В каталоге 20 лотов: восемь живописных работ, шесть листов оригинальной и один — печатной графики, три работы в смешанной технике, один триптих из фарфора и одна икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 394 и 80-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 394-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 27 августа, в 12:00.

Открывает каталог икона «Господь Вседержитель», написанная в Великом Устюге во 2-й половине XVIII века.

Икона «Господь Вседержитель». Великий Устюг. Вторая половина XVIII века
Дерево, левкас, темпера. 31 × 36,4

Господь Вседержитель, или Пантократор (от греч. παντοκρατωρ — всевластный, всесильный), — центральный образ в иконографии Христа, представляющий Его как Всемогущего, Всевластного Царя. В левой руке воспроизводится свиток или Евангелие, правая сложена в благословляющем жесте. Встречается и редкий вариант написания этой иконы — не с книгой, а с державой и скипетром в руках (azbyka.ru).

Икона Спас Вседержитель (Господь Вседержитель, С Державой И Скипетром) — один из основных иконографических типов Христа, Пантократор, в редкой в настоящие дни разновидности: Господь изображается в простых одеждах, держащим в левой руке не книгу, а державу и скипетр как символы верховной власти. Какого-то определенного названия для данной разновидности икон нет, называют просто «Господь Вседержитель», но существует похожая икона, именуемая «Царь Царем» (pravicon.com), на которой Христос тоже изображен с державой и скипетром, сидящим на троне в царских одеждах и с короной на голове, при этом часто по обе стороны от него изображаются предстоящие Богородица и Иоанн Предтеча. Встречаются также различные иконы, в которых граница между этими двумя иконографическими типами расплывается или отсутствуют какие-то детали — например, Господь в простых одеждах, но с короной на голове или Господь с державой, но без скипетра и т.п. (pravicon.com).

Наша икона представляет собой один из подобных вариантов: Господь в простых одеждах, с державой и без скипетра.

***

Христос Вседержитель (Пантократор) — икона, занимающая центральное место в церковном и домашнем иконостасе. В храме она находится у Царских врат, может быть вписана в пространство под куполом. В домашнем иконостасе икона Христа занимает почетное место в центре всех остальных икон. Там, где есть образ Пантократора, присутствует любовь Господа, которой и держится весь мир.

Перед иконой Вседержителя можно молиться обо всех нуждах, которые могут возникнуть в жизни людей:

• об избавлении от греховных помыслов и искушений;
• о прощении неправедных поступков и слов;
• об исцелении душевных и телесных недугов;
• о защите от бед и врагов;
• об укреплении духа в периоды жизненных испытаний.

Икона Христа Пантократора является защитницей семьи. Богородичным образом родители благословляют невесту, а образом Спасителя — жениха. Венчальная пара икон является залогом крепкого брака и счастливой семейной жизни. Икона Пантократора оберегает здоровье детей в семье. При самых неутешительных диагнозах не стоит отчаиваться: Врачеватель душ и телес знает, какое лекарство необходимо в том или ином случае. Часто болезнь ребенка дается для вразумления родителей. Когда они с верой и молитвой обращаются к Богу, по силам становится любой тяжелый крест. Христос, пребывая на земле, показал, что в его власти исцелить любую болезнь, даже воскресить из мертвых. Основным условием успеха Спаситель называл веру просящего. Пусть даже несовершенную — как у отца бесноватого отрока: «Верую, Господи, помоги моему неверию» (Мк. 9:24). Главное, признать перед Спасителем свое несовершенство и просить Его о помощи.

Христос — альфа и омега, начало и конец человеческой жизни — в этом основной смысл иконы Вседержителя (1obl.ru).

Русское искусство конца XIX — начала ХХ века

КОНДРАТЕНКО Гавриил Павлович (1854–1924) В рыбачьей бухте Алупки. Конец XIX — начало XX века
Фанера, масло. 34,5 × 46,6

Гавриил Павлович Кондратенко родился в семье крепостного крестьянина в селе Павловское Пензенской губернии. Учился в ИАХ (1873–1882) сначала в качестве вольнослушающего в классе исторической живописи у К. Ф. Гуна, с 1875 — постоянным учеником в пейзажном классе у М. К. Клодта. За период учебы неоднократно награждался малыми и большими серебряными медалями. В 1881 за «пейзаж по собственному выбору» получил малую золотую медаль. В 1882 выпущен из Академии со званием классного художника 2-й степени за картину «Ночь в Бахчисарае».

Жил в Петербурге (Петрограде — Ленинграде). Будучи учеником ИАХ и после ее окончания ежегодно путешествовал по югу России, Кавказу, Крыму (создал большое количество красивейших крымских пейзажей и видов Воронцовского дворца в Алупке), часто посещал Италию, бывал в Греции. Работал преимущественно как пейзажист, писал натюрморты, занимался иллюстрацией. В 1880 за картину «Заглохший парк» получил первую премию по ландшафтной живописи Общества поощрения художеств. В 1880-х исполнил серию из двадцати пейзажей и картин, связанных с лермонтовскими местами в Москве и на Северном Кавказе.

Активно выставлялся. Участвовал в выставках в залах ИАХ, Общества поощрения художеств, Московского общества любителей художеств, на Всероссийской промышленной и сельскохозяйственной выставке в Нижнем Новгороде (1896), Всемирной выставке в Париже (1900), выставке картин петроградских художников всех направлений (1923). Был членом и экспонентом Санкт-Петербургского (Петроградского) общества художников, а также Общества художников им. А. И. Куинджи. Устраивал благотворительные выставки.

«Среди работ художника Г. П. Кондратенко встречается ряд пейзажей с изображением морских скал и валунов у берега, — отмечает эксперт. — Картины отличает тщательность в исполнении всех деталей композиции, четкое композиционное построение и насыщенный солнечный колорит. Исследуемый пейзаж продолжает ряд таких произведений».

ЛАРИОНОВ Михаил Фёдорович (1881–1964) Женский портрет. Ок. 1903–1905
Холст, масло. 33,2 × 32,5

Ранние работы Михаила Фёдоровича Ларионова редко появляются на аукционных торгах. Мы представляем «Женский портрет», созданный около 1903–1905, в период обучения художника в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где он с перерывами учился вплоть до 1910 у К. А. Коровина и В. А. Серова. Эта камерная работа полностью соответствует эстетике раннего Ларионова, отмеченной ориентацией на импрессионизм и русский символизм, в частности на работы мастеров круга «Голубой розы».

Как отмечает специалист по творчеству художника Г. Поспелов, живописные произведения Ларионова начала 1900-х годов отличаются этюдностью наложения красок, равно как и «акцентом на живописном слое работы, приобретавшем в ту эпоху все большую самостоятельность» (Поспелов, Г.Г., Илюхина, Е.А. Михаил Ларионов: живопись, графика, театр / под ред. А. Сарабьянова. М.: Русский авангард; Галарт, 2005. С. 34). Картина представляет собой погрудный портрет молодой женщины в шляпе на фоне условного пейзажа с рекой. Палитра работы состоит из приглушенных голубовато-сероватых, оливковых, бежевых и темно-коричневых оттенков. Изображение отличается мягкими контурами и плавными тональными переходами. Акцентированная живописная поверхность достигается за счет пастозных мазков, особо заметных в трактовке лица и одеяния девушки. Ранний Ларионов еще сохраняет черты портретного сходства модели, делая именно лицо наиболее выразительным элементом композиции, акцентируя темные глаза, брови и волосы женщины, а также ее красные губы и румянец на щеках. Голубая лента на шляпе портретируемой вторит извилистому руслу реки на заднем плане работы, прорисованному весьма условно и тяготеющему к абстракции.

Работа имеет прекрасный провенанс и изначально происходит из личной коллекции художника Льва Жегина, друга и соратника Ларионова. Позже она находилась в собрании Георгия Дионисовича Костаки, одного из самых известных коллекционеров русского авангарда, и опубликована в составе его коллекции в 1981 году, при жизни Костаки (Мария Беликова).

МУРАВЬЁВ Владимир Леонидович (1861–1940) Волки в зимнем лесу. 1905
Бумага на картоне, темпера. 45 × 14,7 (бумага), 46,5 × 16,2 (картон)

Замечательна по уровню исполнения темпера «Волки в зимнем лесу» (1905) работы графа Владимира Леонидовича Муравьёва. Вольноприходящий ученик Академии, он учился у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, пользовался советами К. Я. Крыжицкого, был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно выставлялся на академических выставках, а в 1893 году провел персональную экспозицию.

Страстный любитель и знаток охоты, повадок животных, их поведения, живописец граф Владимир Леонидович Муравьёв перенес свое глубокое пристрастие на листы и полотна. Наибольшую известность он получил как мастер охотничьих сцен. Его кисти принадлежит ряд зимних пейзажей, изображающих животных и птиц в лесу: художник пишет их жизнь в естественной среде, и его картины следует рассматривать не как пейзажи с анималистичным стаффажем, а именно как жанровые сцены, где животные и птицы — главные персонажи.

Граф Муравьёв был талантливым пейзажистом, по-настоящему тонко, без слащавости понимавшим русскую природу, лес и его обитателей. Находясь под большим влиянием Ю. Ю. Клевера, он экспериментировал со световыми эффектами и фактурой красок, создавая эффектные пейзажи. В нашей работе художник в своей характерной манере подробно прорабатывает ветви деревьев и кустов зимнего ночного леса, создавая неяркий, тонкий снежный узор, серебрящийся в лунном свете.

Картины Владимира Леонидовича Муравьёва нравились и были востребованы публикой, активно публиковались в дореволюционной печати.

Искусство художников Русского Зарубежья

АРТЁМОВ Георгий Калистратович (1892–1965) Амазонка. Панно. 1958
Дерево, резьба, масло, золотая краска. 124 × 109

Георгий Калистратович Артёмов, автор среднеразмерного панно «Амазонка» (1958) происходил из казаков, из семьи военного врача, атамана станицы Урюпинская. Учился в Донском кадетском корпусе императора Александра III в Новочеркасске (1899–1905), Рисовальных классах в Ростове-на-Дону (1907–1908) у А. С. Чинёнова. В 1910 приехал в Москву; сблизился с художником С. Н. Пименовым. Посещал занятия в мастерской К. А. Коровина в МУЖВЗ (1910–1913).

Работал как скульптор и живописец. Создавал женские фигуры, анималистическую  скульптуру, писал портреты и натюрморты. В декабре 1911 устроил в Ростове-на-Дону первую персональную выставку, на которой представил около 50 работ, преимущественно портреты и натюрморты.

В 1913 приехал в Париж, где познакомился с О. Цадкиным, А. Модильяни, Х. Сутиным и другими представителями художественной среды.

В начале Первой мировой войны Артёмов записался добровольцем в 1-й Иностранный полк; был тяжело ранен в Шампани, награжден военным крестом и направлен на длительное лечение в Савойю. В конце 1917 вернулся в Новочеркасск, участвовал в Гражданской войне на стороне зеленых и белых и в 1920 с частями Белой армии был эвакуирован в Константинополь, а в 1923-м переехал в Париж.

Во Франции Артёмов работал, экспонировался и сделал неплохую карьеру; он стал органичной частью парижской художественной среды, тесно общался с представителями русского зарубежья и воплотил в своем творчестве характерные черты французского искусства межвоенной эпохи, отмеченной в первую очередь расцветом стиля ар-деко.

Художник не раз создавал декоративные панно для украшения интерьеров по заказам парижских кафе, кабаре и кинотеатров. Деревянное панно «Амазонка» сделано в поздний период его творчества, в конце 1950-х годов, тем не менее в нем отражены ключевые декоративно-эстетические ценности и излюбленные сюжетные линии ар-деко. В частности, мастера ар-деко регулярно обращались к мифологическим образам, стилизуя их формы под ту или иную историческую эпоху. В данном случае на золотом фоне помещен вырезанный и раскрашенный рельеф амазонки с лошадью. Композиция работы отличается динамичностью и объединяющей ритмикой поз персонажей — коня, вставшего на дыбы, и древней воительницы, удерживающей его. Драпировки одежды героини развеваются в движении, передавая стремительность ее действий.

Образы отличаются обобщенной трактовкой, ясностью форм и выраженной скульптурностью, отражающей мощь, заключенную в телах персонажей. Артёмов использует характерные для ар-деко «роскошные» оттенки золотого, оливкового, коричневого цветов, на сочетании которых строится декоративность художественного решения работы (Мария Беликова).

Панно «Амазонка» (1958) сопровождается рукописным подтверждением подлинности дочери художника Марии Артёмовой на французском языке и будет включено в каталог-резоне произведений Г. Артёмова, который готовится при ее участии.

Искусство ХХ века

ФЕДОРОВСКИЙ Фёдор Фёдорович (1883–1955) Эскиз занавеса для постановки оперы Р. Вагнера «Лоэнгрин». 1925
Эскиз выполнен для постановки Государственного театра оперы и балета имени А. В. Луначарского (Одесса)
Бумага, графитный карандаш, акварель, белила. 60,5 × 88

Открывает самый крупный раздел каталога эскиз занавеса для постановки оперы Р. Вагнера «Лоэнгрин», выполненный Фёдором Фёдоровичем Федоровским в 1925 году для постановки Одесского Государственного театра оперы и балета имени А. В. Луначарского.

«Работа над эскизами к постановке оперы Р. Вагнера “Лоэнгрин” занимает важное место в творчестве Ф. Ф. Федоровского 1920-х годов, — пишет эксперт. — С этой оперой связано дальнейшее развитие эстетических взглядов художника.

Свои эскизы к “Лоэнгрину» Ф. Ф. Федоровский решает в стилистике модного в это время конструктивизма, сохраняя символику, пронизывающую основную идею оперы, в которой главный герой смело идет на борьбу с неправдой и побеждает во имя справедливости. Еще в своей первой постановке этой оперы в Большом театре в 1922–1923 годах режиссер спектакля В. Лосский и Ф. Федоровский стремились к новой, революционной инсценировке, считая, что открывают новые пути в создании народного массового театра, “оставляют в душе зрителя бодрое настроение, стремление вперед к тем несбыточным творческим началам новой жизни, чем так богата мятущаяся душа человека-творца, каким был гениальный музыкант-композитор Вагнер и каким должен быть всякий талантливый творец в организации искусства и жизни, предвидящий будущее”. Оформление спектакля в Большом театре было удачным: не случайно, что в 1925 году опера Вагнера “Лоэнгрин” была поставлена в этом же сценическом решении и оформлении Ф. Ф. Федоровского в Одесском Государственном театре оперы и балета им. А. В. Луначарского. Более того, за показанные макет и декорации к “Лоэнгрину” Ф. Ф. Федоровский получил Гран-при на Международной выставке декоративных искусств в Париже в 1925 году.

Эскиз занавеса Ф. Ф. Федоровского к опере Р. Вагнера “Лоэнгрин” является авторским вариантом хорошо известного по литературе и выставкам занавеса, исполненного в 1922–1923 годах для Большого театра. Тем не менее исследуемый эскиз занавеса 1925 года для постановки “Лоэнгрина” в Одесском театре является классикой отечественного театрально-декорационного искусства, исполнен на высочайшем художественном уровне и представляет музейное значение».

ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Горный пейзаж). 1930
Бумага, акварель. 9,1 × 15,1

В последний день 1930 года написана и через два дня отослана с кратким новогодним поздравлением некоему Самуилу Ефимовичу красивая маленькая (9,1 × 15,1) акварель «Без названия (Горный пейзаж)» Максимилиана Александровича Волошина — работа из цикла видов Коктебеля, изысканная, поэтичная, легкая, с «волошинским» настроением. Судя по размеру акварели, она, скорее всего, предназначалась для пересылки в почтовом конверте — известно много акварелей Волошина, которые он пересылал друзьям почтой.

Работа подписана монограммой, датирована и надписана автором. К сожалению, фамилия адресата нам неизвестна, поэтому новому владельцу акварели предстоит увлекательная и интересная исследовательская работа.

СТОЖАРОВ Владимир Фёдорович (1926–1973) Крым. Скалистый берег. 1947
Холст на картоне, масло. 53 × 67,5

Автор картины «Крым. Скалистый берег» (1947) Владимир Фёдорович Стожаров — выпускник живописного факультета Суриковского института (1945–1951), ученик Д. К. Мочальского, Г. К. Савицкого, В. В. Почиталова.

В своих живописных полотнах художник изображал природу и архитектуру русского Севера, быт и творчество русского крестьянства. Все его творчество было посвящено одной теме — российской деревне, родной земле.

С 1950-х годов Стожаров много ездил по стране, особенно по Русскому Северу, и там собирал материал для своих работ. Из поездок по Псковской, Ярославской, Костромской, Владимирской, Архангельской областям и из-за рубежа он привозил огромное количество этюдов, которые потом воплощались в картины. Его искусство выдержало испытание временем и нашло достойное место в собраниях крупнейших музеев страны и зарубежья. Такие музеи, как Третьяковка, Русский музей и еще более 90 музеев страны и ближнего зарубежья имеют постоянные экспозиции работ Стожарова.

Владимир Федорович был наделен редким колористическим даром. Его работы материальны и поэтичны одновременно. Его искусство глубоко национально и монументально. Он писал соборы Севера и церкви средней полосы России, широкие панорамы сел, бревенчатые избы, бескрайние поля, людей в их работе и праздниках (stozharov.ru).

Наш морской пейзаж написан в период учебы в Суриковском институте, и это очень редкое изображение южного моря у художника, которого называли поэтом Русского Севера.

ФОНВИЗИН Артур Владимирович (1882–1973) Катюша. 1940–50-е
Бумага, акварель. 20 × 16

Выдающийся рисовальщик, виртуоз «мокрой акварели», «бубнововалетовец» первого созыва, а позже преследуемый в СССР «формалист», вдохновитель для целой плеяды молодых художников-нонконформистов — Артур Владимирович Фонвизин, автор акварели «Катюша» (1940–50-е), в наши дни ассоциируется с каким-то затворничеством, замкнутостью, «тихим искусством», принадлежностью к условной группе пресловутых «трех Ф»: Фонвизин, Фаворский, Фальк. И еще с огромным творческим наследием. В последние лет 15 своей жизни он тихо работал дома и сделал многие сотни, если не тысячи рисунков. Его назвали тихоней, человеком робким, плывущим по течению и словно оберегаемым ангелом-хранителем. Но вот стоит почитать биографию Фонвизина, и многое не вяжется с этим образом. Порой просто диву даешься, какие черти водились в том тихом омуте… (читайте на AI: «Художник недели: Артур Фонвизин»).

«Акварель А. В. Фонвизина “Катюша” по времени своего создания, стилистике и сюжету относится к блестящему циклу акварелей, условно называемому “Песни и романсы”, — пишет эксперт. — <…> “Песни и романсы” — это своеобразный ретро-цикл А. В. Фонвизина, иногда сюжетно связанный со старинными русскими городскими романсами или песнями, а иногда это воспоминания о прошедших временах, детстве, снах художника.

Акварель написана в типичном для Фонвизина стиле. Он использует технику работы акварелью “по-мокрому”, ее растекание и расползание по листу бумаги, свободные, прозрачные мазки, непринужденно набирает цвет, мастерски пользуется заливками краски и естественным белым фоном бумаги, стремясь передать легкость, воздушность, сиюминутность впечатления и сложность цветовых отношений. Пользуясь этими эффектами и приемами, А. В. Фонвизин превращает свои акварельные листы в драгоценность».

НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Сходня. 1961
Бумага, цветной карандаш. 20,3 × 28,9

Шестым октября 1961 года датирован небольшой пейзаж цветным карандашом «Сходня» Георгия Григорьевича Нисского. Рядом с рисунком художник записал основные цветовые акценты пейзажа: Сходня // небо голубое // снег свет<нрзб> // и еще голубой // темные места // общо // теплые но в // колорите с // голубым // Самые светлые // и ярко // теплые // огоньки, что позволяетрассматривать рисунок как предварительный набросок к некоему живописному полотну.

«Сходня, небольшой поселок под Москвой, был в послевоенное время популярным дачным местом, — отмечает эксперт, — там располагался дом отдыха и санаторий. В 1950–60-х годах Нисский часто бывал в Сходне и создал ряд графических и живописных полотен по мотивам тех мест».

Читайте на AI: «Художник недели: Георгий Нисский».

ОССОВСКИЙ Пётр Павлович (1925–2005) Золотой кремлёвский холм. 1980
Картон, масло. 64 × 71

Холст «Золотой кремлевский холм» (1980) относится к известному циклу произведений, который автор, Пётр Павлович Оссовский, называл «Кремлеада». Пейзаж был написан в одной из комнат здания ЦК КПСС, которую Оссовскому выделили для работы. Художник сделал смысловым центром архитектурный пейзаж Кремля. «Я там специально сделал колокольню Ивана Великого выше, чем кремлевские красные звезды, хотя в реальности не так» (books.google.ae). Видимо, эту «вольность» не заметили...

Получив разрешение работать в главном партийном здании, Оссовский на время превратил один из его кабинетов в творческую мастерскую. С этого момента главный архитектурный памятник столицы дал материал для пятнадцатилетнего творческого труда и часто становился «персонажем» полотен художника.

Одна из ранних работ этой серии — «Золотой кремлевский холм» (1980).

Кремль, освещенный золотом рассветного дня. Композиция картины выстроена из нескольких горизонтальных планов. Их разделили крупные цветовые пятна: белоснежные стены храмов Соборной площади, красная кремлевская башня и собор Василия Блаженного, золотистые оттенки главок церквей и неба на заднем плане. Светлый фон уравновесил плотные и тяжелые краски нижней части картины, придал ей торжественный вид. Доминантой всей композиции является колокольня Ивана Великого. Она объединяет остальные маковки кремлевских соборов, символизируя истинный дух России. Контрастом ей выступает Спасская башня с гранатовой красной звездой, символом советской эпохи. Контрастное сочетание цветов выявляет творческие возможности Оссовского. Цвет в картине выступает средством композиционного построения, организующим началом художественного образа.

