Открыт 111-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Ивана Акимова, Анелии Алиповой, Нисо Атахановой, Константина Батынкова, Инны Бельтюковой, Марины Венедиктовой, Михаила Дронова, Юлии Картошкиной, Александра Кацалапа, Андрея Орлова, Андрея (Дюди) Сарабьянова, Игоря Снегура, Елены Фокиной
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 425 и 111-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 111-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, две работы в смешанной технике и одна скульптура.
Иван Акимов. Степь да степь кругом. 1989
К серии «Валенки» относится холст «Застолье» (2000) Ивана Николаевича Акимова. «Память — интересная штука, — говорил Акимов. — В ней можно мгновенно перескакивать из одной географической точки в другую, из одного десятилетия в другое. Мое детство у меня почему-то ассоциируется с белоснежной зимой, бескрайними просторами и теплыми валенками. Когда детские воспоминания проецируются на бесконечные фрагменты моего прошлого и настоящего, то эти прозрачные наслоения создают тот иллюзорный мир моих картин, где все взаправду, но все-таки чуть-чуть что-то не так. То мужики мелковаты, а бабы великоваты. А то кентавры глушат водку с мужиками и, хрустя огурчиком, рассказывают о своих житейских проблемах, после чего восторженные слушатели неторопливо взмывают в небо и с высоты своего полета высматривают еще открытый винный магазин. Бабы безразлично наблюдают за полетом нетрезвого мужицкого косяка и после приземления неторопливо разбирают своих по домам: “Вернулся — и слава Богу, теперь можно спокойно выпустить полетать стадо домашних рыб”. Жизнь течет медленно и размеренно. Завтра будет новый день и старые заботы».
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
Автор вырос в понимании и сопротивлении догмам, сам обнаружил бесконечность форм и языков художественного выражения, но не смог «вписаться» в новые рыночные организационные структуры постсоветской художественной жизни — замкнулся в своей квартире, тотальной ежечасности творчества, в гармонии «любования» (ключевые слова «Ваня» + «Люба»), в борьбе с собой, в диалоге со «своими зелёными тараканами» (cultobzor.ru).
Творческий путь художника шел от ранних экспериментальных опытов живописи и графики до прикладных инсталляций и оригинальных работ по фольклорным мотивам.
Жизнь Ивана Акимова была посвящена поиску оригинальных индивидуальных форм творческого самовыражения, которые он сам называл своими «зелеными тараканами». Критики называют художника «человеком-загадкой». Он никого не пускал в свой внутренний мир, но его творческое переосмысление реальности поражало неожиданностью и точностью эстетических характеристик… Его работы — не художественный товар, а интимный диалог с самим собой и близкими людьми. Полотна Ивана Акимова — это «русская утопия», неустанное любование непростым, но прекрасным миром предметов и чувств.
«Много работаю и никогда на выставках не показываю дважды одни и те же работы, — рассказывал художник. — Пишу большими сериями. Серия включает обычно от 10 до 100 картин, объединенных какой-либо темой. Работаю над серией до той поры, пока хватает воображения, терпения и желания. Как только заканчивается одна, начинается другая. Материал не имеет значения — это может быть графика, коллаж, инсталляция, живопись.
Меня увлекает сам процесс придумывания проектов, иногда они так и умирают, не реализовавшись, но нередко я к ним возвращаюсь, смотрю другими <глазами> и переделываю. Часто пишу по 14 часов в сутки. Работаю под любимую музыку, орущую на полную мощь, стоя, и прохожу не один километр, отходя и подходя к мольберту. В таком ритме, как правило, работаю не больше двух недель…
Первой большой серией были “Звезды”. Это условное название. В этих работах вместе с масляной краской использовал звезды и другие металлические армейские знаки отличия, а так же большое количество значков доперестроечной эпохи, создавая из них декоративные композиции. Это не было соцартом — это была просто игра со знаками и значками как с декоративным материалом, и я не обращал внимания на их символику.
Параллельно я придумывал серию “Евреи в снегах”, которую в те времена было проще назвать “Валенки”. К этой теме я вернулся через 10 лет. Новые сюжеты, хотя герои все те же. Простая жизнь с элементами бытового сюрреализма».
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Окончил Московский Архитектурный Институт. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993 г. С 1984 года участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Анелия Алипова. Портрет мальчика с листом. 2020
Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).
