Открыты 443-и торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   15 августа 2022

В каталоге 23 лота: тринадцать живописных работ, восемь листов оригинальной и один — печатной графики и одна икона

Каталог AI Аукциона № 443 и 129-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 19 августа, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Открывает наш каталог икона Божией Матери «Тихвинская» в окладе.

Икона Божией Матери «Тихвинская» в окладе
Икона. 1958
Дерево, левкас, темпера
Оклад. 1856
Белый металл. 51,5 × 41,5 × 3,4 см

Тихвинская икона Божьей Матери считается одной из самых почитаемых чудотворных икон в Православной Церкви.

Чудотворная икона Божией Матери «Тихвинская», по преданию Церкви, написана евангелистом Лукой еще во времена земной жизни Пресвятой Богородицы. До своего явления на Руси она находилась в сердце Византии – Константинополе.

Тихвинская икона явилась на Руси в 1383 году, чудесно перенесясь по воздуху из самого Константинополя. По пути следования к Тихвину образ Богородицы видели жители самых разных областей России, например, в трех верстах от Смоленска, в 30 верстах от Ладожского озера, на погостах Смолково, на реке Ояти и т. д. Как свидетельствуют различные «Сказания», во все время своего пути икона была окружена лучезарным сиянием («Светозарно шествуя по воздуху»). В конечном счете икона остановилась на берегу небольшой речки Тихвинки близ селения Тихвино, над горою, что находилась в области Великого Новгорода. В третьей новгородской летописи о явлении иконы говорится следующее: «В лето 6891. Во области Великаго Новаграда, нарицаемой Тихфине, явилася икона Пречистыя Богородицы и Приснодевы Марии, с Превечным Младенцем на руку своею» (foma.ru).

Судьба Тихвинской иконы Богоматери тесно переплетается с историей не только Северо-Запада России, но и всей нашей страны. Она почитается как покровительница правящих династий и как защитница, «крепкая помощница» в ратных делах. Недаром же ее часто называют «палладиумом России». Со времен посещения берегов Тихвины Василия III Тихвин называли «царским богомольем». Высочайшие особы посещали Тихвин вплоть до начала ХХ века. «Воинская слава» Тихвинской иконы началась в XVII веке. Многие поколения русских солдат отправлялись на защиту Родины с ее образами (hram-troicy.prihod.ru).

Тихвинская икона Божьей Матери считается покровительницей младенцев. К ней обращаются матери, чьи дети болеют, капризничают и плохо спят.

Именно поэтому Тихвинская икона Божией Матери также называется Чадоподательница, то есть оберегающая детей, а также дающая здоровых детишек.

Считается, что она оберегает детей школьного возраста от дурного влияния, Тихвинская икона помогает им найти свой путь в жизни, помогает сделать правильный выбор. Икона укрепляет духовную связь между родителями и детьми. У неё просят помощи люди, которые хотят найти ответ на мучающий их вопрос. Икона Божьей Матери защищает человека от обмана и наговоров. Поэтому, если возникают трудности с другими людьми, многие духовники советуют взять образ Тихвинской Божьей матери и помолиться перед ним для того, чтобы прояснить ситуацию и понять, как действительно обстоят дела.

Тихвинская икона Божьей Матери обладает чудотворной силой. Она всегда появлялась в малообжитых землях, где не было распространено христианство.

Она защищала и оберегала людей от бедствий, войн и пожаров (ippo.ru).

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

КИВШЕНКО Алексей Данилович (1851–1895) Финал дуэта. 1890–1891
Бумага на картоне, графитный карандаш, тушь, белила. 35,5 × 38

Изящная, тонко проработанная графическая композиция «Финал дуэта» (1890–1891) Алексея Даниловича Кившенко представляет не только художественную, но и историческую ценность: она объединяет имена трех человек, художника, врача и дипломата — представителя двух легендарных родов русской истории, оставивших яркий след в русской промышленности и культуре, — Демидовых и Мальцовых.

Алексей Данилович Кившенко, сын крепостного, управляющего конным заводом графа Д. Н. Шереметева, родился в 1851 в селе Серебряные пруды Тульской губернии. С начала 1860-х (до 1867) посещал занятия в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, а также рисовальные вечера Санкт-Петербургской Артели художников (1864–1867).

Учился в Технологическом институте (конец 1860-х, не окончил), состоял слушателем Медико-хирургической академии. Учился в ИАХ (1867–1877) сначала в качестве вольнослушателя, с 1870 — постоянного ученика в историческом и костюмном классе у К. Ф. Гуна. За период учебы получил все существовавшие академические награды; неоднократно награждался малыми (1871, 1872) и большими серебряными медалями (1871, 1872, 1874). В 1876 был удостоен малой золотой медали за программу «Самсон и Далила (Пленение Самсона)», в 1877 — большой золотой медали за программу «Брак в Кане Галилейской»; получил звание классного художника 1-й степени без права пенсионерской поездки за границу, так как картина не была окончена. Для получения права пенсионерства исполнил по собственному выбору картину «Военный совет в Филях в 1812 году» (1880).

В 1880–1883 — пенсионер ИАХ в Германии и Франции. Работал в основном в Мюнхене, совершенствовался в мастерских Г. Макса, Ю. Бензура, Ю. Брандта, В. Диц; побывал также в Дрездене, Берлине, Дюссельдорфе, Париже, Нормандии. Вернулся в Россию раньше положенного срока. В 1884 был удостоен звания академика. В 1893 получил звание профессора.

Жил в Петербурге. Работал в области исторической и батальной живописи, пейзажист, жанрист, мастер охотничьих сцен, иллюстратор. В творчестве выступал продолжателем академических традиций.

В 1872 путешествовал по Ярославской, Костромской, Владимирской, Московской губерниям. Получив от великого князя Владимира Александровича заказ на картины из истории русско-турецкой войны 1877–1878, совершил ряд поездок по Закавказью (1884, 1886), Турции (1886), Болгарии (1892). В 1891 посетил Уральск. В том же году в составе русской археологической экспедиции был в Сирии и Палестине.

Участвовал в академических выставках (с 1879). Член-учредитель и председатель Санкт-Петербургского общества художников (1892–1894), член и экспонент Общества русских акварелистов (с 1893).

Преподавал в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица (1883–1889), профессор-руководитель мастерской батальной живописи Высшего художественного училища живописи, архитектуры и скульптуры при ИАХ (1894–1895).

Произведения А. Д. Кившенко находятся во многих музейных собраниях, среди них — Государственная Третьяковская галерея, Государственный Русский музей и другие.

«На Академической выставке в Императорской академии художеств в 1891 году Алексей Данилович представил ряд жанровых произведений, в том числе под номером 176 указана работа под названием “Финал дуэта”, воспроизведенная в альбоме, — отмечает эксперт. — Изобразительный мотив и композиция совпадает с исследуемым рисунком, а наличие существенных изменений в деталях сюжета позволяет считать представленный на экспертизу лист подготовительным рисунком к указанному живописному произведению. Это позволяет уточнить технологическую датировку до 1890–1891 года».

Дарственная надпись на обороте работы принадлежит, предположительно, Елиму (Элиму) Павловичу Демидову (1868–1943), князю Сан-Донато, российскому дипломату.

Элим Павлович Демидов, князь Сан-Донато родился в 1868 году в семье известного промышленника Павла Павловича Демидова. Его матерью была внучка Петра Сергеевича Мещерского, Мария Элимовна. П.С. Мещерский являлся родным братом Анны Сергеевны Мещерской, вышедшей замуж за Сергея Акимовича Мальцова. Вскоре после рождения Элима Павловича, Мария Элимовна Демидова (Мещерская) умерла.

В 1885 году умирает отец Элима Павловича Демидова. И в том же году он был усыновлен родственником по материнской линии Юрием Степановичем Нечаевым-Мальцовым.

В мае 1890 года Э. П. Демидов окончил с серебряной медалью императорский Александровский лицей. Был пожалован в звание камер-юнкера Двора Его Императорского Величества и принят в министерство Иностранных Дел России.

От отца Элиму Павловичу достался только княжеский титул, а вся материальная часть была унаследована дочерью от второго брака Марией Павловной (1877–1954).

В 1893 году Э. П. Демидов женился на дочери генерал-адъютанта графа Иллариона Ивановича Воронцова-Дашкова (Министр Двора, наместник царя на Кавказе), фрейлине Софье Илларионовне.

В 1913 году после смерти Юрия Степановича Нечаева-Мальцова унаследовал два особняка в Санкт-Петербурге, имение Нечаевых, все капиталы, находящиеся в петербургских банках.

Весть о свержении царского самодержавия застала Э. П. Демидова с супругой за границей. Семья в Россию больше не вернулась. Умер Элим Павлович Демидов в Афинах в 1943 году, и был там же похоронен в приходе русской православной церкви (photobook33.ru).

Лев Григорьевич Оршанский (1866–1937), которому дарственная надпись Э. П. Демидова напоминает о дороге из Монте-Карло, — психолог, врач-психиатр, коллекционер, один из первых российских игрушковедов, специалист по прикладному искусству и детским рисункам, специалист по педагогической и криминальной антропологии.

КОРОВИН Константин Алексеевич (1861–1939) Женщина в русском костюме. 1894
Дерево, масло. 28,6 × 11,5

К редким образцам натурных этюдов Константина Алексеевича Коровина раннего периода творчества эксперт относит небольшую работу «Женщина в русском костюме» (1894). Выдающийся русский художник рубежа XIX–XX столетий, Коровин проявил себя во многих видах искусства: архитектуре, театре, живописи, декоративно-прикладном искусстве. Огромный вклад он внес в историю русской живописи.

