и его первой поездке за границу в качестве пенсионера ИАХ в 1911–1913 годах. Тогда художник побывал в Италии и Испании… Этюд изображает вид на одно из значимых исторических мест в Венеции — Скуола Сан-Марко на Кампо Сан-Джованни и Паоло. К. И. Горбатов предлагает интересное композиционное решение и помещает в центр композиции мост — Понте дел Кавалло (Лошадиный мост). Сам же архитектурный памятник — Скуола Сан-Марко — помещен в тень на второй план. Его очертания намечены условно, но узнаваемы. Нужно отметить, что арочный мотив — один из любимых в творчестве художника. Вид открывается со стороны канала. Художника интересует фактура воды, он мастерски передает игру ее подвижных волн и “плывущее” отражение.

В живописном отношении… работа исполнена еще несколько сдержанно, в рамках крепкой реалистической школы. Но уже на данном этапе сформирована индивидуальная манера К. И. Горбатова».

О художнике читайте сегодняшнюю публикацию в нашей постоянной рубрике «Художник недели».

КЛЕВЕР Юлий Юльевич (1882–1942) Натюрморт с рыбой и кухонной утварью. 1913
Холст, масло. 58 × 88,5

Кисти Юлия Юльевича Клевера-младшего принадлежит «Натюрморт с рыбой и кухонной утварью» (1913). Сын знаменитого пейзажиста, поначалу он учился у отца, три года занимался в Академии изобразительных искусств в Мюнхене (1906–1908). Выставляться начал в 1898 году, экспонировался на художественных выставках Санкт-Петербургского товарищества художников, Товарищества художников, Товарищества имени А. Куинджи и других. В 1910 году провёл персональную выставку в Москве. Преподавал в Рисовальной школе ТПХ в Петербурге (1902–1906, 1909–1917). Жил и работал в Петербурге — Петрограде — Ленинграде. Умер в блокаду. Работы его представлены в Ульяновском, Краснодарском, Рязанском художественных музеях, в частных собраниях.

Клевер-младший начинал с пейзажей, но в историю русского искусства вошел как мастер натюрморта. Чаще всего он писал букеты цветов, фрукты, ягоды, грибы и овощи, и конечно, натюрморты с рыбой. Композиции его натюрмортов почти всегда классические. Центр холста отмечен букетом или постановкой из крупных фруктов, дальше по ниспадающей располагались боле мелкие предметы или детали. Фон работ оставался нейтральным, но был не однородным, фактурным.

Особенно запоминаются зрителю натюрморты с рыбой во всем разнообразии и раками. Крупные окуни, карпы и щуки с блестящей чешуей, представленные на холсте, необычайно живописны и колоритны. Художник сам был заядлым рыбаком и писал водоплавающих всех мастей с натуры. Его карпы были настолько убедительны, казалось, что они чуть ли не бьют хвостом и раздувают жабры (artlot24.ru). И еще одна интересная деталь: удобный кухонный ковшик с длинной ручкой, который мы видим в центре нашей композиции (судя по цвету, возможно, биметаллический), встречается сразу на трех из четырех эталонных работ художника, репродуцированных в экспертном заключении.

АННЕНКОВ Юрий Павлович (1889–1974) Друзья детства (Арцыбашев на плече у Соломона). 1913
Бумага на картоне, акварель, тушь, перо, графитный карандаш, цветные карандаши. 27,3 × 21,2 (лист), 26 × 20 (рисунок очерчен)

Примыкает к перечисленным работам рисунок «Друзья детства (Арцыбашев на плече у Соломона)» Юрия Павловича Анненкова. Он написан в том же 1913 году, что и живописные работы Константина Горбатова и Юлия Клевера, но стилистически далек от них.

Рисунок представляет собой карикатуру на писателя М. П. Арцыбашева для сатирического журнала «Сатирикон», выходившего в Петербурге в 1903–1914 годах и популярного у современников острым высмеиванием порядков, царивших в политической и общественной жизни. Как отмечает эксперт Елена Михайловна Жукова, «Анненков сотрудничал в журнале в 1913–1914 годах, в ранний период творчества, после двухлетнего пребывания во Франции. Художнику, жившему в Париже, от природы остроумному, склонному к шутке и иронии, импонировал свободный дух “Сатирикона”, который в условиях политической цензуры то прямо, то иносказательно выражал крамольные суждения».

Наш рисунок — страничная карикатура, опубликованная в «Сатириконе» в 1913 году (№ 44. С. 9) с подписью «Друзья дѣтства» и пояснительным текстом: «Книги мои не вѣчны, имя мое забудется; вѣдь один изъ моихъ предшественников, царь Соломонъ, былъ знатенъ, красивъ, уменъ, талантливъ, а помнимъ мы только одну его книгу — “Экклезiастъ”… (Интервью съ М. П. Арцыбашевымъ)» (ну как не воспроизвести дореволюционную орфографию!). В следующем году рисунок был напечатан с названием «Арцыбашев на плече у Соломона» и пояснительной надписью «М. Арцыбашевъ выразился: “Мнѣ только царь Соломонъ по плечу!..”» в журнале «Весна» (1914, № 3. С. 137–138), в котором художник, как указывает эксперт, «также сотрудничал. Скандально известный в ту пору драматург и писатель подвергался в печати критике из-за прославления природного, естественного начала в человеке, что спустя век, в наше время, расценивается как формирование индивидуалистического мироощущения, свойственного ХХ веку. В статьях начала 1910-х годов Арцыбашев выдвинул концепцию “экклезиастизма”, утверждая, что любая цель ложна, а жизнь — цепь страданий, кончающаяся “черной дырой” — небытием. Свои выводы о человеческом существовании он подтверждал библейской книгой Экклезиаста и идеями Ницше, Бергсона и ряда других философов.

Карикатура на Михаила Петровича Арцыбашева (1878–1927), нарисованная Анненковым, издевательски сопоставляет исторический масштаб личностей древнего философа Соломона, автора книги Экклезиаста, и современного писателя, разделяющего взгляды этого легендарного учителя жизни. Язвительность карикатуры — вполне в духе сатирических и пародийных миниатюр, которые ставились Н. Евреиновым и оформлялись Анненковым в театре “Кривое зеркало” в те же годы. Рисунок — линеарный, четкий, локально раскрашенный, приспособленный к требованиям типографской печати. В рисунке символически обыграна тема увлечения современников древней культурой Ближнего Востока».

Как правило, и Константина Горбатова, и Юрия Анненкова, и отчасти даже Альберта Бенуа относят к художникам Русского Зарубежья. Все они провели часть жизни и ушли из нее в эмиграции. Но мы сегодня представляем их творчество именно российского периода, почему и рассказали о них в разделе русского искусства конца XIX — начала ХХ века.

Следующий раздел каталога — творчество художников Русского Зарубежья.

Открывает его графический эскиз костюма Берендея к опере Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка», выполненный в 1928 году Константином Алексеевичем Коровиным для первой постановки «Частной оперы в Париже». Авторская помета на рисунке указывает, что этот праздничный мужской костюм предназначен для пролога оперы, в котором берендеи веселятся на проводах Масленицы и встречают Весну.

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Берендей. Эскиз костюма для постановки оперы Н. А. Римского-Корсакова «Снегурочка». 1928
Постановка осуществлена в 1928 году в первый сезон «Частной оперы в Париже»
Бумага, графитный карандаш, тушь, перо, акварель, белила. 25,5 × 18 (в свету)

Ой, честная Масленица!
Ой, честная Масленица! Ой! Ой!
Раным-рано куры запели,
про весну обвестили.
Прощай, прощай, прощай, Масленица!
Сладко, воложно нас кормила,
суслом, бражкой поила.
Прощай, прощай, прощай, Масленица!
Пито, гуляно было вволю,
пролито того боле.
Прощай, прощай, прощай, Масленица! (libretto-oper.ru).

В праздничном мужицком костюме все предметы — и полукафтан из яркой ткани, и белая рубаха, и порты, и клетчатая шапка, и большие рукавицы, и широкий кушак — изукрашены вышивкой, нарядны и подчеркивают народную сказочность персонажа. Художник, создавая толпу веселящихся крестьян в разнообразных расшитых одеждах, с большим вкусом проявил необходимую сдержанность в деталях и сделал костюмы аутентичными — праздничными, затейливо украшенными, но не кричащими.

МАНСУРОВ Павел Андреевич (1896–1983) Геометрическая композиция. 1930-е
Бумага, гуашь. 48,4 × 23,1

Гуашевая «Геометрическая композиция» Павла Андреевича Мансурова, как считает эксперт, «относится к зрелому периоду творчества мастера — времени работы в эмиграции. В 1928 П. Мансуров уехал с выставкой своих работ в Италию и обратно в Россию не вернулся. С 1929 художник поселился в Париже и до конца 1950-х практически не занимался станковой живописью. П. Мансуров сосредоточил свои интересы в области декоративно-прикладного искусства. В 1930 художник при содействии Робера и Сони Делоне (с ними Мансуров познакомился по рекомендательному письму В. В. Маяковского) начал создавать рисунки тканей для Домов высокой моды — Chanel, Lanvin, Patou. Позже к нему перешла мастерская Р. Делоне на Монпарнасе, где П. Мансуров и жил в 1930-е годы, вращаясь в кругах русской эмиграции. После Второй мировой войны художник продолжал исполнять заказы Домов высокой моды, создавая модели костюмов, галстуков, головных уборов, тростей. Только в конце 1950-х годов мастер после долгого перерыва вновь обратился к станковой беспредметной живописи, варьируя композиции 1920-х, создавая свои многочисленные “живописные формулы”». Эксперт указывает: «Исходя из состояния красочных материалов, стилистических признаков, а также фактов творческой биографии художника наиболее предпочтительно датировать данную работу 1930-ми годами». О П. А. Мансурове читайте на AI: «Художник недели: Павел Мансуров».

ДМИТРИЕВСКАЯ Лидия (1895–1967) Зимний натюрморт. 1950-е
Оргалит, масло. 37,7 × 45,9

«Зимний натюрморт» (1950-е) кисти Лидии Дмитриевской — удивительная работа, оригинальным образом совмещающая сразу два живописных жанра. По словам эксперта, натюрморт написан Дмитриевской «в выработанной ею к 1950-м годам характерной, стильной манере, удачно сочетающей в себе натурность и декоративность. В этом небольшом натюрморте чувствуется вкус, настроение, контрастное противопоставление сдержанной, зимней, спящей природы и цветовой игры ярких, насыщенных, недавно срезанных, живых тюльпанов».

Следующий раздел каталога — творчество художников, работавших в советское время. Три лота, которые его составили, объединяет только период создания.

РОЖДЕСТВЕНСКИЙ Константин Иванович (1906–1997) Крестьянка. 1930
Холст, масло. 36 × 35,5

«Самый интересный и богатый слой, которым питаешься всю жизнь, оказался периодом, связанным с нашей молодой надеждой. …Когда рядом был Казимир», — писал Константин Иванович Рождественский, автор композиции «Крестьянка» (1930-е). Работа входит в «Крестьянский цикл» — серию, вдохновленную образами постсупрематического «Крестьянского цикла» Малевича.

В этом цикле Рождественского выделяют несколько отдельных тематических разделов — фигуры крестьянок, рыжебородых мужиков, семьи в поле, снопы и т.д. Исследователи творчества художника называют конец 1920-х — первую половину 1930-х годов, то есть время создания этого цикла, «порой высших достижений Рождественского в живописи.

Рождественский часто использует общую пластическую схему Малевича, но ищет и новые композиционные построения и цветовые решения. Его оплечные изображения бородатых мужиков с непропорционально длинными шеями и застывшими лицами рождают странное, тревожащее, фантасмагорическое ощущение. В некоторых работах художник стремится соединить постсупрематизм с классической традицией, в частности с венециановской линией русской живописи» (tg-m.ru). Переосмысливая заимствованное у Малевича, Рождественский наделяет свои вещи особым чувством, колоритом и атмосферой, почерпнутой им из собственных впечатлений. «Это и грандиозные светоносные сибирские закаты; это и рыжие сибирские мужики-крестьяне… это и золотые купола церквей на фоне густых сибирских лесов», — описывал истоки своего вдохновения художник. О Рождественском читайте в статье рубрики «Художник недели».

ИОРДАНСКИЙ Борис Вячеславович (1903–1983) Пять эскизов монументальных росписей
Бумага, калька, акварель, графитный карандаш, белила. 59,9 × 56,3 (единое многооконное паспарту)

Не датированы, но очевидно выполнены в середине ХХ века эскизы монументальных росписей работы Бориса Вячеславовича Иорданского. Ученик И. М. Рабиновича, А. В. Шевченко, Н. И. Шестакова во ВХУТЕМАСе — ВХУТЕИНе в Москве (1922–1930), Иорданский известен в первую очередь своими монументальными оформительскими работами. Он выполнил оформление павильонов «Центросоюз» на ВСХВ (1923), «Печать» на международной выставке прессы в Кёльне (1927–1928), «Дальний Восток» на ВСХВ (1939), магистрали «Центр — Сокольники» к 1 Мая (1930), отдела «Животноводство СССР» на выставке в Филадельфии (1931), зала «Конституция СССР» на Всемирной выставке в Париже (1936–1937; Гран-при), колонны физкультурников СССР и РСФСР на физкультурном параде в Москве (1945), а также улиц и площадей Москвы к революционным праздникам.

Самостоятельно и в соавторстве с Г. И. Рублёвым (три первые композиции) создал плафоны (темпера): «Победа» во Дворце культуры Метростроя (1944–1946), «Петроград в 1917 году» в Октябрьском зале Центрального музея Революции СССР (1947–1948) в Москве, «Дружба народов» в зрительном зале Бурятского театра оперы и балета в Улан-Удэ (1947–1952), «Цветущая Украина» в вестибюле гостиницы «Украина» в Москве (1956–1957), «Под знаменем Ленина» в зрительном зале Кемеровского областного драматического театра (1957–1960). Автор мозаик: «Ленин», «Парад Победы», «Физкультурный парад» (1948–1951, совместно с Г. И. Рублёвым) в вестибюле станции «Добрынинская» Московского метрополитена; панно (темпера) — «Небо Москвы» и «Москва» для павильона «Московская область» на ВСХВ (1952–1954), «Панорама Москвы» (1954–1955) в банкетном зале ресторана «Прага» в Москве, «Киев», «Москва» и «Днепропетровск» во Дворце культуры Днепропетровска (1956).

Вместе с огромной монументально-оформительской работой Иорданский занимался станковой живописью и графикой, рисовал книжные иллюстрации и многочисленные плакаты, преподавал в Московском институте прикладного и декоративного искусства (1950–1952), Московском высшем художественно-промышленном училище (с 1952); профессор (с 1961).

КУРНИКОВ Николай Фёдорович (1938–2006) Суздаль. Вид на Покровский монастырь. 1974
Оргалит, масло. 63 × 81

Новое имя в ряду мастеров Владимирской школы на нашем аукционе — Николай Фёдорович Курников, автор живописной композиции «Суздаль. Вид на Покровский монастырь» (1974).

Он родился в мае 1938 года в деревне Семынь Вязниковского района Владимирской области. Окончил ЗНУИ им. Н. К. Крупской (1968). Член СХ СССР (1980).

«Начало творчества Николая Курникова выпало на особенное  время. Это годы огромного творческого подъема, связанные во Владимире с формированием художественного стиля, именуемого в дальнейшем Владимирской живописной школой. Художественный мир этого направления соткан из колористических гипербол. Пользуясь декоративным, часто открытым цветом, владимирцы доводят художественный образ в своих произведениях до декоративной нарядности, которая присуща народному искусству. На этюдах и в творческих поездках работая рядам с ведущими мастерами Владимирского Союза художников, Николай Курников постигал их персональный почерк, стремясь при этом к поиску собственной индивидуальности.

Наиболее интересным и ярким творческим периодом художника считаются 70-80-е годы прошлого века (к этому периоду относится и наша работа. — AI.). Работы 1970-х годов у Курникова отличаются мягкой цветностью, где обращает на себя внимание особый синий цвет неба, характерный только для этого мастера.

Пейзажи Н. Курникова полны живого и искреннего движения души, что делает их правдивыми и убедительными. Живопись его имеет крепкую земную закваску, полна любви к этому миру, несет в себе большую правду жизни (vshr.jimdo.com).

Интереснейшая подборка имен и работ ждет участников в разделе творчества шестидесятников.

ВУЛОХ Игорь Александрович (1938–2012) Реставрация. 1975
Картон, масло. 49,5 × 69

Творчество Игоря Александровича Вулоха в нашем каталоге представляет красивый картон «Реставрация» (1975) — живопись на грани фигуративности. «Игорь Вулох начал с натурных, почти реалистических зарисовок, которые затем, довольно скоро, превратились в нечто “иное”…

Уже в ранних работах Вулоха начала 60-х ощущается его своеобразная позиция — неспешного наблюдателя, пристально рассматривающего или всматривающегося в предметы действительности. Это похоже на взгляд естественника-прикладника. Там, где для любителей отвлеченного граница формы есть только линия, для Вулоха — неверная/нервная, шероховатая нить, шрам, разрез с барбами по краям на живой ткани. Органика, но сведенная к сущностному; опыт исследования, но не подытоженный сухой формулой. Отсюда отличие Игоря Вулоха от абстрактных геометристов.

В работах Вулоха пространство, кажется, создано методом пальпации, тактильного исследования материи (идет ли речь о “пейзажах” или “натюрмортах”, впрочем эти названия весьма условны). Поэтому в них нет “пустых”, непротестированных художником участков. Даже в тех случаях, когда форма, кажется, замирает на грани минимализма, она пульсирует скрытыми движениями токов. Поэтому процесс создания произведения, требующий большой психофизической работы, растягивается во времени. Поэтому не столь часто у Вулоха появляются новые работы. Но, по известному высказыванию Делакруа, “время не щадит того, что создано без затраты времени”» (Михаил Боде, vulokh.ru).

«Прежде чем стать художником, — говорил Игорь Вулох, — я был исследователем. Исследовал исключительные события, которые кажутся невероятными. Это касается и живописной школы, и моих диалогов с природой, с историей. И вот к чему привели меня мои исследования: часто какое-то освещение настоящего является всего-навсего продолжением бывшего.

Самая большая награда — понимание. То, что я делал для себя, оказалось понятно другим людям, независимо от их ранга или положения. В этом, наверное, и есть высшая награда для художника. Такие вещи мне выпадали не особенно часто.

Зрители обычно подходили так: сравнивали меня через собственные очки с грузом своей культуры навыков и понимания. То есть, по сути, всегда искренне рассуждая о моем искусстве, выражали самих себя. Я поэтому не претендую на их объективность.

Прикоснуться к той гармонии, которая воочию существует в мире, — это и есть близкое соприкосновение с драгоценным зрительным опытом, это и есть то, что дает человеку жизнь (Игорь Вулох, vulokh.ru).

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Деревья. 1985
Холст на картоне, масло. 50,5 × 35,3

К позднему периоду творчества Анатолия Тимофеевича Зверева относится холст «Деревья» (1985) — красивая, композиция, написанная довольно разнообразной и благородной палитрой.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Давление. 1990
Бумага, тушь, коллаж. 69,1 × 79,5

Одна из самых узнаваемых работ в каталоге — «Давление» (1990) Петра Ивановича Беленока. В этой работе нашли свое классическое воплощение черты знаменитого стиля художника, который он сам в шутку называл паническим реализмом.

«Первая часть этого определения очевидна даже при беглом взгляде на его работы: из картины в картину переходит мотив катастрофического космического явления, несоизмеримого с человечками, захваченными его волной, которые его либо созерцают, либо убегают от него в панике. Художник выступает в качестве демиурга, каждый раз ставящего своих героев в крайне неудобное положение, подвергающего созданный им мир встряскам, взрывам и почти что гибели» (Катерина Зайцева, mmoma.ru).

Картина делится на две зоны — небольшую нижнюю, в которую помещена фигурка, и огромную верхнюю, где на светлом фоне на человечка давит «абстрактная фигура — некая сверхсубстанция, в которой заключена мощная энергия. Она передаётся ташистским взмахом кисти — этот динамичный жест, возможно, совершался художником уже после кропотливой работы по расположению фигур в нижнем ярусе картины. Получившаяся фигура являла собой живопись в чистом виде, её стихийная беспредметность резко контрастировала с реалистичной составляющей картины, в результате чего возникал эффект “вторжения иного мира”.

“Маленьких человечков” Петр Беленок по большей части вырезал из спортивных газет и журналов — именно там можно было обнаружить фотографии бегущих, прыгающих, падающих, кричащих спортсменов и болельщиков» (mmoma.ru), то есть людей в высшей степени напряжения физических и эмоциональных сил.

КАЗАРИН Виктор Семёнович (1948) Серый кот. 1991
Холст, масло. 130 × 79,7

В 1991 году написан большой «Серый кот» Виктора Семёновича Казарина — работа в хорошо известной любителям творчества художника стилистике, но не совсем обычной для него серо-лиловой гамме. В противоположность известным казаринским бесшабашным полудиким котам, которых наши участники уже не раз покупали, на сей раз мы имеем дело с котом-философом, котом-денди, но авторский дриппинг, желтый цвет, да и сама композиция работы настойчиво подсказывают, что вся эта философичность — тот самый тихий омут, в котором, как известно…

СНЕГУР Игорь Григорьевич (1935) Живой кристалл. 1995
Бумага, акрил. 74 × 64,2

В 1995 году написан «Живой кристалл» Игоря Григорьевича Снегура.

«Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: “Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во «времени-пространстве» — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы”» (mmoma.ru).

«Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.

В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.

Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого “занавеса”, и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст» (Игорь Снегур, cultobzor.ru).

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Я и Она. 2006
Цветная бумага Strathmore, пастель, коллаж, графитный карандаш. 48,2 × 63,4

Насыщена деталями и мастерски скомпонована пастель «Я и Она» (2006) — элегантная, очень красивая, созданная в благородной цветовой гамме и абсолютно узнаваемая работа одного из выдающихся авторов второго русского авангарда Вячеслава Васильевича Калинина.

Завершающий небольшой раздел каталога — произведения современных художников.

ТУГАРИНОВ Дмитрий Никитович (1955) Белая березка. 1980–2015
Керамика. 64 × 36 × 37

Автор керамической скульптуры «Белая березка» (1980–2015) академик РАХ Дмитрий Никитович Тугаринов родился в 1955 году в Москве. «С начала 1980-х годов Дмитрий Тугаринов создает скульптурные портреты и фигуративные композиции. Каждая работа имеет подтекст. В композициях фактически отсутствует сюжет, его замещают метафора, пластический парадокс, скрещиваются лезвия смыслов. Отсутствует то, что можно было бы назвать гармонией, властвует гротеск. Но в этой экспрессивной стилистике заключен мощный импульс жизнестойкости» (Сергей Орлов, dmitrytugarinov.ru). Художника интересует игра во всех ее проявлениях, поэтому рядом с монументальными, эпическими изваяниями и глубокой философской скульптурой в его творчестве появляются теплые забавные работы — такие, как наша сегодняшняя «Белая березка» (1980–2015).

КУЛИК Олег Борисович (1961) Нашествие птиц
Фотопечать, накатка на дибонд, ламинирование. 99,5 × 125,5

Не датирована работа «Нашествие птиц» Олега Борисовича Кулика, известного московского художника, фотографа, акциониста. Как пишут, «в девяностые годы Олег Кулик был фанатичным поклонником Птичьего рынка в Калитниках, на котором проводил много времени, фотографируя и снимая на видео живой товар» (ru.wikipedia.org). Возможно, в нашей большой работе есть некая аллюзия на «Птиц» Дафны Дюморье. Не чайки, конечно, маленькие изящные птички — но они вместе создают резкую, странную и напряженную, но при этом очень красивую картину.

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Фата-Моргана. 2020
Холст, масло. 100 × 120

Волшебной кисти Люси Вороновой принадлежит холст «Фата-Моргана» (2020). «Фата-Моргана, фея, нимфа, творящая сказку. Добрую и красивую. Волшебство, магия, сила красоты», — комментирует картину художник. Обнаженная натура у Люси Вороновой — это прежде всего символ совершенной свободы, отсутствия тревог, забот и ограничений, внешних и внутренних, абсолютного слияния с природой. В 2020 году обнаженная модель в картинах Люси Вороновой встречается крайне редко. А в нашей работе мы видим двойной портрет — своего рода волшебство феи Морганы, двойной мираж, как будто из сказок Андерсена.

Одновременно с нашим штатным 355-м AI Аукционом открыт 41-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Азама Атаханова, Наталии Жерновской, Фарида Богдалова, Ирины Корсаковой, Марии Владимировой, Игоря Кислицына, Виктора Крапошина, Юлии Малининой, Анатолия Пурлика и Александра Савко.

Всем желаем удачи на 355-м AI-Аукционе и 41-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.