Открыт 85-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 399 и 85-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 85-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, три работы в смешанной технике и одна скульптура
Анелия Алипова. Портрет мальчика с листом. 2020
Для меня простота, умение видеть необычное в самых простых вещах, эксперимент, постоянный поиск являются основой творчества. Я работаю в разных стилях и направлениях, иногда смешивая их (Анелия Алипова).
На абстрактном темном фоне запечатлено монументальное лицо мальчика, внешний облик которого говорит о его африканских корнях. Интерес к племенным народностям характерен для творчества художницы, создавшей серию портретных образов представителей малочисленных этнических групп.
Несмотря на юный возраст героя, в его облике уже проскальзывают черты взросления. «Возраст мальчика позволяет ему одновременно “находится по обе стороны баррикады”: детская непосредственность и любопытство еще определяют его натуру, но во взгляде уже проскальзывает осознанная серьезность, ставящая его на путь взросления. Листок, скрывающий половину лица, служит своеобразной преградой. Несмотря на свою тонкость и хрупкость, для мальчика он — защита, которая оберегает от нашего вторжения. В любой момент он может убежать, скрыться, с другой стороны — ничего не мешает ему полностью открыть свое лицо, отодвинув этот листок», — пишет искусствовед Н. Соколова.
Палитра картины строится на сочетании оттенков коричневого, зеленого, голубого и розового. Работу отличает гладкая манера письма, большое внимание при этом художница уделяет передаче фактуры кожи ребенка, добиваясь визуального эффекта ее бархатистости (Мария Беликова).
Сергей Бордачёв. Композиция № 1. 2020
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru), но тем и интереснее, не так ли?
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Сергей Бордачёв».
Марина Венедиктова. Загляни внутрь. 2021
Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.
Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).
Илья Евдокимов. Трапеции. Диптих. Из серии «История будущего». 2020
Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.
Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.
Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).
Тема спорта, здорового тела, внешней привлекательности снова овладела умами современников, о чем свидетельствует бурное развитие фитнес-индустрии, а также услуг эстетической хирургии, косметологии. Идея конструирования «нового человека» в настоящее время так же востребована, как и в раннесоветский период. Однако если человек 1920-х был увлечен утопической идеей строительства светлого мира будущего, то современный человек стремится изменить свою физическую оболочку ради соответствия общественным стереотипам успеха, красоты и здоровья. В настоящее время, как и сто лет назад, важная роль в деле формирования эталонных образов отводится пропаганде. В советский период ее брали на себя подконтрольные государству органы, а сейчас культ тела и спорта пропагандируется во всемирном масштабе крупными корпорациями через рекламу, глянцевые журналы и прочие медийные средства. Полотна Евдокимова побуждают зрителя лишний раз задуматься о принципах функционирования общества, о судьбе индивидуального начала в условиях тотальной унификации потребительских моделей поведения (Мария Беликова).
Анастасия Захарова. Хесат — Ярое Око. 2008
В произведениях Анастасии Захаровой здоровый эпатаж, органично сливаясь с эстетизмом и утонченностью, рождает живопись, несущую явно читаемый образ. Ее стиль сплетен из тонких культурологических реверансов и отсылок, за которыми стоит отличное знание истории культуры, великолепная школа живописи и виртуозное владение сложными художественными техниками (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Хесат — в египетской мифологии — божественная корова.
Согласно некоторым вариантам преданий, божественная корова Хесат была матерью богов Анубиса, Аписа и Мневиса. Сам великий фараон имеет право испить ее священного молока только три раза: при рождении, во время коронации и после смерти, обретая жизнь, царственность и возрождение.
Имя божественной коровы Хесат встречается в перечне восхвалений всего сделанного для усопшего: «Ты воззвал к Ра, тебе внимает Хепри и отвечает Атум. Владыка вселенной сделает все, что тебе нравится... Ветер Запада долетает до тебя, до твоего носа. Южный ветер для тебя превращается в северный ветер. Помещают твой рот к сосцам коровы Хесат. Ты становишься чистым, чтобы созерцать солнце. Ты совершаешь омовение в божественном водоеме...» (Л. А. Елисеева, mifolog.ru).
Наталья Захарова. Ангел сидящий. 2019
Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.
В произведениях Натальи Захаровой никогда не бывает недосказанности, неоправданных жестов и деталей. Скульптор призывает задуматься над сюжетом. Ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д.
Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
В чем смысл сюжета «Ангела сидящего»? Своим творчеством Наталья Захарова указывает зрителю путь к пониманию и призывает его сделать собственные выводы.
Владимир Коркодым. В бане. 2006
Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого (Владимир Коркодым).
Безграничный талант, колоссальное трудолюбие и неисчерпаемая творческая активность позволили Владимиру Коркодыму создать огромное количество невероятных работ. Сформировавшийся в традициях реализма, он на первое место ставит содержательную сторону произведений. Пейзажи и натюрморты, портреты и великолепные цветочные композиции — все картины, выходящие из-под его кисти, реалистичны, передают истинное настроение художника и наполнены искренней любовью к природе и жизни. Картины пропитаны подлинной красотой, от них исходит потрясающая энергетика, которую хочется впитывать каждой частичкой души. При этом при создании картин мастер применяет разные техники рисования, умело играя с колористической насыщенностью.
Обнажённая натура. Пожалуй, классический мотив для любого художника, по которому часто можно понять его отношение к женщине. Коркодым всегда стремится придать модели эффектную позу, яркий антураж, правильные пропорции. Поэтому картины получаются живыми, удивительно притягательными. Даже тщательно продуманные композиции кажутся случайно подсмотренными. Пожалуй, это и есть мастерство, подлинный талант композитора картины — суметь передать непринужденность и достоверность (Юлия Ануфриева).
Владимир Коркодым — семидесятник по времени, вставший на защиту классического наследия реалистической живописи.
От своих учителей Владимир Николаевич перенял уважение к живописи московской школы в частности и русской классической традиции в целом и интерес к изобразительным решениям предшествующих великих эпох — итальянского Ренессанса, барокко и Золотого века нидерландской живописи. Художник не пошел по пути большинства семидесятников, открывающих своими произведениями метафизическую реальность, а сосредоточился на бережном перенесении на холст естественной красоты окружающего мира.
Природа и человек в творчестве Коркодыма существуют в гармонии и взаимопонимании. Когда же человек становится главным героем произведения, то есть в портрете, художник концентрируется на личности, отбросив в сторону все детали обстановки. Персонажей Владимир Николаевич запечатлевает наедине с собой, их очертания выступают из глубокого заднего плана приглушенных темных тонов. И здесь художник не изменяет своему кредо, передавая все особенности героев, прекрасные в своей искренности. Творчество Владимира Коркодыма — пример того, что и современном мире искусства есть место для высокопрофессионального классического живописного подхода и натуралистической трактовки, основанных на убеждении в совершенстве мироздания (Патриция Семенюк, artinvestment.ru).
Виктор Крапошин. Фонарь. 2019
До 30 сентября в галерее ARTinvestment.RU «21-й век» (Москва, Гороховский переулок, 7) с успехом проходит выставка «Фантасмагории Виктора Крапошина». В эти же сроки на сайте ARTinvestment.RU открыта онлайн-ретроспектива работ художника 1971–2021 годов.
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).
Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.
Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина, искусствовед).
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Уставшие за день машины собрались у дворового фонаря, как любопытствующие собаки, их «морды» соприкасаются в круге света под фонарем. А за окнами идет вечерняя московская (для Крапошина это очень важно) жизнь.
Прием «заглядывания в окна» не нов, мы не раз видели его в кино. Художнику использовать его очень заманчиво, но куда сложнее, чем кинематографисту. Нужно не просто написать контуры фигур, а рассказать историю, творящуюся за каждым окном. Виктор Крапошин в своей ироничной стилистике рассказывает о жителях московского дома. Все истории понятны, надо только рассмотреть (для этого мы показываем укрупненные фрагменты картины) и улыбнуться, потому что все они забавны — и в этом отличие от кино, где эмоциональная палитра событий намного шире. Но Крапошин решает собственную задачу, и решает ее замечательно: по сути, почти каждый из этих фрагментов — готовая жанровая картина.
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Владислав Моргунов. Сон. Триптих. 2020
Икона, мозаика, живопись Моранди, Вейсберга, Матисса, Зверькова, Дика, Лубенникова, Любавина — далеко не весь ряд, повлиявших на меня художников и направлений. Люблю плоскость.
Что касается моих работ — тема каждый раз спонтанна: где-то происходит что-то, где-то происходит ничего. Нахожусь в постоянном поиске явлений, их состояний и свойств, главной целью всегда остается передача поэтики наблюдаемого мира. Источники вдохновения для меня — это бессознательные прогулки, когда идешь не для того, чтобы куда-то прийти, а просто необходимо идти и видеть.
Триптих «Сон» был написан по впечатлению.
Зима, вечер, мастерская, накидал эскизы, в голове хоровод «сон-вино-феназепам», пытаюсь поймать ощущения от трех разных по настроению людей, которые в тот день случились в мастерской. Тем временем в сумке тихонечко утекает тонкой струйкой скипидар.
Идея произведения: окружающая среда спящего зависит от состояния сна спящего.
Это может быть и глубокий сон, которого не вспомнить, и дремота с непрозрачными мечтаниями, абсурдными, галлюциногенными мыслями — все это зависит от конкретного человека в конкретный момент времени.
Как будет заплетаться сонное веретено?
Светло, тепло и легко? Беспокойно и скользко? Тревожно и сосредоточенно?
Пониженная реакция на окружающий мир, но повышенная реакция на мир внутренний — феномен сна, о котором размышлял, работая над произведением.
Здоровый ли это сон или же наркотический — это уже совсем другая история (Владислав Моргунов).
Молодой московский художник с Украины — противоречивая и одновременно понятная нам характеристика: вот и творчество нового для столицы автора можно описать так же парадоксально.
Не получил начального профессионального художественного образования в детстве, тем не менее воспитывался в почти аристократической среде: танцы, музыка, языки, уроки рисования. Прибавить к этому культуру семьи и богатую талантами землю Украины, где в 90-е в шахтерском городе великих советских мозаик <Кривом Роге> вовсю бурлила криминальная жизнь, — и уже не так удивляют «неожиданные» повороты судьбы.
Школу и институт заканчивает уже в Москве, живопись начинает изучать тоже в столице и быстро попадает в среду выставочных пространств Союза Художников. Щепетильные к дипломам выставкомы Союза раз за разом отбирают работы молодого человека (отмечают попеременно то уникальность, то преемственность, но бессильны в попытках разгадать природу образования автора). Интерес к этой среде стал причиной качественного прогресса в работах и той строгой законченности, которой редко одарены новички художественного мира. Притом первые работы — далеко не академической направленности, а скорее яркий образец «контемпорари-2019»: поиск гармонии враждебных материалов, наполненность смыслами и алгоритмами, эксперименты над возможностями искусства. Очень быстро игра ума и ловкость придумок эволюционируют в поиск глубины содержания.
В живописной серии «Сон» чудится наследие Серебряного века и благородство красочной палитры Головина и Лансере, правда в той же мере можно искать аналогии в творчестве Пьера Боннара (в его композициях с натурщицами и цветами), Андре Бразилье и даже А. Любавина, но этим мы отметим лишь некую схожесть форм.
Автор интерпретирует тему сна, беря за основу образы одногруппниц, в своих работах погружает каждую в особое состояние: сдержанным колоритом и тщательно контролируемым контрастом он формально удерживает плоскость и наполняет живописную поверхность сонным настроением. Прекрасен синтез грамотной композиции, так любимой профессионалами, и свободных живописных поисков, где художник позволяет себе пожертвовать анатомией и построением в угоду серебристым переливам краски: красота спящих не в миловидности лиц, скорее в их спокойной отрешенности (Анна Катухина, живописец, член МСХ и СХР).
Нина Полякова. Март. Апрель. Май. Из серии «Локдаун». 2020
«Все мои работы создаются на основании имеющихся знаний и опыта в области права, в целях поддержки свободы творчества, свободы слова, отказа от насилия и прославления уникальности человеческой личности» (Нина Полякова).
Нина Полякова (1981) — современная красноярская художница, участница многочисленных отечественных и зарубежных выставок современного искусства. Работы автора отличаются оригинальным стилем и часто посвящены сюжетам, почерпнутым из окружающей действительности. «Целью моего творчества является привлечь внимание к острым политическим, социальным или личностным проблемам», — признается Полякова.
Полотно «Март. Апрель. Май» (2020) относится к серии «Локдаун», посвященной явлению, с которым пришлось столкнуться в той или иной степени всем странам мира.
В колористическом строе произведения доминирует яркий красный цвет, действующий как раздражитель на психику зрителя и передающий одновременно нервно-возбужденное состояние героя, который, словно заключенный в одиночную тюремную камеру, зарубками на стене отмечает дни, проведенные в одиночестве, когда единственным каналом связи с внешним миром был телефон (Мария Беликова).
В работе, в первую очередь в трактовке внешнего облика мужчины, очевидна авторская ирония, если не сказать сарказм: состояние и ощущение героя, вынужденно оборвавшего социальные связи и резко изменившего привычный образ жизни, можно назвать паническим ужасом, тогда как даже в условиях самого жесткого локдауна человек сохраняет возможность вести достойную жизнь, заниматься спортом, самообразованием, общаться с семьей, заняться делами, на которые никогда не хватало времени (в том числе остановиться и подумать о жизни) и пр. Да и телефон — это не соломинка, за которую хватается герой, а средство связи с родными, друзьями, коллегами. Было бы желание!
Ольга Пушкарёва. Обнаженная модель. 2020
Изобразительное искусство, подобно поэзии и музыке, раскрывает зрителю глубину эмоционального восприятия мира, отраженного художником в его произведениях. Ведь «живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат…»
Мне интересна формула искусства, созвучная нашей эпохе. Интересно путем символического самовыражения в живописи и графике решать вечную проблему искусства — синтеза «высокого в малом» и «вечного в преходящем»…
Меня интересует проблема трансформации сложившихся изобразительных методов, развивающихся в поиске новой гармонии, определяющей пути и особенности развития современного искусства. Интересуют так называемые «метаморфозы бытия», отраженные в графике и живописи.
Я принадлежу к художникам радостного восприятия мира.
Красота, эстетика, гуманность искусства должны радовать и сближать людей, наполняя их силой и радостью жизни, ведь язык изобразительного искусства уникален по своей абсолютной коммуникабельности — это своеобразное эсперанто, понятное всем (Ольга Пушкарёва).
«Ольга Пушкарёва, профессор Российского государственного университета имени А. Н. Косыгина — яркий самобытный художник-график, член МСХ, ТСХР, РСЖ.
Родилась в Москве в семье художников. Училась в МСХШ им. Сурикова, затем в МВХПУ (бывшее Строгановское). Начав творческий путь как очень интересный иллюстратор детской книги, она последовательно двигалась в направлении создания фигуративных станковых графических работ, а также формообразующих экспериментов с цветом и ритмом, постепенно приближаясь к границам абстрактного минимализма, трансформируя форму в художественный знак (поэзия ритма). В своем творчестве художница много внимания уделяет работе в графических техниках акварели и пастели» (dommuseum.ru).
Ирина Ракова. Кот экспрессиониста. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Янина Ческидова. Поцелуй. 2010
В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.
В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.
Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения – мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир. (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
К 2010 году относится большая серия работ Янины Ческидовой, написанных на цирковые сюжеты. Нашим участникам уже знакомы «Грим» и «Кулисы». Но если в этих работах цирковое представление, отчасти видимое («Кулисы») или подразумеваемое («Грим»), служило фоном для личных историй цирковых артистов, то в «Поцелуе» представление развернулось на все живописное полотно, а главные герои — зрители. Зал увлеченно наблюдает за клоунами, которые жонглируют шариками, и никому нет дела до юноши и девушки, чей поцелуй художник вынесла в название картины. Их не беспокоят липкие и/или осуждающие взгляды. Всем весело и хорошо. Вот какая замечательная картина!
Желаем удачи на 85-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210927_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210927_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
