Открыт 95-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   07 декабря 2021

В каталоге собраны произведения Отари Кандаурова, Виктора Крапошина, Пааты Мерабишвили, Андрея Орлова, Нины Поляковой, Ирины Раковой, Романа Рахматулина, Елены Суровцевой, Кати-Анны Тагути, Кати Филипповой, Елены Фокиной, Янины Ческидовой, Марии Шалито, Игоря Шелковского.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 409 и 95-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 95-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — семь живописных произведений, четыре работы в смешанной технике и две скульптуры.

Дополнительный стринг — 5 работ Pata (Пааты Мерабишвили): три скульптуры, одна живописная композиция и одна работа в смешанной технике.

Отари Кандауров. Богоматерь. 1969–1970

Отари Кандауров — российский художник, культуролог, эзотерик, автор книг по проблемам духовной культуры, по основным темам эзотерики и философии искусства.

О художнике читайте на kandaurov.aquarius-eso.ru.

Виктор Крапошин. Курящая, соблюдающая постановление о вреде пассивного курения. 2021

Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.

Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина, искусствовед).

У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.

Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).

Виктор Крапошин любит писать город и городских жителей в окнах квартир: там что-то происходит, идет неспешная домашняя жизнь. Окна домов у художника — это чрезвычайно значимый элемент. Бывает, что окна темны или они, даже освещенные, плотно занавешены, — это своеобразный знак, своего рода призыв к зрителю задуматься, еще более почувствовать напряженность внешней сцены.

В картине с ироничным названием «Курящая, соблюдающая постановление о вреде пассивного курения» (2021) люди за окнами ужинают, пьют чай, разговаривают с детьми, сидят у ноутбука. Курящих на картине двое — мужчина в окне и девушка на балконе. У девушки в руках телефон, так что, скорее всего, она вышла просто поговорить, а заодно и выкурить сигарету.

Но вот насчет запретов все не так просто. О вреде курения, в том числе пассивного, известно всем. «Специального закона, который запрещал бы россиянам курить у себя на балконе, не существует — но с октября 2019 года в стране действуют обновленные правила противопожарного режима. Они не запрещают прямо курить на своем балконе или в квартире — это частная собственность. Что действительно запрещено — это использование на балконе или лоджии открытого огня; к источникам такого огня, наряду со свечами, мангалами и т. п., относятся и спички с зажигалками, и сами сигареты (не считая электронных) (realty.rbc.ru). «В правилах отсутствует определение понятия «открытый огонь», однако, по всей видимости, его «использованием» может считаться зажжение спички или зажигалки. Таким образом, закурить на балконе или лоджии, не нарушив запрет, становится невозможно (rbc.ru). Вместе с тем «в ноябре 2017 года Верховный суд признал за россиянами права на взыскание компенсации с соседей, которые курят на балконах, из-за чего дым попадает в чужие квартиры. В решении ВС отмечалось, что россияне имеют право на благополучную окружающую среду, они также обязаны не нарушать чужое право на охрану здоровья и благоприятную среду обитания (rbc.ru).

Таким образом, чтобы не нарушать запретов и не судиться с соседями, проще всего совсем бросить курить. Ради собственного здоровья.

Андрей Орлов. Ню на зеленом. 2021

Андрей Павлович Орлов — пейзажист, портретист, мастер натюрморта, абстракционист. Родился в 1979 в Ялте. В 2002 окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша. Живет и работает в Ялте.

В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы.

Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков. Живописный инструментарий замыкается в широком диапазоне выразительных средств от истоков колористических открытий нидерландских старых мастеров, обогащенных французскими постимпрессионистами до узаконенности американцами самоценности цвета в абстрактной картине. Марк Ротко, Кес ван Донген, Хаим Сутин, Пьер Боннар, Анри Матисс — в высшей степени обуздавшие краску — становятся для Орлова камертоном звучания цвета. Его живопись свободна от балласта символизма и концептуализма, в ней чистота неповторимого образа порождается органичной сложностью четко определенных взаимоотношений цвета на плоскости холста. Прохлада кобальта, ультрамарина или бирюзы не гасит, необузданно испаряясь, раскаленность кадмия, кармина или краплака, а утоляет пыл особого рода эстетической жажды. Самозабвенное размышление художника о колористической структуре явленной натуры, имя которому — сама картина, погружает истинного ценителя, тонких индивидуальных состояний в полнокровную жизнь цвета (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).

Нина Полякова. Я хочу жить. 2019

«Все мои работы создаются на основании имеющихся знаний и опыта в области права, в целях поддержки свободы творчества, свободы слова, отказа от насилия и прославления уникальности человеческой личности» (Нина Полякова).

