Открыты 369-е торги AI Аукциона и 55-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   02 марта 2021

В каталоге 30 лотов: 19 живописных работ, 4 листа оригинальной графики, 3 работы в смешанной технике и 5 лотов, в которых представлена печатная графика, в том числе 2 папки авторских эстампов

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 369 и 55-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 369-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 55-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 5 марта, в 12:00.

Каталог открывает раздел искусства русских художников конца XIX — начала ХХ века.

ВАСНЕЦОВ Аполлинарий Михайлович (1856–1933) Берег моря. 1890-е (1896 (?))
Холст на картоне, масло. 17,5 × 37,6

Аполлинарий Михайлович Васнецов, автор небольшой живописной композиции «Берег моря» (1890-е (1896 (?)), не получил профессионального художественного образования, однако не только сумел достичь вершин живописного мастерства, но и стал одним из значимых действующих лиц художественной жизни России конца XIX — начала XX века. Художник семнадцать лет преподавал в пейзажном классе МУЖВЗ, был одним из основателей и, впоследствии, руководителей Союза русских художников. Вдохновенный наблюдатель старины, Аполлинарий Васнецов долгое время занимался охраной памятников Москвы, с поразительной точностью запечатлевал их в своих произведениях.

Эксперты отмечают, что натурный этюд «Берег моря» (1890-е (1896 (?)) стилистически (по характеру мотива, композиции, колорита) близок к работе Аполлинария Васнецова «В горах Кавказа» 1896 года: «именно в этот год художник создал серию натурных этюдов, послуживших основой известных кавказских пейзажей».

Подробный и интересный рассказ о жизни и творчестве художника, а также о ценовых и маркетинговых показателях рынка его произведений читайте на AI: «Художник недели: Аполлинарий Васнецов».

СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) Осень. 1909
Бумага верже, темпера. 40,8 × 54,6

Пейзаж «Осень» (1909) Зинаиды Евгеньевны Серебряковой, как пишет эксперт, вероятно, «относится к обширной серии зарисовок, выполненной художницей с натуры в окрестностях усадьбы» Нескучное Курской губернии, в доме родителей художницы, где «начиная с 1898 года и вплоть до осени 1917 года» З. Е. Серебрякова жила «каждые весну и лето».

«Впечатления — и жизненные, и чисто живописные, — получаемые Зиной Лансере от пребывания в Нескучном, были необыкновенно сильны и во многом определили характер и особенности ее творчества, не только юношеского, но и зрелого.

Имение Нескучное было расположено между Белгородом и Харьковом и отличалось характерной для северной Украины живописностью. А. Н. Бенуа рассказывает о своих впечатлениях от этих мест: “Вид был поистине восхитительный в своем безграничном просторе и своей солнечной насыщенности. Ряды невысоких холмов тянулись один за другим, все более растворяясь и голубея, а по круглым их склонам желтели и зеленели луга и поля: местами же выделялись небольшие, сочные купы деревьев, среди которых ярко белели хаты”. Читая это описание, с особой ясностью начинаешь понимать, откуда так рано появилась в пейзажах Серебряковой особая “картинность”, почти утраченная — под напором “этюдности” — русской пейзажной живописью десятых годов. И не случайно мы много раз встретимся в акварелях юного и на холстах уже зрелого мастера с этими поэтичными “безграничными солнечными просторами”» (А. А. Русакова, цит. по: biography.wikireading.ru).

ХАРИТОНОВ Николай Васильевич (1880–1944) Без названия (Девушка у зеркала)
Бумага на картоне, пастель, гуашь. 41,8 × 34

Завершает раздел рисунок «Без названия (Девушка у зеркала)» Николая Васильевича Харитонова. Работа не датирована, но, судя по подписи, выполненной кириллицей, можно осторожно предположить, что создана она в России, до эмиграции, т.е. до 1920 года.

Николай Харитонов родился в деревне Плишкино Мологского уезда Ярославской губернии. Окончив сельскую школу, в 12 лет приехал в Петербург и нанялся на работу в писчебумажный магазин, затем в мастерскую по изготовлению вывесок. Около 1895 года отправился на Валаам, поступил послушником в монастырь и два года писал иконы. Вернувшись в Петербург, занимался в Рисовальной школе Общества поощрения художеств и в мастерской Л. Е. Дмитриева-Кавказского. В 1901 поступил вольнослушателем в Высшее художественное училище при Академии художеств, где с 1902 учился в мастерской И. Е. Репина. В 1909 получил звание художника за картину «Икар».

В 1912 путешествовал по Европе, долго работал в Париже. В Первую мировую войну был мобилизован и по заказу Трофейной комиссии исполнял карандашные портреты генералов русской армии.

Работал как рисовальщик и живописец, писал портреты, пейзажи, жанровые композиции — в том числе крестьянские, на открытом воздухе и в интерьерах.

Входил в Ярославское художественное общество, Общество им. А. И. Куинджи, Общину художников. Экспонировался на выставках: Весенних в залах Академии художеств (1907, 1911−1917), Санкт-Петербургского общества художников (1912), Товарищества художников (1914−1915), ТПХВ (1916), Общества им. А. И. Куинджи (1917), Первой Государственной свободной произведений искусств (1919), «Лотос» (1919, Ростов-на-Дону).

Получил премии: им. А. И. Куинджи за картины «Няня» (1910) и «Дама в черном» (1913, приобретена Лейпцигским музеем на Международной выставке в Мюнхене), Первую Общества поощрения художеств по бытовой живописи за картину «На качелях» (1911) и юбилейную принцессы Евгении Максимильяновны за картину «Праздник в деревне» (1914).

Работы Н. В. Харитонова воспроизводились на почтовых открытках.

В 1920 эмигрировал в Королевство сербов, хорватов и словенцев (Югославию), оформлял спектакли в Хорватском народном театре в Загребе. С 1923 жил в Нью-Йорке, принял американское гражданство.

Произведения художника представлены в Государственном Центральном театральном музее им. А. А. Бахрушина (Москва), Государственном Русском музее (Санкт-Петербург), Санкт-Петербургском государственном музее театрального и музыкального искусства, Краснодарском художественном музее, Рязанском государственном областном художественном музее им. И. П. Пожалостина, Государственном музее изобразительных искусств Республики Татарстан (Казань), Самарском областном художественном музее, Рыбинском государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике, Ярославском художественном музее и др. (yarwiki.ru, artrz.ru, goskatalog.ru).

Следующий раздел каталога — работы художников Русского Зарубежья.

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Версаль. Бассейн Нептуна. 1926
Бумага верже, акварель, белила, графитный карандаш, темпера. 29 × 41,2 (в свету)

Акварель «Версаль. Бассейн Нептуна» (1926) «относится, — пишет эксперт, — к блестящему циклу архитектурных пейзажей Александра Николаевича Бенуа, над которыми он работал в 1920–40-х годах. На этих небольших листах ему блестяще удается передать дух, обаяние и атмосферу города, будь то столичный Париж, парадный королевский Версаль или маленький курортный Кассис».

ДОБУЖИНСКИЙ Мстислав Валерианович (1875–1957) Венгр. Эскиз костюма к опере на музыку Ф. Шуберта «Песнь любви (Дом трех девушек)». 1937
Премьера 19 марта 1938 (Литовский Государственный театр, Каунас, Литва). Постановка П. М. Олеки
Бумага, тушь, кисть, акварель, графитный карандаш. 30 × 19 (в свету)

В 1937 году Мстислав Валерианович Добужинский выполнил эскизы костюмов и декораций к спектаклю Каунасского театра «Дом трех девушек». В наш каталог вошел эскиз костюма Венгра. В начале года Добужинский практически одновременно оформлял в театре сразу несколько постановок, был очень занят. Работу над «Домом трех девушек» он упоминает в письме А. Н. Бенуа из Каунаса от 16 апреля 1938 года: «Из-за театра я почти ничего не делал для себя… А в театре сделал… «Dreimädchenhaus» на муз<ыку> Шуберта (дов<ольно> мила, полуопера, полуоперетка из его жизни)…» (Цит. по: Добужинский М. В. Письма / Изд. подгот. Г. И. Чугунов. — СПб. : Дмитрий Буланин, 2001. С. 266). Это народный костюм, сделанный с использованием деталей венгерского костюма.

«Эскиз относится к литовскому периоду жизни Добужинского, продолжавшемуся главным образом все 1930-е годы, когда театр занял основное место в его творчестве. Будучи главным художником Литовского государственного театра в Каунасе, он оформлял в основном музыкальные спектакли — оперы и балеты. Добужинский укрепил в этом театре роль художника в создании спектакля и способствовал европейскому признанию театра», — пишет эксперт и отмечает, что другие эскизы костюмов и декораций для этой постановки находятся в коллекциях Театрального музея Литвы, Чешского национального музея, а также в частных собраниях Парижа и др.

Самый большой и исключительный по именам и качеству работ раздел каталога — творчество шестидесятников.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Мёртвая птица. 1966
Холст, масло. 78,8 × 99,8

«Мертвая птица» (1966) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга — ранняя, очень известная и необыкновенно красивая работа. Холст неоднократно экспонировался, в том числе на легендарной выставке 1991 года «“Другое искусство”. Москва 1956-75» в Третьяковской галерее, опубликован в ее каталоге, а также в ряде других изданий.

«Картины Штейнберга ничего не навязывают зрителю, ничего от него не требуют — между ними созерцательные отношения. Важным условием для восприятия этих полотен становится способность зрителя к созерцательности, независимой от эстетической позиции. Для зрителя, который смотрит на них “мельком”, “жирновато” и “лениво”, они закрыты. Если же зритель готов принять определенную установку, тогда его субъективное беспокойство поглотится светящимся, тихим космосом» (Ханс Гюнтер, artguide.com).

ЯКОВЛЕВ Владимир Игоревич (1934–1998) Портрет девушки. Конец 1960-х — начало 1970-х
Бумага, гуашь. 31,4 × 43 (в свету)

«К циклу голов и портретов, написанных в конце 1960-х — начале 1970-х годов», относит эксперт гуашевый «Портрет девушки» Владимира Игоревича Яковлева. «Это был непростой период в творчестве Яковлева, у которого начинают проявляться проблемы, связанные с его здоровьем: в это время он постепенно начинает терять зрение, ухудшается его психическое состояние, что сказывается на сюжетах его картин и их цветовой гамме. Его портретные композиции полны драматизма, лица персонажей искажены гримасами, черты лица гипертрофированны. Но следует отметить, что… гуашь, несмотря на то, что в ней использовано много белил, а черты девушки смазаны и размыты, — это прочувствованная работа В. Яковлева. В ней есть какое-то умиротворение, спокойствие, а цветовые отношения сложны и даже изысканны».

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Жилой дом. 1979
Холст, масло, процарапывание. 90 × 90

В 1979 году написан холст «Жилой дом» Анатолия Степановича Слепышева. Это один из любимых мотивов художника, но отнести слепышевские дома, дворы, деревенские улицы к жанру городского пейзажа можно только с очень большой натяжкой. Безусловно, это своего рода портреты. У каждого дома свой характер, своя история, свой образ. Значение слова «двор», понятное каждому еще, кажется, совсем недавно, уже совсем ушло из нашего обихода, а на холстах художника оно раскрывается во всем своем былом величии: двор как община, «где без спроса ходят в гости, где нет зависти и злости… где рождение справляют и навеки провожают всем двором». На таких слепышевских «портретах» каждый человек живет своей жизнью, занят своим делом, даже если он просто сидит на крыше, но все эти человеки неразрывно связаны друг с другом и со своим домом, и каждый добавляет свой штрих к его образу. Слепышев рассказывает о домах, улицах, жителях — свободно, естественно, как о давних знакомых или друзьях, не пытаясь их приукрасить или, того хуже, добавить ненужного драматизма, глубоко чувствуя и изображая их такими, какие они есть.

«Главное впечатление от его полотен — элегантность, изящество, свобода души, естественность. Все эти свойства слились в творчестве живописца воедино, а это очень редкое сочетание. Картины Анатолия Степановича гармоничны и праздничны. После общения с его живописью хочется жить. С его полотен незримыми нитями в человека текут потоки добра, света, хорошего настроения, красоты. Это тот самый несконструированный оптимизм, подобный мироощущению Моцарта, он органичен и щедр.

Чувство меры, безупречный вкус, легкость, кажется, просто-напросто подарены мастеру, ибо не чувствуется за его работами каких-то страшных преодолений, соленого пота, мучительных сомнений. Такое ощущение, будто художник пишет так, как поёт полевая птица.

Конечно, одно из его самых сильных средств воздействия на зрителя — цвет! Он использует его экономно, но смело и резко, работая с интенсивными, насыщенными красками, которые действуют, как удар» (Эльдар Рязанов, slepyshev.ru).

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Букет цветов. 1982
Холст, масло, процарапывание. 56,2 × 64

Изысканная по красоте работа — «Букет цветов» (1982) Анатолия Тимофеевича Зверева — вызывает в памяти определение, данное художнику Георгием Дионисовичем Костаки: русский Ван Гог.

«Каждое прикосновение его кисти — бесценно», — говорил о нем Роберт Фальк.

«Зверев был завоевателем и первопроходцем, — писал о художнике арт-критик Сергей Кусков, — и одновременно — это был последний представитель “московско-парижской” пластической традиции, ведущей родословную от начала века.

Во многом наследуя рафинированный колористический вкус московских “парижан”, он сочетал как бы личное вчувствование в это блестяще-меркнущее наследие, с анархией бунтаря, “созидающего” разрушение, стремящегося всегда и все делать иначе, по-своему, и всегда в одиночку.

Воспринятую в культуре начала века утонченность цветосветовых вибраций он решительно очистил от всякого налета эстетизма и, напитав лиризмом и экспрессией, подарил лиризму новую жизнь. Следы былой культуры в его искусстве не исчезли бесследно, но каждый отклик традиции, каждый готовый прием напористо вовлечен в новое качество. “Наследник” не оставил камня на камне от устоявшихся живописных структур, преодолевая соблазн постфальковской “цветности”, и далеко ушел вперед. Диапазон его приемов был чрезвычайно широк: от фовизма до параллелей абстрактному экспрессионизму» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Иллюстрации к стихам и песням В. С. Высоцкого. Комплект из 8 литографий в папке. 1991–2004
Бумага офортная, литография. 46,8 × 36,8 (каждый лист с литографией), 35,8 × 27,9 (каждое изображение)

Папка авторских эстампов «Иллюстрации к стихам и песням В. С. Высоцкого» Михаила Михайловича Шемякина содержит 8 литографий (каждая в собственной обложке) и совместный фотопортрет Высоцкого и Шемякина работы Патрика Бернара, с подписью М. Шемякина (Париж, мастерская М. Шемякина, 1976).

«Сорок две иллюстрации к произведениям Володи Высоцкого — это единый цикл, начатый мною в середине 1980-х годов (тогда были сделаны первые восемь рисунков) и завершённый в 2004–2011 годах. Число сорок два выбрано не случайно — ровно столько лет прожил Володя.

Иногда мне кажется, что лучшими моими комментариями к произведениям Высоцкого могут быть мои иллюстрации — они рождались как продолжение нашего с Володей диалога. Но и рисунки требуют отдельных пояснений, поскольку многие песни рождались в результате долгих бесед, в которых Володя высказывал своё отношение к тому или иному событию, а некоторые рисунки сделаны к песням, которые описывают события, свидетелями которых были только мы с Володей или только один из нас» (Михаил Шемякин, mihfond.ru).

Иллюстрации Михаила Шемякина к стихотворениям и песням Владимира Высоцкого опубликованы в 1988 году в рамках подготовки книги «Владимир Высоцкий: Собрание стихов и песен в трех томах».

Готовя этот лот к аукциону, мы сделали огромное количество фотографий — отсняли не только общие виды, но и множество мелких фрагментов. Каждый образ в рисунке, коих огромное количество, каждая отдельная деталь — поразительно интересны, значимы и своеобразны.

ЦЕЛКОВ Олег Николаевич (1934) Младенец. Из проекта Международного Олимпийского комитета «Олимпийское столетие». 1992
Бумага Arches, литография. 89,6 × 63 (лист), 60,7 × 49,5 (изображение)

Литография «Младенец» (1992) Олега Николаевича Целкова выполнена в рамках международного проекта «Олимпийское столетие» (Olympic Centennial) по заказу Международного Олимпийского комитета в ознаменование столетнего юбилея со дня его основания в 1894 году.

Серия Olympic Centennial объединяет 50 работ художников из разных стран, представляющих самые разные современные художественные тенденции.

Для отбора работ МОК привлек двух известных французских арт-критиков Жерара Ксюригера и Франсиса Парена. Более двух лет понадобилось на составление серии, которая должна была представить всего в 50 работах все многообразие творческих поисков последних пяти десятилетий, от фигуратива до абстракции, от гиперреализма до минимализма, от новой фигуративной школы до абстрактного экспрессионизма, а также геометризма, концептуального искусства и боди-арта. Было решено, что каждый из выбранных авторов должен создать двухмерную работу. Многие из этих художников, понимая значение послания, заложенного в олимпийском движении, отдали дань уважения его духу, оставаясь при этом верными своему авторскому стилю. В работе Олега Целкова легко просматривается остроумная аллегория молодости олимпийского движения, при этом она не лишена иронии и, возможно, представляет собой едва ли не единственный в творчестве автора детский образ.

МОК отпечатал каждую из 50 работ серии тиражом 250 экземпляров. Все литографии пронумерованы и подписаны авторами.

Читайте о художнике на AI: «Инвестиционные идеи на рынке искусства. Мысль № 2. Вложения в работы Олега Целкова».

КАБАКОВ Илья Иосифович (1933) Вшкафусидящий Примаков. Альбом № 1 из серии «Десять персонажей». 1994–1998. По оригиналам 1971–1974
Бумага, шелкография. 52 × 36,5 × 5 (картонный футляр)

Альбом «Вшкафусидящий Примаков» из серии «Десять персонажей» Ильи Иосифовича Кабакова был напечатан в 1994–1998 в Финляндии методом шелкографии по графическим оригиналам 1971–1974 под наблюдением Эмилии Кабаковой. Этот большой альбом включает 47 листов.

«Вшкафусидящий Примаков — это человек, который с детства обитал в шкафу и, судя по комментариям, которые приводит автор, полюбил темноту пустого шкафа, перенес туда постельные принадлежности и начал там жить, периодически наблюдая мир через щель дверцы шкафа или через слуховые аффектации. Например, Маргарита Львовна пришла, как гласит надпись на черном-черном листе.

Дальше идут листы с комментариями родственников и друзей Вшкафусидящего Примакова. Мы видим мир сквозь щель двери, видим открытую дверцу. И вот наступает кульминационный момент, который сопровождает каждую из историй “Десяти персонажей”: “В прошлом году в конце мая он не открывал свою дверь уже три дня и не слышно не было ни звука. На все наши слова он не откликался, мы решили с отцом взломать дверь, но когда мы ее взломали, там никого не было”.

Каждый альбом из серии “Десять персонажей” заканчивается исчезновением персонажа, причем это не всегда и не обязательно смерть — это просто исчезновение, мистическая пропажа главного героя, который исчезает в той самой пустоте, которая для Кабакова все больше и больше становится одним из ключевых представлений о красоте современного искусства; пустота здесь как максима, которой следует достичь.

В этом же альбоме характерно включение таких листов, на которых мы не видим ни изображений, ни комментариев. Это некоторые лозунговые решения: “Свежая морковь” или “Сильный ветер” — неважно, но в шкафу для этого человека не видные ему предметы и явления обретают образ снова, утрачивая оболочку внешнего облика. Снова возникает мотив пустоты и исчезновения образа в пользу проявления языковых функций концептуалистской работы» (Саша Обухова, syg.ma).

А заканчивается всё светло: «Лишь душа, сидящая взаперти, и окруженная со всех сторон мраком, может с такою силой мечтать о залитых солнцем далях, о бескрайнем горизонте… Плавно она поднимается и исчезает в голубом небе…»

Альбом шелкографий «Вшкафусидящий Примаков» демонстрировался в Новой Третьяковке в 2003 году в составе инсталляции «Десять персонажей».

РОГИНСКИЙ Михаил Александрович (1931–2004) Тут вот вопрос у меня… 1996
Холст, масло. 99 × 63,5

«Я заставлял себя воссоздавать реальность, исходя из своих представлений о ней», — говорил Михаил Александрович Рогинский, автор метрового холста «Тут вот вопрос у меня…» (1996). Чуть ранее времени создания работы Рогинский, как он писал в своей автобиографии, «сделал черно-белую серию исходя из “досок почета”». Отдельные условные «фотографии» этой серии передают индивидуальность «моделей» весьма условно — и точно так же условно переданы лица сидящих в первом ряду, а дальше и эта условная индивидуальность уходит.

Почти монохромная, почти черно-белая работа с текстовой частью — узнаваемой чертой авторской художественной манеры — поначалу, кажется, отсылает зрителя к событиям второй половины 1950-х годов — в общем-то так оно и есть. Но потом вдруг зритель задумывается: разве не то же самое — те же залы, заполненные такими же людьми, те же отдельные фигуры, поднимавшиеся из толпы, те же слова — мы видели и слышали, пусть только с экрана черно-белого телевизора, еще в начале 1990-х? Художнику не нужно, да он и не хочет ничего объяснять или доказывать, но его талант и мастерство устанавливают связь времен в той самой истории, которая развивается по спирали. А дальше — дело зрителя.

Работа сопровождается Сертификатом подлинности, выданным в августе 2020 года и подписанным Лианой Шелия-Рогинской, вдовой художника и вице-президентом Фонда Михаила Рогинского. Учитывая, что рынок художника, увы, не безупречен с точки зрения подлинности работ, наличие сертификата чрезвычайно важно.

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Не кантовать. 2004
Бумага, акрил, карты, коллаж. 100 × 100

В живописной композиции с элементами коллажа «Не кантовать» (2004) Владимира Николаевича Немухина присутствует целый ряд мотивов, которые интересовали художника на протяжении десятилетий, а некоторые из них стали его магистральными темами.

Первое — карты. «...На переломе от абстракции к оригинальной, предельно отстраненной предметности возникает образ-знак-мотив, ставший для него темой кочующей, сквозной и постоянной. При всех его последующих пластических превращениях сохраняется, словно некий личный знак авторского присутствия, тот предмет, в котором, пожалуй, вещное и знаковое наиболее нерасчленимы — и это всего лишь игральная карта или же их вездесущая колода — плеяда потускневших раскрашенно-разрисованных прямоугольных бумажек.

Какими-то судьбами занесенная в беспредметность живописного пространства, вкрапленная в сочный монохром письма эта колода, крапленная лишь наплывами живописных подтеков, напоминала о судьбе — Фатуме и игре обстоятельств уже самым парадоксальным фактом своего возникновения. Далее она кочует из картины в картину, из цикла в цикл. Так были проложены мосты между мифом житейских реалий и беспредметьем чистой пластики. Вся многозначительность карточного ряда (этого набора плоских бумажек) была введена в поле игры, но в данном случае — игры искусства.

Разрозненная, залежалая колода карт рассеивала на плоскости свои призрачно-прозрачные намеки, отсылая к темам: азарта, случая, судьбы, авантюры, социального дна и мятежного разбоя (бубновый туз метил спину уголовника в старорежимных тюрьмах), а также гадательной магии — дерзкой игры с непрозрачностью Фатума. Аристократическая любовь к Року органично вписалась в карточную тему — от созерцательных манипуляций пасьянса до знаменитых трех карт (тройка, семерка, туз), некогда околдовавших Германна в пушкинской “Пиковой даме”.

Вся эта пестрая смысловая семантика игральной колоды была ассимилирована сдержанно монохромной (часто тяготеющей к аскезе гризайли) живописностью немухинских постабстрактных композиций. Пластическая монолитность этого сложного сплава объединяла, сращивала, увязывала, казалось бы, несоединимое, подчиняя рознь элементов эффекту целого. В этом странном синтезе абстракции и полуосознанно включенной сюда же внешней картежной “фабулы” оказалась очень кстати заведомая условность коллажа как метода.

<…>

Любой фрагмент, клочок, обломок, цитата узнаваемой яви начинает в коллаже свою новую странную жизнь, остраняясь контекстом цитирования, неожиданностью употребления. Так ведут себя у Немухина не только карты, но и пришедшие вслед за ними надписи “Не кантовать!”, заимствованные с ящиков упаковочной тары… Что касается карты, то, пожалуй, именно не изображение, а коллажное наложение их чешуек-оболочек на экспрессивный фактурный фон как раз и обусловливает эффект новизны и магию преображения. Безусловность вещественного присутствия (сырая фактура “вклейки”) как раз акцентирует высшую условность самого искусства, прибегшего к такому ничем не завуалированному вовлечению» (Сергей Кусков, art-critic-kuskov.com).

Тарные ящики — это второй мотив, нередко встречающийся в работах художника («Окраина. Вечер» (1974), «На берегу» (1986), «Брутто — Нетто» (1988), «Композиция с седлом» (1990), «Композиция с машиной» (1994) и др.). Впервые они появились в его композициях как минимум в середине 1970-х — не исключено, что этот мотив родом из Лианозова, где на железной дороге работал Оскар Рабин и часто бывал Немухин. Художник заимствует с тарных ящиков надписи: «Не кантовать», «Брутто — Нетто», «Москва», транспортировочную символику, вписывает их в качестве самостоятельных элементов в пейзаж, разыгрывает на тарных ящиках карточные игры и раскладывает пасьянсы, строит на них двух- и трехмерные композиции, вводя элементы ассамбляжа, и пр.

Художник освоил и задействовал в своих композициях разрезы, отсылающие к творчеству итальянского художника-модерниста и новатора Лючио Фонтана (1899–1968), картины которого с прорезями и разрывами принесли ему широкую известность. В середине 1990-х В. Н. Немухин экспериментировал с порезами на своих картинах, а в нашей работе на бумаге их роль играют уверенные линии.

БЕЛЮТИН Элий Михайлович (1925–2012) Мать и дочь. 2007
Бумага, гуашь, цветные мелки. 85,6 × 60,8

Графическая композиция «Мать и дочь» (2007) Элия Михайловича Белютина относится к большому ряду работ 2007 года с изображением двух персонажей, выполненных гуашью и цветными мелками, иногда с использованием шариковой ручки. Несмотря на вполне читаемую, но в целом весьма условную фигуративность, автор мастерски передает отношения, связывающие персонажей: любовь, нежность, дружбу, приятельство, конфликт в той или иной степени накала. Иногда эти работы носят авторские названия («Сатир и Нимфа», «Мы любим друг друга», «Две девочки»), другие листы художник оставляет без названий.

К теме матери и ребенка художник обращался не единожды, однако наш рисунок «Мать и дочь», пожалуй, весьма далек от канонической трактовки темы. Фигуры взрослой женщины и девушки-подростка изображены в сложной и очевидно эмоционально-напряженной ситуации.

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Без названия. 7 офортов
Бумага, офорт. 44,6 × 75 (лист), 17,2 × 11,5 (каждый оттиск)

Не датирован лист, содержащий 7 офортов Эрнста Иосифовича Неизвестного.

ОВЧИННИКОВ Владимир Афанасьевич (1941–2015) Цыгане. 1990
Холст, масло. 86,5 × 107,3

В узнаваемой авторской манере Владимира Афанасьевича Овчинникова написан холст «Цыгане» (1990).

Профессионального художественного образования Владимир Овчинников не получил, занимался самообразованием. Собственная манера художника «сложилась к началу 1970-х годов… Она наследует, с одной стороны, опыт иконописи (застылость лиц, скупость реалий, иногда обратная перспектива), с другой — геометризма К. Малевича и Ф. Леже, с их модулированными раздутыми объемами, связью массивных тел с техногенным окружением, акцентированием контрастов скругленных и прямоугольных форм. Геометрия у Овчинникова — средство воздействия, мощное, но укрытое: он не геометризирует, не развеществляет, он постоянно включает предметы правильной формы — ящики, скамейки, доски, дощатые домики, ступеньки лестниц, железнодорожные пути и платформы, — создавая таким образом систему координат, в которую вписан в меру раздутый, несколько упрощенный объем человеческой фигуры» (Л. Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. Биографический словарь. — СПб.: Искусство-СПб, 2007. С. 108).

О жизни и творчестве художника, а также о ценовых и маркетинговых показателях его произведений читайте на AI в сегодняшней публикации «Художник недели: Владимир Овчинников».

Завершающий раздел каталога — творчество художников конца ХХ — XXI века.

ВРУБЕЛЬ Дмитрий Владимирович (1960) Я люблю тебя так. 1990
Дерево, акрил, графитный карандаш. 109,4 × 94,2

К старой милой советской песне отсылает название работы «Я люблю тебя так» (1990) Дмитрия Владимировича Врубеля. Но на этом ассоциации и заканчиваются, практически не успев начаться. «Художник Дмитрий Врубель сам себя предпочитает называть “политическим живописцем”. Прославился как автор самого знаменитого граффити, оставленного на Берлинской стене, которое называлось “Братский поцелуй” и на котором были изображены страстно целующиеся Брежнев и Хонеккер. Принципиально не пишет под заказ и с натуры, только с фотографий» (art.sredaobuchenia.ru).

В нашей работе нет политики, нет ничего того, с чем привычно ассоциируется творчество автора. Есть — двое.

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Ужин (Le dîner). 2009
Холст, масло. 73 × 92

В 2009 году во Франции написан «Ужин (Le dîner)» Наталии Игоревны Нестеровой. «У моих друзей висит потрясающая работа Димы Плавинского, на которой изображена раковина. Это мерцающее чудо — сродни врубелевскому. Мне бы хотелось, чтобы мои устрицы выглядели такими же. Пока не получается. Тем не менее к устрицам я интереса не потеряла — ни в гастрономическом, ни в художественном плане» (Наталия Нестерова, portal-kultura.ru).

Устрицы на холсте Наталии Нестеровой, как и всегда, играют главную роль в композиции. Но здесь нет ни бокалов с белым вином, ни тонко пахнущих лимонов, ни цветущих деревьев, окружающих столик приморского кафе. Нет ничего, только блюдо с устрицами и четверо едоков. Будничный ужин, вот только устрицы на белом блюде отчаянно совершенны и по-королевски не будничны.

МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Двое с коляской. 2017
Холст, масло. 47,5 × 72,8 (холст), 43,5 × 69,5 (изображение)

Необычны «Двое с коляской» (2017) Андрея Викторовича Медведева. Это не театр, не сцена, когда непонятно, кто разыгрывает сюжет — люди или куклы. Персонажи почти реальны. Двое — мужчина и женщина — написаны с неожиданной, но тем более поразительной теплотой, нежностью. А вся тайна, отстраненные, глубоко в себя, взгляды — это все… в коляске. Странные дети, а может, и не дети вовсе?

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Одновременно с нашим штатным 369-м AI Аукционом открыт 55-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Сергея Базилева, Василия Власова, Дианы Воуба, Елены Гориной, Александра Захарова, Игоря Кислицына, Ирины Корсаковой, Ирины Раковой, Александра Савко, Бориса Смотрова.

Всем желаем удачи на 369-м AI-Аукционе и 55-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.