Творчество шестидесятников

ГОРОХОВСКИЙ Эдуард Семёнович (1929–2004) Вечер в Бухаре. 1960–70
Бумага, акварель. 59 × 83

Творчество Эдуарда Семёновича Гороховского в каталоге представляет акварель «Вечер в Бухаре» (1960–70).

В это время Гороховский живет и работает в Новосибирске, куда он приехал по распределению из родной Одессы. Двухлетняя карьера архитектора уже позади, художник занимается станковой графикой, «ушел в свободное, но рискованное плавание в океан под названием “изобразительное искусство”. Начал с книжной иллюстрации, о которой мало что знал. Учиться пришлось буквально на ходу. Первая книжка далась мне чрезвычайно трудно, потом стало легче. Я занимался книжной графикой с 1957 по 1990, проиллюстрировал более 120 книг, мои книжные иллюстрации получали дипломы, экспонировались на отечественных и международных выставках. Однако в основном я занимался творчеством и четко отличал книжный хлеб от подлинно творческой работы.

То, чем занимались я и мои друзья, стало носить название “неофициальное искусство”» (Эдуард Гороховский, artinfo.ru).

Позже, в 1974-м, Гороховский приедет в Москву, познакомится с И. Кабаковым, В. Пивоваровым, Э. Булатовым и другими художниками, чьи мастерские располагались в окрестностях Сретенского бульвара, напишет свою первую картину и с головой уйдет в интенсивную работу над поисками новой пластической выразительности, одним из первых начнет работать с фотографическим материалом в живописи. А еще позже его назовут «классиком московского концептуализма и одним из ключевых реформаторов современного искусства в СССР» (Сергей Попов, искусствовед).

Наша акварель выполнена, возможно, в одной из поездок художника или по ее мотивам.

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Скала. 1997
Холст, масло. 50 × 70

В уникальной как по письму, так и по выдуманному научно-фантастическому сюжету сюрреалистической манере выполнена «Скала» (1997) Николая Евгеньевича Вечтомова. В этой работе проявляется своеобразное авторское отношение к Мирозданию и Вселенной.

Лев Кропивницкий проницательно заметил: «Его полотна — это окна, открытые в неведомый мир…Он не натуралист, реконструирующий обстановку межпланетного путешествия. Он передает ощущение, среду миров, существующих или несуществующих, и делает это убедительно» (art-story.com) .

Земная ли это скала или космическая? Скорее — вселенская. «Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного, — писал, как будто отвечая на наш вопрос, арт-критик Сергей Кусков. — Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Триптих. 1992
Тираж 25 экземпляров. Экземпляр № 13
Фарфор, роспись. Ø 24,5 каждая тарелка

Триптих Эдуарда Аркадьевича Штейнберга, включающий тарелки «Сентябрь месяц», «Небо-земля», «Черное солнце», выпущен в 1992 году совместно с Центром современного искусства (ЦСИ) и Товариществом «Кузнецовский фарфор». Каждая тарелка выпущена ограниченным тиражом в 25 штук плюс несколько ненумерованных (резервных) экземпляров. Большая часть тиража была закуплена Министерством культуры РФ.

«Эдуард Штейнберг для своей первой серии фарфора сделал три эскиза росписей — реминисценций деревенской темы, которую он разрабатывал в 1980-е годы в живописи. Большие плоскости, окрашенные в плотные темные цвета, условный фигуративный рисунок, использование надписей, геометричность построения композиций — весь свой живописный инструментарий Штейнберг переносит на диск фарфоровой тарелки. Душевность и сельская простота мотивов подчеркиваются легкой небрежностью, “оборванностью” красочного слоя, которые создают эффект нарочито самодеятельного характера росписи, смягчающий помпезность благородного порцелина» (Виктория Петухова. Фарфор как неприкладное искусство или еще одна грань нонконформизма // Фарфор шестидесятников: Выставка в галерее «Романовъ». М.: Бонфи, 2012. С. 14).

Все тарелки нашего триптиха имеют единый номер — 13. Подобные серии разошлись по коллекциям и встречаются очень редко.

ЖУТОВСКИЙ Борис Иосифович (1932) Весна 1945 года. 2005
Оргалит, гипс, лак, золото, смешанная техника. 80 × 30

«Я бесконечно оптимистичен. Я родился на свет, я получил образование, я нашел нишу своей одержимости, и у меня есть возможность ее реализовывать. Все это — высшая форма человеческой удачи» (Борис Жутовский, artifex.ru).

Борис Иосифович Жутовский получил образование в Московском полиграфическом институте, учился у профессора Андрея Гончарова, окончил отделение художников книги. Работал иллюстратором и книжным дизайнером в издательствах Москвы. В течение многих лет занимался в студии Элия Белютина «Новая реальность». Начал выставляться в 1959-м, участвовал в знаменитой скандальной выставке «30 лет МОСХ» в Манеже в декабре 1962 года. В 1969 году стал членом Союза художников СССР. В 1979 году в Москве возобновились полулегальные выставки современного искусства, и Борис Жутовский неоднократно выставлял свои картины в залах на Большой Грузинской улице. В качестве иллюстратора участвовал во многих выставках книжного искусства (litres.ru).

Живописные работы Бориса Иосифовича Жутовского — отдельная замечательная и исключительно красивая история. Так, наша абстрактная композиция «Весна 1945 года» (2005) — выразительный эмоциональный образ, насыщенный мощной позитивной энергией. Весна 1945 года для поколения Бориса Жутовского — время абсолютное и святое: война закончилась, пришла Победа, люди полны надежд на лучшую — мирную и счастливую — жизнь, на светлое и радостное будущее. И эти чувства, пронесенные через всю жизнь, ярко воплощены в нашей работе.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Пасьянс. 2016
Фанера, бумага, акрил, графитный карандаш, игральная карта, коллаж. 62,3 × 79,8
Тираж 30 экземпляров. Экземпляр № 28

Тиражный «Пасьянс» (2016) выполнен классиком нонконформизма Владимиром Николаевичем Немухиным в последний год жизни. Почти монохромная, глубокая и философская работа собственноручно подписана и датирована художником.

Карты, магистральная тема творчества Немухина, игра, таинственность в каждом элементе при общей линеарности композиции, большой белый акрил, дополненный коллажем, на толстенном листе фанеры — щикарная вещь, как в свое время оговорился один эксперт, а мы подхватили эту чудесную оговорку и позволяем себе в очень редких случаях ее использовать.

ПРИГОВ Дмитрий Александрович (1940–2007) Динамика бога. Стадия V (The Dynamic Of The God. Stadium V). 1993
Бумага, шелкография. 78,7 × 61,4 (лист), 59,2 × 41,8 (изображение)

Единственная в каталоге работа представителя следующего поколения второго русского авангарда — семидесятников — тиражный лист «Динамика бога. Стадия V» (1993) Дмитрия Александровича Пригова.

Творчество современных художников

ШАБЛАВИН Сергей Петрович (1944) Зима — сумерки. 1998
Холст, масло. 70 × 100

«Зима — сумерки» (1998) Сергея Петровича Шаблавина — реалистический пейзаж с оптической деформацией в круге, ставшем для художника главной, а чаще единственно возможной формой для создания изображения. Он вошел в сообщество мастеров, называемое «школой московского концептуализма», испытал их огромное влияние, прежде всего Э. Булатова и О. Васильева, и перенес в свое творчество оптику, законы которой изучал в МИФИ. «Желание избавиться от инертных и неинформативных углов картины и отказ от линейной перспективы привели меня в начале 1970-х к открытию картины-круга с нелинейным сферическим пространством, в котором, как мне кажется, удалось выразить определенные универсалии, то самое бесконечное и открытое пространство, которое не удавалось отобразить в прямоугольной картине». Шаблавин пытается художественно осмыслить то «захватывающее дух единство мира, его сферичность и его космическую универсальность», которые он «почувствовал в открытой небу и мирозданию северной природе» (vladey.net).

«Зима — сумерки» (1998) на первый взгляд традиционный зимний пейзаж, очерченный прямоугольной рамкой и кругом, задающими определенный способ зрительного восприятия. Однако Шаблавин радикально разрывает жанровую привязку произведения, отказываясь от традиционного пейзажа в пользу философского осмысления границ визуальной перцепции. В результате перед зрителем запечатлены не натурные виды природы, а словно их отображение в выпуклой линзе, что является своего рода метафорой не только бескрайности русской природы, но и бесконечности самого мира, рамки которого существуют лишь в человеческом представлении (Мария Беликова). «Необязательно писать в углах — все самое важное для картины концентрируется в центре. Прямоугольник, как фотография, подразумевает существование мира за его границами, а за пределами круга ничего не может быть, он включает всю вселенную и очень подходит для выражения универсальных вещей» (Сергей Шаблавин, цит. по: kommersant.ru).

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Pourqoi si peu? (Почему так мало?). 2011
Холст, масло. 81 × 60

Среднеразмерный холст «Pourqoi si peu? (Почему так мало?)» (2011) Наталии Игоревны Нестеровой создан на один из классических, хрестоматийных и т.д. живописных сюжетов — уличный торговец и покупатель. И название картины самое привычное для этого сюжета. Продавец достает каштаны из круглой жаровни и раскладывает их в кулечки, свернутые из газеты. Покупателю (или покупательнице? — художник по своему обыкновению вносит в этот вопрос загадку, чтобы зрителю было интереснее) кажется, что кулечек не полон. Может быть, продавец, добавит в него пару-тройку каштанов? А не добавит — покупатель не станет скандалить, а поспешит съесть содержимое кулечка, пока оно не остыло. Жанровая сцена на картине буквально завораживает зрителя своей сюжетной простотой, неспешностью, житейской обыденностью… А ветер тем временем разносит по улице упоительный аромат жареных каштанов.

Живопись Наталии Нестеровой обладает удивительным свойством: глядя на нее, зритель может почувствовать запахи — моря, цветущей магнолии, лимонного сока, льющегося на устрицы, жареного каштана — или услышать музыку, которую слышат ее герои, или другие звуки — шум ветра, журчание льющейся воды. Конечно, для этого зритель должен обладать воображением, но художник как будто легко касается его руки и говорит: услышь, почувствуй, представь!

«… Самое сложное, но и самое важное для художника — стать узнаваемым, — говорит Наталия Нестерова. — Нужно придерживаться некой последовательности. Хотя все зависит от индивидуальных качеств человека, у кого-то разбрасывание превращается в стиль. Но для меня все-таки главное — узнаваемость. Это когда вы идете по большой выставке и вдруг поворачиваете голову, потому что этот художник вам знаком и он вас притягивает. У художника должен быть внутренний стержень и должно быть что-то, что он хочет сказать зрителю, причем не с натугой, а с легкостью. Русским художникам не хватает легкости. От русских всегда исходит страдание. Если вы будете все время смотреть на страдание, то в какой-то момент намылите веревку. Искусство должно поднимать человеческий дух, а не разрывать душу на части» (Наталия Нестерова, dianov-art.ru).

ПЕППЕРШТЕЙН Павел Викторович (1966) Куда ты тянешь свои пальцы? 2017
Бумага (лист из альбома с перфорацией), акварель, шариковая ручка. 29 × 41,5

Возросший в кругах неофициального искусства, среди представителей московского концептуализма, Павел Пепперштейн в своем творчестве артистически и виртуозно соединил ключевые для российской культуры элементы; вобрал эмоциональный и интеллектуальный контекст коллективного опыта и памяти. Пепперштейн (настоящая фамилия Пивоваров) — художник, теоретик искусства, писатель и поэт, арт-критик, один из основателей группы «Инспекция “Медицинская герменевтика”». Группа выступала на международной арт-сцене, сближая российские подходы с западными, занимаясь самыми разными практиками: литературой, философией, перформансами, инсталляциями. Павел Пепперштейн считается основателем течения «психоделического реализма», отличного своим постмодернистским эклектизмом: оно вобрало опыт от искусства ЛЕФа и супрематических экспериментов Малевича до концептуализма, сюрреализма и элементов поп-арта и нео-гео (Сергей Попов, искусствовед).

Павел Пепперштейн представлен в каталоге концептуалистской акварелью «Куда ты тянешь свои пальцы?» (2017). Тексты в качестве полноправных элементов вводят в свои картины и Кабаков, и Булатов, и Пивоваров, и другие художники. «Булатов и Кабаков. Для обоих этих художников тема слова/изображения является в известном смысле центральной, оба отталкиваются от достаточно сходных предпосылок ее трактовки и в то же время приходят к относительно несхожему результату» (Борис Гройс, di.mmoma.ru). Тексты Пивоварова и Пепперштейна — иные, они невозможны без изображения (как у Кабакова) и не решают пространственных задач (как у Булатова), они поддерживают изображение, придают ему новые качества. Акварель «Куда ты тянешь свои пальцы?» — очередной эксперимент Павла Пепперштейна с текстом. Получилось забавно и интересно.

Одновременно с 394-м AI Аукционом открыт 80-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство», подготовленный куратором Александром Кацалапом. В каталоге собраны произведения Рубена Апресяна, Евгения Белоконева, Сергея Бордачёва, САН САН КА РА, Александра Кацалапа, Михаила Крунова, Александра Лозового, Бориса Марковникова, Валерия Светлицкого, Игоря Ширшкова.

Всем желаем удачи на 394-м AI Аукционе и 80-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.