Константин Алексеевич Коровин появился на свет в 1861 в Москве. Родился и вырос в семье купцов-старообрядцев; дед по отцовской линии был владельцем ямщицкого извоза, дед по материнской линии — чаеторговцем. Родители увлекались искусством, в доме Коровиных часто бывали живописцы И. М. Прянишников и Л. Л. Каменев.

В 1875 поступил в МУЖВиЗ, где уже учился его старший брат Сергей, также впоследствии ставший известным художником. Сначала занимался на архитектурном отделении, в 1876 перешел на живописное. Учился у Е. С. Сорокина, В. Г. Перова, А. К. Саврасова, И. М. Прянишникова. В 1881 поступил в ИАХ в Петербурге, но годом позже, разочаровавшись в устаревших методах преподавания, возвратился в Москву и продолжил обучение в МУЖВиЗ в мастерской В. Д. Поленова. В 1883 за живописный этюд был награжден малой серебряной медалью, в 1883–1884 за рисунок — стипендией В. А. Долгорукого. В 1886 окончил училище со званием неклассного художника.

В 1880-х посещал поленовские рисовальные вечера. Через В. Д. Поленова познакомился с С. И. Мамонтовым, вошел в Абрамцевский художественный кружок. С 1884 регулярно бывал в подмосковном имении Мамонтова, работал в гончарной и столярной мастерских. Создавал эскизы мебели, выполнил изразцовые фризы, каминные вставки и др. С 1885 оформлял многие постановки в Русской частной опере Мамонтова в Москве. Принимал участие в домашних постановках абрамцевского кружка в качестве актера и оформителя спектаклей. С середины 1880-х по 1890 возглавлял живописную мастерскую Строгановского художественно-промышленного училища.

В 1888–1889 путешествовал с С. И. Мамонтовым по Испании и Франции. В 1889 побывал в Тифлисе, Мариуполе, Костроме. С 1888 экспонировал свои произведения на выставках Московского общества любителей художеств, с 1889 — выставках ТПХВ. В 1892–1894 жил в Париже.

В 1894 по инициативе С. И. Мамонтова вместе с В. А. Серовым совершил поездку на Север: в Ярославль, Вологду, Архангельск, по Северной Двине, Сухоне, Белому и Норвежскому морям. По этюдам, выполненным во время путешествия, Коровин написал живописные панно для павильона «Крайний Север» на Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде 1896 года. Выступил также в качестве автора архитектурного проекта павильона.

В 1898 создал обложку первого номера журнала «Мир искусства». В том же году экспонировал свои работы в Венском Сецессионе. С 1899 участвовал в выставках «Мира искусства», с 1900 — член объединения.

В 1899 побывал в Средней Азии и на Севере.

В 1898–1900 был привлечен к работам по устройству Русского отдела на Всемирной выставке в Париже 1900 года. Возглавлял художественную часть Русского отдела. Выполнил проект Кустарного павильона, вместе с А. Я. Головиным, Е. Д. Поленовой, М. Ф. Якунчиковой оформил его интерьеры, а также внутреннее пространство павильона «Окраины России». Его работы (в живописи и прикладном искусстве) были отмечены двумя золотыми и девятью малыми серебряными медалями. За заслуги в устройстве выставки был удостоен Ордена Почетного легиона и ордена святого Станислава III степени.

В конце 1890-х — 1910-х часто работал на собственных дачах в Охотино Владимирской губернии и Гурзуфе в Крыму. В 1900-х — 1910-х почти ежегодно ездил во Францию.

С 1900 работал для Императорских театров Москвы и Петербурга, в 1903 был назначен художником и библиотекарем Московской конторы Императорских театров, в 1909–1910 исполнял обязанности главного декоратора и художника-консультанта Императорских театров в Москве. Оформил свыше ста оперных и балетных постановок.

В 1901 по предложению Серова возглавил жанрово-портретный класс МУЖВиЗ. В 1903 стал одним из членов-учредителей Союза русских художников, принимал участие во всех выставках Союза вплоть до 1923. В 1905 работы Коровина экспонировались на портретной выставке в Таврическом дворце в Петербурге, в 1906–1907 — выставке русского искусства в Париже и Берлине, организованной С. П. Дягилевым. В 1905 был избран академиком.

После революционных событий 1917 продолжал активно участвовать в общественной и художественной жизни. Входил в Особое совещание по делам искусств, президиум Совета организации художников Москвы, Коллегию художников театра, Отдел пластических искусств Наркомпроса. Принимал участие в реорганизации МУЖВиЗ и Строгановского художественно-промышленного училища в Свободные художественные мастерские. Преподавал во Вторых Государственных свободных художественных мастерских.

В 1919 в Париже прошла первая персональная выставка Коровина. В 1920–1921 жил в Удомле Тверской губернии. В 1921 и 1922 Главполитпросвет организовал персональные выставки художника в Государственной Третьяковской галерее в Москве.

В 1922 вместе с женой и сыном через Берлин уехал во Францию, поселился в Париже. В том же году в берлинской галерее Ван Димена работы Коровина экспонировались на Первой русской художественной выставке и на персональной выставке. В 1923 ретроспективная выставка произведений Коровина состоялась в галерее Карла Николаи (Берлин). В 1925 и 1929 персональные выставки Коровина прошли в парижских галереях Бернхейма и Кольбера.

Можно предположить, что этюд на дереве «Женщина в русском костюме» (1894) выполнен в поездке на Север и изображает женщину в костюме одной из северных губерний. Эксперт отмечает в этюде характерные черты, типичные для творческой манеры живописца конца 1880-х — первой половины 1890-х годов. «В этот период в творчестве К. А. Коровина преобладает черно-серая гамма, как на исследуемом произведении, оттенки синего, желтого, красного приглушаются и объединяются черными, коричневыми и серыми красками, — пишет эксперт. — Известный художник и исследователь искусства И. Э. Грабарь в 1900 году писал: “Теперь идеалом живописи являются серые инфанты Веласкеса; краски Тициана слишком роскошны и почти оскорбляют наш глаз, воспитанный на серых гармониях. Теперь величайшим гармонистом считается Пювис с его серым небом, серыми деревьями, серым телом […]. Нас трогает и радует серый день, портрет мы любим на сером фоне, в сером платье и по возможности с серым лицом. Незаметно мы пришли к такому практическому абсурду, что высшая красота красок в природе там, где этих красок нет”. Н. В. Досекин в журнале “Артист”, описывая Вторую выставку московских художников, так охарактеризовал живописную манеру мастера: “Живопись же г. Коровина отличается темной, едва окрашенной гаммой, которая составляет его исключительную особенность. … Оценят его лишь немногие, умеющие видеть сквозь тусклое стекло недовыраженности”.

Близость изобразительного мотива и времени создания исследуемой картины с известным произведением К. А. Коровина “Хозяйка” (1895, ГТГ) позволяет предположить, что она является подготовительным натурным этюдом к данной работе».

МАКОВСКИЙ Владимир Егорович (1846–1920) Вечный студент. 1897
Бумага, акварель, графитный карандаш. 35 × 24

Акварель «Вечный студент» (1897) создана одним из ведущих мастеров жанровой живописи второй половины XIX века Владимиром Егоровичем Маковским.

Владимир Маковский родился в Москве в семье Е. И. Маковского — художника-любителя, коллекционера искусства и общественного деятеля, одного из основателей МУЖВЗ. Младший брат художников Александры, Константина, Николая Маковских. Первоначальное художественное образование получил под руководством отца. В 1858 поступил в МУЖВЗ, учился у Е. С. Сорокина и С. К. Зарянко. В 1866 за картину «Литературное чтение» был награжден большой золотой медалью и выпущен из Училища со званием классного художника 3-й степени. В 1869 за картину «Крестьянские мальчики стерегут лошадей» Советом ИАХ удостоен золотой медали М.-Л.-Е. Виже-Лебрен «за экспрессию» и звания классного художника 1-й степени; в 1873 — звания академика за картину «Любители соловьев».

В 1871 экспонировал свои работы на Первой выставке ТПХВ, в 1872 стал членом и постоянным участником выставок Товарищества до 1918 (с перерывами). Многие картины с выставок ТПХВ купил в свое собрание П. М. Третьяков.

Владимир Маковский выступал продолжателем традиций критического реализма, заложенных П. А. Федотовым и В. Г. Перовым. В произведениях Маковского обличительная интонация часто соседствовала с мягким юмором, интересом к повседневной жизни во всем ее многообразии. Для работ раннего периода характерны повествовательность, тщательная выписанность деталей, сдержанность колорита, стремление к предельной завершенности. С годами в его живописной манере появились большая свобода, гибкость и эмоциональная выразительность. Картины Маковского всегда пользовались успехом у знатоков и публики.

Акварель «Вечный студент» относится к очень распространенному в XIX — начале ХХ века жанру графики и фотографии — типам. Рисованные и фотооткрытки «Русские типы», «Московские типы» и т.д. выпускались огромными сериями, запечатлевавшими торговцев и торговок сотнями товаров, разнообразных мастеровых, извозчиков, военных, студентов и всех, кого можно было встретить на улице.

Вечный студент — образ столь же древний (корни понятия, как считается, уходят в Древнюю Грецию), сколь и неистребимый. В последние 2–3 века это, по сути, студент, который не смог сдать сессию или у него не хватило денег на обучение, или нашлись иные причины, но он берет отпуска, затем восстанавливается или поступает учиться заново — словом, проводит в учебном заведении иногда (как, очевидно, в нашем случае) не один десяток лет. Появился даже психологический тип вечного студента — вкратце, человека инфантильного, легкомысленного, безответственного и не желающего работать.

Акварель Владимира Маковского «Вечный студент», отмечает эксперт, «по своему образному строю и стилистике исполнения примыкает к обширной галерее “типов”, которую художник исполнил в 1880–90-х годах, в период своей творческой зрелости, и относится к той серии типажных зарисовок художника, в которой он достиг наивысших успехов в области станковой графики».

ПОЛЕНОВ Василий Дмитриевич (1844–1927) Бассейн Иосифа Флавия (Тивериадское озеро. Анн-эт-Табигах; Палестинский этюд). Конец XIX века (1899 (?))
Холст на картоне, масло. 19,8 × 29

Кисти Василия Дмитриевича Поленова принадлежит небольшой этюд «Бассейн Иосифа Флавия (Тивериадское озеро. Анн-эт-Табигах; Палестинский этюд)», датируемый экспертами концом XIX века (1899 (?)).

В. Д. Поленов в основном известен как мастер композиций на библейские сюжеты и художник-пейзажист. Обращаясь к евангельским сюжетам, он стремился переосмыслить их традиционное, академическое изложение, заострить нравственную проблематику — в том числе и путем изменения пейзажной или жанровой окраски своих произведений. Продолжал традиции лирического пейзажа А. К. Саврасова и Ф. А. Васильева, привнеся в картину живую непосредственность этюда. Большое внимание, которое он уделял проблемам плэнера, его понимание этюда как самостоятельного художественного произведения оказали значительное влияние на творчество живописцев следующего поколения.

Этюды — своего рода записная книжка художника, его рабочий материал — занимают особое место в творчестве Поленова. В конце XIX — начале ХХ века этюды Поленова перерастают рамки рядовых живописных штудий. Впервые представленные на 13-й выставке ТПХВ в 1885 году, этюды Поленова приобрели самостоятельную эстетическую ценность. Его пейзажные этюды имеют композиционную завершенность, большой охват пространства, сложное колористическое решение.

Впервые Поленов побывал на Востоке в 1881–1882 годах: работая над картиной «Христос и грешница», он посетил Египет, Сирию, Палестину, а также Грецию.

«В собрании музея-усадьбы В. Д. Поленова находится этюд 1903 года “ Бассейн Иосифа Флавия (Тивериадское озеро. Анн-эт-Табигах)” (х. на к., м.; 32,5 × 61,7), — пишет эксперт. — В каталоге музея указано (М., 2005. С. 107), что музейный этюд представляет собой авторское “повторение этюда, написанного во время путешествия В. Д. Поленова по Галилее в 1899 году”».

В 1899 году, работая над циклом “Из жизни Христа”, Поленов совершил еще одну поездку на Восток. В своих этюдах художник фиксировал характер местности, типы местных жителей, древние сооружения в соотношении с окружающей природой».

МУРАВЬЁВ Владимир Леонидович (1861–1940) Медведь в зимнем лесу. 1904
Холст, масло. 45,8 × 58

Небольшая композиция «Медведь в зимнем лесу» (1904) принадлежит кисти графа Владимира Леонидовича Муравьёва.

Вольноприходящий ученик Академии, граф Муравьёв учился у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, пользовался советами К. Я. Крыжицкого, был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно выставлялся на академических выставках, а в 1893 году провел персональную экспозицию.

Страстный любитель и знаток охоты, повадок животных, их поведения, живописец Владимир Леонидович Муравьёв перенес свое глубокое пристрастие на листы и полотна. Наибольшую известность он получил как мастер охотничьих сцен. Его кисти принадлежит ряд зимних пейзажей, изображающих животных и птиц в лесу: художник пишет их в естественной среде, и его картины следует рассматривать не как пейзажи с анималистичным стаффажем, а именно как жанровые сцены, где животные и птицы — главные персонажи.

Граф Муравьёв был талантливым пейзажистом, по-настоящему чутко и глубоко понимавшим русскую природу, лес и его обитателей. «Находясь под большим влиянием Ю. Ю. Клевера, он так же экспериментировал со световыми эффектами и фактурой красок, создавая эффектные, солнечные пейзажи. Исследуемый пейзаж с изображением медведя в зимнем лесу продолжает ряд таких работ», — отмечает эксперт.

Картины Владимира Леонидовича Муравьёва нравились и были востребованы публикой, активно публиковались в дореволюционной печати.

Сегодня его работы хранятся в музейных художественных собраниях Иркутска, Днепропетровска, Козьмодемьянска, Сыктывкара и других музейных и частных коллекциях.

КУСТОДИЕВ Борис Михайлович (1878–1927) Сплав брёвен. 1900 — первая половина 1910-х
Холст, масло. 11,3 × 18,2

Небольшое произведение «Сплав бревен» (1900-е — первая половина 1910-х) Бориса Михайловича Кустодиева исполнено «с натуры, создано мастером во время его поездок по Костромской губернии, которые художник совершал начиная с 1900 года, последняя поездка была летом 1915 года, — пишет эксперт. — М. Эткинд в книге “Б. Кустодиев” приводит слова художника, который с радостью вспоминал время, когда он каждое лето жил и работал в Костромской губернии: “я считаю эти годы одними из лучших в своей жизни. …Все эти пейзажи, которые я каждый год рисовал и которые вошли ко мне на картины как материал”».

Борис Кустодиев родился в 1878 году в семье преподавателя русского языка и литературы в духовном училище и гимназии в Астрахани. В 1887–1892 обучался иконописному ремеслу в Астраханском духовном училище, в 1892–1896 — в Астраханской духовной семинарии. Одновременно брал частные уроки рисования у П. А. Власова, а также посещал Астраханский кружок любителей живописи и рисования.

В 1896 переехал в Санкт-Петербург. В течение месяца занимался в мастерской академика Л. Е. Дмитриева-Кавказского. В том же году поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. Учился сначала у В. Е. Савинского и И. И. Творожникова, с 1898 — в мастерской И. Е. Репина. В 1900–1903 получал персональную стипендию Николая II. Ежегодно выезжал для работы на Кавказ, в Крым и Поволжье.

Еще в бытность учеником приобрел известность и начал принимать участие в выставках. С 1900 экспонировал свои работы на Весенних выставках ИАХ. В 1900 за картину «Гуляние» был награжден серебряной медалью на Международной выставке в Брюсселе, в 1901 за портрет И. Я. Билибина — малой золотой медалью на Международной художественной выставке в Мюнхене. В том же году представил свои работы на выставке Венского Сецессиона. В 1903 за портрет А. П. Варфоломеева был удостоен Гран-при Ассоциации венских художников на Международной художественной выставке в Мюнхене.

В 1901–1903 вместе с И. С. Куликовым помогал И. Е. Репину в работе над картиной «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения». В 1903 за картину «Базар в деревне» награжден золотой медалью ИАХ, выпущен из Академии со званием классного художника и правом пенсионерской поездки за границу. В 1904 как пенсионер ИАХ посетил Испанию и Францию, совершенствовал свое мастерство в парижской студии Р. Менара. В том же году стал одним из основателей в Петербурге Нового общества художников. В 1907 вступил в Союз русских художников, в 1910 стал членом возобновленного объединения «Мир искусства».

Много работал в области книжной и журнальной графики. В 1905–1906 сотрудничал с журналами «Жупел», «Адская почта», принимал участие в работе над изданием «Календарь русской революции».

В 1906–1907 работы Кустодиева экспонировались на выставках русского искусства в Париже и Берлине, организованных С. П. Дягилевым. В 1907 за портрет В. В. Матэ был награжден большой золотой медалью на художественной выставке в Венеции. В 1909 избран академиком, в 1912 — членом Совета ИАХ. Преподавательской деятельностью занимался эпизодически, в частности в 1910 вел уроки живописи в Школе Е. С. Зарудной-Кавос, в 1913 — в Новой художественной мастерской. В 1913 был привлечен А. В. Щусевым к оформлению Казанского вокзала в Москве, для которого выполнил несколько эскизов декоративных панно и плафон ресторана (не осуществлены).

С 1911 работал как театральный декоратор. Сотрудничал с частным Театром К. Н. Незлобина и МХТ, в частности создал эскизы костюмов и декораций к спектаклям «Горячее сердце» А. Н. Островского (1911), «Смерть Пазухина» М. Е. Салтыкова-Щедрина.

Много путешествовал по России и Европе. В сентябре 1900 года по приглашению однокашника Константина Ивановича Мазина вместе с Дмитрием Семеновичем Стеллецким отправился на Волгу, в Костромскую губернию. Он создал обширную серию этюдов, обследовал окрестности и после этой поездки ежегодно возвращался в эти места вплоть до 1916 года, пока болезнь не лишила его этой возможности. Период работы в Семеновском-Лапотном был во многом поворотным для Кустодиева. Именно там он создал большое количество натурных эскизов, именно там родился замысел его дипломной работы «Базар в деревне», там же он встретил свою будущую жену Юлию Евстафьевну Прошинскую, а впоследствии построил неподалеку дом.

В 1911–1912 выезжал для лечения в Швейцарию (Лейзин). С 1916 испытывал все большие затруднения в творческой деятельности из-за паралича нижней части тела, однако не обрывал ее окончательно.

После революции 1917 участвовал в агитоформлении Петрограда к праздникам. В 1920 в петроградском Доме искусств прошла первая персональная выставка Кустодиева. В 1920 оформил пьесу А. Н. Островского «Гроза» во Второй студии МХАТ, в 1925–1926 создал декорации к постановке Е. И. Замятина «Блоха» в Большом драматическом театре.

В 1923 вступил в АХРР. В 1922 произведения Кустодиева экспонировались на Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине, в 1924–1925 — на выставке русского искусства в Нью-Йорке (выполнил афишу выставки), в 1927 — на последней выставке «Мира искусства» в галерее «Бернхейм» в Париже.

КУСТОДИЕВ Борис Михайлович (1878–1927) Молодая девушка. 1910-е
Бумага, графитный карандаш, сангина. 26,7 × 15,2 (в свету)

Вторая работа Бориса Михайловича Кустодиева в каталоге — рисунок «Молодая девушка» (1910-е), относящийся к позднему периоду творчества художника.

Борис Кустодиев — выдающийся русский художник первой трети ХХ столетия. Как заметил А. Н. Бенуа, «настоящий Кустодиев — это русская ярмарка, пестрятина, “глазастые” ситцы, варварская “драка красок”, русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями…» Блестящий рисовальщик, Кустодиев обладал высочайшей графической культурой. Прекрасно владел линией и контуром, лучшие рисунки Кустодиева созданы буквально на одном дыхании.

ИГНАТЬЕВ Виктор Викторович (1885–1923 (?)) Над вечным покоем. 1914. Копия с картины И. И. Левитана
Холст, масло. 80,4 × 110,5

Творчество Виктора Викторовича Игнатьева представляет холст «Над вечным покоем» (1914) — копия с картины И. И. Левитана.

Виктор Игнатьев родился в 1885 в Екатеринбурге. Учился в Екатеринбургской художественно-промышленной школе (гранильная мастерская, окончил в 1908 со званием ученого рисовальщика), МУЖВЗ (1908–1910 (выбыл из училища), 1914–1917). Заведовал художественной частью Екатеринбургских высших СГХМ (1920-е).

Участвовал в выставках с 1908 (?). Экспонировал работы на выставках МУЖВЗ (1908–1917), МОЛХ (1910), ТПХВ (1913, Москва).

Произведения художника находятся в собраниях Вятского художественного музея имени В.М. и А.М. Васнецовых (Киров), Екатеринбургского музея изобразительных искусств.

Игнатьев был представителем московской школы живописи начала ХХ века. После обучения в Москве он вернулся на родину.

«Творчество И. И. Левитана имело огромное влияние на русскую пейзажную живопись конца XIX — начала ХХ века, — пишет эксперт. — К его открытиям прислушивались художники-современники. Ученики мастера в Московском училище живописи, ваяния и зодчества за короткий период его преподавания (1898–1900) переняли его систему живописи, трогательное отношение к русской природе. Поколение же 1900–1910-х годов, к которому принадлежит В. В. Игнатьев, училось на богатом наследии И. Левитана.

Композиция… произведения воспроизводит в несколько уменьшенном размере эскиз к известному полотну И. И. Левитана «Над вечным покоем» (1893; холст, масло; 95 × 127. Государственная Третьяковская галерея), В 1898 году эта работа была приобретена П. М. Третьяковым у автора и передана в Галерею, таким образом, она была доступна для широкого круга зрителей.

Несмотря на копирование композиции и некоторое подражание манере великого мастера, В. В. Игнатьев сохраняет в… картине свои характерные приемы работы — пастозную живописную фактуру, форму облаков, трактовку деревьев. Колорит отличается от оригинала и в целом решен в более теплой гамме — с добавлением сиреневого и розового».

СОМОВ Константин Андреевич (1869–1939) Костер. 1918
Бумага на картоне, масло. 18,5 ×30,2

Кисти Константина Андреевича Сомова принадлежит небольшая работа «Костер» (1918).

Константин Сомов родился в семье известного историка искусства, хранителя Императорского Эрмитажа А. И. Сомова. Первоначальное художественное образование получил в 1878–1888 в гимназии К. И. Мая в Петербурге, где познакомился с А. Н. Бенуа, В. Ф. Нувелем, Д. М. Философовым. В 1880 брал уроки рисования и музыки у В. М. Судиловской. С 1884 посещал вечерние воскресные классы Общества поощрения художеств. В 1888 поступил в Академию художеств в Петербурге, где занимался у К. Б. Венига, В. П. Верещагина, П. П. Чистякова, Б. П. Виллевальде. В 1891–1893 был награжден двумя серебряными медалями за рисунок и живописные этюды с натуры. В 1894 продолжил обучение в мастерской И. Е. Репина в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при Академии. В 1897 ушел из Училища. Зиму 1897 и 1898 провел в Париже, посещал различные художественные академии, в частности Школу Ф. Коларосси.

Много путешествовал по Европе: в 1890, 1894, 1897, 1901, 1905 посетил Германию, Швейцарию, Италию, Англию, Францию.

В 1898 стал одним из учредителей журнала и выставок объединения «Мир искусства». До 1904 был членом редакции, оформителем и иллюстратором журнала. С 1894 (до 1906) принимал участие в выставках Общества русских акварелистов. В 1898 экспонировал свои произведения на выставке Мюнхенского Сецессиона, в 1901–1903 и в 1906 — на выставках Берлинского Сецессиона. С 1903 по 1910 был постоянным экспонентом Союза русских художников. В 1903 в салоне «Современное искусство» в Петербурге состоялась первая персональная выставка Сомова.

Помимо живописи и графики, работал в области мелкой фарфоровой пластики, в 1900-х создавал модели и варианты росписи для Императорского фарфорового завода.

Много работал как художник книги. В 1898 создал иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Граф Нулин», в 1901 — к повестям Н. В. Гоголя «Невский проспект», «Портрет», в 1907–1918 работал над оформлением сборника французской прозы и поэзии «Книга маркизы» Ф. фон Блей. Сотрудничал с журналами Jugend (1904), «Золотое руно» (с 1905), рисовал для издания «Художественные сокровища России».

В 1914 был удостоен звания академика. Годом позже отказался баллотироваться в действительные члены Академии. В 1915–1918 преподавал в Школе Елизаветы Званцевой в Петербурге, с 1918 — в Петроградских Государственных свободных художественных мастерских. В 1919 в Государственной Третьяковской галерее прошла персональная выставка художника, приуроченная к 50-летию со дня его рождения. В конце 1923 отправился в США с выставкой русского искусства в качестве представителя петроградской группы художников. Из командировки не вернулся.

В мае 1925 переехал во Францию, поселился на ферме в Гранвиле (Нормандия). В 1928 приобрел квартиру в Париже, летние месяцы жил в Нормандии.

После эмиграции продолжал рисовать галантные сценки на темы XVIII века, принесшие ему известность в Петербурге, работал как портретист, создал серию акварелей, посвященных русскому балету, писал пейзажи Нормандии и натюрморты.

Участник многих выставок в разных городах Европы.

Небольшая картина «Костер» (1918) выполнена в доэмиграционный период жизни художника. «Об этой работе, — пишут эксперты, — имеется запись в дневнике К. А. Сомова, хранящемся в архиве Русского музея, от 31 июля 1918 года: “… начал писать маленькую картинку масляными красками… ночной пейзаж с 4 кострами. Работал до 6 и кончил ее” (К.А.Сомов. Письма. Дневники. М.: Искусство. 1979. С. 187). Исследуемая работа — замечательное камерное произведение мастера, экспонировавшееся в Русском музее на выставке К. А. Сомова 1969 года.

Мотив костра редок в творчестве мастера, знаменитого своими фейерверками, и поэтому особенно ценен. Написанная “по-сомовски” тщательно и виртуозно, с проработанной гладкой живописной поверхностью, работа одинаково лирична и декоративна. К. А. Сомов мастерски сумел передать в маленьком изящном произведении прелесть летнего вечера на высоком берегу реки с уходящим вдаль панорамным видом долины».

Искусство художников Русского Зарубежья

ТАРХОВ Николай Александрович (1871–1930) Ваза с красными маками. 1920-е
Бумага на холсте, акварель, белила, черный карандаш. 59,8 × 46,6

«Тархова узнаешь в парижских салонах среди тысяч картин сразу», — писал Александр Бенуа о Николае Александровиче Тархове, авторе натюрморта «Ваза с красными маками» (1920-е).

Уроженец московской состоятельной купеческой семьи, Тархов окончил казенное училище в Москве, после чего служил на Брестской железной дороге. Вскоре увлекся искусством и решил стать живописцем. В 1894 поступал в МУЖВЗ, но не выдержал экзаменов. Стал заниматься самостоятельно. В 1897 работал в мастерской К. А. Коровина. Тогда же познакомился с молодыми художниками П. В. Кузнецовым, П. И. Уткиным, Н. Д. Милиоти, вместе с которыми в 1898 предпринял путешествие в Париж. В 1897 дебютировал на XV выставке Московского Общества любителей искусств. В 1899, также в Москве, экспонировал свои работы на выставке объединения «Мир искусства». Готовился поступать в петербургскую Академию художеств. Однако, не дожидаясь экзаменов, снова уехал в Париж. С 1899 постоянно жил во Франции, где посещал мастерские Ж.-П. Лоуренса и Л. О. Меррона, а также Школу изящных искусств. Много работал на пленэре, писал городские и сельские пейзажи, натюрморты с цветами, фруктами и овощами, сцены сельской жизни.

В 1900-х добился известности в Париже. Его произведения не уступали по ценам работам наиболее ярких представителей французской живописи. Активно выставлялся в Париже (участвовал в Салонах, на групповых экспозициях, проводил персональные выставки) и в России. В 1909-м и 1910-м экспонировал свои работы на салонах Владимира Издебского. В 1910 состоялась персональная выставка в редакции журнала «Аполлон», высоко оцененная А. Н. Бенуа и С. К. Маковским.

В 1911 году Тархов приобрел дом в деревне Орсэ в районе Валле-де-Шеврез, недалеко от Парижа, и переехал в него вместе с семьей. После этого в его творчестве виды сельских пейзажей, деревенской жизни, зарисовки полевых цветов и домашних животных стали основными темами.

Раннее творчество Тархова близко традициям русского символизма, с ярко выраженным декоративным началом, свойственным голуборозовцам. Затем, в Париже, он пришел к импрессионизму. Однако импрессионизм художника не был простым подражанием французским мастерам, но его собственной, присущей только ему манерой. По меткому выражению историка искусства В. И. Ракитина, «Тархов стоит на грани импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма, сохраняя в переменчивой игре “измов” свою лирическую интонацию и индивидуальность».

Произведения художника находятся в собраниях музея Пти-Пале в Женеве, Люксембургского музея в Париже, Государственной Третьяковской галереи и ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве, Государственном Русском Музее в Санкт-Петербурге, многих частных коллекциях.

Посмертные выставки были устроены, в частности, в 1980 в Женеве (Музей Пти-Пале), в 1983 в Москве (ГМИИ им. А. С. Пушкина). В 2003-м состоялась ретроспективная выставка Тархова «Самостоятельная республика живописи» в Государственной Третьяковской галерее, ставшая самой масштабной экспозицией со дня смерти художника.

«Натюрморт “Ваза с красными маками” написан Н. А. Тарховым в 1920-х годах в собственном доме с мастерской в Орсе (Vallée de Chevreuse, 25 км от Парижа), — пишет эксперт. — Это блестяще сделанная акварельная работа, великолепно передающая уникальную, легкую и свободную манеру импрессионистического письма непосредственно с натуры, колористическую смелость и уникальное чувство цвета Н. А. Тархова.

… Акварель “Ваза с красными маками” (1920-е) имеет безупречное происхождение, ее подлинность подтверждена директором комитета по изучению творческого наследия Н. А. Тархова Господином Ги Аботом, и она включена комитетом в подготавливаемый к изданию каталог-резоне Тархова».

ЛАРИОНОВ Михаил Фёдорович (1881–1964) Венера. Конец 1920-х. Лист из серии пошуаров «M. Larionov. Le Voyage en Turquie» («Путешествие в Турцию»). Около 1928
Бумага серая с водяным знаком, гуашь, трафарет. 18,5 × 25 (в свету)

Лист «Венера» происходит из альбома пошуаров «M.Larionov. Le Voyage en Turquie» Михаила Фёдоровича Ларионова.

Отмечая музейное значение произведения, эксперт пишет: «Название альбома — “Путешествие в Турцию” — условно, в него вошли произведения, исполненные в 1920-х годах во Франции: реплики с ранних работ, рисунки к спектаклю “Карагез”, композиции по мотивам натурных впечатлений от пребывания на юге Франции. “Венера” — своеобразное воспоминание о примитивистских работах художника русского периода. Лист “Венера” из “Путешествия в Турцию” — графический вариант знаменитой ларионовской “Кацапской Венеры” 1912 года. Особенности пошуара (гибкого трафарета, пройденного автором гуашью от руки), сохраняют в тиражном листе впечатление оригинального рисунка.

Впервые альбом “M.Larionov. Le Voyage en Turquie” был показан на выставке в Лондоне в феврале 1929 <года>».

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Крестьянка в зеленом платке. 1920–30-е
Бумага, уголь, цветные карандаши, восковые мелки. 52 × 41 (в свету)

Великолепный по исполнению и эмоциональный рисунок «Крестьянка в зеленом платке» (1920–30-е) — работа одного из лучших русских рисовальщиков Филиппа Андреевича Малявина.

Филипп Малявин родился в 1869 в селе Казанка Самарской губернии. Происходил из крестьянской семьи. В 1885–1892 работал в иконописной мастерской в русском монастыре Св. Пантелеимона на Афоне. При содействии скульптора В. А. Беклемишева в 1892 поступил в петербургскую Академию художеств. Занимался у П. П. Чистякова. В 1894–1899 учился в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при Академии художеств (ВХУ) — в мастерской И. Е. Репина. В 1899 создал конкурсную (выпускную) картину «Смех». Произведение было отвергнуто Советом ИАХ. Лишь благодаря ходатайству Репина и В. В. Матэ Малявин получил за портреты звание художника без права пенсионерской поездки. Однако неудача выпускной работы была временной. Годом позже картина «Смех» была удостоена золотой медали на Всемирной выставке в Париже, а в 1901 приобретена в коллекцию Международной галереи современного искусства в Венеции. Малявин приобрел европейскую известность и, вдохновленный успехом, создал целую серию картин, изображающих русских крестьянок.

С 1903 — член и постоянный экспонент Союза русских художников. Участвовал в выставках ТПХВ, «Мира искусства», СРХ.

В 1900 и 1906 совершил путешествия в Париж, в 1906 выставлялся на Осеннем салоне. В том же году удостоен звания академика.

До 1900 жил в Москве, в 1900–1917 — в деревне Аксиньино под Рязанью, в 1918–1920 — в Рязани. После революции работал в Рязанском комиссариате просвещения, участвовал в создании городской картинной галереи, студии живописи, охране памятников старины. Был одним из руководителей Рязанских Государственных свободных художественных мастерских (ГСХМ).

Во время Всероссийской конференции 1920 был делегатом от Союза русских художников. Сделал много натурных зарисовок В. И. Ленина.

В 1922 уехал из России в Берлин, переехал во Францию. Жил в Париже, Мальме, затем в Ницце.

Во время оккупации Бельгии летом 1940 года Малявин оказался в Брюсселе. Оккупационные власти задержали художника, обвинив в шпионаже, однако впоследствии отпустили. Малявину удалось с трудом добраться до Ниццы. Там 23 декабря 1940 художник скончался.

Произведения художника хранятся в российских музейных и частных собраниях, в том числе в Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве, Государственном Русском музее и Научно-исследовательском музее Российской Академии художеств в Санкт-Петербурге (в основном работы 1890-х — начала 1920-х, т. е. доэмиграционного периода). Значительная часть наследия находится в зарубежных частных собраниях, в частности в коллекции зятя Малявина — парижского художника Л. М. Бенатова.

«Рисунок Ф. А. Малявина “Крестьянка в зеленом платке” — характерная графическая работа выдающегося живописца, исполненная в быстрой, “живой” и свободной, узнаваемой манере рисования в сложной технике цветных карандашей и восковых мелков, которая не терпит исправлений, а требует наблюдательного и отточенного глаза и уверенной, твердой руки, — отмечает эксперт. — Рисунок “Крестьянка в зеленом платке”, сделанный в 1920–30-х годах, в зарубежный период жизни и творчества Ф. А. Малявина, носит явно ностальгический характер и примыкает к знаменитой серии живописных и графических вещей со знаменитыми “малявинскими бабами”, характеризующими его как великолепного, наблюдательного рисовальщика, мастера женских крестьянских образов и типов». 

БУРЛЮК Давид Давидович (1882–1967) Обнаженная на берегу. 1930–40-е
Дерево, масло. 11,4 × 7,1

1930–40-ми годами датирует эксперт маленькую работу маслом на доске «Обнаженная на берегу» Давида Давидовича Бурлюка.

Давид Давидович Бурлюк родился в 1882 году неподалеку от Харькова. Он учился живописи в Одессе и Казани, а также в мюнхенской Королевской академии художеств и в Школе изящных искусств Парижа. Будучи энергичным, жизнерадостным и общительным молодым человеком, Бурлюк сразу завоевал симпатию других студентов, а также преподавателей, в частности Антона Ажбе (Anton Ažbe), который называл его «удивительным диким степным конем».

В 1911 Бурлюк поступил в МУЖВЗ, состоял в натурном классе у Л. О. Пастернака  и А. Е. Архипова.

В 1910-х годах, ставших золотым веком русского модернизма, Бурлюк писал картины, сочетающие в себе влияния фовизма, кубизма и футуризма. Художник любил природу и интересовался культурой древних кочевников — скифов. Его вдохновляли затейливые, сложные формы скифских артефактов. В 1911 году Бурлюк совместно с Владимиром Маяковским и Бенедиктом Лившицем создал художественно-литературное объединение, которому дал имя «Гилея» (именно так древние греки называли скифские земли). Бурлюка вдохновлял и украинский фольклор. Больше всего ему нравилась легенда о казаке Мамае — именно этот персонаж, по мнению художника, воплощал в себе такие качества, как смелость, самодостаточность и индивидуализм. Все эти влияния отразились на живописи и поэзии Бурлюка. Любовь к природе, древнему искусству и народным легендам сближала художника с другими авангардистами того времени — немецкими экспрессионистами. Он и его брат Владимир были знакомы с Василием Кандинским и участвовали в выставке художественного объединения «Синий всадник».

Бурлюк участвовал во многих футуристических изданиях: «Садок судей» (1910, 1913), «Требник троих», «Дохлая луна» (оба — 1913), «Рыкающий Парнас», «Молоко кобылиц» (оба — 1914) и других. В декабре 1912 Бурлюк вместе с Маяковским и А. Е. Крученых выпустил манифест «Пощечина общественному вкусу».

В те годы русские футуристы приобрели скандальную известность благодаря своим эпатажным выходкам. В декабре 1913 года Бурлюк, Маяковский, Василий Каменский и другие отправились в «турне» по шестнадцати городам Российской империи. Внешний облик художников (они ходили в аляповатых жилетах, рисовали на лицах животных и носили морковки за лацканами пиджаков), а также их невероятные представления (в них фигурировало подвешенное пианино, под которым футуристы пили чай) шокировали общественность. Авангардные «перформансы» никого не оставляли равнодушными: почти во всех городах Бурлюк, Маяковский и Каменский собирали полные залы. Конечно, многих возмущали их представления, но некоторые смотрели на футуристов с восхищением, мечтая примкнуть к их рядам. (Кстати, в 1914-м за пропаганду авангардистского искусства в этом «турне» Бурлюка и Маяковского исключили из МУЖВЗ).

Живопись Бурлюка завоевала много поклонников в России и за границей — его произведения экспонировались в Москве, Санкт-Петербурге, Киеве и Мюнхене. Первая его персональная выставка прошла в 1917-м в Самаре. В том же году художник поехал в Сибирь. Там он устраивал футуристические представления и продавал свои работы. В 1920 году он поселился в Японии, где провел два года. Художник знакомился с восточной культурой и очень плодотворно работал: за время своего пребывания в Стране восходящего солнца Бурлюк создал около 450 произведений. Он неустанно пропагандировал русский авангард и даже организовал в Японии выставку, на которой помимо его картин экспонировались работы Малевича, Татлина и других. Под влиянием русских авангардистов молодые японские художники тоже начали создавать странные объекты и устраивать эпатажные перформансы. В 2007 году компания Copernicus выпустила документальный фильм, в котором рассказывается о влиянии Давида Бурлюка на японский авангард.

В 1922 году художник, его жена Мария Никифоровна («Маруся») и два сына переехали в Нью-Йорк. Там художник работал художественным редактором и корректором коммунистической газеты Russian Voice. В 1926 году он выпустил очень занятный «Манифест Универсального лагеря Радио-модернистов», где назвал себя «одним из первопроходцев Нового Универсального искусства», а также «живописцем, поэтом, оратором, актером и шоуменом». В нем он писал об искусстве, в котором соединяется восхищение одновременно природой и техникой, а также о необходимости создания великого искусства для Великой Америки. «Радио-стиль», который пропагандировал Бурлюк, очень похож на футуризм...

В 1941 году Бурлюк переехал в Хэмптон-Бэйз, где основал художественное объединение The Hampton Bays Group. Одним из членов этой группы был армянский художник Аршил Горки (Arshile Gorky), позже прославившийся как абстрактный экспрессионист.

Произведения Бурлюка, которые он создавал в США, напоминают картины экспрессионистов и наивных художников. Он писал пейзажи, натюрморты (фирменной темой был «Букет на берегу моря»), жанровые сцены (Юлия Максимова, artinvestment.ru).

«Небольшая работа “Обнаженная на берегу”, написанная на дереве в конце 1930-х — 1940-х годах, относится к американскому периоду творчества Д. Д. Бурлюка, — отмечает эксперт. — Эта небольшая живописная вещь исполнена в характерной для творчества художника, намеренно ориентированной на примитив, свободной и “мазистой” манере, яркими, насыщенными красками. Художнику замечательно удалось передать поэтичное и романтичное настроение в своей небольшой картинке с обнаженной моделью. Возможно, что Д. Д. Бурлюку для этого этюда позировала его любимая супруга Маруся».

Искусство ХХ века

КОЛЕСНИКОВ Сергей Михайлович (1889–1952) Базар у Сухаревской башни. 1924
Бумага верже, графитный карандаш, тушь. 36,5 × 28,5

Редкий образец оригинальной графики Сергея Михайловича Колесникова представляет рисунок карандашом и тушью «Базар у Сухаревской башни» (1924).

Сергей Колесников родился в 1889 в Китае. По некоторым данным, был сыном русского и монголки (artrz.ru). В 1896 переехал в Россию. В конце 1900-х — начале 1910-х учился в Санкт-Петербурге в школе Е. Н. Званцевой у Л. С. Бакста и М. В. Добужинского. В 1908–1914 в составе экспедиций Императорского географического общества посетил Монголию. В 1919 в Москве познакомился с В. Д. Фалилеевым, который увлек его гравюрой. Участвовал в московской выставке «Мир искусства» (1921).

В 1925 эмигрировал в Германию. Жил в Берлине. Исполнял офорты и цветные линогравюры, писал картины, навеянные природой и бытом Монголии: альбом линогравюр «Монголия» (1922), картины «Всадник в Северной Монголии» (1923–1925), «В стране лам» (1927), «Охотники» (1928). Создавал гравюры на тему балета. В 1927 провел персональную выставку.

Участвовал в Выставке русского искусства в Америке (1924/1925), в русском отделе международных выставок в Питтсбурге (1925) и Нью-Йорке (1926), групповой Выставке русских художников-эмигрантов, организованной в Кёльне Обществом изучения Восточной Европы (1929), и Выставке советского искусства в Берлине (1930). Работы экспонировались в Москве на выставках «Гравюра СССР за 10 лет» (1927) и «Цветная ксилография. Ее приемы и возможности» (1929), а также на групповой выставке в Художественной галерее в Перми (1927).

В 1943 поселился в Саксонии, в Вайксдорфе.

Работы С. М. Колесникова хранятся в собраниях ГТГ, ГМИИ им. А. С. Пушкина, картинной галерее Дрездена, в гравюрном кабинете Британского музея (использованы материалы artrz.ru).

Журналист и бытописатель Москвы Владимир Алексеевич Гиляровский писал: «Сухаревка — дочь войны. <…> После войны 1812 года, как только стали возвращаться в Москву москвичи и начали разыскивать свое разграбленное имущество, генерал-губернатор Ростопчин издал приказ, в котором объявил, что “все вещи, откуда бы они взяты ни были, являются неотъемлемой собственностью того, кто в данный момент ими владеет, и что всякий владелец может их продавать, но только один раз в неделю, в воскресенье, в одном только месте, а именно на площади против Сухаревской башни”. И в первое же воскресенье горы награбленного имущества запрудили огромную площадь, и хлынула Москва на невиданный рынок.

Это было торжественное открытие вековой Сухаревки. Сухарева башня названа Петром I в честь Сухарева, стрелецкого полковника, который единственный со своим полком остался верен Петру во время стрелецкого бунта.

Высоко стояла вековая Сухарева башня с ее огромными часами. Издалека было видно. В верхних ее этажах помещались огромные цистерны водопровода, снабжавшего водой Москву.

Много легенд ходило о Сухаревой башне: и “колдун Брюс” делал там золото из свинца, и черная книга, написанная дьяволом, хранилась в ее тайниках. Сотни разных легенд — одна нелепее другой.

По воскресеньям около башни кипел торг, на который, как на праздник, шла вся Москва, и подмосковный крестьянин, и заезжий провинциал.

Против роскошного дворца Шереметьевской больницы вырастали сотни палаток, раскинутых за ночь на один только день. От рассвета до потемок колыхалось на площади море голов, оставляя узкие дорожки для проезда по обеим сторонам широченной в этом месте Садовой улицы. Толклось множество народа…» (В. А. Гиляровский. «Москва и москвичи». М., 1989).

«Рисунок, представленный на экспертизу, обладает большой исторической и художественной ценностью: Сухаревская башня изображена еще до перестройки под нужды Московского Коммунального музея, открытого в ней в 1926 году, — отмечают эксперты. — Позже, в 1934 году, в связи с реконструкцией Сухаревской площади башня, стоявшая на пересечении Садового кольца, Сретенки и 1-й Мещанской улицы с 1695 года, была снесена, таким образом изобразительный мотив косвенно подтверждает дату создания.

Для творчества Сергея Колесникова исследуемый рисунок представляет большую ценность. От этого периода творчества С. М. Колесникова практически ничего не осталось. Позднее, после того как он совершил несколько поездок в Монголию, творческие устремления его изменились и он активно увлекся гравированием. Большая часть из сохранившихся произведений выполнены в технике линогравюры, предполагающей резкие контрастные объемы. Его живописные произведения, офорты и акварели известны лишь по упоминаниям в каталогах музейных собраний».

ТУРЖАНСКИЙ Леонид Викторович (1874–1945) Лошадки. 1925
Картон, масло. 26,6 × 35,5

«Он мыслит и чувствует цветом», — говорили о Леониде Викторовиче Туржанском, авторе небольшого картона «Лошадки» (1925).

Леонард (позднее в православном крещении — Леонид) Викторович Туржанский родился в Екатеринбурге в семье врача. Первоначальное художественное образование получил в Екатеринбургском реальном училище (1889) у художника Н. М. Плюснина. В 1895 посещал частную мастерскую Л. Е. Дмитриева-Кавказского в Петербурге. Одновременно занимался в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. В 1896–1897 обучался в Строгановском художественно-промышленном училище. В 1898 поступил в МУЖВЗ; с 1902–1903 посещал в Училище «необязательные» классы: пейзажный, которым руководил А. М. Васнецов, и класс рисования животных, где занимался под руководством А. С. Степанова; в 1904-м был принят в художественную мастерскую жанровой и портретной живописи Училища, которой руководил В. А. Серов. За рисунок и этюд с натуры был награжден серебряными медалями. В 1903 и 1905 совершил поездки на Север: по Сухоне, Северной Двине и на Кольский полуостров. В 1907 выпущен из Училища со званием «неклассного художника живописи». В конце 1907 подал прошение в Совет московского художественного общества о принятии его в портретный класс Училища вновь и занимался там под руководством В. А. Серова и К. А. Коровина.

В картинах мастера преобладают насыщенные «земляные» тона: красно-коричневые, зелено-желтые, темно-зеленые. Мастерству изобретательного колориста Туржанский учился и у своих знаменитых педагогов — Константина Коровина и Валентина Серова, и у родной уральской природы (rusimp.su).

Жил в Москве. Работал как пейзажист и анималист. С 1904 регулярно принимал участие в выставках Союза русских художников (член объединения с 1910) и ТПХВ (вступил в Товарищество в 1911).

В 1912 году Туржанский купил небольшой домик в селе Малый Исток, в двенадцати километрах от Екатеринбурга по Сибирскому тракту; к домику была пристроена мастерская, где художник много лет работал с ранней весны и до поздней осени (russkiy-peyzazh.ru).

Во время Гражданской войны в 1919–1920 жил в Екатеринбурге, где преподавал  в Екатеринбургской художественной школе. В 1921 работал по госзаказу на коневодческих заводах в Тульской и Воронежской областях. В 1920–1941 жил в Москве. Участвовал в Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине, а также в выставке русского искусства в Нью-Йорке в 1924–1925. В 1927 стал одним из учредителей  Общества художников-реалистов.

В 1937 и 1941 в Москве прошли персональные выставки произведений Туржанского.

Во время Великой Отечественной войны был эвакуирован, в 1941–1942 жил на Северном Кавказе (Нальчик, Долинск, Тбилиси), в 1942–1943 — в деревне Малый Исток под Свердловском, в 1943 вернулся в Москву.

«Пейзаж Л. В. Туржанского “Лошадки” написал в милой его сердцу деревне Малый Исток под Екатеринбургом, которая была постоянным источником его творческого вдохновения, и именно здесь он находил свои излюбленные мотивы, питавшие его искусство долгие годы, — пишет эксперт. — Даже поселившись с 1920 года в Москве, Туржанский каждую весну приезжал в родные края и постоянно работал над пейзажами этих мест. “Лошадки” — характерная натурная работа художника 1920-х годов, представляющая его и как великолепного живописца, с тонким чувством и пониманием цвета, и как основоположника отечественной импрессионистической школы живописи, мастера русского лирического пейзажа».

«Он научил меня искать правду в живописи, наблюдать переливы тонов и приучил меня к быстрому письму, необходимому для изображения скоропреходящих моментов природы», — писал о Л. В. Туржанском художник И. К. Слюсарев (цит. по: turzhansky.ru).

Член-корреспондент Академии художеств СССР В. Ф. Загонек писал о Леониде Туржанском: «Много прелести и обаяния в натурных пейзажах Л. В. Туржанского. С юношеских лет я находился под магическим воздействием его произведений. Они были примером высокохудожественного осмысления натуры, умения из самого простого, невзрачного, на первый взгляд, мотива создать поэтический мир образов, покорить красотой удивительных красок, самим художественным решением этого простого мотива... Мы можем учиться у Туржанского живой гармонии красок, умению блестяще использовать фактуру краски. И в особенности той преданности натуре, той искренности, которые были присущи этому замечательному художнику» (russkiy-peyzazh.ru).

ШЕСТОПАЛОВ Николай Иванович (1875–1954) Пушкин и Мицкевич. Набережная Невы. 1946
Холст, масло. 96 × 74,3

Композиция «Пушкин и Мицкевич. Набережная Невы» (1946) Николая Ивановича Шестопалова продолжает наш рассказ. «Николай Шестопалов получил известность и признание в 1900–1920-е годы,  — читаем в пресс-релизе персональной выставки художника, организованной в ГРМ в 2016 году. — В дореволюционное время принимал участие в выставках объединения “Мир искусства” и активно работал в сфере сатирической графики. После революции, в 1920-е годы он обращался к историко-революционному жанру и экспонировал свои работы на всех выставках Ассоциации художников революционной России (АХРР) с момента ее основания.

Официальное искусствознание строго определило Николаю Шестопалову место в истории советского искусства, назвав его признанным иллюстратором, автором эскизов к советским довоенным открыткам, воспевающим героический труд. Историки искусства словно забыли об обучении художника в Мюнхене, о его участии в выставках “Мира искусства”, в художественной жизни России второго десятилетия XX века» (artinvestment.ru).

Наша работа очевидно принадлежит к целой серии живописных и графических работ, посвященных жизни и творчеству А. С. Пушкина и М. Ю. Лермонтова, появившейся в творчестве художника в 1940–50-е годы, как отмечает эксперт. Шестопалов «прошел долгий творческий путь от академического искусства, символизма к созданию картин на темы русского революционного движения и современной истории. И был незаслуженно забыт, как и многие художники, которые по тем или иным причинам не стали флагманами советского искусства, но оставались верны изобразительным идеалам прошлого» (artinvestment.ru). И именно эту верность изобразительным и культурным идеалам прошлого отражает написанная в послевоенном Ленинграде картина «Пушкин и Мицкевич. Набережная Невы» (1946).

САМОХВАЛОВ Александр Николаевич (1894–1971) Аллея Керн. Михайловское. Из серии «Пушкинские места». 1950-е
Холст, масло. 78 × 60

К зрелому периоду творчества Александра Николаевича Самохвалова относится живописная композиция «Аллея Керн. Михайловское» (1950-е) из серии «Пушкинские места».

Его ранние произведения проникнуты радостью бытия и оптимизмом, главные герои полотен — энергичные молодые созидатели новой жизни — физкультурники, метростроевцы, заводские рабочие. Эти работы отличает монументальность, свобода живописной манеры, яркость колорита.

Поздняя «Аллея Керн…» написана в иной стилистике, спокойной, лирической. В середине 1950-х годов художник работал над своей пушкинианой. Так, в 1955 году в плане праздника, посвященного 131-й годовщине приезда Пушкина в Михайловское, отмечено сообщение Самохвалова «О работе над иллюстрациями к деревенским главам “Евгения Онегина”» (pskgu.ru). Возможно, в это время была написана и наша работа.

Александр Самохвалов родился в Бежецке Тверской губернии в 1894. В начале 1910-х посещал занятия в частной школе Я. С. Голдблата в Петербурге. В 1914–1918 учился в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ у В. А. Беляева и Г. Р. Залемана, в 1920–1923 — в петроградском ВХУТЕМАСе у К. С. Петрова-Водкина, Д. Н. Кардовского, А. А. Рылова, В. Е. Савинского. В 1921 в составе экспедиции Института истории материальной культуры совершил путешествие в Самарканд.

Жил в Ленинграде. С 1917 участвовал в выставках. Входил в объединения «Мир искусства» (с 1917), «Община художников (с 1922), «Объединение новых течений в искусстве» (с 1922), «Жар-цвет» (с 1924), «Круг художников» (1926–1930), «Октябрь» (с 1930). Занимался книжной графикой, сотрудничал с издательством «Радуга», Детгизом. В 1932 написал картину «Девушка в футболке», удостоенную золотой медали на Всемирной выставке в Париже (1937) и ставшую программным произведением советского искусства 1930-х. Создал живописные и графические серии «Метростроевки» (1934–1937), «Физкультурницы» (1935).

С середины 1930-х работал как сценограф.

В 1930-х сотрудничал с Государственным фарфоровым заводом им. М. В. Ломоносова (Ленинградским фарфоровым заводом им. М. В. Ломоносова), создавал модели скульптуры и эскизы росписи фарфора.

В 1940 в Ленинграде прошла первая персональная выставка Самохвалова (совместно с Г. М. Манизером), за ней последовали выставки 1963 и 1964 в Москве. В 1948–1951 преподавал в Ленинградском высшем художественно-промышленном училище. В 1967 был удостоен звания заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1977 были изданы мемуары Самохвалова «Мой творческий путь».

ЛУЧИШКИН Сергей Алексеевич (1902–1989) На террасе. Вторая треть XX века
Холст, масло. 49,5 × 68

Холст «На террасе», датируемый экспертами второй третью ХХ века, представляет в каталоге живопись Сергея Алексеевича Лучишкина.

В его творчестве есть две особые работы: их помнит каждый, кто хоть раз увидел, но немногие сходу назовут фамилию автора. Первая — картина «Шар улетел» (1926, ГТГ): сегодня, как и сто лет назад (!), эта картина поражает зрителя и сюжетом, и лавиной ассоциаций. Вторая — фильм «Цирк» Григория Александрова, с фейерверком художественных идей и находок; художником-постановщиком картины был 34-летний Сергей Лучишкин.

Учился он в частной студии В. Н. Мешкова (1914), в Государственных свободных художественных мастерских — Вхутемасе (1919–1924) сначала у А. Е. Архипова, затем — у Л. С. Поповой, Н. А. Удальцовой, А. А. Экстер, А. Д. Древина. Работал в театральных студиях, театрах малых форм, занимался режиссурой, сценографией, отдал дань концептуальному искусству. К станковой живописи Лучишкин обратился в середине 1920-х. Занимался живописью, графикой, станковым и монументальным искусством, оформлял павильоны ВСХВ, под руководством И. Э. Грабаря после войны реставрировал росписи в московских зданиях, занимался организацией и дизайном выставок… До 1932 года Лучишкин участвовал в деятельности нескольких творческих объединений, в том числе Общества станковистов (1925–1932).

Живописная композиция «На террасе», как отмечает эксперт, «представляет собой натурный пейзаж — жанр, чрезвычайно распространенный в творчестве С. А. Лучишкина зрелого периода».

НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Серый день. 1961
Картон, масло. 22 × 17,7

Пейзаж «Серый день» (1961) Георгия Григорьевича Нисского относится к знаковому периоду в жизни и творчестве художника, отмеченному резким изменением его авторской манеры.

«Вл. Воробьев в своих мемуарах вспоминал: “Где-то в 60-х годах художник Кокарекин привез из Индии в Москву чуму (это случилось в конце 1959-го. Художник Алексей Кокорекин заразился в Индии черной оспой, в Москве произошла вспышка болезни, но эпидемию удалось предотвратить. — AI.). <…> Кокарекин жил в одном доме с Нисским, и они были большие друзья. Наутро после приезда Кокарекин вышел из дома, а в это время во дворе Нисский делал профилактику своему «Москвичу». Они уже были готовы по старой привычке обняться и расцеловаться, но у Жоры руки были в нигроле, и они лишь договорились увидеться вечером. Днем Кокарекина увезли в больницу, откуда он уже не вышел. Жора очень переживал эту потерю и то, что его самого спасла только невероятная случайность. … А когда вернулся к картинам, это был уже совсем другой художник. Его картины стали более стилизованы, в них как бы появилось дыхание чего-то космического”. Именно эти “космические”, лишенные присутствия человека и полностью посвященные взаимодействию нетронутой природы и новейших достижений человеческой мысли, воплощенных в технике, пейзажи за лаконизм и своеобразную холодность и сухость назовут “суровыми”, и именно эти работы рубежа 1950–60-х годов чаще всего будут иметь в виду, называя их автора прародителем “сурового стиля”» (Мария Кузнецова, Денис Белькевич, artinvestment.ru).

Наш натурный этюд, исполненный, как отмечает эксперт, «в технике a la prima», конечно, нельзя отнести к «космическим» работам Георгия Нисского, однако выбранный мотив, колористическая гамма, убедительно передающая «сумрачное состояние грозового ветреного бурного дня», само настроение работы сближают «Серый день» с позднейшими произведениями и заметно контрастируют с яркими, мажорными композициями более раннего периода.

Об истории, финансовых и маркетинговых показателях одного из основателей сурового стиля, выдающегося пейзажиста и самобытного автора круга ОСТа читайте на AI: «Художник недели: Георгий Нисский».

ЛЕБЕДЕВ Владимир Васильевич (1891‒1967) Без названия (Обнаженная с кувшином)
Бумага, графитный карандаш. 14,8 × 11,2

Не датирован карандашный рисунок «Без названия (Обнаженная с кувшином)» Владимира Васильевича Лебедева. Блестящий рисовальщик и мастер натурных зарисовок, Лебедев — один из основоположников высокого искусства детской книги советского периода.

Владимир Васильевич Лебедев родился в 1891 году в Санкт-Петербурге в семье механика. Окончил Петровское коммерческое училище в Петербурге. Первоначальное художественное образование получил в частной студии А. И. Титова (1909) и мастерской батальной живописи Ф. А. Рубо при ИАХ (1910–1911). В 1912–1914 в качестве вольнослушателя посещал занятия в Высшем художественном училище живописи, скульптуры и архитектуры при ИАХ. Одновременно учился в Школе живописи, рисования и скульптуры М. Д. Бернштейна и Л. В. Шервуда, где познакомился с В. Е. Татлиным, С. Д. Лебедевой, В. Б. Шкловским, Н. Ф. Лапшиным.

С 1911 работал иллюстратором в журналах «Сатирикон», «Новый Сатирикон», «Аргус», «Синий журнал».

В начале Первой мировой войны призван на военную службу, в 1917 демобилизован. В 1918 назначен на должность профессора Петроградских государственных свободных художественно-учебных мастерских. В том же году оформил постановку пьесы «Весна» в артистическом кабаре «Привал комедиантов». Принял участие в выставке современной живописи и рисунка в Петрограде. В начале 1920-х обратился к политическому плакату, стал одним из организаторов и руководителей петроградских «Окон РОСТа».

В 1920–1925 работал над циклом рисунков «Прачки», в 1921–1922 — над серией «Беспредметные композиции», в 1922 создал сатирические серии «Панель революции», «Любовь шпаны», в 1924–1927 работал над циклами рисунков «Новый быт» и «НЭП». Экспонировал свои работы на выставке Объединения новых течений в искусстве, Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димена в Берлине (обе — 1922). В 1928 в Государственном Русском музее открылась первая персональная выставка художника. В том же году вступил в объединение «Четыре искусства».

Много работал в области книжной графики, с 1924 являлся художественным редактором отдела детской книги в Ленинградском отделении Госиздата. Сотрудничал с издательством «Радуга». Экспонировал свои оформительские работы на Международной выставке книжного искусства во Флоренции (1922) и Международной выставке художественно-декоративных искусств в Париже (1925).

В 1941 работал ответственным редактором военно-оборонных плакатов Ленинградского отделения издательства «Искусство», в 1942–1945 — в «Окнах ТАСС» в Москве.

В 1945 был удостоен звания заслуженного деятеля искусств РСФСР. В 1954 награжден серебряной медалью на выставке «Искусство книги» в Лейпциге, в 1960 — большой серебряной медалью ВДНХ. В 1966 Лебедев был удостоен звания народного художника РСФСР, в 1967 избран членом-корреспондентом Академии художеств СССР. В том же году в ГМИИ им. А. С. Пушкина состоялась последняя персональная выставка художника «Натурщицы».

В 1972 в Государственном Русском музее прошла ретроспективная выставка Лебедева.

Лебедев — крупнейший представитель советского искусства 1920–30-х годов, известный прежде всего своими работами в области станковой и прикладной графики: книжной иллюстрации, плаката. В ранних произведениях следовал принципам кубизма. В начале 1920-х, опираясь на завоевания кубизма и традиции лубка, создал свой стиль уличного плаката, отличительными особенностями которого являются геометризация предметных форм, предельное обобщение и схематизм, выразительность колористического решения, построенного на сочетании интенсивных локальных цветов. Иная по характеру — станковая графика, в которой Лебедев достиг высокой степени артистичности, в особенности это относится к рисункам черной акварелью и ламповой копотью. Обращался к литографии.

Произведения Лебедева находятся во многих музеях и частных собраниях, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.

Неофициальное искусство

В андеграунд шли неуживчивые люди крепкой индивидуальной закваски. Все они верили в возможность невозможного, и каждый при этом всегда оставался самим собой, упорно пестуя и отстаивая свое художническое «я». Но, поскольку человек существует как личность, лишь «отражаясь» в других, можно говорить об этих людях «мы». Я ненавижу слово «мы», но «мы» андеграунда — это сумма отражений, противостоявшая коммунальному единомыслию, возможность разноуглубленного разнопонимания, стремление к разновидению, понимаемому как качество, органически присущее искусству (Владимир Немухин).

ЗЕЛЕНИН Эдуард Леонидович (1938–2002) Музыканты. 1980-е
Бумага, масляная пастель. 59 × 98,5 (в свету)

Светоносный рисунок пастелью «Музыканты» (1980-е) создан художником, сказавшим: «Живопись должна приносить счастье» и называвшим свой стиль «сказочным реализмом», — Эдуардом Леонидовичем Зелениным.

«Новокузнецк, Свердловск, Ленинград, снова Новокузнецк, Москва, деревня во Владимирской области, “Бульдозерная выставка”, показ в Измайлове, странный арест “за хулиганство” — отголосок участия в беляевском показе. В общем, так вышло, что в 1975-м Зеленин эмигрировал, по израильскому вызову, как делали тогда все, кому было сильно нужно» (artinvestment.ru). А потом — работа, 10 лет выставок по всему миру, хлебосольный дом в Париже, о котором известно лишь по обрывочным воспоминаниям знакомых, замкнутость, отказ от экспозиций, ностальгия. И все время — работа. И ранний уход из жизни.

Эльдар Рязанов, друживший с Зелениным, писал о нем: «Я не искусствовед. Поэтому пусть простят меня специалисты за примитивность. Я делю живопись на две категории: на ту, которая нравится, и ту, которая оставляет равнодушным. Картины Эдуарда Зеленина относятся как раз к тем произведениям искусства, которые лично мне очень нравятся. Если Вы меня спросите “почему?”, отвечу прямолинейно и непрофессионально: потому что его картины радуют глаз. Потому что они нарядны. Потому что, глядя на них, хочется жить. Потому что они создают в душе праздник. Потому что в них буйство цвета и фантазии. Картины Зеленина необычны, карнавальны, элегантны и, черт побери, красивы, хотя я знаю, что употреблять это слово по отношению к живописи — дурной тон. И, наконец, у Зеленина есть свой стиль. А создать свой стиль в конце нашего века, когда до тебя трудились сотни тысяч художников, среди которых немало талантов, неимоверно сложно, просто немыслимо…» (новокузнецк400.рф).

«… Пастель “Музыканты” написана одним из интереснейших и самобытных представителей советского неофициального искусства Эдуардом Зелениным, — пишет эксперт. — Она решена в уникальной живописной декоративной системе Зеленина: цвет набран сложно, поверхность тщательно проработана небольшими, аккуратными штрихами пастели, что создает эффект внутреннего свечения, драгоценного мерцания этой работы. Сюжет этой пастели праздничный, сказочный».

Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Шестидесятник Эдуард Зеленин».

Искусство XXI века

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Снег идет. 2009
Холст, масло. 89 × 110

В 2009 году создан метровый холст «Снег идет» Люси Вороновой — парный портрет юноши и девушки.

«Портретная серия работ Люси началась с рисунков, продолжилась на больших грунтованных ватманах и до середины 2000-х существовала только на бумаге. В 2005–2006 годах начался плавный переход портретного цикла на холст.

Начиная с 2008 года Люся стала уделять особое внимание фону. Последующие 2-3 года — недолгий, но творчески очень плодотворный период поиска уникального (не повторяемого!) фона для каждого изображаемого человека в зависимости от его настроения, душевного состояния и того, каким видела его Люся. Главным персонажем еще выступает человек! Если мы обратимся к каталогам тех лет, мы без труда сможем найти одну из наиболее известных ее цитат: “Всегда начинаю с человека. Мой первый жест — человек, его состояние, его смысл. Позирующий создает мне образ. И уже дальше в его пространстве возникает фон. В каждом человеке ищу Человека. Люди очень разные, каждый космос, загадка, неожиданность. Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда”» (Георгий Воронов).

Белый фон в творчестве Люси встречается редко; его лаконичный рисунок и крупные красные цветы, словно фламандские натюрморты, рассказывают зрителю, какие яркие, нежные и чистые отношения связывают персонажей картины.

Картина «Снег идет» (2009) воспроизведена в каталоге «Люся Воронова» (СПб., 2009), так называемом «красном каталоге», куда вошли важные для художника работы.

Одновременно с 443-м AI аукционом открыт 129-й кураторский аукцион «21-й век. Современное российское искусство». Каталог аукциона составили произведения Азама Атаханова, Елены Гориной, Анатолия Горяинова, Александра Захарова, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Виктора Крапошина, Александра Курилова, Юлии Малининой, Кирилла Протопопова, Анатолия Пурлика, Ирины Раковой, Романа Рахматулина.

Всем желаем удачи на 443-м AI аукционе и 129-м кураторском аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.