На абстрактном темном фоне запечатлено монументальное лицо мальчика, внешний облик которого говорит о его африканских корнях. Интерес к племенным народностям характерен для творчества художницы, создавшей серию портретных образов представителей малочисленных этнических групп.
Несмотря на юный возраст героя, в его облике уже проскальзывают черты взросления. «Возраст мальчика позволяет ему одновременно “находится по обе стороны баррикады”: детская непосредственность и любопытство еще определяют его натуру, но во взгляде уже проскальзывает осознанная серьезность, ставящая его на путь взросления. Листок, скрывающий половину лица, служит своеобразной преградой. Несмотря на свою тонкость и хрупкость, для мальчика он — защита, которая оберегает от нашего вторжения. В любой момент он может убежать, скрыться, с другой стороны — ничего не мешает ему полностью открыть свое лицо, отодвинув этот листок», — пишет искусствовед Н. Соколова.
Палитра картины строится на сочетании оттенков коричневого, зеленого, голубого и розового. Работу отличает гладкая манера письма, большое внимание при этом художница уделяет передаче фактуры кожи ребенка, добиваясь визуального эффекта ее бархатистости (Мария Беликова).
Нисо Атаханова. Луна и Солнце. 2022
Картина «Луна и солнце».
Взаимодействие двух форм с разными характеристиками: цвет, границы пятна, направление движения.
Это определяет образ.
Два цветка могут представлять образ дуальности, ровно так же это может быть что-то дополняющее и взаимно обогащающее до единого целого — как минор и мажор в музыкальной гармонии (Нисо Атаханова).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник-монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
До 24 апреля 2021 работы художника можно увидеть на персональной выставке Светланы и Нисо Атахановых «Ритмы шелка» в московской галерее Reloft Art.
Константин Батынков. Собачья площадка. 2019
Константин Батынков, известный своей виртуозной живописью, тяготеющей к технике каллиграфии, — художник, чей панорамный всеохватывающий взгляд удивляет своей точностью к деталям. Эстетика его произведений отсылает к искусству «Общества художников-станковистов», участники которого запечатлевали индустриализацию начала XX века. Константин Батынков, с юности увлеченный Александром Лабасом, также обращается к теме городского пейзажа. Однако пространство его работ наполняется узнаваемыми деталями: самолетами, вертолетами, дирижаблями, летающими тарелками, кораблями, подлодками – военной техникой, которую он изучал в Московском институте инженеров гражданской авиации. Эти объекты возникают в самых неожиданных местах, наполняя образ произведения фантазийной сюрреалистичностью (Сергей Попов, popoffart.com).
«Собачья площадка» (2019) продолжает большой ряд работ, написанных в деревне или в укромном городском уголке с чудом сохранившимися одноэтажными домиками. Если бы не высотка вдали и сама тема работы, легко можно было бы принять пейзаж за деревенский. Во всех этих работах Батынков средствами живописи виртуозно придает противоположную динамику происходящему в небе и на земле, эмоционально разделяя два пространства. На земле все всегда идет неспешно — например, на собачьей площадке даже собаки какие-то «пышные» (Заболоцкий) и не торопятся бегать, прыгать, более подвижными и деловитыми выглядят многочисленные хозяева. А в небе все иначе: резкие росчерки антенн и проводов, вертолетики, птицы — словом, все, что оторвано от земли, движется и создает эмоциональное напряжение такой силы, что оно охватывает все пространство картины.
Картины Батынкова абсолютно узнаваемы: фирменная монохромная палитра и излюбленная тематика — разнообразные летательные аппараты и прочие «мегаобъекты», подавляющие своей мощью муравьиного размера людишек, — и так же далеки от воинственности, как игра в солдатики от апологии милитаризма. Эти композиции будто пришли из сна. Своей зыбкостью, какой-то нездешностью они напоминают творения любимцев Батынкова из числа современников — Валерия Кошлякова и Питера Дойга (Peter Doig). Декоративные картины словно проецируют какую-то отстраненную ностальгию вперемешку с чувством абсурдного (artinvestment.ru).
Инна Бельтюкова. Молитва. 2021
Экспрессивный пейзаж «Молитва» (2021) Инны Бельтюковой написан в необычном ракурсе, в сочетании ярких красок, фактурным пастозным мазком.
«Я по натуре гиперперфекционист, дочь ювелира. Каждая картина для меня как ребёнок. Люблю, чтобы завершённая работа пожила у меня дома, что-то всегда хочется поправить, иногда изменить. Для меня это диалог с Вечностью. Не будет меня, мои картины станут частью чей-то жизни. Пишу маслом, в реализме, что не есть признак современного искусства.
Я играю на полутонах в понятийном смысле. Почти все мои картины очень активные по цвету, жизнеутверждающие, может даже агрессивные. Каждый раз для меня это попытка противопоставить нашим будням яркость жизни через наполненность и красочность образов» (Инна Бельтюкова, artifex.ru).
Инна Бельтюкова в 1985 году окончила экономический факультет МГУ им. М. В. Ломоносова, в 1988 защитила кандидатскую диссертацию на тему «Планирование туристско-экскурсионной деятельности в СССР». Основатель компании «Инна-тур».
Член Творческого союза художников России» (ТСХР). Участник групповых и персональных выставок.
Марина Венедиктова. Гламур СС. 2021
Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.
Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).
Михаил Дронов. Творческий тупик. 2017
Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Михаил Дронов принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.
Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».
Юлия Картошкина. Девушка со столом. Оммаж Анри Матиссу. 2021
О картинах Юлии Картошкиной просто и ясно написал коллекционер Александр Флоренский: «прекрасны и удивительны, их скорее нужно покупать и вешать на стену» (irin-krainov1.livejournal.com).
Юлия Картошкина — московская художница, творчество которой созвучно европейскому модернизму первой трети ХХ века, в особенности фовизму и экспрессионизму. Окончила курсы в МХГПА им. С. Г. Строганова и Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств. Регулярный участник всероссийских групповых и персональных выставок. Работы Картошкиной находятся в собрании Саратовского музея им. Радищева, а также в частных коллекциях России и за рубежом.
В работе «Девушка со столом. Оммаж Анри Матиссу» (2021) содержатся стилистические и сюжетные отсылки к французскому фовизму, в частности к произведениям Анри Матисса, создавшего множество изображений женщин в интерьерах комнат. Как и французский живописец, Картошкина сосредотачивает внимание на колористической составляющей, которая главенствует над формой, задавая определенный эмоциональный настрой. Для этого художница использует яркие локальные цвета. Фигура девушки, сидящей у стола в комнате, трактована плоскостно — Картошкина лишь очерчивает изящный силуэт и лицо героини, едва намечая то особое, что могло бы рассказать о ее личности. Цветы в вазе, как и фрукты на столе, представлены обобщенно и уподоблены ярким цветовым пятнам. Работу отличает декоративно-ритмизированная организация формальных элементов и отказ от пространственной глубины в пользу цветовых плоскостей. Ритм перекрещивающихся линий на обоях комнаты вступает в перекличку со складками портьеры, а также с узором на вазе. Таким образом, Картошкина создает красочное произведение, в котором живет эстетика фовизма, радующая зрителей энергией цвета и наполняющая их позитивным эмоциональным зарядом (Мария Беликова).
Александр Кацалап. Мегаполис. Час пик. 2021
Александр Кацалап (1957) совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.
В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап также переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематические формы Малевича с примитивистской эстетикой, заполняя все пространство своих работ геометризированными персонажами и отказываясь от перспективы и глубины. Иногда он выстраивает с этими героями сюжетные линии, и равномерно распределяет их по плоскости холста — в этой манере выполнена наша работа «Мегаполис. Час пик» (2021).
Художник обращается к стилистике примитива, запечатлевая условных городских жителей на улице в час пик. Все герои объединяются коллажным принципом и пребывают в абстрактном, лишенном глубины пространстве. Автор использует и настоящий коллаж, приклеив некоторые детали к холсту.
Персонажи трактованы максимально упрощенно и обезличенно, при этом сама изображаемая сцена передает привычную городскую атмосферу. Фигуры существуют поодиночке и парами. Стоят, идут, бегут. Непосредственные и порой неуклюжие позы персонажей вызывают у зрителя улыбку и светлые эмоции. Так с помощью минимальных средств изобразительности художник показывает синтетическую картину действительности, запечатлевая единство момента в его разнообразных проявлениях.
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».
Андрей Орлов. Японка. 2021
Андрей Павлович Орлов — пейзажист, портретист, мастер натюрморта, абстракционист. Родился в 1979 в Ялте. В 2002 окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша. Живет и работает в Ялте.
