Открыт 101-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   31 января 2022

Произведения Рубена Апресяна, Светланы Атахановой, Алексея Барвенко, Алексея Гинтовта, Марины Венедиктовой, Анатолия Горяинова, Юрия Григорьева, Александра Жатова, Дмитрия Кедрина, Анны Лавровой, Андрея Медведева, Пааты Мерабишвили, Александра Савко

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 415 и 101-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 101-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — двенадцать живописных произведений и одна работа в смешанной технике.

Рубен Апресян. Композиция с зигзагообразной линией. 1999

Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.

На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».

Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).

Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к абстракции. Будучи учеником «советского сезанниста» Иосифа Гурвича, в ранний период Апресян закономерно испытал влияние французских живописцев, а также мастеров «Бубнового валета». Далее он все больше и больше погружался в беспредметное искусство, переосмысляя достижения русского авангарда и европейской абстракции. Подобно Малевичу и художникам его круга, Апресян исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания и создавая аналитические работы, близкие к минимализму, а также эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет (Мария Беликова).

Светлана Атаханова. Матрица. 2015

Меня вдохновляет красота мира — это для меня интересно и становится толчком к творчеству. Нечто увиденное трансформируется и превращается в образ, который с помощью средств живописи я стараюсь передать. Для меня важно очистить этот образ от всего лишнего, оставив только то, что помогает проявить красоту жизни и несет радость, тишину и покой (Светлана Атаханова, cultobzor.ru).

Словно руководствуясь известным высказыванием Валентина Серова, она хочет писать отрадное и находит его везде и во всем.

Планета Земля, ее горы, деревья, дома и, конечно же, люди — вот главные герои ее жизнеутверждающих произведений. Поэтому пейзаж, населенный людьми, — излюбленный жанр художницы. Мощные деревья, полные витальной силы, так или иначе присутствуют практически в каждой работе Светланы. Они будто олицетворяют собой энергию жизни. На первый взгляд кажется удивительным, что как такового Таджикистана нет в ее произведениях. Но он присутствует в контрастах цвета, в сочетаниях малиново-красного и фиолетового, сине-зеленого и охристо-желтого, напоминающих о знаменитых среднеазиатских абровых тканях. В самом понимании гармонического единства человека и окружающей среды — того, что сохранилось еще в патриархальном укладе жизни народа Таджикистана (museum.ru).

Живопись и графика Светланы Атахановой — это сочетание восточного колорита с изящной техникой. Ее картины невольно вызывают ассоциации с искусством ковроткачества, отражающим тонкую душу Востока, его глубинную философию и древнее наследие. Восток прочно вплетен в ее судьбу и творчество, многоликий и обширный, как и география поездок самой Светланы, черпающей свое вдохновение в таких экзотических местах, как волшебный остров Цейлон и Китай. За красочными полотнами, однако, видна рука опытного мастера, имеющего в своем арсенале классическое художественное образование и годы преподавания в Строгановке.

Сочные фрукты, плавные изгибы кипарисов, смуглые лица источают животворящую силу земли, наполняют атмосферу солнечной энергией. Это не только пейзажи и натюрморты, великолепно вписывающиеся в современный интерьер, но и жанровые сцены, создающие особую праздничную ауру. Работы Атахановой — это глоток живительной влаги, оазис силы, способный трансформировать любое пространство в источник гармонизации.

Она постоянно исследует природу цвета, придавая ему большее значение, чем отражению реальности. Ее палитра включает и богатый фиолетовый спектр, от нежно-сиреневого до насыщенного пурпурного, и небесно-голубые, и нежно-бежевые оттенки.

За всем буйством красок и обжигающей красотой экзотических ландшафтов, несомненно, ощущается главный посыл автора: стремление к единению души и тела, гармонии на всех уровнях человеческого бытия, поиск всех оттенков радости, которые может даровать жизнь открытому сердцу (quartagallery.ru).

Алексей Барвенко. Аммонит. 2016

Алексей Викторович Барвенко известен прежде всего как автор «обманок», написанных с использованием известного со времен античности и редкого сегодня технического приема в искусстве. Интересный подбор предметов в «обманках» Барвенко и прекрасная живопись привлекают внимание знатоков и любителей не только современного, но и классического искусства.

«Аммонит» (2016) не «обманка», холст выполнен в негромкой благородной цветовой гамме, а ископаемая раковина несет на себе следы времени.

Аммониты — это вымершие головоногие моллюски. Своё название аммониты получили в честь древнеегипетского божества Амона, иногда изображавшегося с рогами барана.

Из-за своей необычной формы ископаемые раковины аммонитов получили известность в мифологии. Им приписывают различные магические и фантастические свойства, из-за чего многие люди желали иметь у себя ископаемые остатки аммонитов. Некоторые люди до сих пор верят в чудодейственные свойства аммонитов, которых в действительности же у тех не наблюдается.

Ископаемая раковина аммонита для многих народов мира считается символом семейного счастья, достатка и благополучия, а в более широком понимании — бесконечности. Ископаемым остаткам аммонитов приписывают дарование предвидения и ощущения связи времен.

В Ирландии их называли «окаменевшими змеями», в Германии — «золотыми улитками». Шаманы и колдуны использовали аммонита для связи с «другим» миром и для усиления предвидения. Греки, как и египтяне, клали раковину аммонита в изголовье на ночь и верили, что они увидят грядущей ночью хороший сон.

Распространено почитание раковин аммонитов как воплощения бога Вишну (ru.wikipedia.org).

Алексей Гинтовт. Самарканд. 2005

В авторской технике выполнена композиция «Самарканд» (2005) Алексея Юрьевича Гинтовта.

Алексей Гинтовт развивает в своем творчестве мотивы, близкие участникам «Новой Академии» петербургского художника Тимура Новикова (1958–2002), основанной в 1989 с целью сохранения и переосмысления классического наследия в отечественном искусстве в противовес концептуальным практикам постмодернизма. Творчество живописца приято относить к «неоакадемическому» направлению современного искусства, представители которого синтезируют в своих работах традиции «имперского» и «советского» периодов отечественной художественной жизни. В 2008 году Гинтовт стал лауреатом Премии Кандинского в номинации «Проект года».

Образный ряд произведений Гинтовта состоит, как правило, из узнаваемых изображений городских видов, архитектурных строений и памятников, которые он переосмысляет в новом ключе, представляя зрителю их с новой, порой неожиданной стороны. В центре работы «Самарканд» (2005) — изображение древней мечети Биби-Ханым, известной исторической достопримечательности Узбекистана. Эта богато декорированная цветными изразцами и росписями постройка представлена у Гинтовта в строгой и лаконичной черно-золотой цветовой гамме. Художник меняет акценты: если цветное изображение мечети привлекает внимание в первую очередь своей красочностью и нарядностью, то в авторской интерпретации на первый план выходят архитектурные характеристики строения — монументальность и объем, соразмерность частей и целого, гармония и симметрия. Как и в большинстве своих произведений, художник использует сочетание потали и черной типографской краски и уделяет особое внимание технике исполнения своих работ, обращаясь к ручной печати. В результате скупая цветовая гамма не мешает автору добиться создания торжественного образа, лишенного ненужных, отвлекающих деталей и манифестирующего свою красоту и совершенство формы (Мария Беликова).

Марина Венедиктова. Гламур ВВ. 2021

Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.

Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).

Анатолий Горяинов. Новый Свет. 2021

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях — например, Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Анатолий Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

Новый Свет — это небольшой крымский поселок на берегу черноморской бухты Судак-Лиман (также называемой Зелёной бухтой), основанный князем Голицыным в XIX веке. Со всех сторон Новый Свет окружен плотным кольцом гор, вокруг него растут реликтовые хвойные деревья и заросли можжевельника, вода в Зеленой бухте чистая, в поселке расположен голицынский завод шампанских вин, есть и другие развлечения — словом, рай для отдыха.

Яркие горяиновские краски не блекнут под крымским солнцем, а персонажи загорают, отдыхают, удят рыбку, попивают вино, дремлют, овеваемые морским ветерком (заметьте, с книжками, а не с электронными гаджетами), а Новый Свет дарит им тот самый новый свет, которого так не хватает в повседневности.

Юрий Григорьев. Осенний вечер. 2017

Природа не просто пейзаж или среда обитания, природа — часть нас самих, и я не знаю, какая она объективно, и никто не знает. Я знаю природу только через свое восприятие: изображая ее, я изображаю себя, свои настроения, чувства… (Юрий Григорьев, gallerypst.com).

Юрий Петрович Григорьев — современный оренбургский живописец, заслуженный художник России.

Последние 20 лет излюбленным жанром художника является пейзаж; он много времени проводит вне города, черпая вдохновение в природе и сельской жизни.

В творчестве Григорьева продолжают жить достижения европейского модернизма первой трети ХХ века, французского фовизма, немецкого экспрессионизма, живописи мастеров круга «Бубнового валета», хотя Григорьев не ведет ни с кем из художников прямого диалога.

Работы Григорьева отличаются свободной лепкой живописных форм, где цвет является одной из главных составляющих изобразительного языка. В колористически насыщенной работе «Осенний вечер» (2017) цвет тоже несет основную смысловую нагрузку, вызывая у зрителя живой эмоциональный отклик (Мария Беликова).

Александр Жатов. Времена. Из серии «Время жизни — время творения». 2021

К эстетике голландского натюрморта XVII века отчасти отсылает мотив среднеразмерного холста «Сосуды и рукопись» из серии «Время жизни — время творения» (2020) Александра Николаевича Жатова.

Натюрморт — преобладающий жанр в творчестве художника. Принцип сделанности и чёткой детализации ранних работ в 2019 году уступает место более свободной живописной манере, хотя исторический характер подачи сюжета сохраняется. В этот период художник создает серию натюрмортов «Время жизни — время творения», объединенных ренессансными реминисценциями. Композиционное сочетание натюрморта и фрагментов исторического интерьера, дополненное символико-аллегорическими образами, делает эти работы многоплановыми в контексте тематической интерпретации изображенного. Отголоски барочного мировосприятия ванитас, как эхо быстротекущего времени и напоминание о суетности бытия, ассоциативно всплывают в памяти при созерцании часов, венчающих изображенные композиции на полотне. Музыкальные инструменты, книги — всё хранит память об ушедших поколениях. Мир, созданный автором в этих натюрмортах, — это мир, предназначенный для долгого, вдумчивого созерцания (А. М. Ставцева).

Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.

Дмитрий Кедрин. Электричество. 2017

В ночи сверкают электрические гирлянды, окрашивая в необычные цвета все кругом — огороженную ими площадку, снег, деревья, небо. Контровой свет особенно выделяет деревья на первом плане, с одной стороны подчеркивая их графичность, а с другой — противопоставляя глубокую темноту стволов россыпям огней и красок за деревьями и у их подножия. «Пограничный, предельный, окраинный мир волновал меня с детства», — пишет Дмитрий Кедрин и акцентировано противопоставляет разноцветную мозаику в круге света и полусумрак пространства вне его пределов — кроны деревьев, городские строения и, похоже, сопку на дальнем плане. Зрителю понятна и интересна равноценность обоих пространств в картине.

Кедрин — профессиональный художник-график, выпускник Московского Полиграфического института. Полученные там образование, умения и навыки не просто пригодились, но оказались важными и в живописи. «Спонтанная, эмоциональная, экспрессивная живопись требует постоянного контроля. Я называю это “вовремя остановиться”. Нельзя уставать — возникает опасность потери первой свежести и остроты выразительности. Лучше отложить картину и продолжить завтра.

Для меня важно равновесие цветовых масс. Иногда какой то цвет начинает “кричать” — приходиться его успокаивать или находить ему поддержку, гармонизировать картину. Мой принцип работы с цветом — сначала форсирование, затем гармонизация.

Я работаю кистью, мастихином, самим тюбиком, пальцами, картонками, губками, жестким валиком. Это дает богатство мазка и позволяет совершать маленькие открытия в создании фактур и спецэффектов. Наращивание красочного слоя и работа поверх предыдущего рельефа создает интересную, сложную, живую поверхность. В каждом слое своя энергия, в случае удачи возникает сумма энергий — для меня это одна из составляющих хорошей картины.

Много работаю чистым, открытым цветом, Я выжимаю краску из тюбика прямо на холст и использую  тюбик как рисовальный инструмент. Это дает плотную, насыщенную цветную линию или пятно. Чтобы линия не была равномерна по всей длине, механистична, я расплющиваю ее пальцем или мастихином» (Дмитрий Кедрин).

Его яркая экспрессивная живопись композиционно очень точна и даже в чем-то графична, но именно эта ее организованность и помогает зрителю глубоко сосредоточиться на художественном высказывании и услышать художника.

Анна Лаврова. Ностальгия. 1991

Анна Михайловна Лаврова была членом студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина, участницей практически всех выставок студийцев вплоть до конца существования «Новой реальности», включая знаменитые пароходные поездки по Волге в начале 1960-х годов. Занятия живописью Лаврова совмещала с работой в прикладном искусстве, проектируя одежду для советской текстильной промышленности и участвуя в международных выставках (в том числе в Москве, Лондоне, Нью-Йорке и Варшаве). Даже работая с масштабными формами, Лаврова создавала сбалансированные и технически выверенные композиции, наполненные драмой человеческих чувств.

Следуя «теории всеобщей контактности» Белютина, участники «Новой реальности» разрабатывали собственную систему для выражения в искусстве глубинных переживаний человека. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — эти слова Белютина наиболее точно описывают творческое кредо Анны Лавровой (artinvestment.ru).

Работа «Ностальгия» создана в 1991 году в мастерской в Абрамцево по заданию Элия Белютина.

Общая тема для живописи: «Новая реальность». В ней тема: «Тоннель нашей жизни».

Приемы для написания живописи:

«Зазеркалье» — тот мир, в котором мы сами хотели бы быть, но его нет.

«Негативы» — странные ассоциации предметного восприятия, цвета как на цветном негативе в фото, яркие несколько искусственные, нереальные.

Лаврова точно шла по теме — Ностальгия — это тоннель нашей жизни в прошлое. Сочетания цветов в работе несколько неестественные, как на негативе.

Вода, в ней отражение солнца, а наверху, в небе, сквозь тучи луна. И черный цветок. А внизу белые стебли.

То прошлое, которое не вернуть (Вера Преображенская, Студия Белютина, 1991).

Небольшое добавление. Aвтор хотел передать настроение печали о прошлом. Но в этой печали есть светлые воспоминания, которые угадываются в виде светлых линий, пересекающих пространство изображения. И эти светлые ростки являются светлой надеждой на радость в Будущем (Надежда Александрова, Студия Белютина, 2022).

Наполненное драмой человеческих чувств, передаваемых через очень личное и острое восприятие, выраженное современными авангардными художественными средствами, искусство Анны Лавровой апеллирует к мыслям и эмоциям современных людей… (Агнешка Доброчиньска, искусствовед).

Андрей Медведев. Прогулка Дема. 2019

Толпы странных персонажей Андрея Викторовича Медведева звездной ночью собрались на площади небольшого провинциального городка, чтобы увидеть необычное существо, гуляющее с необычными животными на поводках. Кем бы ни был Дем, без сомнения, это один из самых ярких персонажей в сонме персонажей, населяющих полотна Медведева: художник не просто тщательно его прописал — лицо, платье, крылья, босые ноги, — но и придал цвет, покрасив губы яркой помадой, чего он обычно не делает. Наверное, Дем выгуливает кота и собаку, они тоже странные — для нас, но для удивительного мира, созданного художником Андреем Медведевым, они — свои.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Pata (Паата Мерабишвили). Балерина. 2016

Танцующая женщина всегда изящна и соблазнительна. Недаром танцовщицы испокон века были центрами мужского притяжения. С развитием классического балета в искусстве — танце, живописи, скульптуре, поэзии — сформировался устойчивый образ воздушной, порхающей балерины.

Танец балерины похож на полет кометы: кромешная тьма пространства сцены, яркая изящная фигура, наполненная красотой, — короткий миг.

Фон картины преднамеренно черный, глубокий, контрастные яркие цвета акцентируют пластику балерины (Паата Мерабишвили).

Паата Мерабишвили работает в скульптуре, живописи, графике, коллаже, создает произведения двухмерного и трехмерного искусства. В них он обращается к эстетике древнего и античного искусства, национальным традициям, вступает в диалог с произведениями модернистов. Полотнам художника свойственна колористическая насыщенность, чувственность и эмоциональность образов, а также особое внимание к пластической выразительности человеческих фигур.

Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.

Паата Мерабович Мерабишвили родился в 1964 году в Тбилиси и происходит из известной художественной династии грузинских скульпторов и художников. Окончил Тбилисскую государственную художественную академию в 1990 году. Живет и работает в Москве. Произведения скульптора находятся в частных коллекциях Грузии, России, США, Германии, Израиля, Швеции, Франции, Италии, Швейцарии, Канады.

Александр Савко. Поле чудес. 2016

…Я считаю, что самым главным оружием художника является его ирония. И хорошо когда она облачена в такие хорошие одежды, когда это привлекает к себе внимание, не выглядит как просто такое злопыхательство уличное.

Да, мне о многом хочется высказаться. Но… это должно прежде всего привлечь изящностью высказывания. Здесь важен не столько смысл, сколько форма подачи. Именно формой художник может привлечь к себе внимание.

Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.

…Здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…

Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.

Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил (Александр Савко, cultobzor.ru).

«Поле чудес» (2016) — это обращение художника к мультфильму «Ну, погоди!», на котором выросло не одно поколение отечественных зрителей. Несколько раз дублируя образ Волка (деятельного, изобретательного, простодушного и невезучего, десятилетиями вызывающего сочувствие у подавляющего большинства зрителей, больших и маленьких), художник размещает множество улыбающихся Волков на поле чудес, апеллируя таким образом к сказке «Золотой ключик» Алексея Толстого.

Клоны мультяшного Волка радостно собирают урожай — золотые монеты, растущие на деревьях. В работе явственно ощущается авторская ирония, высмеивающая наивность масс, верящих в чудеса и являющихся легкой мишенью для разного рода манипуляций со стороны властных институций, рекламы, СМИ. Кричаще-яркие акриловые краски подчеркивают искусственность и выхолощенность всей сцены. Нарочито-праздничная атмосфера произведения вызывает в зрителе чувство дискомфорта, подталкивая его к осмыслению процессов современного развития, отмеченного властью копии над оригиналом, штампами и клише, которые распространяются в глобальном масштабе, становясь частью национальных культур (Мария Беликова).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Савко — Пост-ирония в искусстве».

Желаем удачи на 101-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI