Открыт 132-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   05 сентября 2022

В каталоге — произведения Даниила Архипенко, Юрия Бабича, Константина Батынкова, Галины Быстрицкой, Германа Егошина, Александра Витальевича Захарова, Сергея Касабова, Владимира Ковальчука, Бориса Марковникова, Романа Рахматулина, Андрея Сарабьянова, Игоря Снегура

Каталог AI Аукциона № 446 и 132-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 9 сентября, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — 7 живописных произведений, четыре работы в смешанной технике и две композиции, созданные на основе фотографии.

Даниил Архипенко. Отпечатки. Диптих. 2021

Даниил Архипенко, автор диптиха «Отпечатки» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.

«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).

В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).

«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).

Юрий Бабич. Мезальянсы № 3. 2010

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Константин Батынков. Ведута. 2012

Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству «Общества художников-станковистов», участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, popoffart.com).

Творчество Батынкова воплощает собой городскую атмосферу нового века, среду, в которой жизнь и энергия пульсируют на каждом уровне. Работы художника транслируют состояние человеческого сообщества и пространства, в котором оно существует.

Работа Батынкова абсолютно узнаваема: фирменная сдержанная, но при этом яркая палитра и излюбленная тематика — в данном случае городской пейзаж древнего, но живого города, в котором сочетаются здания и архитектурные сооружения многих веков, их окружают муравьиного размера люди, а в небе видны разнообразные летательные аппараты. Эта композиция, как и многие другие батынковские вещи с его излюбленными объектами и образами, будто пришла из сна. «Своей зыбкостью, какой-то нездешностью все они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). Декоративные картины словно проецируют какую-то отстраненную ностальгию вперемешку с чувством абсурдного» (artinvestment.ru).

Ведута представляет собой жанр европейской живописи, детально изображающий повседневный городской пейзаж. Ведута достигла своего пикового развития к концу XVIII века, и именно к этому периоду, и в первую очередь к творчеству Пиранези, обращается художник. Константин Батынков использует ведуты как рефлексию современной городской жизни, с присущими ей информационными шумами и тревогой. Работы, выполненные в характерной для Батынкова манере, объединяют в себе реальные сцены и вымышленные элементы — здания и полуразрушенные архитектурные конструкции, люди и вертолеты, скульптуры и почти абстрактно изображенные деревья… Состояние бурления предстает совершенно натуральным для уклада жизни в большом городе, оно обретает черты фантасмагоричности и несколько романтизируется сквозь призму видения автора, причем почти импровизационная разработка мотива выливается в невероятную пластическую убедительность (winzavod.ru).

Галина Быстрицкая. Автопортрет. В раджастанском стиле. 2021

Галина Быстрицкая — путешественник, художник, фотограф.

«У меня вся жизнь как путешествие — и ожидание путешествия, которое я считаю не-жизнью, то есть это промежутки между путешествиями, которые посвящены осознанию предыдущего материала и подготовке к следующему.

<В путешествии> ты действительно бросаешь себя полностью в новую ситуацию, ты зачеркиваешь все, что оставил. Ты абсолютно перерождаешься. Оказываясь с новыми людьми в новой ситуации, ты пытаешься проверить еще раз, каким ты можешь быть, или какой ты новый в глазах этих людей. В принципе, ты живешь новую жизнь» (Галина Быстрицкая, svoboda.org)

За 2010–2017 годы мне удалось поработать в Аргентине и Перу, Вьетнаме и Камбодже, Португалии, Бельгии, Южной Африке и Индии, России и Франции, на острове Родригес и Мальдивских островах. Жажда открывать не иссякает (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery).

Галина Быстрицкая делит страны на «свои» и «чужие». «Своей» оказалась Индия… Там не обошлось без приключений. Ей пришлось плыть на лодке по каналу среди рисовых полей. «Мы два дня плыли в такой лодке, я писала прямо в движении работы. Потом мы жили в джунглях, на дереве, на тридцатиметровом расстоянии, на баньяне, затем мы были на побережье, где я писала рыбаков», — говорит художница.

Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. «Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются», — пишет искусствовед Анна Чудецкая (gallerywong.com).

Накопленный за несколько лет, как итог многих путешествий, значительный объем фотографий, рисунков и живописи, блокнотов с путевыми записками и набросками, материал подсказал ей идею проекта Artography (2004–2007). Частью проекта стало создание одноименной книги-коллажа.

«Работа с проектом Artography как бы подвела итоги, завершила период преданности живописи “а ля прима”. Смысл этой формы для меня был исчерпан. Коллаж, позволивший в книге каждому развороту превратиться в иероглиф места и ощущения, сегодня завладел моей мастерской. Смешанная графика: тушь и графит, гуашь и пастель, гравюра, литье специальной разнофактурной бумаги, монотипия.

Поиск средств для безупречной точности высказывания — вот цель, которая заставляет пробовать. Пытаясь консервативно удержать в момент восприятия знание об аристотелевском единстве места, времени и действия, хочется найти именно тот изобразительный язык, который окажется глубже, структурнее, современнее (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery/autobiography.html).

О своих живописных композициях художница говорила: «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru). Коллаж, ассамбляж — то же «касание пальцами». Детали, вырезанные из разных материалов, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Она виртуозно управляет цветовыми и текстурными потоками, создает яркие и эмоциональные образы. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей должны сливаться в гармоничном звучании, единственная ошибка может все испортить.

Герман Егошин. Дама с тюльпанами. 2002

Автор живописной композиции «Дама с тюльпанами» (2002) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель поколения «шестидесятников» в ленинградской живописной школе. В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах. Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Наша картина «Дама с тюльпанами» (2002) выполнена через много лет, но в ней видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

***

Еще в 1960-е годы Егошин отошел от официального советского искусства, его интерес обратился к отечественному и европейскому модернизму первой трети ХХ века. Художнику было близко сезаннистское понимание живописи, и в его работах заметны стилистические влияния произведений мастеров «Бубнового валета». Так, «Дама с тюльпанами» (2002) по своей колористической насыщенности вызывает ассоциации с работами И. Машкова и П. Кончаловского. Цвет у Егошина главенствует над формой и задает определенный эмоциональный настрой. Художник создает обобщенный женский образ, лишенный портретных характеристик. Внимание зрителя в первую очередь привлекает большой красочный зонтик — он укрывает героиню от палящего солнца, лучи которого ритмично расходятся в разные стороны. Отказываясь от точного следования натуре, Егошин объединяет женскую фигуру с условным пейзажем за ее спиной посредством единой цветовой гаммы, строящейся из оттенков бежевого, желтого, оранжевого, розового, фиолетового, зеленого, голубого и синего. Пульсирующая энергия цвета исходит от всей живописной поверхности. Работу отличает свободная и динамичная манера письма насыщенными пастозными мазками. Картина передает радостную атмосферу теплого солнечного дня (Мария Беликова).

Александр Захаров. Ева и Дракон. 2020

«Ева и Дракон» Александра Захарова — увиденная глазами ребенка библейская история в райских кущах. «Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где “пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...”, и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия» (triumph.gallery).

Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тончайшие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки, которые при огромном увеличении обретают самостоятельность важнейших деталей. Композиция столь же гармонична, только насыщеннее, краски такие же яркие, только разнообразнее. Две «родственные» работы проявляют каждая свое лицо, и лица эти — разные.

***

Для меня как художника с некоторых пор игрушки стали окошком в мир далекого детства, дверкой, за которой развернулась волшебная страна мечты, целая Вселенная. Маленький мир разворачивается в глубину до бесконечности, так же как для нас, взрослых, «большой мир».

Созерцание маленьких вселенных сильно повлияло на характер и размер моих картин. Миниатюра наиболее удобная для меня форма выражения. Я создаю «маленькое окошко», заглянув в которое и заинтересовавшись открывшимся за ним пространством, зрителю невольно приходится как бы «уменьшаться в размере», становиться маленьким. «Превратившись» в ребенка, он получает право попасть внутрь. В открывшемся мире, с виду совершенно реальном, существует «обратная перспектива»: маленькое порой важнее большого. Начав много лет назад с огромных картин-панорам, напоминавших плоский лубок, я пришел сегодня к развернутой в глубину миниатюре (Александр Захаров, cumir.ru).

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

У его работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…(triumph.gallery).

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде “негатива” для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький “негатив” я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая “доска”, с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю “разглядеть” пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Евгений Зевин. Время — вперёд! 2013

Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Искусствоведы не раз отмечали сходство полотен Зевина с музыкальными произведениями, поскольку им также свойственны понятия формы, ритма, эмоционального окраса. Более того, многие сюжеты его произведений вдохновлены музыкальными композициями. Так, название «Время — вперёд!» отсылает к знаменитой оркестровой сюите Георгия Свиридова, которая задает «темп» и самому живописному произведению (Мария Беликова).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Сергей Касабов. Абстракция № 1. 2002–2003

Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Владимир Ковальчук. Perse coming. 2020

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.

Борис Марковников. Дом, милый дом. № 1. 2018

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

«Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник» (Никита Махов).

«Мои нефигуративные работы — это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную», — говорит художник.