Нина Полякова (1981) — современная красноярская художница, участница многочисленных отечественных и зарубежных выставок современного искусства. Работы автора отличаются оригинальным стилем, а сюжеты приходят из того, что происходит с нами здесь и сейчас. «Целью моего творчества является привлечь внимание к острым политическим, социальным или личностным проблемам» (Нина Полякова).

Полотно «Я хочу жить» написано в 2019-м, когда то, что происходит с нами сегодня, было еще где-то далеко, только в новостях, и никто не мог представить, что это не только обрушится на весь мир, но и коснется каждого человека. Художник провидчески сочетает красный и зеленый цвет, предвидит, какие усилия потребуются от каждого, призывает к личной ответственности за жизнь — свою и окружающих, но вместе с тем вселяет надежду: плотная пелена красной зоны может быть прорвана, если человек хочет жить!

Ирина Ракова. Черешни. 2021

Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.

Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).

Слушать интервью с художницей Ириной Раковой (1.rfi.fr).

Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.

Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».

Роман Рахматулин. Свет Исаакиевской площади. 2016

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

***

Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.

Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).

Художник Роман Рахматулин обладает удивительным умением деликатно преображать самые узнаваемые городские пейзажи. Оставляя «в фокусе» единственный объект, художник скрывает в потоках дождя, отсветах фонарей, наплывах тумана фрагменты пейзажа, легким намеком сообщая об их присутствии. И вот сам пейзаж становится иным, и зритель — всматривается в его новый облик и в прекрасную живопись Романа Рахматулина.

Художник по-настоящему понимает характер каждого города, который он пишет, и передает его на своих листах и полотнах. Ночной «Свет Исаакиевской площади» (2016) отличается от всех ночных московских пейзажей, но в чем именно отличие — каждый зритель определяет для себя сам.

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Елена Суровцева. Радостная. 2001

По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).

В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства, когда отсутствуют границы между внутренним и внешним, мир предстает еще неназванным. Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы. Выработанный художником творческий метод, который заключается в работе с геометрическими структурами, деформацией, позволяет создавать впечатление первозданности мира, его детскости, как редкого дара сохранения нетронутости изначального состояния души. Рождающиеся визуальные образы наделяются не только канонической устойчивостью формы, но и формой природной. Так Елена Суровцева позволяет заглянуть зрителю в мир, еще ненагруженный позднейшими приобретениями интеллектуальных технологий, и в себя. Погружаясь в эту «чуткую материю», зритель передвигается вместе с художником, меняя ракурсы своего видения, обнаруживая особую топографию и ее перспективы. При этом сама реальность в этой художественной системе открывается в момент острого переживания, как мгновенные вспышки света.

Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия (rah.ru).

Катя-Анна Тагути. Маска «Зачем». Из проекта «Вторая душа». 2000-е

Катя-Анна Тагути — художник, дизайнер, создающая произведения в сложной авторской технике, совмещающей несколько видов искусства.

Созданные ею образы часто апеллируют к архетипам коллективного бессознательного и вдохновлены этнической мифологией. Маска «Зачем» (2000-е) входит в серию работ «Вторая душа», в которой автор отталкивается от практики погребальных традиций этрусков, а также сибирских и монгольских шаманов, утверждающих, что у человека есть три души. После смерти первой вторая душа, преодолевшая мучительный путь искупления, изображалась в виде погребальной маски.

Значительный размер объектов предполагает максимальное приближение со стороны зрителя, словно его взгляд это зум в фотокамере.

Техника офорта и шелкографии даёт возможность не только проявить странные и необычные фактуры, но и исследовать микропространство — топографию маски как карты — с её рельефами, пересечениями, низменностями и возвышенностями. Это карта путешествия человеческой души после смерти.

В последних объектах-масках используются граффити. «Они принадлежат к числу самых загадочных элементов городской поверхности; запечатлённый на ней краткий миг ярости или отчаяния становится частью того хаоса знаков и символов, который мы видим вокруг» (П. Акройд) (annataguti.ru).

Тагути исследует топографию человеческой души, обнажая зрителю в увеличенном формате все ее «изломы» и «потертости». Она прибегает здесь к своему излюбленному приему — палимпсесту, который метафорически понимается «как образ многослойности жизни: ты смотришь на то, сквозь что просвечивает прошлое и на что отсвечивает будущее» (annataguti.ru). Поверх сложного орнаментального узора трафаретом нанесены различные цифры, надписи на английском языке, изображения, что отсылает к эстетике коллажа. При этом надпись: «Зачем», вынесенная в название работы, неоднократно встречается на поверхности произведения. Возможно, это олицетворение немого вопроса, исходящего от самой человеческой души, подавленной нагромождением визуальных образов, обрушивающихся на нее из внешней среды, и вопрошающей о смысле всего происходящего с ней. Образно-смысловая составляющая произведения связана в первую очередь с духовными аспектами человеческой личности, которые находят здесь свое философское осмысление (Мария Беликова).

Катя Филиппова. Алло, алло. Из цикла «Русский Голливуд». 2004

Катя Филиппова — модельер, декоратор, мастер декоративно-прикладного искусства, потрясшая отечественную художественную сцену еще в перестроечные годы своими эксцентричными авторскими нарядами, получила признание в последние годы и как автор оригинальных произведений, в которых эклектично сочетаются разные стили и обыгрываются образы массовой культуры.

Портрет легендарной голливудской актрисы, секс-символа целой эпохи Мэрилин Монро входит в серию под названием «Русский Голливуд», знакомящую зрителей как с отечественными, так и с зарубежными кинозвездами, особенно полюбившимися советской публике. Все эти портреты выполнены в смешанной технике в характерной узнаваемой манере: женщины изображены в шикарных одеяниях на монохромном фоне, окаймленные декоративными рамами, богато украшенными камнями. Перед зрителем предстает идеальный, сказочный образ кинодивы, существующий в массовом сознании.

Соблазнительную фигуру актрисы эффектно облегает черное платье без бретелей, линию груди подчеркивает тонкая полоска кружева — весь роскошный облик Мэрилин отсылает к эстетике кинопостера или глянцевого журнала, где медийные личности предстают широкой публике во всем своем великолепии, отретушированные и лишенные каких-либо изъянов. Ядовито розовый фон работы, а также стразы, фиолетовые камни и жемчужины в раме усиливают китчевость запечатленного образа, создают ощущение его выхолощенности и неестественности. От фигуры словно исходит сияние: широкие лучи, выполненные из мелких блесток, расходятся по всему фону. Все это призвано подчеркнуть культовый статус всемирно известной актрисы. Филиппова, можно сказать, продолжает дело Энди Уорхола и других мастеров поп-арта, признаваясь, что ее также интересуют «культовые лица, которые являются лицом эпохи, лицом какого-то большого исторического периода» (Мария Беликова).

Елена Фокина. Маша и Масик. 2000

На мой взгляд, любое искусство имеет право на существование. Как говорит один мой друг митёк: «Рисовать можно все, если не стыдно маме показать». А я считаю, что в каждой работе художника должна быть хвала Богу. И дело не в сюжете, а в отношении к тому, что рисуешь, к тому, что создано Богом.

Я пишу всегда с радостью, потому что для меня это самый чистый кайф — рисовать красками. Если вам это передается — здорово! (Елена Фокина, biozvezd.ru)

Елена Фокина — живописец, график. Постоянный участник разнообразных выставочных проектов, в том числе международных (Лондон, Париж, Дортмунд, Лос-Анджелес, Токио). Живет в Коктебеле. Работы художницы находятся в частных коллекциях России, Германии, Франции, Дании, Голландии, Израиля, Америки и Австралии.

«Елена Фокина — художник, который занимается живописью в самом традиционном смысле этого слова. Живописью, восхищенной самой жизнью во всех ее проявлениях — дожде, поле, детском смехе, грушах, взаимоотношениях кувшинов на столе. Фокина, по ее собственному признанию, просто очень любит “красить красками”, видеть и делиться тем, что она видит и чувствует, с помощью холста и красок», — пишет о творчестве Фокиной искусствовед Н. Щербакова.

Елена Фокина родилась 16 марта 1961 года в Москве. Ее мама занималась исследованиями в области гематологии, а папа самоотверженно служил родине. Елена была единственным ребенком в семье Фокиных, и её воспитание родители доверили бабушке Марии Александровне. «Бабушка была удивительным человеком со сложной судьбой. Она знала несколько языков, а немецкий и польский преподавала в школе, — вспоминает Елена. — А вообще бабушка была профессиональной женой и питерской красавицей: полный набор — воспитание и осанка, прямая спина, безупречный маникюр. Я ни разу не видела ее непричесанной даже во время болезни. В 1937 году ее репрессировали, а мою маму она родила в тюрьме. Бабушку освободили перед войной, со справкой и без карточек она оказалась во время блокады в Ленинграде. Но она все вынесла и выжила. Из таких людей можно делать гвозди».

После школы Елена Фокина два года работала секретарем в издательстве «Малыш», а затем поступила в Полиграфический институт.

После окончания Московского полиграфического института, Елена Юрьевна работала по договорам в разных организациях. Одним из мест ее работы было издательство «Дрофа», в том числе занимающееся выпусками передачи «Спокойной ночи малыши» и киножурнала «Ералаш». В 1987 году Елена Фокина впервые выставила свои работы, которые понравились искусствоведам и поклонникам живописи. Это вдохновило художницу больше сил отдавать написанию полотен.

Она — серьезный, очень много работающий художник, но порой кажется, что в ней живет озорная девчонка, которая умеет, как кэрролловская Алиса из страны чудес, удивляться обычному, и преображать его в своем творчестве. Елена дарит нам своими работами радостное восприятие мира, и как будто говорит: смотрите, как здорово жить, как интересно! Люди, давайте радоваться нашим детям, теплому солнышку, каждому цветку, знакомой собаке, и вообще каждому подаренному нам Господом дню! Оглянитесь вокруг, ведь мы живем в очень красивом месте земли, где есть синие горы, Волошинские холмы, и много-много морского воздуха. И зрители забывают о своих проблемах, о кризисе, о политике, погружаясь в коктебельские радости Елены Фокиной. В её творчестве есть самое главное, чем она щедро делится со зрителем, — гормон счастья (Ирина Панаиоти, старший научный сотрудник Феодосийского литературно-мемориального музея им. А. С. Грина, gorod24.online).

Янина Ческидова. Холмы. 2009

В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.

С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.

Наши животные тоже всегда в кадре (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).

Холст «Холмы» (2009) естественно примыкает к серии 2002 года «Жители» и написан, скорее всего, тоже в Ташле. Здесь те же близкие-друзья-соседи, та же творческая манера, тот же авторский взгляд — сверху, чтобы охватить всех и показать как можно шире мир Ташлы, который стал для Янины Ческидовой бесконечным источником радости жизни, новых впечатлений и вдохновения.

В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.

Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).

Мария Шалито. Пальто. 2010

Тонкое пространство отношений, их тайна,
Непреодолимость непонимания...
Красота правды, какой бы она ни была.
Поиск формы и материала, попытка выразить то, что так трудно зацепить.
Работа создается медленно, во времени, методом проб и ошибок.
Шпаклевка, коллаж, ручная работа без кисти помогают вмешаться в жизнь,
попытаться понять и скорректировать происходящее (Мария Шалито).

Задача создания пространства по сей день остается главной в каждой моей работе. Когда-то моим учителем стал добровольный затвор в мастерской, где я работала в уединении годами, с благоговением перелистывая альбомы художников Возрождения, собранные моим отцом — архитектором. Потребность расслышать себя была первостепенной моей задачей в начале творческого пути, столь же важной она остается и сейчас. <Потребность> чувствовать, слышать во время работы как бы все сразу, целиком, заставляет меня снова и снова искать средства выражения. Работы остаются как бы незавершенными, и это хорошо, потому что я не делаю картину, а просто, рисуя, не умираю (Мария Шалито).

Невозмутимая, неодушевленная красота одиноких предметов в работах Марии Шалито завораживает магией аскетизма, порой приводит в замешательство…

Мария Шалито самозабвенно занялась живописью в начале 1990-х после окончания Московского архитектурного института. Изображая в своих работах обыденные вещи, она передает нечто потустороннее, архитектонически идеальное. Будучи наследницей метафизического направления в искусстве прошлого столетия, она ориентирует зрителя на интеллектуальное прочтение своих работ, используя при этом осознанную, почти академическую манеру живописи. Оперируя чистыми предметами, она наделяет их таинственной душой и метафорическим содержанием (Андрей Ефимов, cargocollective.com).

Игорь Шелковский. В круге. 2010

Игорь Шелковский — скульптор, живописец, график, издатель журнала «А-Я».

С начала 1970-х годов Игорь Шелковский последовательно создает и развивает свой пластический мир, в котором влияние конструктивизма соединилось с наработками поп-арта и концептуализма. Художественные поиски Шелковского выделяют его на фоне советского неофициального искусства — выверенные и минималистичные, его работы напрямую отсылают к опыту модернистов (aroundart.org).

В 1970-е сформировался узнаваемый стиль Шелковского-скульптора: лаконичный и ясный, соединяющий выразительность пластики и знака. Несмотря на повсеместное увлечение в советском андеграунде западным искусством, на становление его художественного языка повлияло именно восточное искусство: «Китайцы, японцы — они очень хорошо относятся к природе, и они эту природу изображают в каких-то знаках, через какие-то приемы. Восточное искусство — это образ, поэзия. Мне это очень нравилось и было очень близко». Отсюда эта выверенная минималистичность и в то же время всеобъемлющая полнота. Каждое произведение художника, по мнению современных исследователей, «четкая артикуляция до конца додуманной и пластически оформленной мысли». Скульптура Шелковского работает не только объемом, но и контуром, порой уподобляясь застывшему в воздухе рисунку. Но «при всей своей легкости и прозрачности пластика Шелковского сохранила главные признаки классической скульптуры: правдивость безупречной линии, гармонию форм в их архитектурном равновесии, безукоризненную слаженность, эллиптическую обобщенность, сбрасывающую с себя все лишнее, отсутствие пустот и уклончивых метафор», — справедливо отмечает известный искусствовед Евгений Барабанов (vladey.net).

Конструктивное мышление Шелковского, собирающего из линейных структур вариативные композиции, сближает его творчество с экспериментами русского авангарда по созданию моделей нового мира. По признанию самого мастера, знакомство с авангардом, состоявшееся в 1960-е годы во многом благодаря посещению запасников Третьяковской галереи в период работы реставратором фресок, оказало важнейшее влияние на формирование его творчества. Один из главных исследователей творчества Шелковского Евгений Барабанов настаивает на важном различии между философией конструктивистов и пластическим сознанием Шелковского, в основе которого — «человек как „мера всех вещей“» (lionsharecitynews.ru).

Скульптура и живопись Пааты Мерабишвили (Pata)

10 декабря в залах Галереи ARTinvestment.RU «21-й век» открывается персональная выставка Пааты Мерабишвили «Автопортрет». Выставка продлится до 30 января 2022 пройдет, а в виртуальных залах на сайте AI в те же сроки будет показана ретроспектива работ художника 1992–2021 годов.

Паата Мерабович Мерабишвили родился в 1964 году в Тбилиси и происходит из известной династии грузинских скульпторов и художников. Окончил Тбилисскую государственную художественную академию в 1990 году. В настоящее время живет и работает Москве. Произведения скульптора находятся в частных коллекциях Грузии, России, США, Германии, Израиля, Швеции, Франции, Италии, Швейцарии, Канады.

Мы включили в каталог аукциона 5 работ Пааты Мерабишвили.

Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объёмно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объёмов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития и становления его собственной творческой манеры (Нана Шервашидзе).

Маленькая синяя птичка легко опустилась в нежные женские руки — и все вокруг осветилось, заиграло яркими веселыми красками, детали скульптуры как будто ожили и начали двигаться.

***

Паата Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а её внутреннюю составляющую, её изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов.

Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объёмы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Паата Мерабишвили никогда не довольствуется достигнутым и всегда остаётся страстным искателем новых возможностей для творческого высказывания. Так появилась серия в смешанной технике живописи, графики и новой компьютерной технологии: в изображения в виде QR-кодов, навеянные мотивами русского революционного авангарда 1910-х годов, заложены тексты, рассказывающие о том, что вдохновило художника на их создание. Концепция и форма, в которой она воплотилась, создают органичное художественное целое (Нана Шервашидзе).

Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам (Екатерина Шмакова, куратор).

В малой скульптуре Мерабишвили 1980–90-х годов особенно ясно и оригинально выявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства. Стилизованные фигуры людей и животных поражают выразительностью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в своих стремительных движениях эти фигуры замкнуты в силуэтный овал — не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры несут в себе не только формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью (Нана Шервашидзе).

Скульптура Пааты Мерабишвили наглядно демонстрирует его глубокие знания свойств различных материалов — металла, камня, дерева — и виртуозное владение техниками работы с ними. Вне зависимости от материала автор стремится к достижению максимальной выразительности образов, наполняя их внутренней экспрессией и аллегорическим звучанием. Тенденция к абстрагированию форм и редукции средств изобразительности сочетается в творчестве скульптора с приверженностью фигуративному искусству, а в центре его творчества находится исследование пластических возможностей человеческого тела.

Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.

Для Пааты Мерабишвили быть скульптором — это «внутреннее состояние восприятия всего окружающего в пространстве, когда мысль уже имеет объем и даже цвет». Воплощение этой мысли на языке искусства на плоскости или в пространстве и есть его образ окружающего мира. Чудо, которое становится зримым благодаря творческим исканиям, разочарованиям и победам художника.

Желаем удачи на 95-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI