Открыт 112-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   18 апреля 2022

В каталоге — произведения Рубена Апресяна, Алексея Барвенко, Андрея Бисти, Тимофея Бычкова, Анатолия Горяинова, Владимира Грига, Дубосарского и Виноградова, Германа Егошина, Александра Захарова, Евгения Зевина, Игоря Кислицына, Александра Савко, Елены Щепетовой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 426 и 112-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, две скульптуры, одна работа в смешанной технике и один лист печатной графики.

Рубен Апресян. Вечерняя композиция. 2002

Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.

На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».

Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).

Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).

Рубен Апресян развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к абстракции. Будучи учеником «советского сезанниста» Иосифа Гурвича, в ранний период Апресян закономерно испытал влияние французских живописцев, а также мастеров «Бубнового валета». Далее он все больше и больше погружался в беспредметное искусство, переосмысляя достижения русского авангарда и европейской абстракции. Подобно Малевичу и художникам его круга, Апресян исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания и создавая аналитические работы, близкие к минимализму, а также эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет (Мария Беликова).

Алексей Барвенко. Обманка. 2021

«Обманка» (2021) Алексея Викторовича Барвенко выполнена в любимом жанре художника. Обманка как технический прием в искусстве используется еще со времен античности. Существует легенда о том, как древнегреческие художники Зевксис и Паррасий взялись создать образы, которые не отличишь от реальных предметов. Зевксис изобразил виноград — да так достоверно, что на картину тотчас же слетелись окрестные птицы. Довольный своим мастерством, он предложил и Паррасию откинуть с его работы смятую изорванную занавеску, чтобы можно было оценить картину. Однако тот признался, что занавеска лишь изображение (kulturologia.ru).

В период барокко создание иллюзий получило новую жизнь и стало очень популярным, а возникший тогда же термин тромплей (trompe l’oeil в переводе с французского — «обмани глаз») до сих пор используется для наименования живописных «обманок».

Подбор предметов в обманках Алексея Барвенко всегда совершенен — ни одного лишнего или случайного. В том числе и поэтому каждая его обманка создает очень цельный, гармоничный и полный образ идеи, заложенной в нее автором. В центре нашей «Обманки» — сторублевая банкнота с изображением императрицы Екатерины II, получившая в народе название «катенька» или «катеринка».

От автора: Если тема задана, начинаешь думать, искать предметы, подбирать вещи для натуры. В основном, конечно, все пишется с натуры. Если найти вещь невозможно, приходится подключать поиск в Интернете, искать в архивах. Выдуманный контекст картины всегда формируется на основе времени жизни человека. <…>

Я люблю работать с символикой, она своеобразный культурный шифр, но я не вставляю символы куда попало, такие вещи пишутся только к месту. <…> По сути, мои картины требуют некоторого знания истории, философии, географии. Прежде чем посмотреть на картину, нужно иметь приблизительное понимание контекста, а само изображение — это информация к размышлению. Вы смотрите на заданную тему и начинаете думать. Неожиданно ваши знания дополняются просмотром картины и таким образом, вы еще больше проникаетесь увиденным (Алексей Барвенко, rewizor.ru).

Экономика России в ХХ веке росла очень быстро и к 1926 году, сохраняя рост, могла бы стать первой экономикой мира. «“Поэтому Николай II дал указание художникам по изготовлению ценных бумаг сделать деньги такими красивыми, чтобы они соответствовали статусу России, которая вот-вот станет самой сильной страной мира”, — говорит коллекционер Владислав Студеникин» (tass.ru).

Впервые портрет императрицы появился на банкноте в 1898 году, но Алексей Барвенко использовал в работе более позднюю банкноту, отражавшую все величие страны. Созданная по указу императора художником Рихардом Зариньшем, она была введена в обращение в 1911-м.

«“По мнению искусствоведов, последние бумажные деньги Российской империи превосходили любые банкноты всех других стран — по стилистике, тонкости деталей, количеству защитных элементов (была введена тонкая защитная нить), портреты ставились водяным знаком, — отметил Студеникин. — Такое качество изготовления бумаги и орловской печати ни одна страна мира не могла себе позволить”» (tass.ru).

Барвенко с ювелирной точностью воспроизводит сложнейший рисунок банкноты и дополняет «катеринку» в композиции минимумом деталей, чтобы не отвлекать внимание зрителя от ее ключевого образа. И как всегда, обманка Барвенко — это очень хорошая живопись.

Андрей Бисти. Самурай. 2014

Что победитель,
что побежденный
росы лишь капля,
только росчерк молнии —
вот должный взгляд на мир.
Предсмертное хокку
самурая Шиаку Ниюдо, 1333

В детстве мечталось о чем-то героическом, поэтому хотелось сначала стать пограничной собакой, потом пожарником и носить до блеска начищенную каску… Не сложилось. Недалеко от дома находилось ремесленное училище, во дворе которого стоял ящик с отходами производства. В нем среди металлической стружки было много разных железных штучек, которые постепенно перекочевывали ко мне под кровать. Так началась любовь к металлу, которая впоследствии превратилась в занятия офортом и сварной, кованой скульптурой. Это не металлолом, это любовно зовется «железяки восемнадцатого века». Мне всегда было странно, что такие вот вещи валяются просто как мусор. Старая ржавая вещь наполнена внутренней историей. Ее «вторая жизнь» в современном интерьере, в новых пространствах, совершенно оправданна, на мой взгляд… Это антиквариат, но антиквариат другого рода, другого свойства. В небольших вещах важна тактильная память, ее накопление во времени: кузнец, хозяин-другой, ржавчина — как прикосновение времени, потом я… (Андрей Бисти, gallerykino.ru).

Творчество — это в первую очередь размышление. Высказывание. Прогресс в искусстве основан на знании того, что было до тебя (Андрей Бисти).

Я нахожу старые, использованные, ненужные предметы и делаю их элементом скульптурной композиции. Так у меня совершенно неожиданно вещи получают новое прочтение. Таким образом, я даю никому не нужному предмету новую жизнь. Но вдруг, соединяя его с чем-то ещё, рождается доселе не существовавшее. И формально, и литературно, и по смыслу.
<…>
Материал, в данном случае — металл, тебе сопротивляется, а ты его режешь, будто масло. Приятное ощущение. Но если б сейчас настоящий сварщик увидел эту экспозицию, он бы поставил мне двойку. С точки зрения соблюдения технологии я делаю всё наоборот: люблю брызги, специально чиркаю металл электродами. Но зато добиваюсь нужной мне фактуры. Что сказать — у меня художественный, а не утилитарный подход к сварке, и это единственное моё оправдание (Андрей Бисти, lpgzt.ru).

Творчество Андрея Бисти в хорошем смысле провокативно: оно вызывает даже у искушенных ценителей изобразительного искусства освежающий чувства по-детски непосредственный интерес.

Благодаря духовной зоркости и неуемной фантазии этого удивительного художника буквально найденные на свалке истории и когда-то жизненно необходимые, ритуально значительные орудия труда наших предков, как по волшебству, перенеслись из ржавых груд вторчермета в мир возвышенных образов, обрели новую, небывалую метафизическую таинственность и почти мистическую силу. «Композиционная рецептура» такого рода действий внешне может показаться ошеломляюще простой: в самом деле, взял человек одну кованую железяку, приделал к другой, сочинил подходящее название и все дела…

Но рассуждать так столь же наивно, как всерьез верить, будто каждый желающий утолить жажду может для начала вдохнуть обеими ноздрями водород, затем одной — кислород и терпеливо ждать, пока внутри его организма сама собой образуется H2O…

Андрей, имя которого тоже апостольское, но не столь суровое, как у небесного покровителя Венеции, поступает строго наоборот: он пускает в дело фактически «стертые с лица земли», отринутые за ненадобностью разрозненные свидетельства по-своему совершенной, одухотворенно значительной народной материальной культуры и дает им поистине чудотворный шанс «жизни после жизни» не в физическом, а в метафизическом пространстве, там, где высокое, низкое сосуществуют порою зримо, а порою призрачно, как ангелы, зодиакальные существа, мужчины и женщины, их сновидения, представления о счастье и надежды на очень вероятное бессмертие человеческой души (Константин Победин, из книги «Андрей Бисти. Металлические метафоры. Скульптура»).

Тимофей Бычков. Ожидание Европы. 2018

Обладая классическими приемами пластики, молодой скульптор нарочито легко отходит от реалистически-иллюзорной лепки к обобщенным формам. Тимофей Бычковсоздает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Его произведения несут принцип иронии и гротеска, они основаны на взаимосвязи реальности и причудливых фантазий. Все это позволяет посмотреть на обычные предметы и явления с совершенно неожиданной, необычной точки зрения. Обыденные вещи одухотворены шутливо-эмоциональным авторским видением. В современное искусство вошел скульптор впечатляющего творческого потенциала (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

От великого до смешного, как известно, один шаг. Тимофей Бычков вслед за множеством художников обращается к классическому античному мифу о похищении Зевсом-Громовержцем в образе Быка дочери финикийского царя Европы (кстати, по другой версии мифа, Зевс не сам преобразился в животное, а послал за Европой быка, ru.wikipedia.org), но трактует его совсем не канонично. Бык спит в ожидании Европы, и он чем-то напоминает свернувшегося в клубок котенка. Забавно. Но в том-то и состоит волшебная сила искусства, что зритель, с удовольствием созерцая небольшую бронзовую фигурку, неожиданно для себя начинает фантазировать, в кого преобразится этот бык с огромными и совсем не забавными рогами, когда проснется, — в мифе, как и в искусстве, все возможно.

Виноградов и Дубосарский. Жаркое лето. 1998

Творческий тандем Виноградова и Дубосарского, сложившийся еще в 1990-е годы, стал одним из самых успешных художественных проектов на отечественной сцене современного искусства. Разработав оригинальный эклектичный стиль, основанный на соцреализме, совмещенном с эстетикой поп- и соц-арта, художники создавали ироничные произведения, в которых обыгрывались образы как из советской истории, так и из современной массовой культуры и рекламы. По словам куратора и критика В. Мизиано, этот яркий дуэт двух авторов «с исчерпывающей емкостью воплотил постсоветскую эпоху — владевшие ею фантазмы, осознанные или вытесненные, определявшие ее идеологемы, воспринятые программно или же бессознательно» (kandinsky-prize.ru).

Их картины стали отражением целых эпох — постсоветских 1990-х и гламурных 2000-х. Совмещая российские и западные медийные образы, используя цитаты из соцреалистической живописи, Виноградов&Дубосарский создавали ироничные, театральные сюжеты, напоминающие условную «русскую фантазию». В 2010-х художники вернулись к реальности: обратились к повседневным уличным сюжетам (vladey.net).

Работы Виноградова и Дубосарского подчас обладают галлюциногенным эффектом: чистые яркие цвета, жизнерадостный живописный стиль, переплетающиеся фигуры, полные эротических подробностей сцены, знаки почитания массовой культуры и панорамные многосоставные холсты. Художники делают все, чтобы создать вокруг зрителя атмосферу необарокко: впечатляющие сюжеты наполнены солнечным светом и блеском (Валентин Дьяконов, sxn.io).

Уроженцы Москвы Александр Александрович Виноградов (1963) и Владимир Ефимович Дубосарский (1964) окончили Московское художественное училище, а также МГАХИ им. В. И. Сурикова. Вместе работали с 1994 по 2015 год.

Работы находятся в собраниях ГТГ, ГРМ, Центра Жоржа Помпиду (Париж), МАК (Вена), музеев Италии, США и других стран.

Анатолий Горяинов. Встреча. 2020

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это всегда наполненные воздухом и одновременно плотные работы: взгляд мастера не терпит пустоты, и даже если половину кадра занимает небо, то композиционно это совершенно оправданно. Московские фотографы — люди очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейший вид ночной улицы в огнях.

Однако по образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. В. И. Сурикова. Живописью Горяинов занимается давно и серьезно, развивая в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

«Встреча» (2020) относится к числу самых чувственных работ художника. Персонажи погружены в первые мгновения общения, в тишину отстранения, в молчание, не нарушаемое даже дыханием. Взгляд зрителя притягивают лица — исходящая от них нежность заливает собой все пространство картины. Зритель, как и персонажи, замирает, захваченный трепетом соприкасающихся лиц, и только когда разомкнутся объятия или персонажи сольются в поцелуе, начнут двигаться или заговорят, зритель обратит внимание на пейзаж за окном, натюрморт на столе, цветовое решение, композицию… Но все это будет после…

Владимир Григ. Советская женщина. Из серии «Обложки советских журналов». 2006

Владимир Григ (1962) — график, иллюстратор, живописец, скульптор, автор инсталляций, для творчества которого характерно ироничное осмысление современности. В его произведениях заметны стилистические влияния советского книжного дизайна и монументального искусства, а также эстетики комикса.

«Поэтика работ Владимира Грига генетически выращена не из золотого запаса Голливуда, а из стволовых клеток советской книжной полиграфии. Самая читающая страна в мире сумела выковать за “железным занавесом” собственный визуальный язык, который в постмодернистские времена оказался благодатным материалом для художников. Но если для Кабакова или Пивоварова использование эстетических кодов 1950–60-х есть часть личной истории соучастия… и последующий критический разбор этого языка через сверхотождествление с ним, то для Владимира Грига, родившегося на два десятилетия позже, это язык — пристальный предмет изучения и погружения в эстетику и время. …Эстетские игры художника можно было бы прочитать по разряду ностальгии, но ностальгическое путешествие в прошлое оборачивается неожиданной актуальностью (Дмитрий Пиликин, kandinsky-prize.ru).

Работа «Советская женщина» (2006) — первая в серии «Обложки советских журналов» (2006–2019), в которой все работы созданы в оригинальной авторской технике: Григ использует мозаику в сочетании с акриловыми красками на холсте. По своей эстетике полотно отсылает, с одной стороны, к оформлению советских журналов, а с другой — к монументальному оформительскому искусству, в частности к мозаичным панно, украшавшим общественные места советской эпохи. Художник уподобляет поверхность холста журнальной обложке, размещая на ней незаконченную мозаику с изображением женского лица, а также собственно название «издания» в характерной стилистике, имитирующей полиграфический шрифт. При этом изображение женского лица выполнено в духе современного нео-поп-арта. Его условный контур трактован в серо-серебристых оттенках и сливается с абстрактным фоном, на котором выразительно выделяются кричаще-яркие глаза девушки, составленные из малиновых, бордовых и желтых квадратиков. Играя стилями, Григ создает многогранный образ, наполненный аллюзиями на искусство и культуру разных периодов (Мария Беликова).

Герман Егошин. Дама с тюльпанами. 2002

Автор живописной композиции «Дама с тюльпанами» (2002) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель поколения «шестидесятников» в ленинградской живописной школе. В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах. Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Наша картина «Дама с тюльпанами» (2002) выполнена через много лет, но в ней видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

***

Еще в 1960-е годы Егошин абстрагировался от официального советского искусства, его интерес обратился к отечественному и европейскому модернизму первой трети ХХ века. Художнику было близко сезаннистское понимание живописи, и в его работах заметны стилистические влияния произведений мастеров «Бубнового валета». Цвет у Егошина главенствует над формой, задавая определенный эмоциональный настрой. Художник создает обобщенный женский образ, лишенный портретных характеристик. Внимание зрителя в первую очередь привлекает большой красочный зонтик, под которым укрылась героиня от палящего в небе солнца, лучи которого ритмично расходятся в разные стороны. Отказываясь от достоверного следования натуре, Егошин объединяет женскую фигуру с условным пейзажем за ее спиной посредством единой цветовой гаммы, строящейся из оттенков бежевого, желтого, оранжевого, розового, фиолетового, зеленого, голубого и синего. В результате пульсирующая энергия цвета исходит от всей живописной поверхности. Работу отличает свободная и динамичная манера письма насыщенными пастозными мазками. Картина передает радостную атмосферу теплого солнечного дня (Мария Беликова).

Александр Захаров. Моби Дик. 2009

Современный художник Александр Захаров более всего известен яркими, разнообразными и всегда загадочными женскими образами.

Совсем иначе художник открывается в холсте «Моби Дик» (2009), источником вдохновения для которого ему послужил одноименный легендарный роман Германа Мелвилла.

Моби Дик — огромный белый кит-убийца, за которым охотится китобойное судно «Пекод» и его капитан Ахав. Но, очевидно, неверно было бы сводить картину к иллюстрации: вот кит, вот море, вот белый кораблик безумного капитана. Скорее, художник создает образ самого литературного произведения: роман сложен и многогранен, он, как пишет Татьяна Венедиктова, написан «очень дробно, он очень мозаичен, он все время рассыпается, как рассыпается отражение в волнующейся воде, все время бликует» (arzamas.academy), к нему необходимо возвращаться с возрастом, по мере взросления и обретения жизненного опыта, — и вот это-то мозаичное «отражение в волнующейся воде» пишет художник под впечатлением от прочитанного. Яркий образ, созданный Захаровым, совершенно отличен от великолепных иллюстраций Рокуэлла Кента, лучшего иллюстратора романа, — так же, как музыка Скрябина отличается от прелюдий Баха. И возможно, кого-то картина «Моби Дик» Александра Захарова подтолкнет к знакомству и прочтению гениального романа Германа Мелвилла.

Евгений Зевин. Взгляд в личную жизнь. 2012

Главное — не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Евгений Зевин остро чувствует закономерности композиционных и декоративных решений; обычные, вроде бы каждодневно виденные предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму в сопоставлении объема, цвета, внутреннего движения или покоя.

Он всегда в процессе исканий, особенно в области цвета, один из самых тонких и культурных наших мастеров. В настоящее время едва ли можно говорить о нем, как о представителе крайних левых направлений. Натюрморты Зевина — это всегда картины, в которых есть глубочайшее содержание, действие, интрига, тайна, мгновение, год, эпоха, соотносящие смысл их живописной фактуры с духом современности. Картина двухмерна, и задачей художника является перевести эту условную двухмерность в трехмерное пространство внешнего мира. Он хочет, чтобы картину можно было читать как книгу.

Продуманные включения в натюрморт тех или иных предметов делаются художником не ради повышенной декоративности или в поисках новых цветовых созвучий как таковых: цельность остается главным качеством его произведений. Работу над картиной Евгений Зевин начинает обычно с рисунка углем, причем это очень длительный процесс по доведению линии до совершенства, с использованием закона силовых линий авангардистов 1920-х годов. В каждом рисунке или композиции уже ничего нельзя менять. Изображаемые предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму. Они близки к построению музыкального произведения…

На всех этапах своего творчества художник не терял собственного лица. Овладев формой путем опытов над ее разложением, он пришел к упрощенному, но вместе с тем материальному построению картины.

Его произведения всегда напоминают людям о вечных ценностях и утверждают красоту окружающей нас предметной среды и жизни (Нина Лапина, zevin.ru).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека, и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же, на месте, оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Игорь Кислицын. Вход. Из цикла «Неслыханная середина». 2021

В своем творчестве Игорь Кислицын часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда.

В определенный период в работах [Кислицына] все настойчивее дает себя знать неразрушимая цвето-триада — Черное, Белое, Красное, символически трактуемая как Почва, Дух, Кровь... Эта цвето-триада чаще всего дополняется холодной синевой — цветом, связанным уже с христианской традицией, цветом Глубины и Высоты. (Вера Родина, artinvestment.ru).

Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).

При всей очевидной русскости и значении для него почвенного начала, он остался вне салонного «псевдо-древнеруссничанья» наивных или конъюнктурных стилизаций.

С другой стороны, при всей ощутимости его опоры …на культурное наследие великого континента Евразии в целом, при всей значимости для него реминисценций искусства былого, ныне, увы, все более уходящего в прошлое «закатного» Запада, он смог избежать… смешения заведомо несовместимого — этой постмодернистской болезни вкуса… Ведь цельность «сплава», органика личного стиля уже отчетливо определилась, а личность автора уже состоялась — ведь утверждать право быть собой в искусстве, пораженном изменчивостью модных течений, быть изменчивым в перипетиях личного стиля и метода, но внутренне цельным — это сейчас задача, достойная уважения, независимо от оценки конкретных результатов с точки зрения зыбких критериев, вкусовых предпочтений и т.п. (Сергей Кусков, арт-критик, цит. по: artinvestment.ru).

Александр Савко. Слепенькие. 2014

Абсурд в искусстве Александра Савко заключается в том, что герой американской массовой сериальной культуры помещается в единичное и неповторимое событие русской исторической живописи, всегда обращенной в прошлое. По такой же схеме он действует с шедеврами мировой живописи, вставляя физиономии героев американских сериалов вместо моделей Пикассо или персонажей социалистического реализма.

Таким образом, создается фантасмагорическая картина сложных переплетений в современной истории и культуре. Помещая образы массовой культуры в контекст классического искусства, художник иронизирует над современным обществом и восприятием традиционного. Композиции, поражающие абсурдностью и алогичностью, далекие от привычной художественной стройности, на самом деле подчеркивают болезненность общества, подверженного зависимости от навязанных образов медийной культуры и ее стандартов. Китчевые элементы, намеренно введенные художником, не только привлекают внимание зрителя нарочитой яркостью и абсурдностью, но свидетельствуют о дуалистической природе человеческого сознания, обожествляющего произведения классического искусства и одновременно возводящего в культ популизм и визуальные образы массовой культуры (Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения, artinvestment.ru).

…Я считаю, что самым главным оружием художника является его ирония. И хорошо когда она облачена в такие хорошие одежды, когда это привлекает к себе внимание, не выглядит как просто такое злопыхательство уличное.

Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно прежде всего привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.

Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.

…Здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…

Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.

Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (Александр Савко, cultobzor.ru).

Елена Щепетова. Монголия. Степи. 2014

Искусство Елены Щепетовой удивительно трепетно балансирует между конструктивной логикой графики и нежным упоением живописи, между традиционным пейзажным сюжетом и чистой космической абстракцией (Никита Иванов, artpanorama.su).

Присутствие художницы в любом новом месте создает, пробуждает удивительный союз — ее таланта и того пространства, в котором она находится. Ее монгольский цикл ошарашивает. Небо, написанное через отверстие в потолке юрты. Зеленовато-серая бесконечность ночной степи. Кажется, что художнице удалось передать реальную бесконечность вне пространства и времени. Так было здесь всегда — вот суть послания этих картин. Проходили тысячелетия, природа менялась, приходили и уходили люди и животные, а эта природа была всегда такой (Екатерина Косолапова, fulljazz.ru).

Тема странствий становится магистральной в творчестве художницы. В своих работах Е. А. Щепетова создает ощущение бесконечного пространства при помощи использования параллельной перспективы и кулисного построения. Эти приемы, а также четкая, графичная манера письма, ритмическое строение композиционных элементов пейзажа и преобладание одной цветовой тональности напоминают произведения Николая Рериха, мастера горных пейзажей. Бесконечная игра цвета и света, сочетание пастельных линий и насыщенных цветовых пятен рождают ощущение разнообразного и вечно меняющегося мира (artinvestment.ru).

Желаем удачи на 112-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI