Открыт 83-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Михаила Дронова, Михаила Ермолова, Александра Захарова, Александра Кацалапа, Виктора Крапошина, Виктора Кротова, Людмилы Кылыч, Ирины Раковой, Тимофея Смирнова, Игоря Снегура, Елены Суровцевой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 397 и 83-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 83-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 10 лотов — семь живописных произведений, один лист оригинальной графики и две скульптуры. Дополнительный стринг — пять живописных произведений Виктора Крапошина.
Михаил Дронов. Дискобол. 2011
Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Михаил Дронов принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.
Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».
Михаил Ермолов. Праздник. 2017
Михаил Ермолов прославился серией оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха», в которой представлены образы, ассоциирующиеся в массовом сознании с советским детством. Автор иногда с иронией, а иногда и с оттенком сентиментальной грусти воспроизводит на своих полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие полотна, созданные в середине прошлого века.
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
Художник изображает маленькую девочку, одетую в простую неброскую одежду, шапку, пальто, сапоги, и держащую в одной руке красный флажок, а в другой — синий шарик. Фактура работы имитирует следы утрат красочного слоя, содержит потертости, царапины, пятна и разводы — словом, все следы времени, призванные создать эффект его неразрывной связи с ушедшим прошлым. В результате появляется впечатление, что полотно было недавно обнаружено в каком-то заброшенном здании советской эпохи, где были не самые лучшие условия хранения. Образ ребенка, во многом невинный и наивный, отсылает к эстетике плаката (Мария Беликова). Название работы, осенняя одежда девочки, красный флажок и шарик явственно отсылают зрителя ко дню 7 ноября — годовщине Октябрьской революции. Возможно, кто-то из родителей взял девочку на демонстрацию, а может, просто принес с Красной площади флажок и шарик — порадовать дочку. Так, современный зритель явственно видит, что политическая символика была органичной частью советского детства и входила в жизнь ребенка с самого раннего возраста.
Александр Захаров. Одиссей. 2011
Одна из самых поэтичных историй в мировой литературе — древнегреческая поэма Гомера о странствиях Одиссея — находит свое отражение на холсте Александра Геннадьевича Захарова.
Муза, скажи мне о том многоопытном муже, который,
Странствуя долго со дня, как святой Илион им разрушен,
Многих людей города посетил и обычаи видел,
Много и сердцем скорбел на морях, о спасенье заботясь
Жизни своей и возврате в отчизну сопутников; тщетны
Были, однако, заботы, не спас он сопутников… (пер. В. А. Жуковского, rvb.ru).
Из множества гомеровских персонажей, положений и мотивов художник выбирает одиночество героя, на сердце которого свежие раны, а впереди — неизвестность. В своей излюбленной цветовой гамме Александр Геннадьевич Захаров пишет эпическое полотно об Одиссее, несомом ветром и волнами.
Александр Захаров (1957) — современный художник, живет в Германии и сотрудничает с частными галереями по всему миру.
Захаров не раз признавался, что его интересуют «архетипические структуры подсознания, коллективного и личного. Картины, говорящие языком нашего времени, но несущие в себе смысл тысячелетий». В его работах живут архаические и мифологические существа, религиозные образы из различных верований, герои древних эпосов. Все пространство человеческой культуры Захаров воспринимает как единое и неразрывное целое, существующее как бы вне линейного исторического развития (Мария Беликова).
Читайте о художнике сегодняшнюю публикацию на AI: «Персона недели: Александр Геннадьевич Захаров».
Александр Кацалап. Белый шум. 2015
Под впечатлением стихотворения Алекандра Блока «Белый шум» создана одноименная работа Александра Сергеевича Кацалапа.
Белой ночью месяц красный
Выплывает в синеве.
Бродит призрачно-прекрасный,
Отражается в Неве.
Мне провидится и снится
Исполненье тайных дум.
В вас ли доброе таится,
Красный месяц, тихий шум? (22 мая 1901)
Александр Кацалап не ограничивается в творчестве одним выбранным стилем или направлением, а подходит к истории искусства аналитически, свободно оперируя изобразительными кодами в зависимости от художественной задачи, совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.
В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематистские формы Малевича с примитивистской эстетикой (Мария Беликова).
Работая в разных «манерах», всегда примеряя к ним критерий «сделанности», он одинаково далек как от полного увлечения чисто живописно-пластическими приемами, что заполняет нашу выставочную практику всем уже поднадоевшей «виртуозностью» абстракции, так и от «литературной зауми» сюжетного или концептуального толка. Он правдив, часто прямолинеен в отстаивании своего права, «своей территории», своего мироощущения: мира вещного, прочного, порой и с мистическими реминисценциями символов и намеков, но своего, отгороженного от суеты и мишуры повседневности (Валерий Дудаков, коллекционер, художественный критик).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».
Виктор Кротов. Седьмой конь Апокалипсиса. 2000
Кисти Виктора Александровича Кротова принадлежит холст «Седьмой конь Апокалипсиса» (2000).
Сюрреализм — продукт нашего сознания. Хотите вы этого или не хотите, он всегда заставляет интерпретировать увиденное. В нем не может быть ничего надежного. Сюрреализм вообще имеет тенденцию, тягу к разрушению, потому что только в разрушении есть действие, интрига. Говорят: «А что хотел сказать художник?» И это уже толчок к размышлению.
Сюрреализм настолько насыщен иносказаниями, по определению, что любое движение априори трактуется с каким-то смыслом. Поэтому так и получается: вы увидели в этом одно, другой — совершенно иное.
Это мое, личное. Мой мир. Как в свою компанию попал. Он настолько мой органично, что я не испытываю никакого труда и никогда не придумывал, чего бы, какую картинку напридумывать. Я просто садился и делал. Короче, оставалось просто физически зафиксировать (Виктор Кротов, vsevolod-maltsev.narod.ru).
У меня все происходит само собой. Это как у поэта или композитора, которые не задумываются над тем, какую букву или ноту взять. Я ни для одной своей работы не делал эскиза. У меня не бывает предварительных набросков, поисков каких-то, сажусь и пишу. Часто не зная, что должно получиться в результате. <…> Кто-то не может обходиться без мучительных поисков, а я другой. И не ради вычурности так работаю — просто получается то, что получается. А еще долго писать не люблю: мои картины рождаются быстро. Когда же поставлена последняя точка — работа больше мне не принадлежит. Живет самостоятельной жизнью, к которой — ни прибавить, ни убавить (Виктор Кротов, bereg.vrn.ru).
Творчество художника развивается в русле сюрреализма, а причудливые сюжеты его полотен бросают вызов привычной картине мира. Противопоставляя свой стиль классическому сюрреализму прошлого века, который, по его мнению, был слишком жестоким и гротескным, автор называет его романтическим сюрреализмом, который «пробуждает в людях возвышенные мысли, чтобы каждый становился хоть на краткий миг художником и поэтом» (krotovart.com) (Мария Беликова).
Художник и композитор Виктор Кротов родился 8 марта 1945 в Наро-Фоминске, в 1971 году окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское), участвовал в квартирных выставках неофициального искусства (1977–1980). Работы автора находятся в частных коллекциях России, США, Канады, Германии, Франции, Италии.
Людмила Кылыч. High life (Скучное общество). 2019
Людмила Николаевна Кылыч, автор холста «High life (Скучное общество)» (2019), родилась в 1985 году в Москве, рисовать начала с трех лет, получила домашнее образование под руководством отца — художника-неоэкспрессиониста, выпускника Строгановки Николая Фурсова, с шести лет посещала авангардные выставки и впитывала атмосферу мастерских, окончила с отличием музыкальную школу по классу фортепиано. По настоянию родных получила диплом инженера. В 2017 получила дополнительное образование швеи и фешн-иллюстратора.
В 2018 году переехала в Стамбул, где после рождения дочери начала делиться своими работами в социальных сетях. Вскоре поступил первый заказ на фешн-иллюстрацию от американской бьюти-фирмы, серию портретов для психологического проекта, в 2019 работа «Любимые серьги» получила 2-е место в номинации поп-арт на Russian Art-week, а 6 работ из поп-арт-серии для своего ателье приобрел бренд одежды FR Moscow. Наибольший успех работы имеют на соц-арт-площадках Артфайндер и Саатчи (sovart-gallery.com).
Ирина Ракова. Кот. Из серии «Жизнь предметов. Стул». 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Тимофей Смирнов. Неотправленное письмо с корабля дураков. 2014
Работы Тимофея Игоревича Смирнова отличает высокий профессионализм, основанный на безупречном владении техникой рисунка, а сюжеты его произведений часто испещрены отсылками к работам известных мастеров прошлого, равно как и к различным литературным источникам.
Источником вдохновения художнику могла послужить известная поэма немецкого сатирика Себастьяна Бранта «Корабль дураков» (первое издание вышло в 1494), в которой высмеиваются людские пороки и выводятся социальные типажи средневекового общества, а возможно, и одноименная картина голландца Иеронима Босха (1495–1500).
Смирнов решает сюжет по-своему — без гротескных персонажей, предающихся порокам и вызывающих насмешки своим глупым поведением. На работе изображена бутылка из прозрачного стекла, внутри которой на подставке стоит кораблик, сложенный из листа бумаги. В его правой части виден небольшой фрагмент изображения корабля с пассажирами, отсылающий к средневековым ксилографиям.
Композиция характеризуется простотой и лаконичностью, а авторский ход, при котором лист бумаги одновременно выполняет функцию и письма, и самого корабля, обращает на себя внимание изяществом и оригинальностью. Произведение отмечено высоким уровнем графического мастерства: автор уделяет большое внимание фактуре изображаемых предметов, в результате чего прозрачное стекло и лист бумаги, переданные с детальной, фотографической точностью, обретают осязательность. Светотеневые моделировки по краям бутылки, вносящие контраст в монохромную гамму произведения, придают ему большую выразительность (Мария Беликова).
Тимофей Смирнов (1980) — художник-график, кандидат искусствоведения, член Международной ассоциации изобразительных искусств АИАП ЮНЕСКО, член Союза Художников России, участник многих международных и российских выставок, старший преподаватель Академической школы дизайна. Окончил Московский Государственный Академический институт (МГАХИ) им. В.И. Сурикова (2004), аспирантуру Государственного Института Искусствознания (2007), защитил кандидатскую диссертацию по теме «Фотореализм в живописи и графике в России последней четверти ХХ века», кандидат искусствознания.
Игорь Снегур. Удвоение ТАУ. Из серии «ТАУ». 2006
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях.
Из беседы Игоря Снегура с поэтессой Ниной Красновой 28 декабря 2006 года в «Галерее АЗ»:
«Тау» — это крест. То есть это значит — первичный крест. Буква «Т» — это первичный крест, распятие. Вот такой крест, то есть — традиционный (Игорь Снегур показывает на пальцах, какой, две палочки крест-накрест. — Н. К.) — это вторичный крест. Он состоит из соединения и пересечения двух палочек: вертикали и горизонтали. Вертикаль — это архетипический знак. На вертикали лежит палка — горизонталь — получается буква «Т» — первая буква: вертикаль и на ней горизонтальная палочка. А вот если чуть-чуть поднять вертикаль вверх, над горизонталью, это будет крест. А просто вертикаль, без горизонтальной палочки, — это жертвенник. То есть «Тау» — это первый онтологический знак во всей письменности: палка-вертикаль (основание) — и на ней палка-горизонталь. Во всем этом очень много смысла и глубины.
А если стоит палка-вертикаль и на нее сядет ворона, то эта палка будет уже жертвенник. Так что тут такие путешествия в глубины смысла. Допустим, ты идешь в лесу, проходя мимо пенька (или мимо верстового столбика-указателя. — Н. К.), положишь на него листочек — получится жертвенник. Конец вертикали — всегда жертвенник, если на него что-то кладется. А если на вертикали есть перекладина, значит, вертикаль дальше закрыта, и все это превращается в распятие (Игорь Снегур, kuvaldinur.narod.ru).
Елена Суровцева. Танец бабочки
По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).
В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства… Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы. Выработанный художником творческий метод, который заключается в работе с геометрическими структурами, деформацией, позволяет создавать впечатление первозданности мира, его детскости, как редкого дара сохранения нетронутости изначального состояния души. Рождающиеся визуальные образы наделяются не только канонической устойчивостью формы, но и формой природной. Так Елена Суровцева позволяет заглянуть зрителю в мир, еще ненагруженный позднейшими приобретениями интеллектуальных технологий, и в себя. Погружаясь в эту «чуткую материю», зритель передвигается вместе с художником, меняя ракурсы своего видения, обнаруживая особую топографию и ее перспективы. При этом сама реальность в этой художественной системе открывается в момент острого переживания, как мгновенные вспышки света.
Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека. Своеобразно художник подходит и к жанру портрета. В скульптурных портретах она пытается выразить свои размышления о непостижимости природы, одиночестве человека перед лицом времени.
Новизна подхода Елены Суровцевой к пластической задаче позволяет прикоснуться к нравственным конфликтам времени, сделать сокрытое проявленным для современного восприятия. Реальность, фиксируемая пластикой скульптора, и есть единственное и подлинное пребывание человека в мире, наполненном живым сознанием и любовью. Творческие поиски Е.Суровцевой позволяют понять общий стилистический процесс отечественного искусства конца XX — начала XXI века, в котором она занимает одно из видных мест (rah.ru).
Живопись Виктора Крапошина
До 30 сентября в галерее ARTinvestment.RU «21-й век» (Москва, Гороховский переулок, 7) открыта выставка «Фантасмагории Виктора Крапошина». В эти же сроки на сайте ARTinvestment.RU проходит онлайн-ретроспектива работ художника 1971–2021 годов.
Мы включили в каталог аукциона 5 полотен художника.
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).
В художественной реальности Виктора Крапошина смешиваются Раннее Возрождение и Ars nova, Брейгель и Босх, сюрреализм и метафизическая живопись 1920–30-х годов. Персонажи Крапошина, очень специфические и узнаваемые реальные типажи, помещаются в непривычный контекст истории искусства, мотивы из которой заставляют их играть несвойственные им роли. За приземленными на первый взгляд сюжетами художника проглядывают вечные темы, «упакованные» в причудливую, иногда даже шокирующую обертку, по колористическому решению часто отсылающую к раннему ренессансу — каким он считывается, к примеру, в живописи Дмитрия Жилинского (Патриция Семенюк, artinvestment.ru).
Как приверженец фигуративной живописи, ясной, предметной, с подробными деталями, он давно предпочел экзерсисам в области беспредметности тонкую многослойную лессировочную живопись, двигаясь в сторону реализма, реализма метафизического. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия (Вера Родина).
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Соединяя природные и сельские мотивы с городским пейзажем, художник словно разделяет их во времени и выбирает для каждого из них свой «язык». Природа — поля, цветы, деревья, небо, облака, проселочные дороги — всегда свободна, насыщена воздухом, городской же пейзаж, которому, если только не он главный герой композиции, как правило, отводится небольшое пространство холста, он подчеркнуто ограничен и тщательно выписан во всех своих многочисленных деталях.
«Космокачели» — это работа «о детстве и юности, о прошлом и неясном будущем, о почве из которой вырастает и чем питается детство» (Виктор Крапошин).
Картины Виктора Крапошина обманчиво идилличны, искусно написанный пейзажный фон кроток и умиротворен, напрямую отсылая к хорошо усвоенным урокам русской пейзажной школы. В этом мире нет тревожной босхианы раннего Свешникова, причудливой городской фантасмагории Владимира Пятницкого, но атмосфера присутствия иного, запредельного измерения пронизывает зрителя. На первый взгляд в картинах есть «история», но ее трудно рассказать. Художник не комментирует какие-то идеи в рамках картины, а подчиняет их живописной ткани произведения, оживляет их своим видением, иногда вовсе не рефлексируя и двигаясь интуитивно. Слегка деформируя формы, используя в композиции разные точки и углы зрения одновременно, художник выстраивает парадоксальный и многоплановый образ. Чтобы понять его метафизическую многозначность, зритель должен изменить ракурс «оптики», сделать его «антиномичным», отбросив логику и концепт. Минуя личину реальности, зритель вслед за художником проникает в ее сердцевину, попадая в измерение свободы, где Настоящее, включая Ушедшее и Будущее, становится единственно возможным местом При-Сутствия (Вера Родина).
Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.
Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Желаем удачи на 83-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210914_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210914_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
