Открыт 107-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Семёна Агроскина, Ивана Акимова, Нисо Атахановой, Сергей Бордачёва, Анастасии Вахненко, Дмитрия Воронина, Александра Григорьева, Дубосарского и Виноградова, А. В. Захарова, А. Г. Захарова, Наталии Захаровой, Ильи Комова, Ирины Раковой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 421 и 107-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 107-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — шесть живописных произведений, два листа оригинальной и один — печатной графики, две скульптуры, одна работа в смешанной технике и одна фотокомпозиция.
Семён Агроскин. Наблюдение № 6. Монтенегро. Из серии «Вуайерист». 2016
Художник будто возрождает старые жанры, но в тихом предстоянии их образов схвачен нерв современности. Реальность Агроскина поэтична, но узнаваема, она вызывает мгновенный отклик в памяти. Камерность, специфика ракурса, приглушенный колорит картин дают ощущение интимности, искренности показанного момента. В то же время эти полотна созерцательны, умозрительны, художник изымает все лишнее, сосредотачиваясь на предмете размышления, чувствования. Он доводит образы до тонкой грани между изображением самого явления и мысли о нем: «Предметный и видимый мир на грани исчезновения, растворения и схлопывания перед неизбежным концом цивилизации — вот, пожалуй, концепция, близкая мне» (vladey.net).
Стиль Агроскина лаконичен и прост. Но именно в этом и кроется индивидуальность художника. Взглянув первый раз на его картины, может показаться, что полотна бедны и однообразны из-за небольшой палитры красок, используемых художником.
Но стоит присмотреться и можно обнаружить богатство оттенков того или иного цвета. Все это дополняют причудливые формы и извилистые линии, которые так характерны для художника.
У автора есть поэтический взгляд на окружающий мир. В живописи много экспрессивных движений, но они не нарушают состояния тишины, пустоты, одиночества. В наблюдениях художника чувствуется неуловимый юмор. Есть внимательное отношение к «ничтожности», мелочам, обыденности. Все замечает, во всем находит мотив. Этот художник понимает магию поверхности, материальность, образность цвета (anysite.ru).
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Иван Акимов. Застолье. Из серии «Валенки». 2000
К серии «Валенки» относится холст «Застолье» (2000) Ивана Николаевича Акимова. «Память — интересная штука, — говорил Акимов. — В ней можно мгновенно перескакивать из одной географической точки в другую, из одного десятилетия в другое. Мое детство у меня почему-то ассоциируется с белоснежной зимой, бескрайними просторами и теплыми валенками. Когда детские воспоминания проецируются на бесконечные фрагменты моего прошлого и настоящего, то эти прозрачные наслоения создают тот иллюзорный мир моих картин, где все взаправду, но все-таки чуть-чуть что-то не так. То мужики мелковаты, а бабы великоваты. А то кентавры глушат водку с мужиками и, хрустя огурчиком, рассказывают о своих житейских проблемах, после чего восторженные слушатели неторопливо взмывают в небо и с высоты своего полета высматривают еще открытый винный магазин. Бабы безразлично наблюдают за полетом нетрезвого мужицкого косяка и после приземления неторопливо разбирают своих по домам: “Вернулся — и слава Богу, теперь можно спокойно выпустить полетать стадо домашних рыб”. Жизнь течет медленно и размеренно. Завтра будет новый день и старые заботы».
«Это тип художника, которому было интереснее создавать каждую следующую минуту свой мир, а не тусоваться. К тому же его собственного внутреннего мира ему было более чем достаточно» (Георгий Никич, куратор выставки Ивана Акимова в Малом Манеже, 2014. rg.ru).
«“На выставках меня с трудом помещали в экспозицию, искали отдельную стенку. Я не уживался с любыми соседями”, — писал Акимов, любимец музыкантов, анахорет, индивидуалист» (rg.ru).
Автор вырос в понимании и сопротивлении догмам, сам обнаружил бесконечность форм и языков художественного выражения, но не смог «вписаться» в новые рыночные организационные структуры постсоветской художественной жизни — замкнулся в своей квартире, тотальной ежечасности творчества, в гармонии «любования» (ключевые слова «Ваня» + «Люба»), в борьбе с собой, в диалоге со «своими зелёными тараканами» (cultobzor.ru).
Творческий путь художника шел от ранних экспериментальных опытов живописи и графики до прикладных инсталляций и оригинальных работ по фольклорным мотивам.
Жизнь Ивана Акимова была посвящена поиску оригинальных индивидуальных форм творческого самовыражения, которые он сам называл своими «зелеными тараканами». Критики называют художника «человеком-загадкой». Он никого не пускал в свой внутренний мир, но его творческое переосмысление реальности поражало неожиданностью и точностью эстетических характеристик… Его работы — не художественный товар, а интимный диалог с самим собой и близкими людьми. Полотна Ивана Акимова — это «русская утопия», неустанное любование непростым, но прекрасным миром предметов и чувств.
«Много работаю и никогда на выставках не показываю дважды одни и те же работы, — рассказывал художник. — Пишу большими сериями. Серия включает обычно от 10 до 100 картин, объединенных какой-либо темой. Работаю над серией до той поры, пока хватает воображения, терпения и желания. Как только заканчивается одна, начинается другая. Материал не имеет значения — это может быть графика, коллаж, инсталляция, живопись.
Меня увлекает сам процесс придумывания проектов, иногда они так и умирают, не реализовавшись, но нередко я к ним возвращаюсь, смотрю другими <глазами> и переделываю. Часто пишу по 14 часов в сутки. Работаю под любимую музыку, орущую на полную мощь, стоя, и прохожу не один километр, отходя и подходя к мольберту. В таком ритме, как правило, работаю не больше двух недель…
Первой большой серией были “Звезды”. Это условное название. В этих работах вместе с масляной краской использовал звезды и другие металлические армейские знаки отличия, а так же большое количество значков доперестроечной эпохи, создавая из них декоративные композиции. Это не было соцартом — это была просто игра со знаками и значками как с декоративным материалом, и я не обращал внимания на их символику.
Параллельно я придумывал серию “Евреи в снегах”, которую в те времена было проще назвать “Валенки”. К этой теме я вернулся через 10 лет. Новые сюжеты, хотя герои все те же. Простая жизнь с элементами бытового сюрреализма».
Иван Николаевич Акимов родился 6 июля 1957 года в Москве. Окончил Московский Архитектурный Институт. Член Союза художников СССР с 1984 и Московского Союза художников с 1993 г. С 1984 года участвовал во всесоюзных, российских и московских выставках, а также в зарубежных экспозициях. Провел 18 персональных выставок в Москве. Жил и работал в Москве.
Работы находятся в собраниях художественных музеев России, в московской галерее CRASULA, в коллекции SWISS Bank, в частных коллекциях в Аргентине, Великобритании, Германии, Израиле, США, Португалии, России, Финляндии, Франции и Японии, в том числе в коллекциях Peugeot-Peyron (Франция), The Earl of Gowrie (Великобритания), W. Wittrock (Германия), Peter Мах (США), А. И. Антонова, Д. Н. Ермакова, И. Д. Кобзона, Стаса Намина (Россия), Natan Zakh (Израиль) (ivan-akimov.net).
Нисо Атаханова. Грядка редиса. 2020
«Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишни, осенними листьями клёнов, петь песни, пить вино и развлекаться, просто отдаваясь течению, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно плыть по потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем “укиё”…» (Асаи Рёи, писатель).
Слово «укиё» в японском языке имеет несколько значений: «образы быстротекущего мира», «бренный мир» или «мир мимолётных наслаждений». Термин заимствован из философии дзен-буддизма, для которого важно осознание бренности человеческого бытия в сравнении с вечностью (cultobzor.ru).
Картина «Грядка редиса» (2020) была представлена на выставке UKIYO. Весной 2020, находясь на строгом карантине, я решила посадить грядку редиса на своем балконе. Мне нравилась идея, что, находясь в изоляции, я смогу наблюдать за развитием и движением чего-то живого. Через какое-то время я сделала зарисовку ручкой в блокноте, быструю — это была абстракция, ячейки и ленты, а в середине прорастали редиски. Меня захватила эта идея и композиция, и я начала работать на большом холсте. Уже позже, спустя полгода, продумывая экспозицию выставочного проекта UKIYO, мы с редактором начали говорить о значении этой картины. И, оглядываясь назад, я поняла, что редиски — это прообраз людей, которые находятся в своем мире, в стенах квартиры и сами выбирают, как относиться к сегодняшней реальности и как прожить свой день, а из дней сложится жизнь. Поэтому картина очень отражает концепцию выставки, это «образы быстротекущего мира», «бренный мир» и то, как мы его воспринимаем (Нисо Атаханова).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник-монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
Сергей Бордачёв. Белый песок. 2012
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Анастасия Вахненко. Старо-Калинкин мост. Из серии «Санкт-Петербург». 2021
Графическая композиция «Старо-Калинкин мост» (2021) Анастасии Вахненко приглашает в один из уголков Петербурга, к Старо-Калинкину мосту в устье Фонтанки. Своё название мост получил по наименованию находившейся вблизи Калинкиной деревни (небольшой финской деревни, известной с XVII века). С 1733 года на этом месте существовал деревянный многопролётный разводной мост, переброшенный через два рукава реки Фонтанки и Глухую речку (Кривушу). В конце XVIII века мост был перестроен по типовому проекту мостов через Фонтанку, а в середине 1960-х началась реставрация архитектурного оформления моста. Основой проекта реставрации послужила историческая справка, составленная по архивным материалам, а одним из источников общего вида переправы в XIX веке явилась картина К. Ф. Кнаппе «Вид моста через Фонтанку» (1799) из собрания Эрмитажа. В результате реставрационных работ восстановлены гранитные барьеры, отделяющие проезжую часть от тротуара; восстановлены гранитные скамьи на парапетах открылков моста, около открылков установлены гранитные круглые обелиски с фонарями, позже была выполнена позолота металлических декоративных деталей моста и воссозданы фонари и памятные доски на башнях (ru.wikipedia.org).
Рисунки Анастасии Вахненко очень интересно рассматривать: овалы облаков, жесткая линейная структура парапета, ломаные линии и углы льда на Фонтанке, мозаика теней на набережной — все они создают поразительно живую картину питерского городского пейзажа.
Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Дмитрий Воронин. Древолаз. 2022
«Древолаз» (2022) Дмитрия Борисовича Воронина — удивительно теплая и притягательная работа. А между тем древолазы, точнее их отдельные представители, — одни из самых ядовитых животных на планете. Как правило, это очень маленькие лягушки размером 12–25 мм, самые крупные до 60 мм. Весят около 2 граммов, в зависимости от размера. Окраска тела большинства видов очень яркая (от нежно-жёлтого цвета до синевато-чёрного и кроваво-красного в крапинку), предупреждающая об опасности (ru.wikipedia.org).
Дмитрий Воронин остроумно и изящно передает и крошечный размер лягушки, располагая ее на широком и толстом древесном «листе», и ее пятнистую окраску. А если, рассматривая работу, представить себе приятный голос «модели», напоминающий стрекотание сверчка или посвистывание, то образ получает почти музыкальное завершение.
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью. Создает лаконичные бронзовые композиции.
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных, разве только скульптор Кирилл Александров.
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Александр Григорьев. Композиция «Раковина». 1982
Во время творческой работы художник часто «растворяется» в этом процессе, проникает или, скорее, «впадает» в другие измерения, а может быть, находит путь к самому себе, к своей глубинной сути! Прикасается или овладевает универсальным магическим кодом бытия (Александр Григорьев).
Александр Григорьев родился в 1949 году в Ленинграде. В 1967 поступил в ЛИСИ на архитектурный факультет; в том же году познакомился с участниками московского коллектива художников «Движение» и кинетическими тенденциями в их творчестве (русское кинетические движение 1960-х продолжало традиции авангарда 1920-х, яркими представителями которого были Татлин, Малевич, Родченко, Габо и др.).
Летом — осенью 1967 сделал первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты.
В 1968 в составе группы «Движение» разрабатывал проект детской игровой среды «Остров цветов», в основу которого были заложены идеи «лабиринта — искусственной кинетической среды»; принимал участие в создании кинетической модели «Киберсобытие», оформлении выставки, посвящённой 50-летию советского цирка. В 1971 году стал одним из создателей декораций к фильму «Комитет 19-ти» режиссёра Саввы Кулиша, а в 1972 году принял участие в конструировании кинетических ансамблей для промышленной выставки «Электро-72» в Москве.
В 1972 вышел из состава группы «Движение», с 1973 работал в области книжной графики; в 1980–90-х создал серию графических работ, произведений с использованием фото, а впоследствии и компьютера, постановочные акции в стиле «кинетического маньеризма».
Свой стиль Александр Григорьев называет кинетическим маньеризмом.
Маньерист считает абсолютно непонятным не только свое «я», но и окружающий мир, любой из его объектов. Как маньерист — поэт или художник — может относиться к этому миру? Заинтересованно? Нет. Страстно? Нет. Холодно?.. Да, пожалуй, что и не холодно, ведь холодность — тоже эмоция. Поэтому для такого человека прежде создания поэмы или картины возникает очень трудный подготовительный период. Он должен продумать: что даст ему объект, который он хочет изобразить на картине или воспеть в стихах. Это продумывание, порой, занимает гораздо больше времени, чем создание самого произведения.
Замечательный испанский философ Хосе Ортега-и-Гассет в своем эссе «Поездка в трамвае» пишет: « Я не хочу эту женщину мерить общими мерками красоты. Я хочу найти принцип красоты в ней самой. Отвлечься от всех норм и стандартов, и просто понять, почему эта женщина красива». Заметьте, Ортега-и-Гасет здесь поступает как типичный маньерист: он не хочет анализировать объект наблюдения, не хочет его расчленять. <…> Для маньериста любое состояние, любой предмет, любой объект даны в своей абсолютной непознанности. Для маньериста очень важны «политес», «дистанция». Он не хочет вовлекаться в объект. А значит, «нормальные» человеческие чувства для маньериста полностью исключены.
Маньерист крайне серьезно, уважительно и «политесно» относится ко всему, что его окружает. В качестве героев картины или стихотворения он стремится взять объекты, дающие максимальное количество эмоций и ассоциаций. Для этой цели подойдет павлин или звезда, луна или летучая рыба... (Е. Головин, alegrig.ru).
Сюжет графического листа «Композиция “Раковина”» (1982), очевидно, важен и интересен для автора: через 20 лет художник создал вариант «Композиции…» (2002) с очень незначительными изменениями и в 2015-м включил его в обширный каталог «Магическая геометрия».
Дубосарский и Виноградов. На пленэре. 1998
Творческий тандем Виноградова и Дубосарского, сложившийся еще в 1990-е годы, стал одним из самых успешных художественных проектов на отечественной сцене современного искусства. Разработав оригинальный эклектичный стиль, основанный на соцреализме, совмещенном с эстетикой поп- и соц-арта, художники создавали ироничные произведения, в которых обыгрывались образы как из советской истории, так и из современной массовой культуры и рекламы. По словам куратора и критика В. Мизиано, этот яркий дуэт двух авторов «с исчерпывающей емкостью воплотил постсоветскую эпоху — владевшие ею фантазмы, осознанные или вытесненные, определявшие ее идеологемы, воспринятые программно или же бессознательно» (kandinsky-prize.ru).
Их картины стали отражением целых эпох — постсоветских 1990-х и гламурных 2000-х. Совмещая российские и западные медийные образы, используя цитаты из соцреалистической живописи, Виноградов&Дубосарский создавали ироничные, театральные сюжеты, напоминающие условную «русскую фантазию». В 2010-х художники вернулись к реальности: обратились к повседневным уличным сюжетам (vladey.net).
Работы Виноградова и Дубосарского подчас обладают галлюциногенным эффектом: чистые яркие цвета, жизнерадостный живописный стиль, переплетающиеся фигуры, полные эротических подробностей сцены, знаки почитания массовой культуры и панорамные многосоставные холсты. Художники делают все, чтобы создать вокруг зрителя атмосферу необарокко: впечатляющие сюжеты наполнены солнечным светом и блеском (Валентин Дьяконов, sxn.io).
Александр Захаров. Выключи свет. 2013
Выразительный женский образ создан кистью Александра Геннадьевича Захарова, автора холста «Выключи свет» (2013).
Яркая, но при этом лаконичная цветовая гамма, неоднородная фактурная поверхность, проработанная кистью, мастихином, процарапыванием, помогают художнику создать, скорее, собирательный образ, чем портрет конкретного человека.
Единственный декоративный элемент на холсте — небольшой фрагмент украшения прически. Все остальное — откровенно, без тайны, без флера, безжалостно. Она смертельно устала, даже не сбросила туфли на огромных каблуках, мы почти не видим ее лица со следами размазанного грима, она конечно пьяна и, скорее всего, голодна, ей мешает желтый свет единственной лампочки, который даже не добирается до темных углов помещения, она лежит в дешевой комнате, непроизвольно свернувшись, как будто хочет спрятаться в раковину, закрыться от всего и вся. Свет погаснет, и она провалится в тяжелый мутный сон.
Написав женщину, художник даже слегка, случайно не коснулся ее женской сути. Мы не знаем, какая она на самом деле — умная или глупая, веселая или мрачная, чувственная или холодная. Все, что мы видим, говорит всего лишь о ее профессии, работе, а что живет в душе этой современной обитательницы купринской «Ямы» и живет ли что-нибудь, — об этом художник умолчал, оставив зрителю возможность самому подумать и что-то для себя решить.
Александр Захаров. Мармеладные мишки. 2020
Бывает, что даже при небольшом увеличении маленькой картины пропадает все ее очарование: размываются линии, мутнеют краски, меняется колорит и разваливается композиция. «Мармеладные мишки» Александра Захарова — это совсем другая история. Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, проявляет почти невидную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тонкие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки. На фотографии миниатюрная живопись обретает новые черты, новые детали и яркие краски. Две «родственные» работы проявляют каждая свое лицо, и лица эти — разные.
***
Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).
Два маленьких персонажа Карик и Валя, взятые из книжки Яна Ларри, путешествуют среди огромных, словно тропических растений и насекомых, приспосабливают исполинов под качели и гамаки, спасаются от монстров-богомолов, муравьиных львов и стрекоз с самолетным размахом крыльев. Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия.
У его <живописных> работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…» (triumph.gallery).
Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде «негатива» для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький «негатив» я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая «доска», с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю «разглядеть» пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».
Наталья Захарова. Ангел сидящий. 2017
Не вступая в прямой диалог со своими друзьями скульпторами, Наталья Захарова нашла своего рода пластическую нишу, в которой чувствует себя вполне комфортно, так как и в живописи, и в новой изобразительной ипостаси ее влечет магия проверенного веками образа. Она освободилась от случайностей штрихового обилия ранних рисунков. Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории «нонфинито», оставляющей пространство для зрительских домыслов (Вильям Мейланд, gallerynazarov.ru).
Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.
В произведениях Натальи Захаровой никогда не бывает недосказанности, неоправданных жестов и деталей. Скульптор призывает задуматься над сюжетом. Ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д.
Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
В чем смысл сюжета «Ангела сидящего»? Цельное, завершенное творческое высказывание Натальи Захаровой указывает зрителю прямой путь к пониманию и призывает его к со-чувствию.
Илья Комов. И корабль плывет. 2020
Его [Ильи Комова] ландшафты никогда не подчиняются стабильным схемам, ни осевым, ни кулисным. Дома и горы, облака и деревья, и все прочие элементы панорам обязательно покачиваются, смещаются. Корёжит их энергия, сжатая до предела. Ни одна река не течет горизонтально, ни одна башня не стоит вертикально. В этом котле бытия слишком горячо. Там колышется материя, насыщенная энергией (Александр Якимович, ilya-komov.com).
Название картины отсылает к одноименному фильму Федерико Феллини 1983 года. Комов как будто переносит итальянский сюжет с моря на русскую Волгу, по которой плывет прогулочный корабль. Художник не призывает зрителя к размышлениям о том, какой театр абсурда разворачивается на борту корабля, да и разворачивается ли. Все это не имеет никакого значения. С первого взгляда зрителя захватывает пейзаж, берега реки, где все движется, играет красками и линиями, каждый элемент привлекает внимание. И в окружении всеобщего движения корабль плывет. Именно это важно.
***
Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.
…Художник точен в своих наблюдениях, он «снимает виды» конкретных ландшафтов и архитектурных сооружений. Между тем натура, хотя и вызывает у мастера несомненное доверие, является скорее поводом, позволяющим углубиться в колористические и композиционные штудии. Пространство в работах Ильи Комова не глубоко, но любимый мастером синий цвет, подменяя собой законы прямой перспективы, уводит взгляд зрителя вдаль. Действие, если таковое существует, разворачивается на переднем плане картины, как правило, это неспешный провинциально-дачный быт, медленно протекающий перед глазами зрителя. Описание это весьма условно, как, впрочем, условен и сам жанровый момент в пейзажах художника. Их прочитываешь скорее как череду символов, нежели как бытовые зарисовки. Лаконизм, тщательный отбор деталей позволяет усматривать в пейзажах сцены, не привязанные жестко к определенным географическим координатам.
Вневременные пейзажи художника становятся декорациями некоего эпического театрального действия. Тот фантастический мир окрашивает равенство всех всем: люди здесь уподоблены кронам деревьев, монастырским колокольням, стогам сена. Их очертания повторяют друг друга, пробуждая мифологические воспоминания о первоначальной гармонии всего живущего.
Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».
Ирина Ракова. Чувство полета. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com ).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова» .
Желаем удачи на 107-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220314_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220314_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведения о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, предоставленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
