Открыт 127-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
Каталог AI Аукциона № 441 и 127-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 5 августа, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, две работы в смешанной технике, две скульптуры и одна работа, выполненная с использованием цифровой печати.
Иван Акимов. Серп. Из серии «Русская утопия Ивана Акимова». 2005
Иван Николаевич Акимов — автор холста «Серп» (2005) из серии «Русская утопия Ивана Акимова» — советский и российский живописец, творчество которого не вписывалось ни в жесткие регламентированные рамки художественной жизни советской эпохи, ни в реалии постсоветской России. Обладая незаурядными творческими способностями и высоко ценя при этом личную свободу и независимость, художник уединенно жил и работал в своей московской квартире, не стремился следовать каким-то конкретным стилистическим направлениям и не искал публичного признания. В произведениях Акимова отражаются результаты целого ряда авторских модернистских экспериментов, и в них особенно ощутимы влияния народного и наивного искусства (Мария Беликова).
Иван Акимов окончил Архитектурный институт в Москве. «Учился с удовольствием и прилежанием. Своим профессиональным образованием обязан прежде всего своему учителю Бархину Борису Григорьевичу. Много рисовал, лепил, занимался живописью.
После окончания института пришлось выбирать между “ящиком”, (имею в виду закрытый военный проектный институт) и армией: сыграл в “ящик”. Четыре года активно проектировал и строил жилье. Параллельно, от тоски, много рисовал, даже на работе, в обеденный перерыв. Через некоторое время отважился показать свою живопись Бирштейну Максу Авадьевичу, он и рекомендовал меня в Молодежное объединение при МОСХЕ.
Стал выставляться. С 27 лет забросил архитектуру и стал заниматься только живописью, зарабатывая деньги на жизнь наглядной агитацией на “Комбинате диорамно-макетных и художественных работ”. Все свободное время посвящал живописи и мечтал уйти на “вольные живописные хлеба”. Понемногу приходила известность, стал выставляться и продаваться. Бросил комбинат и стал свободным художником» (Иван Акимов).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
Цикл под названием «Русская утопия Ивана Акимова» создан автором по мотивам его детских воспоминаний. «Моё детство у меня почему-то ассоциируется с белоснежной зимой, бескрайними просторами и тёплыми валенками. Когда детские воспоминания проецируются на бесконечные фрагменты моего прошлого и настоящего, то эти прозрачные наслоения создают тот иллюзорный мир моих картин, где всё взаправду, но всё-таки чуть-чуть что-то не так», — писал Акимов об этой серии работ (ivan-akimov.net).
Красочная палитра полотна и плоскостная композиция отсылают к эстетике народного искусства (в особенности русского лубка), а также к детскому творчеству. Создается впечатление, что работа не написана маслом, а выполнена в технике аппликации: автор средствами живописи имитирует наложение на плоскость холста разрозненных ярких фрагментов, выразительно выделяющихся на светлом фоне. Если мысленно заполнить пустоты между ними, то проявится условная фигура бородатого мужичка в черной шапке, валенках и белых варежках, держащего в руке серп. Две яркие желтые полосы, виднеющиеся за героем, вызывают ассоциации с созревшими к жатве полями. Пастозные мазки формируют декоративные узоры, отсылающие к народной вышивке. Акимов буквально по кусочкам воссоздает свое прошлое и делится со зрителем детскими воспоминаниями. Яркая палитра из локальных желтых, черных, синих и розовых цветов передает радостную и беззаботную атмосферу детства и детских воспоминаний (Мария Беликова).
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993. С 1984 участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Ольга Аксёнова. Племя Уранди. Встреча. 2022
В творчестве Ольги Аксёновой синтезировались традиции иконописной школы и современные тенденции сетевого искусства, объединенные интересом к мистике. Художница пытается заглянуть в пограничное с реальным пространство, наполненное призрачными существами, состоящими из мерцающих эманаций знакомых образов. Персонажи ее работ — скитальцы, гости и странники. Они кочуют по бескрайнему ландшафту памяти, мифов, сказок и легенд, из которых художница черпает свою образность.
Волнистые, закрученные, вибрирующие линии рисунка Ольги Аксёновой близки манере Эдварда Мунка. В них воплощена скрытая экспрессия норвежского живописца, подрывающая внешнее чинное спокойствие изображаемых сцен. Этот язык Ольга Аксёнова использует, чтобы передать силу проступающих сквозь рентгеновское зрение художницы ликов персонажей, населяющих её внутренний мир и его проекцию на внешнее пространство.
Используя флуоресцентные цветовые пигменты, Аксёнова раскрывает мистическое содержание современного мира через обращение к образу, лику — концентрации культурной памяти (abramovagallery.art).
Сергей Бордачёв. Пульсирующий квадрат в пространстве. 1987
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Марина Венедиктова. О, фортуна! 2021
Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.
Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).
Картина «О, фортуна!» возникла в моем сознании, когда я слушала одно из самых великих и загадочных музыкальных произведений ХХ века. Это симфоническая кантата для хора Carmina Burana.
25 отдельных фрагментов композитор Карл Орф объединил в единый концерт. И первое произведение получило название «О, фортуна».
Источник: youtube.com
Тексты всех песен были созданы в XIII веке вагантами — странствующими певцами и поэтами, записаны и украшены иллюстрациями монахами баварского монастыря. Все тексты очень жизненные — лирические любовные серенады и романсы, застольные песни, веселые пародии.
На первой же странице было изображение колеса фортуны. В центре — фигура богини Судьбы. Когда колесо вращается, то человек, изображенный на ободе колеса, оказывается в разных положениях. Фортуна вращает колесо наугад, в этом каждый из нас убеждался много раз. Подружиться с Фортуной, стать ее избранником можно, любуясь тонким очарованием ее образа на картине. Она почувствует вашу любовь и ответит взаимностью.
Я уверена, что эта элегантная интерьерная картина наполнит своим роскошным образом пространство своего нового дома (Марина Венедиктова).
Джуна. Без названия. 1987–1988
Возможно, именно с Джуной (Евгенией Ювашевной Давиташвили) связано появление и почти молниеносное распространение в нашей стране термина «экстрасенс». Джуну знали везде, знали как целительницу и астролога, к ней обращались страждущие из самых высоких кабинетов и самых закрытых от посторонних глаз особняков, ее помощи искало огромное количество людей, она принимала множество пациентов. Жизнь этой женщины была окутана невероятным количеством вымыслов, большую часть которых, очевидно, выдумывала она сама, тем более что близость к самым верхам предполагала секретность. Совершенно невероятно, но ей были предоставлены такие возможности, а на исследование «феномена Джуны» затрачивались такие средства, которые не снились ни одному ученому. Одни искренне верили в безграничность ее целительских возможностей, другие считали ее деятельность лженаучной, о ней снимали документальные фильмы и еще при жизни сняли художественный сериал (он вышел на экраны через три месяца после ее смерти).
А еще Джуна занималась творчеством — пела, писала книги, рисовала картины, одна из которых вошла сегодня в наш каталог. «Прием у нее начинался в семь вечера и шел до двенадцати ночи. Потом она в мастерской рисовала картины, на каждой из которых оставляла свой знак — звезду. На ее рисунках преобладали синий, зеленый цвета, утонченные линии. Так она могла творить без перерыва и до 11 утра, а потом ложилась спать» (sobesednik.ru).
Наталья Жерновская. Летчик-испытатель. 2021
Наталья Жерновская — одна из главных учениц и продолжателей дела художника Тимура Новикова (1958–2002), основавшего в 1989 году в Санкт-Петербурге Новую Академию Изящных Искусств с целью сохранения и переосмысления классического наследия в искусстве в противовес концептуальным практикам постмодернизма. Творчество художницы относят, как правило, к «неоакадемическому» направлению современного искусства, представители которого синтезируют в своих работах традиции «имперского» и «советского» периодов отечественной художественной жизни. На листах и полотнах Жерновской можно увидеть сцены из трудовой жизни рабочих, моряков, летчиков, спортсменов и других типичных героев советской эпохи (Мария Беликова).
Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).
«Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит Наталья Жерновская.
Обращение Жерновской к фотографии не случайно и во многом обусловлено влиянием Т. Новикова, который прививал своим ученикам и последователям интерес к фотоискусству. В данном случае Жерновская выбирает формат станковой графики и, отталкиваясь от фотоснимка, создает натуралистичное изображение летчика. Лаконичная монохромная палитра, построенная на богатых вариациях оттенков серого и голубого, характерна для многих произведений автора. В основу композиции положен четкий и выверенный рисунок, конкурирующий по точности воспроизведения натуры с фотографией. Жерновская, следуя канонам академической традиции, демонстрирует свое техническое мастерство, равно как и умение достоверно передать фактуру запечатленных объектов. В работе прослеживается интерес художницы как к классическому, так и к советскому наследию, поскольку воспевание красоты и силы человеческого тела актуально для обеих эстетических парадигм (Мария Беликова).
Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).
Наталья Захарова. Взлетающий ангел. 2019
Не вступая в прямой диалог со своими друзьями скульпторами, Наталья Захарова нашла своего рода пластическую нишу, в которой чувствует себя вполне комфортно, так как и в живописи, и в новой изобразительной ипостаси ее влечет магия проверенного веками образа. Она освободилась от случайностей штрихового обилия ранних рисунков. Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории «нонфинито», оставляющей пространство для зрительских домыслов (Вильям Мейланд, gallerynazarov.ru).
Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.
В произведениях Натальи Захаровой никогда не бывает недосказанности, неоправданных жестов и деталей. Скульптор призывает задуматься над сюжетом. Ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д.
Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Андрей Молчановский. Супрематический шар «Ванька-встанька». 2022
Андрей Молчановский (1971) — скульптор, мастер художественного стекла, член-корреспондент Российской академии художеств (2019). Окончил отделение скульптуры Одесского художественного училища им. М. Б. Грекова (1992), а также Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица (1999). Участник многочисленных выставок и скульптурных симпозиумов как в России, так и за рубежом. Работы художника представлены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Центрального выставочного зала «Манеж» (Санкт-Петербург), Государственного музея стекла и хрусталя (Никольск, Пензенская обл.), а также в многочисленных отечественных и зарубежных частных коллекциях. Скульптор успешно работает в различных материалах: бронзе, мраморе, граните, нержавеющей стали, терракоте. Большой ряд произведений выполнен из оптического стекла. Произведения Молчановского характеризуются выразительностью пластического языка, обобщенностью и лаконизмом форм.
Супрематический шар «Ванька-встанька» (2022) выполнен из оптического стекла, одного из любимых материалов автора, которым он овладел в совершенстве. Скульптура вдохновлена авангардистскими экспериментами отечественных мастеров, и ее внешний облик отсылает к супрематическим композициям Малевича, а также к проунам Эль Лисицкого. Сложная конструкция скульптуры — круглая обтекаемая форма с выемками и прямоугольными объемами — вызывает ассоциации с футуристическими архитектурными проектами. Однако ироничное название произведения, отсылающее к известной детской игрушке, переводит его смысловое содержание в бытовую плоскость и нивелирует идейный пафос, отчетливо заметный в работах предшественников. Пластические особенности стекла позволяют скульптору не только создать трехмерный образ, но и дать представление непосредственно о внутреннем пространстве объекта. Преломление света создает оптические эффекты на его поверхности, насыщенный бордовый цвет шара тонко окрашивает прозрачную подставку, дополнительно объединяя шар и основание и усиливая выразительность объекта в целом (Мария Беликова).
Николай Передний. В подсолнухах. 1975
Образ юной девушки в окружении подсолнухов предстает в картине Николая Переднего.
«Росписи, иконы производили сильное впечатление. Захотелось изображать человека как икону…» (facebook.com) — это воспоминания о детстве художника. Годы обучения и работы в Киеве оказались связаны по большей части с монументальным искусством, и строчка из воспоминаний художника об этом периоде и, в частности, о том, что его эскизы оформления Киева к юбилею революции утвердила правительственная комиссия, сегодня кажется провидческой: «Счастливый жребий выпал мне. Но скоро пришло ощущение, что я иду не в том направлении» (facebook.com).
К тому же в те же 1930-е на смену традициям монументального искусства первых лет революции постепенно, но неуклонно приходили принципы соцреализма, искусства, лишенного вдохновения. Передний перевелся в Москву, на 3-й курс Института изобразительного искусства (ныне МГАХИ им. В. И. Сурикова), в мастерскую А. А. Осмеркина. Потом была война, отступление в частях народного ополчения от Вязьмы до Москвы, отозвание с фронта и эвакуация в Самарканд вместе с институтом, защита диплома (1942), переезд и творческая работа в Новосибирске, возвращение в Москву и работа в экспериментальной творческой мастерской под руководством П. Д. Корина, знакомство с Р. Р. Фальком, переросшее в дружбу.
Конец 1940-х для деятелей искусства был удушающим, Передний писал, что ему «пришлось приспосабливаться» и считал это своей «слабостью». Множество официальных портретов членов правительства (иной раз высотой в несколько этажей) принесли успех (вновь успех, и вновь не то и невозможность творчества) и давали средства к существованию, а творчество оставалось за закрытыми дверями мастерской, где, ученик Александра Осмёркина и друг Роберта Фалька, Николай Передний работал по-своему, сумев сохранить свои манеру и убеждения, живописные ценности, пиетет к постимпрессионистам начала века.
В 1960–80-е годы художник экспериментировал в разных направлениях, писал натюрморты, портреты и пейзажи, то используя пуантилистскую технику, то по-своему интерпретируя творческий метод cезаннистов. Эти десятилетия ознаменованы расцветом в живописи Переднего, когда на первый план выступила индивидуальность художника и его собственный живописный подход к окружающему миру.
Холст «В подсолнухах» (1975) написан в поздний период творчества Николая Переднего. На лицо и волосы обнаженной модели падает свет, окрашивая их практически в тон ярким подсолнухам, среди которых запечатлена героиня. Передний обобщенно трактует портретные черты девушки, увлекаясь в большей степени игрой света и тени на ее лице. Тем не менее художник передает привлекательный и чувственный женский облик, изображая плавные округлые формы девушки, вторящие цветкам подсолнуха, румянец на щеках, длинную шею, большие выразительные глаза, полускрытые глубокими тенями, что добавляет ее образу таинственности (Мария Беликова).
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Николай Передний».
Ирина Ракова. Букет в белом кувшине. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».
Александр Савко. На привале. 2015
Абсурд в искусстве Александра Савко заключается в том, что герой американской массовой сериальной культуры помещается в единичное и неповторимое событие русской исторической живописи, всегда обращенной в прошлое. По такой же схеме он действует с шедеврами мировой живописи, вставляя физиономии героев американских сериалов вместо моделей Пикассо или персонажей социалистического реализма.
Таким образом, создается фантасмагорическая картина сложных переплетений в современной истории и культуре. Помещая образы массовой культуры в контекст классического искусства, художник иронизирует над современным обществом и восприятием традиционного. Композиции, поражающие абсурдностью и алогичностью, далекие от привычной художественной стройности, на самом деле подчеркивают болезненность общества, подверженного зависимости от навязанных образов медийной культуры и ее стандартов. Китчевые элементы, намеренно введенные художником, не только привлекают внимание зрителя нарочитой яркостью и абсурдностью, но свидетельствуют о дуалистической природе человеческого сознания, обожествляющего произведения классического искусства и одновременно возводящего в культ популизм и визуальные образы массовой культуры (Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения, artinvestment.ru).
…Я считаю, что самым главным оружием художника является его ирония. И хорошо когда она облачена в такие хорошие одежды, когда это привлекает к себе внимание, не выглядит как просто такое злопыхательство уличное.
Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно прежде всего привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.
Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.
…Здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…
Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.
Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (Александр Савко, cultobzor.ru).
Мы не будем подсказывать, какая картина послужила прообразом Александру Савко. Большинство наших участников и читателей с первого же взгляда скажут и имя автора, и название холста. А у представителей молодого поколения, которые только начинают интересоваться искусством и вступают на стезю коллекционирования, появляется прекрасная возможность самим найти прообраз, внимательно его изучить, сравнить картины современного автора и его предшественника, понять и оценить авторский замысел Александра Савко, подумать над приведенными выше его словами и сделать собственные выводы. Удачи!
Константин Худяков при участии Александра Сплошнова. Мастер и Маргарита. Полнолуние в Москве. 2016
В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.
Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм… (erarta.com).
Метод художника бескомпромиссно современен: на протяжении полутора десятков лет Худяков сосредоточен на максимально вдумчивом и детальном освоении цифровых технологий и коммуникаций как уникальных и универсальных инструментов, наилучшим образом подходящих для решения актуальных творческих задач. Что это за задачи? В общем виде их можно описать как попытку создания новой мифологии. Мифологии распада прежней цивилизации и зарождения новой, синтеза биологического и технологического начал, сопоставления масштабов макро- и микрокосма, метафизического переосмысления пространства и его заполнения (moscowarch.ru).
Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. Образы автора вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, а его произведения наполнены, как правило, символическим подтекстом и иносказаниями, погружают зрителя в ирреальный мир. «Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — н инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).
Анатолий Чечик. Нарисуй меня красивой. 2016
Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.
Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря (Анатолий Чечик).
Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры. В творчестве художника можно найти оригинальные интерпретации известных сюжетов, а среди наиболее частых мотивов, встречающихся в его произведениях, особенно выделяются античные мифы и библейские истории.
Полотно «Нарисуй меня красивой» (2016) входит в серию работ Leporello, составивших одноименный выставочный проект, показанный во всей красоте и роскоши в Бахрушинском музее в 2016-м. Художник выступил с идей нового жанра, названного в подзаголовке выставки «пьесой в живописи». «Лепорелло» — термин филокартии, обозначающий «гармошку» — набор открыток, прикрепленных друг к другу длинными сторонами. Этимология термина восходит к опере В.-А. Моцарта «Дон Жуан», к той сцене, где слуга Дон Жуана по имени Лепорелло демонстрирует внушительный список любовных побед своего хозяина, разворачивая его через всю сцену (achechik.com).
Чечик создал цикл картин, на котором изображены женщины, вдохновлявшие живописцев разных эпох. Художник переосмысливает женские образы с известных полотен Рубенса, Буше, Курбе, Гогена, Модильяни, Климта, Тулуз-Лотрека, Дега, Пикассо, Шиле, Серова, Брюллова и ряда других именитых авторов. К каждой работе Чечик подбирает броскую фразу, которая характеризует атмосферу в мастерской, в которой могли бы создаваться эти картины. Холст «Нарисуй меня красивой» (2016) отсылает к картине Энгра «Большая одалиска» (1814).
Фантазируя на тему гипотетической обстановки создания портрета, автор погружается в историю личных взаимоотношений художника и его модели, подчеркивая, что за каждым шедевром стоит своя история (Мария Беликова).
Творчество А. Чечика вполне вписывается в рамки и трансавангарда, с его новым культивированием высокого ремесла, и иронического постмодернизма, способного эксплуатировать давно открытое. Явное ощущение дуализма мира делает философскую основу его живописи схожей с символистской, а порывистость и звучность колорита, фактурность мазка и интенсивность переживания — с экспрессионистской. Впрочем тщетны поиски прямых параллелей, следует говорить скорее о духовных истоках, художественном опыте, вобравшем в себя различные культурные слои (Нина Геташвили, achechik.com).
Желаем удачи на 127-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220801_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220801_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
