Открыт 131-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Ивана Акимова, Даниила Архипенко, Сергея Бордачёва, Дмитрия Воронина, Алексея Гинтовта, Джуны, Ростислава Ешурина, Александра Жатова, Наталии Жерновской, Юлии Картошкиной, Виктора Крапошина, Юлии Малининой, Армана Сируняна
Каталог AI Аукциона № 445 и 131-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 2 сентября, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 10 живописных произведений, один лист оригинальной графики, одна работа в смешанной технике и одна скульптура.
Иван Акимов. Советский турист Иван Акимов в Греции. 1988
Автор холста «Советский турист Иван Акимов в Греции» (1988) Иван Николаевич Акимов — советский и российский живописец, творчество которого не вписывалось ни в жесткие регламентированные рамки художественной жизни советской эпохи, ни в реалии постсоветской России. Обладая незаурядными творческими способностями и высоко ценя при этом личную свободу и независимость, художник уединенно жил и работал в своей московской квартире, не стремился следовать каким-то конкретным стилистическим направлениям и не искал публичного признания. В произведениях Акимова отражаются результаты целого ряда авторских модернистских экспериментов, и в них особенно ощутимы влияния народного и наивного искусства (Мария Беликова).
Иван Акимов окончил Архитектурный институт в Москве. «Учился с удовольствием и прилежанием. Своим профессиональным образованием обязан прежде всего своему учителю Бархину Борису Григорьевичу. Много рисовал, лепил, занимался живописью.
После окончания института пришлось выбирать между “ящиком” (имею в виду закрытый военный проектный институт) и армией: сыграл в “ящик”. Четыре года активно проектировал и строил жилье. Параллельно, от тоски, много рисовал, даже на работе, в обеденный перерыв. Через некоторое время отважился показать свою живопись Бирштейну Максу Авадьевичу, он и рекомендовал меня в Молодежное объединение при МОСХЕ.
Стал выставляться. С 27 лет забросил архитектуру и стал заниматься только живописью, зарабатывая деньги на жизнь наглядной агитацией на “Комбинате диорамно-макетных и художественных работ”. Все свободное время посвящал живописи и мечтал уйти на “вольные живописные хлеба”. Понемногу приходила известность, стал выставляться и продаваться. Бросил комбинат и стал свободным художником» (Иван Акимов).
Творческий путь художника шел от ранних экспериментальных опытов живописи и графики до прикладных инсталляций и оригинальных работ по фольклорным мотивам.
Жизнь Ивана Акимова была посвящена поиску оригинальных индивидуальных форм творческого самовыражения, которые он сам называл своими «зелеными тараканами». Критики называют художника «человеком-загадкой». Он никого не пускал в свой внутренний мир, но его творческое переосмысление реальности поражало неожиданностью и точностью эстетических характеристик…
«Много работаю и никогда на выставках не показываю дважды одни и те же работы, — рассказывал художник. — Пишу большими сериями. Серия включает обычно от 10 до 100 картин, объединенных какой-либо темой. Работаю над серией до той поры, пока хватает воображения, терпения и желания. Как только заканчивается одна, начинается другая. Материал не имеет значения — это может быть графика, коллаж, инсталляция, живопись.
Меня увлекает сам процесс придумывания проектов, иногда они так и умирают, не реализовавшись, но нередко я к ним возвращаюсь, смотрю другими <глазами> и переделываю. Часто пишу по 14 часов в сутки. Работаю под любимую музыку, орущую на полную мощь, стоя, и прохожу не один километр, отходя и подходя к мольберту. В таком ритме, как правило, работаю не больше двух недель…» (Иван Акимов).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993. С 1984 участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Даниил Архипенко. Отпечатки. 2021
«Я подумал о том, что все мы, наблюдатели, чем-то связаны по рукам и ногам — семьей, друзьями, различными событиями. Но когда ты находишься в естественной среде, то пребываешь в состоянии гармонии и уже ничем не связан. Сейчас мы выезжаем за город и восхищаемся лесом, полями, горизонтом. А раньше все было по-другому: люди жили в окружении природы, поражались строящимся домам, первым машинам. Но все будто перевернулось: мы уезжаем за город, чтобы удивиться, хотя живем в среде, которая удивляла людей раньше. Парадокс какой-то» (Даниил Архипенко, artzot.ru).
Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки. Глава “Рождение”» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Сергей Бордачёв. Конкретная абстракция. Белое на белом. 2011
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Дмитрий Воронин. Скотч-терьер. 2022
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Алексей Гинтовт. Предрассветное II. 2021
Меня всегда интересовала эпоха великих свершений, люди проекта, эстетика большого стиля. Если в настоящее время мы уверенно можем сказать, что никакой большой проект себя не проявляет, то, несомненно, возникнет интерес оглянуться назад (Алексей Гинтовт).
Алексей Гинтовт сегодня, возможно, главный художник в современном русском искусстве, развивающий идею Тимура Новикова «будущее — в прошлом». Вот уже почти 30 лет Алексей Гинтовт убеждает, что авангардом сегодня является не суетливый поиск чего-то нового, а, наоборот, обращение к традиции, к давно известным ценностям. Объясняет он это порой нарочито жестко, без анестезии — на языке «нового ампира», традиционализма, имперского авангарда.
«Противопоставленное модернизму неоакадемическое направление, ставящее своей целью сохранение и возрождение классического искусства, стало для Гинтовта тем фундаментом, на котором сформировался его собственный художественный стиль.
Красота и совершенство исполнения становятся для Гинтовта главными мерилами собственного творчества. В плане композиции и стилистики это симметрия и гармония, сочетание потали и черной или красной типографской краски. Особое внимание художник уделяет технике исполнения своих работ: это преимущественно ручная печать с пристальным вниманием к деталям. При этом он не ограничивает спектр своих выразительных средств, периодически работая с видеоинсталляцией, графикой и скульптурой.
Отточенное до предела техническое мастерство в сочетании с минимализмом изобразительных средств приводит к тому, что его работы вызывают ощущение величия. Сам Гинтовт говорит об этом так: “Чем ограниченнее художник в выборе средств, тем значительнее результат. Избыточность вредит проекту. Мне всегда была важно найти то решение, проще которого быть не может. Продолжая эту линию предельной экономии, можно говорить о том, что рисование пальцами — это есть та последняя степень скупости средств”» (Алексей Быковский, artinvestment.ru).
В 2008 году Гинтовт стал лауреатом Премии Кандинского в номинации «Проект года».
На холсте «Предрассветное II» (2021) автор в своей манере создает портрет Сергея Курёхина (1954–1996) — музыканта-авангардиста, композитора, пианиста, музыкального продюсера, киносценариста, актера, одной из самых ярких фигур питерского андеграунда 1970–90-х — и посвящает ему работу. «“Я хочу быть одновременно Моцартом и Майклом Джексоном” — в этой дерзкой, сказанной еще в начале творческого пути фразе — суть творческих и человеческих амбиций Сергея Курёхина. Виртуозность, лёгкость и изящество классика в сочетании с захватывающей харизмой поп-артиста — во многом ему удалось реализовать свою мечту и соединить, казалось бы, несоединимое. <…> Теперь появилась и Премия Сергея Курёхина. Она должна стать премией за дерзость и смелость, за ниспровержение и революционность, за роскошь замысла и мастерство его воплощения» (Александр Кан, kuryokhin.net).
Джуна. Без названия. 1987–1988
Возможно, именно с Джуной (Евгенией Ювашевной Давиташвили) связано появление и почти молниеносное распространение в нашей стране термина «экстрасенс». Джуну знали везде, знали как целительницу и астролога, к ней обращались страждущие из самых высоких кабинетов и самых закрытых от посторонних глаз особняков, ее помощи искало огромное количество людей, она принимала множество пациентов. Жизнь этой женщины была окутана невероятным количеством вымыслов, большую часть которых, очевидно, выдумывала она сама, тем более что близость к самым верхам предполагала секретность. Совершенно невероятно, но ей были предоставлены такие возможности, а на исследование «феномена Джуны» затрачивались такие средства, которые не снились ни одному ученому. Одни искренне верили в безграничность ее целительских возможностей, другие считали ее деятельность лженаучной, о ней снимали документальные фильмы и еще при жизни сняли художественный сериал (он вышел на экраны через три месяца после ее смерти).
А еще Джуна занималась творчеством — пела, писала книги, рисовала картины, одна из которых вошла сегодня в наш каталог. «Прием у нее начинался в семь вечера и шел до двенадцати ночи. Потом она в мастерской рисовала картины, на каждой из которых оставляла свой знак — звезду. На ее рисунках преобладали синий, зеленый цвета, утонченные линии. Так она могла творить без перерыва и до 11 утра, а потом ложилась спать» (sobesednik.ru).
Ростислав Ешурин. Моцарт. Опус № 2 из серии «Музыка». 2006–2009
Ростислав Ешурин — новое имя в каталоге аукциона AI «21-й век. Современное российское искусство».
В 2004–2011 Ростислав Ешурин занимался в мастерской театрального художника и живописца, поэта и педагога Татьяны Ильиничны Сельвинской (1927–2020), ученицы Фалька, Тышлера и Михаила Курилко. Сельвинская воспитала множество учеников и групповые выставки нередко проводила именно с ними. Так, в 2009/2010 одно из новых музейных пространств ГЦТМ имени А. А. Бахрушина открылось совместной выставкой Татьяны Сельвинской и Ростислава Ешурина «ДУЭ-ЛЬ-Т», предваряя которую Татьяна Ильинична писала: «Дуэт? Дуэль? <…> Ростислав Ешурин самый юный, а может быть, самый последовательный мой ученик. Я с радостью открываю его вам, дорогие зрители, поскольку прочу ему большое будущее. Не смущайтесь, если вам некоторые его работы покажутся слишком близкими своему учителю. Это явление необходимое, но, уверяю ваc, временное. Широкую дорогу молодым и талантливым!!!» (eshurin.com).
На выставке «ДУЭ-ЛЬ-Т» экспонировалась и работа «Моцарт» (2006–2009), представляемая на аукционе.
Александр Жатов. Ритмы. 2021
Холст «Ритмы» (2021) саратовского художника Александра Николаевича Жатова являет собой пример возвращения автора к стилистике ранних работ, но на новом витке творческого развития.
«Принцип сделанности и чёткой детализации ранних работ в 2019 году уступает место более свободной живописной манере, хотя исторический характер подачи сюжета сохраняется, — писала об Александре Жатове А. М. Ставцева. — В этот период художник создает серию натюрмортов “Время жизни — время творения”, объединенных ренессансными реминисценциями. <…> Музыкальные инструменты, книги — всё хранит память об ушедших поколениях. Мир, созданный автором в этих натюрмортах, — это мир, предназначенный для долгого, вдумчивого созерцания».
В «Ритмах» (2021) художник словно пропускает свой ранний опыт через призму более поздних натюрмортов ванитас и вместе с тем обращается к наследию художников авангарда. В излюбленном жанре натюрморта Жатов пишет композицию с музыкальными инструментами, но исключает из него присущую ранним работам четкую детализацию предметов и почти уходит от фигуративности, сосредотачиваясь на цельности и динамике образа в целом.
Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.
Наталья Жерновская. Из серии «Одиссей». 2021
Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).
Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).
В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Художницу привлекает красивое в классическом понимании, она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Вдохновение часто находит в фотографиях, особенно советского довоенного периода, поясняя: «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать». Выхватывая выразительный жест или красноречивую позу, Жерновская создает эффектные образы, которые хочется снова и снова рассматривать (vladey.net).
Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).
Юлия Картошкина. Кружка с кистями. 2020
Так бывает на больших выставках, когда среди обилия работ одна картина или рисунок останавливают взгляд своей чистотой, теплом и какой-то особой искренностью.
Юлия Картошкина пишет кружку с кистями — необходимый атрибут своей творческой деятельности. Кружка — яркая, белая, с веселым рисунком по ободку и очень московским пейзажем на стенке. Холст написан чистыми, нежными красками и привлекает внимание, пожалуй, своей простотой и открытостью, распахнутостью навстречу тому, кто на него смотрит. Художница искренне радуется своей работе, краскам, окружающему миру, и эта радость передается зрителю.
Не зря коллекционер Александр Флоренский сказал о ее картинах столь же просто и незатейливо: они «прекрасны и удивительны, их скорее нужно покупать и вешать на стену» (irin-krainov1.livejournal.com).
Юлия Сергеевна Картошкина родилась в Москве в 1985 году. Окончила курсы в МХГПА им. Строганова и Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств (мастерская О.Н. Лошакова). Член Международного Художественного Фонда. Член Московского Союза Художников. Входит в список ста лучших молодых художников России по версии InArt. Участник всероссийских групповых и персональных выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Саратове, Камышине (radmuseumart.ru).
В 2018 году Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева провел персональную выставку «Просто красиво. Натюрморты Юлии Картошкиной в Доме Павла Кузнецова».
Художницу вдохновляют работы Виктора Попкова, Николая Андронова, Рихарда Васми и Анри Матисса.
Виктор Крапошин. Чёрный лимон. 2020
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва-Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.
Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина, искусствовед).
Известный в искусстве прием — придание черного цвета желтым предметам, которые по определению излучают свет, тепло, радость: черное солнце, черный подсолнух, черный лимон... В картине другого автора это сходу наполняет композицию тревогой и трагедией. У Крапошина все не совсем так. Тревога — пожалуй, да, ее выдает авторская надпись: начал 20 марта 2020 (свидетельствует коронарный вирус). Но не трагедия, и уж конечно, не безудержное веселье (сродни филатовскому «Оранжевому коту»), а скорее, творческое любопытство: как оно может быть, когда меняется окружающая реальность?.. Вот ведь, и фрукты, и ягоды, и даже кабачок, только все они стали другими — какими? И как они будут существовать в новых условиях? Крапошин окрашивает свою попытку ответа черным юмором, примерно так: цвет ещё тот, но ведь живые! А в тонкостях и смысле необычной палитры пусть зритель сам разбирается…
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Юлия Малинина. Движение труб. 2014
Энергия плюс графичность и четкость линий — это мое (Юлия Малинина, cultobzor.ru).
Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности (Юлия Малинина, artuzel.com).
Объектами картин Юлии выступают обладающие собственной красотой производные индустриального мира — заправки, заводы, фабрики. Для композиции характерно приближение к нижнему краю холста объектов первого плана и определение психологически достаточного расстояния, зоны комфорта от художника до объекта. Зритель наблюдает, но напрямую не взаимодействует с изображенным на картине. При внешней отрешенности и холодности, цвет звучит как внутреннее эмоциональное состояние конструкта. Художник многократно экспериментирует с цветовым решением, формальной структурой и степенью условности пространства (artcontract.ru).
«Индустриальная живопись в постиндустриальную эпоху» — этой краткой формулой можно было бы охарактеризовать творчество Юлии Малининой, которая оказывается нашим проводником в пространство архитектурной утопии: полотна художницы дают нам «возможность бродить по заброшенным предприятиям, по обезлюдевшим стройкам…»
Живопись Ю. Малининой отсылает, с одной стороны, к таким деятелям модернистского искусства ХХ века, как Ле Корбюзье, К. Мельников, а также представителям Баухауса и ВХУТЕМАСа, с другой стороны — обращается к «метафизическим ландшафтам» Де Кирико, американскому реализму Э. Хоппера или Ч. Шилера, деятельности Юпа ван Лисхаута. По словам самой художницы, к числу тех, кто оказал на нее влияние, можно также причислить А. Кифера, Н. Мулена, К. Болтански, немецких фотографов-концептуалистов Бернда и Хиллу Бехеров…
Сама художница, указывая на странный сплав футуристического и сюрреалистического в изображаемых ею промышленных объектах, задается вопросом: «Интересно, а как они продолжают жить после того, как производство остановилось?» — и отвечает на него следующим образом: «Они замирают — ведь их обычно не сносят, слишком уж они большие. Они останавливают время». Мотив «неорганической жизни» индустриальных объектов, тот специфический тип чувственности, который можно <увидеть> и в творчестве нашего великого соотечественника А. Платонова, в произведениях которого «машины живут и движутся скорее по своему желанию, чем от ума и умения людей», воплощается и в работах Ю. Малининой (Денис Шалагинов).
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (А. К. Флорковская, artcontract.ru).
Арман Сирунян. Египетская сила — Holy f…k. Формулы. Триптих. 2021
Арман Сирунян — московский живописец, за плечами которого стоит опыт театрального режиссера и актера, развивает в своем творчестве достижения абстрактного искусства.
Процесс написания картин для Армана распадается на две равные части. Сначала в голове художника, в его фантазии появляется ощущение необходимости чего-то сверхважного, и он, человек невероятно гостеприимный и очень талантливый, начинает буквально мучить своих собеседников этим предвосхищением необходимости творения до тех пор, пока… внезапно его посещает видение объекта, который на этот раз станет воплощением его творческого предощущения. Так родилась серия космических букетов, так же родилась и галерея «Лингуа Латина» со всеми ее десятью живописными выставками и последующие концептуальные серии.
Вторая часть творческого процесса Армана Сируняна состоит в какой-то древнегреческой борьбе с холстом. И это не поиски правильного цвета. Где какой цвет будет располагаться, Арман знает практически с самого начала. Но затем начинается мучительный процесс перевоспитания цветовых пятен. Художник многажды изменяет насыщенность и фактурность цветового пятна, не изменяя его формы и места на холсте. Внешнему наблюдателю не представляется возможным понять ход творческой мысли Армана, который занят поиском космического пространства среди прямоугольных обозначений цветов в букете. И только самому художнику известно, когда все эти соотношения приходят в долженствующий порядок. Результат же практически механическим способом достигает волшебного ощущения свечения и мерцания цветов на огромных, космических расстояниях друг от друга (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик).
В триптихе на сером фоне запечатлены математические формулы, занимающие всю площадь живописной поверхности. Сирунян так определяет замысел своей «математической» серии: «В “формулах” я взял изначально непонятный̆ подавляющему большинству паттерн математической доски, лишил ее окончательно всякого смысла, и так как вещь задумывалась как чисто эстетическая, в ней воплотилось некое триединство, которое позволяет в какой-то степени соприкоснуться с абсолютом. Абсолютом бессмыслия!».
Сирунян создает математически стилизованную абстракцию, где монохромный фон служит своего рода доской, на которой художник кистью выводит неведомые зрителю соотношения и уравнения. Здесь можно найти как вполне узнаваемые символы — квадратный корень, интеграл, сигму, число пи, знак дроби, геометрические фигуры, так и другие причудливые знаки, смысл которых, возможно, не знает до конца и сам автор. Это ритмизированное расположение символов и знаков напоминает также настенную древнеегипетскую иероглифику, непонятную большинству людей. Художник показывает красоту этих умозрительных выкладок, которые эстетичны сами по себе, вне зависимости от их семиотической функции. Палитра самих формул отличается скудной цветовой гаммой, соответствующей духу лапидарности формул. Они написаны черно-бело-синими контрастами, которые разбавляются розовыми и фиолетовыми вкраплениями. Зрителю неясен смысл увиденного, однако к нему приходит интуитивное понимание того, что абстрактный математический язык сам по себе гармоничен и самодостаточен (Мария Беликова).
Желаем удачи на 131-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220829_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220829_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