В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы.
Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков. Живописный инструментарий замыкается в широком диапазоне выразительных средств от истоков колористических открытий нидерландских старых мастеров, обогащенных французскими постимпрессионистами до узаконенности американцами самоценности цвета в абстрактной картине. Марк Ротко, Кес ван Донген, Хаим Сутин, Пьер Боннар, Анри Матисс — в высшей степени обуздавшие краску — становятся для Орлова камертоном звучания цвета. Его живопись свободна от балласта символизма и концептуализма, в ней чистота неповторимого образа порождается органичной сложностью четко определенных взаимоотношений цвета на плоскости холста. Прохлада кобальта, ультрамарина или бирюзы не гасит, необузданно испаряясь, раскаленность кадмия, кармина или краплака, а утоляет пыл особого рода эстетической жажды. Самозабвенное размышление художника о колористической структуре явленной натуры, имя которому — сама картина, погружает истинного ценителя, тонких индивидуальных состояний в полнокровную жизнь цвета (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).
Андрей (Дюдя) Сарабьянов. Хоровод № 10. 2019
В серии произведений Андрея (Дюди) Андреевича Сарабьянова под названием «Хоровод» запечатлены танцующие мужчины в длинных одеяниях. Эти картины вызывают ассоциации с древними танцами дервишей — мусульманских аскетов и монахов, исповедующих суфизм. Танец дервишей, который представляет собой ритмичное вращение вокруг собственной оси под духовную музыку, является формой динамической медитации, особым религиозным ритуалом, способом приблизиться к Абсолюту, выйдя за рамки собственного тела и ума. Это действо вводит в транс не только самих танцующих, но каждого, кто становится свидетелем этой завораживающей сцены.
Сарабьянова привлекла мистика древнего танца, равно как и невероятная пластичность исполнителей. Художник изобразил единственного танцора в белом развевающемся одеянии, его фигура выразительно выделяется на темном фоне. Композиция произведения отличается динамичностью: автор передает создаваемый кружением дервиша вихрь — и появляется иллюзия вращения фигуры. Скупая палитра строится на черно-белом контрасте и сосредотачивает внимание зрителя на созерцании этой мистической сцены, не отвлекая его на лишние детали. Тонко работая с цветом, Сарабьянов добивается метафизического свечения, исходящего от светлой фигуры танцора, что усиливает символическое звучание полотна.
Андрей Сарабьянов является представителем известной отечественной династии Бруни — Сарабьяновых, из которой вышел целый ряд художников и искусствоведов. Окончил Московский академический художественный лицей им. Н.В. Томского (1999), факультет сценографии Российской академии театрального искусства (2004). Произведения автора находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. Сарабьянов работает в различных стилях и направлениях, а излюбленным жанром художника является пейзаж, в том числе городской (Мария Беликова).
Игорь Снегур. Диагонали. Транзиты. 2002–2003
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).
Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.
Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).
В работе «Диагонали. Транзиты» (2002–2003) Снегур продолжает характерные для его творчества исследования сложных взаимоотношений формы и пространства. Переосмысливая достижения отечественного беспредметного искусства, художник стремится выйти за рамки обыденного восприятия действительности и осмыслить фундаментальные онтологические вопросы. Рассматриваемая абстрактная композиция по своему воплощению отсылает к эстетике коллажа. Художник средствами живописи имитирует наложение друг на друга цветовых диагональных плоскостей, формирующих оптическую иллюзию калейдоскопа. Каждый элемент имеет оригинальную колористическую гамму и геометрический узор, взаимодействие которых обуславливает цветовую и формальную ритмику произведения. Работу характеризует усложненная организация пространства, одновременно уходящего и в плоскость и в глубину. Полотно отличает оригинальное композиционное решение: плоскости изображены пребывающими в ограниченных рамках, однако часть их выходит за пределы, в бесконечное пространство. Еще на раннем этапе творчества Снегур писал: «Около рамы пространство прилипает к поверхности холста. По мере приближения к поверхности пространство задевает и формирует цвет предметов, также и форму. Цвет через насыщенность выплывает из этого пространственного колодца. На этом материале идет строительство композиции» (snegur-art.ru) (Мария Беликова).
Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.
В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.
Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого «занавеса» и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст (Игорь Снегур, cultobzor.ru).
«Абстрактное — значит нематериальное. А нематериальным может быть лишь идея, — записывал в дневнике Игорь Снегур. — Итак, какова идея абстрактного? В моем случае это соотношение аморфного и геометрии. Геометрия всегда конечна и статична. Аморфное всегда неконечно и нестатично. <…> Аморфное — скорее женская природа, геометрия — мужская. Геометрия обеспечивает форму, аморфное наполнено склонностью к изменению. Иначе не произойдет желанной встречи, т.е. не проявится ОБРАЗ… Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета в изменчивости, и в нем отражено время».
Елена Фокина. Поля и Маша. 1998
На мой взгляд, любое искусство имеет право на существование. Как говорит один мой друг митёк: «Рисовать можно все, если не стыдно маме показать». А я считаю, что в каждой работе художника должна быть хвала Богу. И дело не в сюжете, а в отношении к тому, что рисуешь, к тому, что создано Богом.
Я пишу всегда с радостью, потому что для меня это самый чистый кайф — рисовать красками. Если вам это передается — здорово! (Елена Фокина, biozvezd.ru)
Елена Фокина — живописец, график. Постоянный участник разнообразных выставочных проектов, в том числе международных (Лондон, Париж, Дортмунд, Лос-Анджелес, Токио). Живет в Коктебеле. Работы художницы находятся в частных коллекциях России, Германии, Франции, Дании, Голландии, Израиля, Америки и Австралии.
«Елена Фокина — художник, который занимается живописью в самом традиционном смысле этого слова. Живописью, восхищенной самой жизнью во всех ее проявлениях — дожде, поле, детском смехе, грушах, взаимоотношениях кувшинов на столе. Фокина, по ее собственному признанию, просто очень любит “красить красками”, видеть и делиться тем, что она видит и чувствует, с помощью холста и красок», — пишет о творчестве Фокиной искусствовед Н. Щербакова.
Елена Фокина родилась 16 марта 1961 года в Москве. Ее мама занималась исследованиями в области гематологии, а папа самоотверженно служил родине. Елена была единственным ребенком в семье Фокиных, и её воспитание родители доверили бабушке Марии Александровне. «Бабушка была удивительным человеком со сложной судьбой. Она знала несколько языков, а немецкий и польский преподавала в школе, — вспоминает Елена. — А вообще бабушка была профессиональной женой и питерской красавицей: полный набор — воспитание и осанка, прямая спина, безупречный маникюр. Я ни разу не видела ее непричесанной даже во время болезни. В 1937 году ее репрессировали, а мою маму она родила в тюрьме. Бабушку освободили перед войной, со справкой и без карточек она оказалась во время блокады в Ленинграде. Но она все вынесла и выжила. Из таких людей можно делать гвозди».
После школы Елена Фокина два года работала секретарем в издательстве «Малыш», а затем поступила в Полиграфический институт.
После окончания Московского полиграфического института, Елена Юрьевна работала по договорам в разных организациях. Одним из мест ее работы было издательство «Дрофа», в том числе занимающееся выпусками передачи «Спокойной ночи малыши» и киножурнала «Ералаш». В 1987 году Елена Фокина впервые выставила свои работы, которые понравились искусствоведам и поклонникам живописи. Это вдохновило художницу больше сил отдавать написанию полотен.
Она — серьезный, очень много работающий художник, но порой кажется, что в ней живет озорная девчонка, которая умеет, как кэрролловская Алиса из страны чудес, удивляться обычному, и преображать его в своем творчестве. Елена дарит нам своими работами радостное восприятие мира, и как будто говорит: смотрите, как здорово жить, как интересно! Люди, давайте радоваться нашим детям, теплому солнышку, каждому цветку, знакомой собаке, и вообще каждому подаренному нам Господом дню! Оглянитесь вокруг, ведь мы живем в очень красивом месте земли, где есть синие горы, Волошинские холмы, и много-много морского воздуха. И зрители забывают о своих проблемах, о кризисе, о политике, погружаясь в коктебельские радости Елены Фокиной. В её творчестве есть самое главное, чем она щедро делится со зрителем, — гормон счастья (Ирина Панаиоти, старший научный сотрудник Феодосийского литературно-мемориального музея им. А. С. Грина, gorod24.online).
Желаем удачи на 111-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220411_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220411_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведения о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, предоставленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