Эстетика композиции «Дом, милый дом. № 1» (2018) близка эстетике минимализма, представители которого стремились передать суть предмета, очищенную от символов и субъективного авторского взгляда. Средствами геометрической абстракции Марковников упрощенно изображает отдельные детали, вызывающие ассоциации с образом деревенского дома: мы видим треугольник крыши, сетчатую решетку забора, дугообразные линии, напоминающие уходящую вдаль дорогу и задающие композиции перспективу. Множество пересекающихся черных линий на первом плане, формирующих подобие квадрата, отдаленно напоминают окно, заколоченное деревянными досками. Марковников создает аллегорический образ воспоминания о доме, которое словно бы фрагментарно всплывает в его памяти. Монохромный фон покрыт характерной сетью прочерков-царапин, наносимых художником, как правило, штихелем или ножом, что обогащает фактуру произведения, создавая эффект ее вибрации. Палитра работы лаконична, строится на сочетании лишь бежевого и черного, при этом Марковников очень тонко работает с цветом, добиваясь свечения живописной поверхности, исходящего будто бы изнутри полотна (Мария Беликова).

Роман Рахматулин. Огни в реке Мойке. 2015

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

***

Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.

Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).

В городских пейзажах Романа Рахматулина свет и вода играют ключевую роль. Свет ночных фонарей или утреннего солнца, свет автомобильных фар или городской иллюминации создает образ города. А вода — поверхность реки, дождевые потоки, лужи на мокром асфальте, морось, туман — рассеивает лучи света, отражает его, разбивает на тысячи новых разноцветных источников и придает ореол волшебства и тайны даже самым знакомым пейзажам.

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Андрей (Дюдя) Сарабьянов. Ню I. 2009

Андрей Сарабьянов (1980) — представитель известной отечественной династии Бруни — Сарабьяновых, из которой вышел целый ряд художников и искусствоведов. Окончил Московский академический художественный лицей им. Н. В. Томского (1999), факультет сценографии Российской академии театрального искусства (2004). Произведения автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. Сарабьянов работает в различных стилях и направлениях, а излюбленным жанром художника является пейзаж.

Монументальное полотно «Ню I» (2009) выполнено сообразно канонам модернистской живописи. Всю поверхность холста занимает изображение лежащей обнаженной модели на абстрактном фоне. Горизонтально вытянутый формат произведения и особая живописная техника, создающая эффект формирование образа из мозаичных элементов, отсылают к эстетике декоративного панно. Автор добивается разнообразной и богатой фактуры, которая представляет для него такую же ценность, что и само изображение женщины. Он намеренно акцентирует следы творческого процесса — пастозные мазки, из которых складываются квадратные и прямоугольные области, царапины на красочном слое, оставленные мастихином.

Живописец отказывается от передачи индивидуальных черт героини, делая их практически неразличимыми. Он всячески избегает натуроподобия, формируя женский образ в первую очередь за счет цветового наполнения. Лаконичная палитра полотна строится на контрастном сочетании теплого желтого и холодного синего цвета, точнее, богатой вариации оттенков этих двух цветов. Несмотря на обобщенную трактовку модели, Сарабьянов создает чувственный и притягательный женский образ, наполненный эмоциональной энергией (Мария Беликова).

Игорь Снегур. Призма. Шар. Иероглиф. 2009

Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).

Холст «Призма. Шар. Иероглиф» (2009) представляет собой результат очередного авторского исследования взаимоотношений формы и пространства: в каком-то высшем измерении многосоставное «тело», образованное слиянием разного рода геометрических элементов, пребывает на фоне метафизической пустоты. Снегур представляет эти фигуры во фронтальной разверстке, лишая их объема и интерпретируя их аналитически, что сближает в определенной степени его творческий метод с кубизмом. Однако в отличие от Пикассо или Брака, предметы, запечатленные Снегуром, максимально отдалены от привычного мира вещей. «Сначала создается иероглиф в карандаше на бумаге, на холсте, в пространстве холста. Ты ищешь точку напряжения — место самого наибольшего напряжения, и там рождается через усилие столкновения энергий субъект — геометрическая форма, где через энергию цвета форма воздействует, оживает и пульсирует», — так описывает автор свой творческий процесс (Игорь Снегур. Живопись. Графика. Дневник. Размышления. Беседы. Эссе. М. 2016. С. 109 snegur-art.ru...pdf). Композиция работы ритмизована вертикальными линиями, формирующими оптическую иллюзию калейдоскопа. Палитра полотна отличается лаконичностью и сдержанностью и строится на вариации оттенков оливкового, бежевого, коричневого и серого, чередование которых обуславливает цветовую ритмику. Лишь квадрат в верхней правой части композиции, окрашенный в различные оттенки оранжевого (от насыщенного до бледного), создает в работе выразительный цветовой акцент (Мария Беликова).

Желаем удачи на 132-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI