В каталоге 20 лотов: двенадцать живописных работ, четыре листа оригинальной графики, одна работы в смешанной технике, одна скульптура, одна работа из фарфора и одна икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 396 и 82-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 396-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 10 сентября, в 12:00.

Открывает каталог икона «Георгий Победоносец (Чудо великомученика Георгия о змие)», написанная в конце XVIII — начале XIX века.

Икона «Георгий Победоносец (Чудо великомученика Георгия о змие)». Конец XVIII — начало XIX века
Дерево, левкас, темпера. 49 × 41

Георгий Победоносец — христианский святой, великомученик. Георгий пострадал во время гонений на христиан при императоре Диоклетиане в 303 году, после восьмидневных тяжких мучений был обезглавлен.

Память великомученика Георгия Победоносца совершается несколько раз в год: 6 мая (23 апреля ст. ст.) — гибель святого; 16 ноября (3 ноября ст. ст.) — освящение храма великомученика Георгия в Лиде (IV век); 23 ноября (10 ноября ст. ст.) — страдание (колесование) великомученика Георгия; 9 декабря (26 ноября ст. ст.) — освящение церкви великомученика Георгия в Киеве в 1051 году (празднование Русской Православной Церкви, известное в народе как осенний Юрьев день).

Великомученик Георгий Победоносец родился в III веке в семье христиан в Лиде. Поступив на военную службу, Георгий отличился умом, мужеством и стал одним из тысяченачальников и любимцем императора Диоклетиана. Его мать скончалась, когда ему было 20 лет, и он получил богатое наследство. Георгий отправился ко двору, надеясь достичь высокого положения, но, когда начались гонения на христиан, он, будучи в Никомидии, раздал имущество бедным и перед императором объявил себя христианином, его арестовали и стали пытать. Георгий  совершил несколько чудес: воскресил умершего и оживил павшего вола. Благодаря этому многие из видевших чудеса уверовали во Христа. После бесполезных уговоров отречься от Господа и принести языческое жертвоприношение Георгия приговорили к смерти и обезглавили.

Великомученика Георгия за мужество и за духовную победу над мучителями, которые не смогли заставить его отказаться от христианства, а также за чудодейственную помощь людям в опасности называют еще Победоносцем.

Одним из самых известных посмертных чудес святого Георгия является убийство копьем змея, который опустошал языческий город Гевал в стране Палестинской. Когда выпал жребий отдать на растерзание чудовищу царскую дочь, явился Георгий на коне и пронзил змея копьем, избавив царевну от смерти. Явление святого способствовало обращению местных жителей в христианство.

Можно предположить, что явление святого Георгия на коне для защиты жителей от змея, а также описанное в житии чудесное оживление единственного вола у земледельца послужили поводом к почитанию святого Георгия покровителем скотоводства и защитником от хищных зверей.

В дореволюционное время в день памяти святого Георгия Победоносца жители русских деревень в первый раз после холодной зимы выгоняли скот на пастбище, совершив молебен святому великомученику с окроплением домов и животных святой водой. День великомученика Георгия в народе еще называют «Юрьев день», в этот день, до времен царствования Бориса Годунова, крестьяне могли переходить к другому помещику.

Св. Георгий — покровитель воинства. Изображение Георгия Победоносца на коне символизирует победу над диаволом — «древним змием» (Откр.12:3, 20:2). Символично, что полный разгром фашистской Германии пришелся на праздник Георгия Победоносца, и что ее капитуляцию 8 мая 1945 года принял маршал Георгий Жуков.

Иконография великомученика Георгия пришла на Русь из Византии. В основе иконографии Георгия на коне лежит позднеантичная и византийская традиции изображения триумфа императора. Различаются несколько вариантов: Георгий-воин на коне (без змея); Георгий-змееборец («Чудо великомученика Георгия о змие»); Георгий со спасенным из плена отроком («Чудо великомученика Георгия с отроком»).

На Руси иконографический сюжет Чудо Георгия о змие широко известен с середины XII века.

До конца XV века существовал краткий извод этого образа: всадник, поражающий копьем змия, с изображением в небесном сегменте благословляющей десницы Господа. В конце XV века иконография Чуда святого Георгия о змие дополняется рядом новых деталей: например, фигура ангела, архитектурные детали (город, который св. Георгий спасает от змия), изображение царевны.

Со времен Димитрия Донского святой Георгий считается покровителем Москвы, поскольку город был основан тезоименным ему князем Юрием Долгоруким. Изображение всадника, поражающего копьем змия, с рубежа XIV–XV веков появляющееся в московской геральдике, в народном сознании воспринималось как образ святого Георгия; в 1730 г. это было закреплено официально. В настоящее время эта фигура в гербе Российской Федерации описывается как «серебряный всадник в синем плаще на серебряном коне, поражающий серебряным копьем черного опрокинутого навзничь и попранного конем дракона», то есть без прямой ссылки на святого Георгия, и изображается без нимба.

Святой Георгий в первую очередь покровитель воинов и всех, кто оказался в зоне военных действий и подвергается опасности. А также заступник для родных и близких всех, кто служит в армии. Кроме того, считается, что святой Георгий покровительствует людям, связанным с сельским хозяйством. Ему молятся:

• о защите от врагов и от людской злобы.
• об избавлении от разных напастей.
• об утешении в бедах и о поддержке в тяжелых жизненных ситуациях.
• об обретении мира, в том числе мира в душе.
• о плодородии земли и сохранении урожая.
• о здоровье и плодовитости скота.
• о защите от природных стихий.
• об излечении от тяжелых недугов.
• о помощи в поиске правильного пути в жизни.
• об укреплении в вере.

В молитве нужно обращаться не к иконе, а к тому, кто на ней изображен, в данном случае к святому Георгию. Просить о чем-то следует с искренней верой в силу Божию, тогда молитва будет услышана (по материалам: azbyka.ru, calend.ru, ruvera.ru, mir24.tv).

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

КЛЕВЕР Юлий Юльевич (1850–1924) Зимний вечер. 1897
Холст, масло. 54,5 × 90

Кисти Юлия Юльевича Клевера-старшего принадлежит среднеразмерный пейзаж «Зимний вечер» (1897).

Родоначальник художнической династии родился в 1850 году в семье профессора Дерптского университета. С 1867 учился в ИАХ, сначала как вольнослушатель на архитектурном отделении, с 1868 — постоянным учеником в пейзажном классе у С. М. Воробьева, а позже у М. К. Клодта. В 1870 был награжден малой и большой серебряными медалями. Несмотря на успехи, курса обучения не окончил. «“Я выхожу из числа учеников, — писал он в Дерпт обеспокоенным родным. — Поставил цель — развить свое дарование без помощи наставников, единственно работая с натуры”. И он действительно много работает. Ездит по окрестностям Петербурга, наблюдает, пробует, ищет свою тему. И уже вскоре к нему приходит первое признание. Полотно “Заброшенное кладбище зимой” покупает влиятельнейший граф П. С. Строганов, член Общества поощрения художеств; картину “Закат в лесу” приобретает президент Академии художеств великая княгиня Мария Николаевна. Окрыленный успехом в высших художественных кругах, 24-летний живописец организует свою персональную выставку. <…> Выставка имела шумный успех, о молодом художнике заговорили. Еще через два года одну из картин Клевера приобретает сам Александр II. И Клеверу, так не окончившему академического курса, тут же присвоили звание классного художника 1-й степени (1876), звание, которое давалось лишь наиболее прилежным выпускникам. А еще через два года он уже академик живописи (1878)» (nsartmuseum.ru).

В 1879 совершил поездку на остров Нарген в Эстонии. В 1880-х много путешествовал по России и Европе. В 1880–1881 изучал пейзажную живопись в Германии. В 1881 получил звание профессора ИАХ. В 1882, 1883, 1884, 1885 в Петербурге прошли персональные  выставки художника.

В конце 1880-х работал над устройством парка и декоративным оформлением особняка А. Г. Кузнецова в крымском имении Форос, для которого написал пятнадцать живописных панно.

В 1890-х был привлечен в качестве свидетеля по делу о финансовых злоупотреблениях конференц-секретаря ИАХ П. Ф. Исаева. В связи с этим временно покинул Россию, несколько лет жил в Германии. По возвращении на родину жил в Петербурге, в Смоленской губернии, Белоруссии, Прибалтике. Преподавал в собственной студии в Риге.

Участвовал в выставках ИАХ, Московского общества любителей художеств, Санкт-Петербургского общества художников, Общества поощрения художеств, экспонировал свои работы на Всемирной выставке в Вене (1873), Международных выставках в Филадельфии (1876), Берлине (1880, 1883, 1888) и Мюнхене (1879, 1888, 1891), Парижском Салоне (1882, 1884).

Умер Юлий Клевер в Ленинграде в 1924 году.

«Нужно в жизни одно что-нибудь изучить, чтобы лучше вас никто не знал и не умел делать то, что вы умеете, — говорил художник. — Я всякие пейзажи пишу, но по-настоящему знаю солнечный закат в различные его моменты. Я потратил много времени, чтобы изучить цветовую гамму закатов солнца, многообразие вечернего освещения неба и предметов природы. Такую картину я могу написать в любой момент и при любых обстоятельствах», — писал художник (nsartmuseum.ru).

Благодаря высочайшему живописному мастерству картины Клевера были востребованы заказчиками и являлись предметом коллекционирования уже на рубеже XIX–XX веков. Несколько работ художника приобрел в свою коллекцию П. М. Третьяков.

По свидетельству современников, с середины 1880-х годов Клевер начал множить и повторять полюбившиеся публике эффектные осенние и зимние вечера с багровыми закатами. К работе над своими картинами он привлекал других, менее известных художников и своих учеников.

«Зимние пейзажи с изображением домиков, деревьев и лодок у воды были одними из самых распространенных в творчестве Юлия Юльевича Клевера, — указывает эксперт. — В композициях с закатным освещением особенно ярко проявилось живописное дарование художника, его любовь к насыщенным, эффектным колоритам. Такие работы имели огромную популярность у публики и коллекционеров, в связи с чем художник создавал множество вариаций популярных мотивов. Исследуемая композиция продолжает ряд таких произведений. Картину отличает выразительная фактура красочного слоя, сочетающая протяженные участки тонких лессировок с пастозными деталями. Разнообразными живописными приемами художник мастерски передает фактуру и объем стволов берез, тонкий узор веточек, пышность снежного покрова на крышах изб, рыхлость снега на переднем плане. Работу отличает яркий, типично “клеверовский” колорит, передающий оттенки закатного солнца».

ЕНДОГУРОВ Иван Иванович (1861–1898) Летний день. Конец XIX века
Холст, масло. 45,4 × 29,2

Концом XIX века датирует эксперт небольшой холст «Летний день» Ивана Ивановича Ендогурова.

Будущий художник родился в Кронштадте в семье контр-адмирала И. С. Ендогурова, брат акварелиста С. И. Ендогурова. В 1880–1882 слушал лекции на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета. В начале 1880-х брал частные уроки живописи у Е. Е. Волкова. В 1884–1885 состоял вольнослушателем ИАХ, получил малую (1885) и большую (1890) поощрительные медали.

Жил в Петербурге, с конца 1880-х в связи с болезнью большую часть времени проводил в Крыму, на Украине и Кавказе. В 1890–1893 жил в Италии. Совершил путешествия по Норвегии (1890, 1895), Франции (1893). Работал как пейзажист, маринист; обращался к технике акварели.

Принимал участие в академических выставках (1885, 1890), выставках Общества поощрения художеств (1886, 1889), ТПХВ (1886–1898, с 1895 — член Товарищества), Всемирных выставках в Париже (1889, награжден серебряной медалью) и Чикаго (1893), международной выставке в Берлине (1891). В 1886 на конкурсе Общества поощрения  художеств был удостоен серебряной медали.

Умер художник в 1898 году на Капри. В том же году в залах ИАХ состоялась его посмертная выставка (совместно с И. И. Шишкиным и Н. А. Ярошенко). В 1899 на средства матери художника, М. Ф. Андреевой, учреждена премия имени братьев С. И. и И. И. Ендогуровых для выдачи «достойнейшему из пейзажистов», которые оканчивали курс Высшего художественного училища живописи, скульптуры и архитектуры при Академии (премия существовала до 1917).

Произведения И. И. Ендогурова находятся в ряде музейных собраний, в том числе в Государственном Русском музее, Государственной Третьяковской галерее.

«Несмотря на недолгую жизнь художника, творчество Ивана Ендогурова занимает важное место в истории русского пейзажа, — отмечает эксперт. — Он развивал линию лирического, “настроенческого” пейзажа в русском искусстве. В конце жизни он совершал поездки в Крым, на Кавказ и в Малороссию, жил в Италии и на Корсике, путешествовал по Франции, Германии и Норвегии, где писал виды местной природы, в том числе морских берегов. Картины выполнены с большой тщательностью и передают тонкие атмосферные состояния и нюансы природного колорита. Композиции с летними лугами и силуэтами деревьев часто встречаются в его работах. Исследуемый пейзаж продолжает ряд таких произведений».

КУСТОДИЕВ Борис Михайлович (1878–1927) На прогулке. Около 1906
Холст на картоне, масло. 37,1 × 55,7

Кисти Бориса Михайловича Кустодиева принадлежит небольшая живописная композиция «На прогулке» (около 1906).

На обороте работы имеется владельческая надпись: Кустодиев Борис Михайлович (1878–1927) // Жена художника Юлия Ефстафьевна // с сестрой в усадьбе «Терем // Этюд к картине «Сирень». «Судя по надписи на обороте исследуемого произведения, — пишет эксперт, — оно является подготовительным этюдом к картине “Сирень” (1906, ГРМ). В надписи ошибочно указана усадьба Терем. Дом Кустодиевых выглядел иначе — это двухэтажное здание на каменном фундаменте с высокой дранчатой кровлей, тремя дымовыми трубами возводилось в стиле древнерусского терема (отсюда и его название) по проекту Д. С. Стеллецкого. На исследуемой же картине изображен Красный дом в усадьбе Павловское Костромской губернии. Усадьба принадлежала профессору геологии Казанского университета Б. К. Поленову, близкому другу художника. Поленовы приглашали Кустодиевых погостить. На несколько лет (1903–1905) Павловское стало любимым местом летнего пребывания Кустодиевых. Здесь художник много работал, бродил по лесам с ружьем и даже сделал роспись в доме Поленовых. В одном из своих писем своему учителю — художнику-граверу В. В. Матэ он поделится впечатлениями: “Два месяца мы уже живем в благословенных краях благословенной русской земли, и все, виденное там, далеко, так не походит на то, что нас окружает теперь, что иногда и не верится, был ли когда-нибудь дальше этих мужиков, берез и елей” (ОР ГТГ, 57/75). В «Доме-музее Кустодиева” (Астрахань) хранится семейный фотоальбом художника, в котором сохранились фотографии Красного дома и его обитателей».

Предположительно, рядом с Юлией Евстафьевной Кустодиевой изображена ее сестра Зоя Евстафьевна фон Розе (ур. Прошинская).

В 1900 году, приехав на каникулы с товарищами в Семеновское, под Кинешму, Борис Кустодиев в имении Высоково, принадлежавшем сестрам М.П. и Ю.П. Грек, познакомился с сестрами Юлией (1880–1942) и Зоей Прошинскими — воспитанницами владелиц имения. Юлия позже рассказывала: «В детстве я жила на казенной квартире министерства иностранных дел, это оттого, что отец мой служил там. Родители мои поляки, Прошинские. Нас было пять человек детей. И вдруг отец скоропостижно скончался. Нас с сестрой Зоей взяли сюда, в усадьбу Высоково, старушки Грек. А потом я поступила в Смольный институт, окончив, стала работать машинисткой и учиться в школе поощрения художеств».

Подруга Юлии Прошинской, актриса Елена Полевицкая, вспоминала: «Мы обе воспитывались в Санкт-Петербургском Александровском институте (интернате), общеобразовательные классы которого мы закончили в 1898 году. Юлия Прошинская, девушка гордая, полька по крови, католичка по религии, держалась одиночкой… Выйдя из института, она занялась живописью. Она и в институте была одной из четырех воспитанниц, которые пользовались, как отличницы в этом предмете, уроками живописи масляными красками».

В 1903 году Борис Кустодиев и Юлия Прошинская обвенчались. А незадолго до этого скончались старушки Грек, и имение Высоково как выморочное имущество было передано в казну. Перед смертью тетушки по мере сил обеспечили своих воспитанниц: Юлии и Зое досталось по три тысячи рублей. Вещи и обстановку выставили на аукцион, и Юлия с Борисом купили знакомую ей с детства мебель (forum.vgd.ru).

Сестры поддерживали близкие отношения. В письмах, отправленных приемной матери с сентября по ноябрь 1901 года, Юлия сообщает, что на выставке, которую она собирается посетить, демонстрируется портрет сестры Зои, написанный Кустодиевым (coollib.com), в ГТГ хранится пастельный портрет Зои фон Розе (1904) работы Кустодиева. В 2020 году на аукционе в Москве был продан «Портрет А. А. фон Розе» (1902), мужа Зои Евстафьевны, работы Кустодиева. В 1909 году на время зарубежного путешествия художника и его жены дети остались под присмотром «гувернантки, “бонны”, и, по просьбе Юлии Евстафьевны, — ее сестры, Зои Евстафьевны Розе» (coollib.com). Возможно, что около 1906 года Зоя Евстафьевна гостила в семье сестры и ее мужа и именно ее запечатлел художник на прогулке в Павловском.

ЯНКОВ Михаил Дмитриевич (1887–1969) Натюрморт с фруктами. 1910–20-е
Холст, масло. 45,5 × 62,2

Михаил Дмитриевич Янков, автор «Натюрморта с фруктами», датируемого экспертом 1910–20-ми годами, — русский художник, автор живописных пейзажей и натюрмортов, ученик Ю. Ю. Клевера, член АХР, член Союза художников, участник многочисленных российских, советских и зарубежных выставок.

Работал в Петербурге — Петрограде — Ленинграде, с конца 1920-х — в Москве.

«Экспертируемое произведение выполнено в жанре постановочного натюрморта, распространенного в творчестве М. Д. Янкова, — пишет эксперт. — Подобные композиции мастера отличаются насыщенным ярким колоритом, красивой, точной лепкой форм и объемов. Трактовка аксессуаров и фруктов “мелким” фактурным мазком, “пушистый” многослойный фон соответствуют индивидуальной манере письма художника».

ГЕРАСИМОВ Александр Михайлович (1881–1963) Античная скульптура в осеннем парке. 1910–20-е
Холст, масло. 50 × 40,1

Автор холста «Античная скульптура в осеннем парке» (1910–20-е) Александр Михайлович Герасимов считается одним из наиболее значительных представителей советского искусства, его произведения стали образцами «официального» стиля сталинской эпохи. О том, как художник пришел к этому не слишком лестному определению, лучше всего рассказывает его обширная биография на нашем сайте.

Мы же обратим внимание читателя на несколько общеизвестных фактов, которые как-то стушевались, заглушенные сначала фанфарами соцреализма, затем волной критики и в конце концов молчанием.

Итак, творческий путь Александра Герасимова начался под руководством прекрасных учителей: он учился в МУЖВЗ (1903–1915) у А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, К. А. Коровина, В. А. Серова сначала на живописном отделении, с 1910 — на архитектурном. С 1909 участвовал в выставках (ученическая МУЖВЗ). В 1915 окончил учебу, получив дипломы художника 1-й степени и архитектора.

В раннем творчестве (1910-е) Герасимов тяготел к «легкой» импрессионистической живописи в традициях мастеров Союза русских художников, с сочным колоритом, этюдной манерой письма широким фактурным мазком. С середины 1920-х работал преимущественно по государственным заказам, создавая произведения в строго реалистическом ключе.

На протяжении всей своей творческой деятельности Александр Герасимов обращался к жанру натурного пейзажа. В этом жанре художник проявил себя приверженцем художественных традиций московской живописной школы. Именно в таких работах Герасимова наиболее полно раскрылась его самобытная художественная манера и личная творческая одаренность. В своих пейзажах художник создавал полнокровное живописное зрелище, где главную роль играли яркий насыщенный колорит и пластичная, темпераментная манера письма.

«Парковый усадебный пейзаж — тема, редко встречающаяся в творчестве художника, — отмечает эксперт. — Композиции со скульптурами входят в цикл произведений, создаваемых художником с начала его художественной карьеры и до конца дней. Ранние работы 1910–20-х годов, как и исследуемое произведение, отличает корпусная экспрессивная манера письма с использованием мастихина, которым он, словно скульптор, “лепит” фактуру, словно стремясь подчеркнуть материальность изображенных предметов. Характерно для творческого метода А. Герасимова использование цветовых пятен, почерпнутое у К. А. Коровина, типичен яркий звучный колорит, с использованием оранжевых, салатных, желтых и ярких розовых цветов. Привычно и композиционное решение, подчиненное принципам построения реального пейзажного вида, активным проводником которого выступал А. Герасимов».

Искусство художников Русского Зарубежья

ГОНЧАРОВА Наталия Сергеевна (1881–1962) Испанка в черной мантилье. 1920–30-е
Дерево, масло. 48 × 25,8

В 1920–30-е годы выполнена подписная живописная работа «Испанка в черной мантилье» Наталии Сергеевны Гончаровой — один из топ-лотов нашего каталога. Как отмечают эксперты, «произведение относится к так называемой серии “Испанок”, над которой художница начала работать в 1916 году и к которой обращалась все последующие годы».

Испанская тема считается своеобразной визитной карточкой Наталии Сергеевны Гончаровой. Первые «испанские» эскизы были сделаны в 1916 по заказу С. П. Дягилева для планирующихся и так и не реализованных постановок «Испания» на музыку М. Равеля и «Триана» на музыку И. Альбениса. В 1920–1921 годах художница выполнила эскизы испанских костюмов для номеров танцовщицы Элизабет Тулемон (псевдоним — Кариатис). На протяжении 1930–40-х годов Гончарова исполняла эскизы костюмов и декораций для спектаклей на испанскую тему: «Болеро» М. Равеля (1932) в постановке Брониславы Нижинской и «Колдовская любовь» де Фальи (1934), «Гойески» Э. Гранадоса (1939), многочисленных хореографических миниатюр.

Искусство ХХ века

Если раздел искусства ХХ века в предыдущем аукционном каталоге был более чем скромен, то в этот раз он не только обширен, но и разнообразен.

ТУРЖАНСКИЙ Леонид Викторович (1874–1945) Осень. 1917
Бумага на картоне, масло. 31 × 39,3

«Он мыслит и чувствует цветом», — говорили о Леониде Викторовиче Туржанском. Небольшой пейзаж «Осень» (1917) — характерная натурная работа художника — представляет его как великолепного живописца, с тонким чувством и пониманием цвета, и как основоположника отечественной импрессионистической школы живописи, мастера русского лирического пейзажа.

Леонард (позднее в православном крещении — Леонид) Викторович Туржанский родился в Екатеринбурге в семье врача. Первоначальное художественное образование получил в Екатеринбургском реальном училище (1889) у художника Н. М. Плюснина. В 1895 посещал частную мастерскую Л. Е. Дмитриева-Кавказского в Петербурге. Одновременно занимался в Центральном училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. В 1896–1897 обучался в Строгановском художественно-промышленном училище. В 1898 поступил в МУЖВЗ; с 1902–1903 посещал в Училище «необязательные» классы: пейзажный, которым руководил А. М. Васнецов, и класс рисования животных, где занимался под руководством А. С. Степанова; в 1904-м был принят в художественную мастерскую жанровой и портретной живописи Училища, которой руководил В. А. Серов. За рисунок и этюд с натуры был награжден серебряными медалями. В 1903 и 1905 совершил поездки на Север: по Сухоне, Северной Двине и на Кольский полуостров. В 1907 выпущен из Училища со званием «неклассного художника живописи». В конце 1907 подал прошение в Совет московского художественного общества о принятии его в портретный класс Училища вновь и занимался там под руководством В. А. Серова и К. А. Коровина.

В картинах мастера преобладают насыщенные «земляные» тона: красно-коричневые, зелено-желтые, темно-зеленые. Мастерству изобретательного колориста Туржанский учился и у своих знаменитых педагогов — Константина Коровина и Валентина Серова, и у родной уральской природы (rusimp.su).

Жил в Москве. Работал как пейзажист и анималист. С 1904 регулярно принимал участие в выставках Союза русских художников (член объединения с 1910) и ТПХВ (вступил в Товарищество в 1911).

В 1912 году Туржанский купил небольшой домик в селе Малый Исток, в двенадцати километрах от Екатеринбурга по Сибирскому тракту, к которому была пристроена мастерская, где художник много лет работал с ранней весны и до поздней осени (russkiy-peyzazh.ru). Там же, предположительно, написан и наш пейзаж с характерным мотивом лошадки на лугу.

Член-корреспондент Академии художеств СССР В. Ф. Загонек писал о Леониде Туржанском: «Много прелести и обаяния в натурных пейзажах Л. В. Туржанского. С юношеских лет я находился под магическим воздействием его произведений. Они были примером высокохудожественного осмысления натуры, умения из самого простого, невзрачного, на первый взгляд, мотива создать поэтический мир образов, покорить красотой удивительных красок, самим художественным решением этого простого мотива... Мы можем учиться у Туржанского живой гармонии красок, умению блестяще использовать фактуру краски. И в особенности той преданности натуре, той искренности, которые были присущи этому замечательному художнику» (russkiy-peyzazh.ru).

ЧЕКРЫГИН Василий Николаевич (1897–1922) Женский портрет (Вера Чекрыгина (?)). 1922
Бумага, графитный карандаш, уголь. 21,5 × 22,5 (в свету)

Творчество Василия Николаевича Чекрыгина в каталоге представляет «Женский портрет» (1922), выполненный художником в год его трагической гибели.

С девяти лет Чекрыгин обучался в иконописной школе при Киево-Печерской лавре (1906–1910), учился в МУЖВЗ (1910–1914, курса не окончил). В 1911–1912 познакомился в В. В. Маяковским, Д. Д. Бурлюком, В. Е. Татлиным, М. Ф. Ларионовым, Н. С. Гончаровой, М. В. Ле-Дантю. К этому же времени относится начало дружбы с Л. Ф. Шехтелем-Жегиным. Прошел через увлечение лучизмом М. Ларионова, был известен в московских кругах как участник футуристических выставок и эпатажных шоу. «С присущим ему бесстрашием он вступил на путь чистого эксперимента и вскоре стал весьма заметной фигурой в среде авангардистов. Однако для художника эксперименты с формой были лишь “пробой пера”, поисками своего пути в искусстве, и в отличие от многих авангардистов он никогда не отказывался от достижений классического искусства. Решающее значение для него всегда имела духовная составляющая художественного образа. <…> Вскоре, окончательно охладев к абстрактному формотворчеству, Чекрыгин со свойственной ему страстностью вступил в жесткую полемику с супрематистами и конструктивистами, отстаивая завоевания классического искусства» (Елизавета Ефремова, tg-m.ru).

«Принципиальный противник беспредметного авангардного искусства, художник в своих произведениях творил особый мир, где классическая основа сочеталась с индивидуальной манерой В. Чекрыгина. “Оценивая свою предшествующую живопись, он писал: «2 года я ищу эту простоту выражения (правда не монументальную, пока это не моя задача) — и трудно уловить такой язык. Искусство должно быть простым, глубочайшие живописные идеи оно должно говорить просто, не боясь, что оно потеряет “во вкусе”, в значительности выражения, потеряет свою аристократическую недоступность»”» (Мурина Е. Б. Василий Николаевич Чекрыгин. М., 2005. С. 46).

Предположительно, работа в нашем каталоге — портрет жены художника Веры Викторовны Чекрыгиной (в девичестве Котовой-Бернштам; 1894–1952), женщины удивительной, мягкой и одновременно тревожной красоты. Супруги прожили вместе всего два года: они поженились в июле 1920-го, а 3 июня 1922 года художник попал под поезд на подмосковной станции Мамонтовка и умер сразу на руках жены. Как пишет внучка художника Наталья Колесникова (vladimirvedrashko.com), после гибели мужа «обожавшая его вдова» Вера Викторовна осталась с годовалой дочерью Ниной на руках.

ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Крымский залив). 1931
Бумага, акварель. 21,5 × 31

Довольно большая для Максимилиана Александровича Волошина (21,5 × 31) акварель «Без названия (Крымский залив)» (1931) — работа из цикла видов Коктебеля, изысканная, поэтичная, легкая, с «волошинским» настроением.

Работа подписана монограммой, датирована и надписана автором. К сожалению, мы не знаем, кому адресована дарственная надпись, но, безусловно, она полна дружеским приветом автора и желанием встречи: Мнѣ очень хотѣлось бы, чтобы эти пейзажи перестали быть для Васъ, милый Семенъ Ефимовичъ, отвлеченными фантазiями, а стали бы конкретными напоминанiями: пріѣзжайте ко мнѣ. Максимилианъ Волошинъ.

ГРИЦАЙ Алексей Михайлович (1914–1998) Перед грозой. 1962–1965
Бумага на картоне, масло. 59 × 70

Пейзаж «Перед грозой» (1962–1965) «исполнен одним из лучших советских пейзажистов 1950–80 годов Алексеем Михайловичем Грицаем, — пишет эксперт. — Этот простой пейзаж написан бережно, с огромной любовью, поэтическим настроением и при этом сложно по передаче состояния, освещения и цвета выбранного мотива».

Алексей Михайлович Грицай родился в 1914 году в Петрограде. Учился у скульптора Роберта Баха, под влиянием которого принял решение поступить в Академию Художеств Ленинграда. В студенческие годы учился у В. Н. Яковлева, давшего своим подопечным хорошую школу академического рисунка, которая базировалась на работах старых мастеров. Завершил свое образование он в мастерской И. И. Бродского, мастера монументальной, торжественной живописи и первого руководителя Всесоюзной академии художеств.

Потом была война, фронт, орден Отечественной войны II степени.

А потом пришлось восстанавливать навыки, подзабытые за время войны. Творческая манера художника сформировалась в пятидесятые годы ХХ века. Начав с производственных и портретных полотен, Алексей Михайлович довольно быстро переходит к пейзажной живописи, в которой достигает вершин мастерства. Основными темами в работах художника становятся окрестности Москвы, волжские пейзажи.

Бывают случаи, когда изменения в выборе пейзажного мотива и взгляда на него обозначают и очень важные перемены в искусстве, в культуре, иногда и в жизни вообще. Начиная с 1954 года в творчестве Алексея Грицая появляются новые сюжеты. Темами его картин становятся небольшие опушки, овраги, простые природные явления — дождь, листопад, первые проталины, прорезающаяся листва. Именно работы, выполненные по этим камерным, незамысловатым сюжетам, достигают наибольшей выразительности. Природа у художника внутренне глубоко связана с человеком, поэтому столь естественны в его пейзажах жанровые мотивы. Грицай также любит писать животных.

Художника привлекают и зимние, и осенние мотивы, но он во всем предпочитает переходные состояния, так же и во времени суток (любимое время — сумерки). Мотивы часто повторяются, складываются в серии картин, повествующих о световоздушной ткани природы в разных условиях. Грицай большое внимание уделяет колориту картины, который у него всегда гармоничен. Работы его написаны легко и свободно, но за ними стоит, как правило, долгая работа, они даются трудно, порой пишутся годами. Так писалась картина «Пора весны» (1959–1965), ставшая у Грицая одной из лучших. Это не конкретный пейзаж, а обобщенный образ весеннего мира. А над картиной «Перед грозой» (1962–1965), вошедшей в наш каталог, художник работал более трех лет.

Алексей Михайлович говорил: «Перед каждым только что натянутым, чистым холстом я всякий раз думаю, что напишу самую прекрасную свою картину… Но оказывается, сама работа дороже всего на свете!» (anysite.ru).

ЕГЕЛЬСКИЙ Денис Евгеньевич (1963) Лебединое озеро. Наталья Макарова. Из серии «Русский балет». 1994
Картон, пастель. 76,1 × 57

Автор пастели «Лебединое озеро. Наталья Макарова» из серии «Русский балет» (1994) Денис Евгеньевич Егельский родился в 1963 году в Ленинграде. Учился в Хореографической академии им. А. Я. Вагановой в Ленинграде (1973–1977). В 1978 начал заниматься изобразительным искусством в студии Игоря Тюльпанова, редкого профессионала в среде «неофициальных художников», ставших известными после выставки в ДК «Невский». В конце 1980-х вошел в «Клуб друзей Маяковского». Один из основателей Новой Академии Изящных Искусств (len-sovet.ru).

В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).

Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).

Денис Егельский стремился возродить классическую эстетику и традиции живописи, графики. Пишет идеализированные образы моряков, поэтов, балерин. Фигуры, похожие на скульптуру, моделируются одним цветом и расположены на абстрактном фоне (vladey.net).

ГРИГОРЬЕВА Екатерина Евгеньевна (1928–2010) Июньские травы. 1999
Холст, масло. 90 × 70

Автор натюрморта «Июньские травы» (1999) Екатерина Евгеньевна Григорьева относится к числу тех художников, чье творчество начиная с 1960-х годов, подобно живописи Владимира Вейсберга и Ильи Табенкина, скульптуре Аллы Пологовой, керамике Людмилы Сошинской, во многом определяло лицо московского искусства. Между тем первая персональная выставка ее произведений состоялась в галерее «Ковчег» только в 1993 году.

Екатерина Евгеньевна Григорьева родилась в Москве 5 мая 1928 года. На формирование будущего живописца оказали влияние поездки и общение с отцом, Евгением Михайловичем Шиллингом, этнографом, членом общества «Маковец», одним из авторов «Манифеста поэтов».

Училась в Московской средней художественной школе у В. В. Почиталова (1940–1947), Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова (1947–1953). Член Московского союза художников (1957).

«Ее ранние работы полны почтения перед искусством Фалька и той живописной традицией, что восходит к творчеству российских последователей Сезанна начала ХХ века», — писал С. Сафонов. А. Морозов отмечал влияние Ренуара и французских импрессионистов на формирование «живописной речи» Григорьевой.

С конца 1960-х участвовала в выставках группы художников, сплотившихся вокруг Виктора Попкова. Шестнадцать авторов, среди которых, помимо Григорьевой, были живописцы Илья Табенкин и Евгений Расторгуев, Ювеналий Коровин и Карл Фридман, отстаивали свои позиции в искусстве.

В 1980-х продолжала принимать активное участие в выставках. Однако полученное клеймо «левого МОСХа» долгое время не предполагало осознания масштаба творчества этого по-настоящему большого, при всей камерности мотивов, художника.

Сюжеты Григорьевой — уличные сценки, рынки и кондитерские киоски, натюрморты. В ее холстах все пространство насыщено цветом и светом, рисунок един с живописью, и за всем этим — переосмысление опыта мастеров, творческая и человеческая индивидуальность. Сегодня можно говорить о том, что живопись этого художника явление значительное, если не сказать: уникальное (kovcheg-art.ru, art-story.com).

«Вспомним о колорите, таинственном благородстве, которое нельзя объяснить словами. Не надо, чтобы от картины исходила тревога, мрак, смерть и кровь. Мне кажется, что картина — завершенное пространство, заключенное в рамках холста, необходимое, как часть искусства художника, ибо ясность, источаемая пространством картины, является нравственным “верстовым столбом”». (Екатерина Григорьева, art-story.com).

Творчество шестидесятников

В сегодняшнем каталоге мы представляем две работы, совершенно не характерные для своих авторов и раскрывающие их с новой стороны. Первая из таких работ — «Донской монастырь» (1962) Вячеслава Калинина.

КАЛИНИН Вячеслав Васильевич (1939) Донской монастырь. 1962
Картон, масло. 44 × 29,3

Картон «Донской монастырь» (1962) — редкая ранняя работа Вячеслава Васильевича Калинина. В ней пока не видна та стилистика, которая будет отличать работы художника позже и сделает автора одним из самых признанных мастеров нонконформизма, однако цветовое решение уже перекликается с позднейшими произведениями Калинина.

На картине изображена скорбящая женщина в современной одежде, припавшая к стене часовни на территории старого кладбища Донского монастыря. Строение на картине вполне узнаваемо: часовня-усыпальница семейства фабриканта Левченко.

Часовня-усыпальница была построена в 1900 году (по другим данным, в начале 1900-х или между 1900-м и 1915-м) по проекту архитектора Р. И. Клейна в стиле псковско-новгородских храмов. Украшена мозаикой, выполненной по рисункам В. М. Васнецова.

В часовне находится одна из святынь монастыря — мозаичная чудотворная икона святителя Николая со следами пуль. Когда в 1918-м в Донском монастыре солдаты стреляли в мозаичный образ святителя Николая в часовне Левченко, пуля срикошетила и попала стрелявшему в грудь. Он упал и больше не поднялся. Стрелял сам в себя… свою душу давно изрешетил. Следы от пуль и выбитые кусочки стеклянной смальты хорошо видны на золотом фоне вокруг головы святителя. Говорят, что все матери, которые приходили сюда, когда советские солдаты бились с немцами в Отечественную, дождались своих сыновей. С тех пор золотофонного васнецовского Николу в Донском монастыре почитают чудотворным. У него в часовне всегда лежат живые цветы… А иногда кто-нибудь из паломников или прихожан рассказывает о своей жизни… (по материалам openmoscow.ru, intomoscow.ru, moskraeved.ru, pereprava.org)

В часовне есть еще мозаичные иконы: Спасителя — ее можно увидеть сквозь решетку окна закрытой часовни, Богородичная икона — ее видно с улицы. А женщина, конечно, пришла рассказать святителю Николаю о своей жизни, помолиться и попросить за кого-то из близких.

Вячеслав Калинин очень московский художник. Москва на его картинах — живая, теплая, естественная. Вполне возможно, что 23-летнему художнику, чье детство прошло в самом центре города, во дворах недалеко от Болотной площади, было известно о чудотворной иконе в часовне, а может, его поразила женщина, плачущая у постройки полувековой давности.

О художнике читайте на AI: «Художник недели: Вячеслав Калинин».

КРОПИВНИЦКИЙ Евгений Леонидович (1893–1979) Идем на свет. Фонарь. 1959
Бумага, гуашь. 22 × 29,8

Автор гуаши «Идем на свет. Фонарь» (1959) Евгений Леонидович Кропивницкий был учителем многих неофициальных художников и воспринимался лидером андеграундного объединения «Лианозовская группа» (с такой формулировкой он был исключен в 1962 году из Союза художников; сам себя он лидером группы не считал). Он окончил Императорское Строгановское художественное училище, где его учителями были Валентин Серов и Константин Коровин, и был свидетелем развития языка абстракции в русском изобразительном искусстве первой половины XX века. Экспериментируя и осваивая различные методы, сам он, однако, не сформировал авторскую линию абстракции. В конце 1950-х годов Евгений Кропивницкий переходит от авангардной эстетики к сюрреализму, который стал отправной точкой для многих советских художников «другого искусства» (Сергей Попов, искусствовед).

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Прилуки. 1970
Холст, масло. 44 × 58

Вторая необычная работа — натурный пейзаж «Прилуки» (1970) Владимира Николаевича Немухина.

Пейзаж «Прилуки», «одно из редких произведений В. Н. Немухина, написанных летом 1970 года непосредственно с натуры, — пишет эксперт. — Прилуки — это историческая родина В. Н. Немухина, куда он каждый год уезжал на лето. Именно здесь были придуманы и написаны его основные, “карточные” вещи. Но данный пейзаж любопытен тем, что написан в сложной, импрессионистической, насыщенной цветом живописной системе. Он блестяще передает мастерство Немухина-пейзажиста, обладавшего тонким чувством цвета, способностью мастерски передать состояние и настроение выбранного пейзажного мотива».

Сразу две работы представляют в каталоге творчество Олега Целкова.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934–2021) Ваза (большая). 2014
Фарфор, надглазурная роспись. 44 × 29 × 29

В 2014 году выполнена фарфоровая ваза Олега Николаевича Целкова. Первые фарфоровые изделия, созданные по эскизам шестидесятников, появились довольно поздно, в начале 1990-х. Обращаясь к фарфору, экспериментаторы-шестидесятники исследовали его возможности как инструмента для воплощения своих магистральных творческих идей, а изучив, включили в свой художнический инструментарий. Каждый из них прошел собственный путь освоения фарфора, его пластических возможностей, взаимодействия с цветом.

«По словам Владимира Немухина: “когда ты занимаешься фарфором, ты уже должен многое знать, фарфор не учит, а требует умения”» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М. : Бонфи, 2012. С. 19).

«Олег Целков довольно много работал с фарфором. Поначалу пробы и эксперименты выражались в перенесении на фарфор уже готовой станковой работы, воплощения ее на тарелках в четырех цветовых вариантах, что не создавало гармоничного сочетания, способного усилить эстетические качества обеих составляющих. Но позже, когда этап освоения материала был пройден, художник получил чрезвычайно интересные результаты в работе над блюдом сложной прямоугольной формы с изогнутыми бортами, роспись которого была решена в черно-красной цветовой гамме (2009, Hopperdietzel, Германия) и над квадратной тарелкой (2009, Hopperdietzel, Германия), в которой художник отказался от свойственной ему стилистики масок-гримас и создал произведение, напоминающее скорее об эпохе изысканного модерна» (Там же. С. 15–16).

Наша ваза — это один из следующих шагов в работе Олега Целкова с фарфором. Художник создал забавную композицию с участием своих излюбленных личин, одну из них присвоив львице с огромными когтями, перенес их на тонкую фарфоровую поверхность, используя необычно светлую палитру, — и получилась забавная, элегантная и вполне дружелюбная вещь.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934–2021) Лежащая женщина
Бронза. 14 × 27 × 14

Не датирована бронзовая скульптура «Лежащая женщина» Олега Николаевича Целкова. Эта дама много раз встречается в произведениях художника. Есть блестящие фарфоровые композиции — черная и белая, и вот теперь — скульптура, как будто автор примерял разные материалы к сложившемуся образу, определяя, как его модель поведет себя в каждом из них.

Читайте о художнике на AI: «Инвестиционные идеи на рынке искусства. Мысль № 2. Вложения в работы Олега Целкова» и нашу недавнюю публикацию: «Художник недели: Олег Целков».

Творчество современных художников

СИТНИКОВ Александр Григорьевич (1945) Шаровая молния и бабочка. 2000–2020
Холст, дерево, темпера, ассамбляж. 110 × 105

«Шаровая молния и бабочка» (2000–2020) Александра Григорьевича Ситникова — метровая абстракция, которую отчасти организует контур большой разноцветной бабочки и еще более упорядочивают элементы ассамбляжа.

Александр Ситников приобрел известность еще в 1970-е годы благодаря оригинальным и запоминающимся произведениям, в которых нашли отражение архетипические образы из древних мифов различных культур. В работах автора часто сочетаются фигуративные и абстрактные элементы, а гармоничный колористический строй его полотен, по мнению многих специалистов, вызывает музыкальные ассоциации. «Поиски новых формальных приемов, разработка цветовой партитуры, соотношения света и тени, массы и объема, статики и движения превращаются художником в целостную философскую систему трансформации реалий конкретного времени в некую космическую формулу, подобную пророчеству», — пишет искусствовед А. Рожин о творчестве художника (tg-m.ru).

«Работы Ситникова, изобилующие мифологическими отсылками и культурными кодами, ловят непосвященного зрителя в лабиринт своих наслаивающихся форм, линий и ярких красок и оставляют его разгадывать философские шарады их создателя. Рассматривание холстов Александра Ситникова искусствовед Александр Якимович уподобляет барахтанию в колючем кустарнике, откуда каждому смотрящему выпутываться предстоит самостоятельно. Один увидит в картинах Ситникова математическую выверенность и услышит пифагорейскую музыку сфер. Другой узнает в лицах героев лики с православных икон, а в позах разглядит древнеегипетский изобразительный канон. Третий вспомнит пикассовскую “Гернику” и “Минотавра”. Четвертый проведет параллель с органическим разрастанием “аналитических” картин Павла Филонова. И каждый воспримет искусство Александра Ситникова по-своему» (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Александр Ситников».

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Август. Золото и синь. 2018
Холст, масло. 80 × 100

«Моя палитра в холстах: красный — Жизнь, синий — Небо, черный — Вечность, охра — золото, много золота. Все так же, как в иконе, в народной культуре и искусстве классического авангарда», — говорит Люся Воронова.

В авторском художественном языке Люси огромную роль играет фон. Он индивидуален в каждой картине (или небольшой серии картин одного краткого периода), и по орнаменту, как правило, мы практически безошибочно можем определить год создания произведения. Фон в сегодняшней работе представляет собой яркое исключение из этого правила: он практически единственный, который встречается (с изменениями) трижды на протяжении почти четверти века — в «Натюрморте с зайцем» (1992), «Натюрморте с птицами и рыбой» 2009 года (который, если исходить из цены в долларах на дату продажи (2014), сегодня возглавляет ценовой рейтинг художника) и в холсте «Август. Золото и синь» (2018).

Пожалуй, это наиболее знаковая работа для Фонда поддержки искусства Люси Вороновой. Элементы именно этого произведения мы видим на официальном сайте и в оформлении документов Фонда. Даже на каждом сертификате подлинности произведения воспроизведен запоминающийся орнамент, взятый с этого холста (Георгий Воронов).

Одновременно с 396-м AI Аукционом открыт 82-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Инны Бельтюковой, Марии Буртовой, Галины Быстрицкой, Александра Захарова, Ильи Ковальчука, Виктора Крапошина, Бориса Марковникова, Андрея Медведева, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Веры Павловой, Романа Рахматулина, Кирилла Чёлушкина.

Всем желаем удачи на 396-м AI Аукционе и 82-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.