В необычном каталоге первых торгов 2021 года собрано 40 лотов: 15 живописных работ, 5 листов оригинальной и 2 — печатной графики, 6 работ в смешанной технике, 1 керамическая композиция, 1 скульптура и 10 фотографий

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 362 и 48-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 362-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 48-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Отдельный раздел кураторского аукциона — 10 оригинальных фотографий из проекта Елены Самородовой и Сергея Сонина «Генералы 70-х. Неброский шик эпохи СССР», который до 17 января экспонируется в онлайн-галерее AI «XXI век. Современное российское искусство».

Окончание торгов в пятницу, 15 января, в 12:00.

Каталог начинает раздел Русского искусства последней четверти XIX — первой четверти ХХ века.

КРАЧКОВСКИЙ Иосиф Евстафьевич (1854–1914) Пейзаж. 1879
Холст на холсте, масло. 45 × 29,5

Кисти Иосифа Евстафьевича Крачковского принадлежит солнечный летний «Пейзаж» (1879). Уроженец Варшавы (по другим данным, Санкт-Петербурга) Крачковский с раннего детства увлекался музыкой, пением, рисованием. Позднее, обучаясь в консерватории, стал великолепным пианистом, но любовь к живописи привела его в Императорскую Академию художеств. Сначала он посещал ее вольноприходящим учеником (1871–1873), затем обучался в пейзажном классе у М. К. Клодта (1874–1879), неоднократно получал малые и большие серебряные и золотые медали, был выпущен из Академии со званием классного художника 1-й степени и правом пенсионерской поездки за границу сроком на четыре года.

В 1880 в качестве пенсионера ИАХ отправился в Париж. По пути посетил Берлин, Дюссельдорф, Мюнхен, Милан, Мадрид, где изучал собрания музеев и частных галерей. Много путешествовал по Европе: по южной Франции, Пиренеям, северной Испании, по Рейну, побывал в Шварцвальдских горах, Альпах, на Средиземном море, создал в поездках множество натурных этюдов.

В 1884 по окончании срока пенсионерства вернулся в Петербург. В 1885 был удостоен звания академика «за искусство и отличные познания в пейзажной живописи». Путешествовал по Волге, Украине, Крыму (1890-е). Ежегодно весной и осенью ездил в Крым, Италию, Францию (с 1908).

«Художник был влюблен в жизнь, свет, краски. В его пейзажах краски ослепительно ярки, но в то же время бесконечно тонки, сложны и разнообразны; свет, воздух, рефлексы дают всевозможные оттенки каждому локальному тону. “Порывистый и быстрый, он любил живопись al prima, то есть писал по сырому, считая, что повторное писание по одному месту вредит яркости тонов”» (kolybanov.livejournal.com).

Крачковский часто «отдавал предпочтение портретности в пейзаже, считая, что лучше природы не придумаешь, что случайности распределения масс зелени, облаков, красочных пятен так божественно прекрасны, что дай Бог, чтобы хватило сил хоть немного приблизиться к ним», — писал Н. Беккер, близкий родственник и ученик Крачковского (цит. по: kolybanov.livejournal.com).

Многочисленные выставки, в которых участвовали пейзажи Крачковского, получали восторженные отзывы критики. Так, В. Чуйко писал в журнале «Художественные новости» за 1887 год: «На академической выставке Крачковский выставил семь видов пейзажа, и почти все они выдаются не только манерой, но и содержанием. Крачковский — решительно один из самых талантливых наших пейзажистов; в его пейзаже много настоящей заправской поэзии, не только во внешних эффектах, но и в манере, колорите, умении схватывать поэтический момент в природе, в умении выделить его и осмыслить <...> все гармонично и цельно; зритель чувствует, что художник не задавал себе труда сочинять природу, но что такою он ее именно видит, такою она отразилась в его сознании своими мягкими, ласкающими формами, ясной простотой своего величавого покоя, роскошью красок и света» (цит. по: kolybanov.livejournal.com).

В 1902 году состоялась первая персональная выставка Крачковского, «удостоенная посещением ИХ Императорских Величеств и Высочайших и Августейших особ». Николай II приобрел несколько работ мастера, впоследствии украсивших собрание Музея императора Александра III. Журнал «Нива» за 1902 год писал: «Пейзажи Крачковского… отличаются особою нежностью тонов, мягкостью воздушной дымки, овевающей даль, и силою непосредственного настроения» (цит. по: kolybanov.livejournal.com). Успех этой выставки принес Крачковскому большую известность, следствием которой стали многочисленные высочайшие заказы и интерес к его творчеству русских и европейских коллекционеров.

Работы художника были хорошо известны и любимы публикой, в начале прошлого века они воспроизводились на почтовых открытках знаменитого петербургского издательства Ришар и репродуцировались в журналах («Солнце России», 1911).

Наш «Пейзаж» исполнен в традициях академической школы живописи и датирован 1879 годом — годом окончания Академии художеств и завершения обучения у М. К. Клодта.

И. Е. Крачковскому посвящена первая в 2021-м году публикация в нашей традиционной рубрике «Художник недели».

БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Зеленый салон в Гатчинском дворце. 1924
Бумага верже, акварель, белила, графитный карандаш. 27,8 × 42,9

Не только высокую художественную, но и бесспорную историческую ценность имеет акварель «Зеленый салон в Гатчинском дворце» (1924) работы Александра Николаевича Бенуа, изображающая интерьер кабинета императрицы Марии Александровны, бабушки последнего русского императора Николая II. Вот что рассказывали о кабинете довоенные экскурсоводы Гатчинского дворца: «Главным украшением кабинета императрицы служат семейные портреты. Тут портрет наследника российского престола Александра Николаевича, будущего Александра II, кисти Н. Скиавоне, портреты его сыновей: Николая Александровича, рано умершего Никсы, и Александра Александровича, будущего императора Александра III, работы С. Зарянко. Над письменным столом интересный овальный пастельный портрет Константина Николаевича и Николая Николаевича, братьев Александра II. Кроме того, на этажерках находились дорогие сердцу хозяйки мелочи — например, коллекция фарфоровых масленок XVIII века в виде птиц, фруктов» (gorod.gatchina.biz). Судя по фотографиям кабинета 1938–1940 годов, интерьер художником воспроизведен очень точно (и даже в том же ракурсе, что и одна из фотографий), однако в 1924 году семейных портретов на стенах не было. Можно только предположить, что в первое послереволюционное десятилетие хранители посчитали за лучшее не показывать изображения представителей императорской династии, а позже, восстанавливая исторический интерьер, вернули их на привычные места.

Работа «Зеленый салон…», как пишут эксперты, «принадлежит к серии акварелей, исполненных А. Н. Бенуа в 1924 году в Гатчине и изображающих дворец и парк, — последние произведения перед эмиграцией. Отличается достоверностью изображения и виртуозностью исполнения».

ЛАПШИН Георгий Александрович (1885–1950) Цветочный рынок. Конец 1920-х — 1930-е
Картон, масло. 35 × 27

Творчество художников Русского Зарубежья представляет картон «Цветочный рынок» (конец 1920-х — 1930-е) Георгия Александровича (Жоржа) Лапшина. Эксперт называет нашу работу «блестящим образцом» творчества художника и отмечает, что пейзаж «демонстрирует характерную импрессионистическую живописную его манеру и специфическую “кладку”. Помимо цветочных натюрмортов, художник особенно любил писать красочные уличные места — цветочное богатство создавало очень живописную и благодатную картину для палитры художника». Сюжет парижского цветочного рынка встречается в творчестве Г. А. Лапшина много раз, он пишет его в разную погоду, при разном освещении, даже, очевидно, в разном настроении. Наш городской пейзаж выполнен, вероятно, ранним утром: буйство красок цветочных букетов резко контрастирует с небом, деревьями и домами, как будто укрытыми остатками прохладной утренней дымки. Оборот картины — загадка для любителей живописи: на нем маслом исполнена супрематическая композиция, об авторстве которой эксперт не сообщает.

КУРДОВ Валентин Иванович (1905–1989) Натюрморт
Холст на картоне, темпера, масло. 49 × 72,5

Небольшой раздел творчества советских художников открывает недатированный «Натюрморт с вазами» Валентина Ивановича Курдова. Обучение и работа под руководством лучших мастеров своего времени (невероятный подарок судьбы) установили для молодого художника высочайшую творческую планку, которой он не изменял никогда.

Курдов учился на живописном факультете ленинградского ВХУТЕМАСа — ВХУТЕИНа (1923–1926) у А. Е. Карева, М. В. Матюшина, А. И. Савинова, К. С. Петрова-Водкина, посещал мастерскую Филонова во ВХУТЕИНе, был близок с художниками группы «Мастера аналитического искусства», а в 1926–1927 работал в ГИНХУКе под руководством К. С. Малевича «практикантом в Отделе живописной культуры. Малевич называл основными “прибавочными элементами” искусства Курдова живописную технику и цвет. Изучал свойства различных живописных фактур; последовательно проработал пять стадий кубизма.

Выразил своё особое отношение к кубизму, сменив в своих работах присущую кубизму тёмную гамму на светлую, “русскую”, и смягчив его форму. Художник определял свою задачу как создание “русского кубизма”. Это сказалось даже в выборе предметов для натюрмортов: Курдов намеренно включал в композиции своих натюрмортов характерные русские вещи — самовар, балалайку и валенок.

<…> Супрематических работ Курдов не делал. В дальнейшем художник написал о себе: “…Я не могу считать себя учеником Малевича, — я не разделил с ним все сложности жизни”.

Осенью 1927 года был призван в РККА, и кубистический период его творчества был навсегда закончен» (ru.wikipedia.org).

С 1927 года и до конца жизни творчество В. М. Курдова было связано с иллюстрацией детской книги. Первые шаги на этом поприще он сделал в редакции Детгиза, у В. В. Лебедева, который возглавлял (до 1933) художественную редакцию детского отдела Госиздата. Наряду с Ю. Васнецовым, А. Пахомовым, Е. Чарушиным, «Курдов считается одним из художников “лебедевской школы” в детской книжной графике. Исключительное влияние Лебедева, как художника и редактора, на свою работу в книге сам художник отмечал неоднократно: “Лебедев из каждого художника, с которым он сталкивался как редактор, хотел извлечь то, что этот художник лучше всего знает и любит... он был человеком холодной оценки, поэтому … его слово приобретало качественное свойство”» (ru.wikipedia.org).

КУСТОДИЕВ Кирилл Борисович (1903–1971) Иллюстрация к повести Л. Н. Толстого «Казаки». 1958
Бумага, акварель. 55,2 × 40,4 (в свету)

Акварельная иллюстрация к повести Л. Н. Толстого «Казаки» (1958) выполнена Кириллом Борисовичем Кустодиевым, сыном великого русского художника Б. М. Кустодиева.

Кирилл Кустодиев окончил живописный факультет ленинградского ВХУТЕИНа в том же 1926-м, что и Валентин Курдов. Но если последний связал свою жизнь с детской книгой, то Кирилл Кустодиев известен прежде всего как театральный художник и иллюстратор русской классической литературы. Он работал художником-декоратором в ленинградских театрах, в том числе в Ленинградском академическом театре драмы, Театре оперы и балета имени С. М. Кирова. Занимался графикой, в основном акварелью. Выполнил иллюстрации к произведениям М. Ю. Лермонтова («Герой нашего времени»), Л. Н. Толстого («Казаки»), М. Горького («Девушка и Смерть»). Написал воспоминания об отце.

Иллюстрации к повести Л. Н. Толстого «Казаки» демонстрировались на выставке «Кирилл, сын Бориса» в Доме-музее Б. М. Кустодиева (2016, Астрахань, smotrim.ru).

Огромен и замечательно хорош по перечню имен и качеству произведений любимый раздел наших участников — творчество шестидесятников.

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Этюд № 10. Из цикла «Пейзаж сил». 1961
Оргалит, масло. 50 × 70

«“Пейзаж сил” (1960–1961) — один из первых абстрактных циклов Владимира Янкилевского, ставших результатом поиска адекватного его мироощущению “одушевленного” живописного языка. Соединяя в пространстве картины конфликтные простые формы, он задает ее ритм. Это в буквальном смысле визуальное воплощение звука — “Пейзаж сил”, по признанию художника, создавался в период его увлечения барочной музыкой, под впечатлением от виолончельных сюит Баха» (artguide.com).

В 2018 году «Этюд № 10» из цикла «Пейзаж сил» (1961) демонстрировался в разделе «Ранние работы» на выставке «Владимир Янкилевский. Непостижимость бытия» в Московском музее современного искусства на Гоголевском бульваре. Художник участвовал в подготовке экспозиции, организованной к его 80-летию, но увидеть открытие уже не успел. Из беседы куратора выставки Ольги Турчиной с вдовой художника Риммой Солод:

«Ольга Турчина: Есть авторы, которые начинают какой-то цикл, заканчивают и идут дальше другим путем. У Янкилевского такого нет. Он постоянно возвращался к тем или иным мотивам своего творчества, поэтому четко разделить его работы по разделам в экспозиции у нас не получилось. Да и не нужно этого делать.

Римма Солод: Все верно. Например, цикл “Пространство переживаний” изначально назывался “Пейзаж сил”, позже — “Тема и импровизация”. Название трансформировалось, а идея осталась прежней — она проходит через всю его жизнь до самых последних дней.

О.Т.: Художники, чье становление происходило на рубеже 1950–60-х, застали сталинское время со всеми его ограничениями, и только в период оттепели, после смерти Сталина, смогли увидеть, например, выставку Пикассо 1956 года, американскую выставку в Сокольниках 1959-го и французскую 1961-го. В это время Янкилевский интересовался тем, что происходило в искусстве на Западе. В его ранних работах мы видим, как художник рефлексирует на тему творчества Пикассо, но при этом все равно держит в уме свой собственный опыт. Поэтому и произведения у него получаются очень личными, хотя в них можно обнаружить следы фовизма и других европейских течений.

Р.С.: Период становления у него был бурный, но очень короткий. Некоторые художники долгие годы ищут себя, а у Владимира это получилось буквально за пару лет. Был период, когда он увлекался живописью Миро, но было бы неверно говорить о каком-то влиянии, потому что вскоре он уже нащупал свой собственный язык. <…>

О.Т.: <…> Уже в работах начала 1960-х годов видно, насколько сильно у него графическое начало. Также здесь появляются работы, которые предвещают интерес Янкилевского к игре с объемами и измерениями, раскрывшийся в полной мере в более поздних его произведениях» (weekend.rambler.ru).

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского выпадает из любых рядов и направлений как отечественного, так и зарубежного современного искусства, одновременно наследуя лучшим мировым традициям. Его можно было бы назвать эпической экспрессией. Предельная чувственность и эротизм соединяются здесь с высочайшим уровнем концептуализации действительности. Цикл композиций, над которыми художник начал работать в начале 1960-х годов, объединенный под общим названием «Пространство переживаний» и лежащий в основе всей работы Янкилевского, является попыткой создания образа игры мировых сил через человеческое переживание. В этом смысле эти как бы «абстрактные» композиции психологичны и потому драматичны (artinvestment.ru).

ЗЛОТНИКОВ Юрий Савельевич (1930–2016) Коктебель. 1975
Бумага, гуашь. 46 × 74,8

Юрия Савельевича Злотникова, автора гуашевой композиции «Коктебель» (1975), называют «первым абстракционистом периода “оттепели”, на творчестве которого, как на крепком фундаменте, до сих пор держится современное русское искусство» (artifex.ru). «В ситуации культурной катастрофы, вызванной десятилетиями тоталитаризма, когда современное искусство было нелегитимным и потеряло не только весь энергетический заряд авангарда, но и сам смысл понятия “современное”, именно творчество Злотникова явилось тем спасительным мостиком, что связало художественные поиски послевоенного времени с достижениями русской культуры первой четверти века… Злотников на протяжении долгих лет, последовавших за хрущевской “оттепелью”, изыскивал и находил возможность поддерживать свои произведения в том условно-проектном статусе, столь необходимом для подлинного модернистского искусства, не опускаясь до декоративности или цитатности. Его работы представляют собой оппозицию не только “правому” крылу советского искусства, от официоза до разрешенного “молодежного” сюрреализма, но и “левому”, нонконформистскому лагерю — как поколению “шестидесятников”, так и более позднему московскому концептуализму.

Художник Юрий Савельевич Злотников преобразовал и донес до нас тот жизнестроительный импульс модернизма, у которого на всем протяжении советской истории не находилось широкого адресата» (cargocollective.com).

ШЕМЯКИН Михаил Михайлович (1943) Скрытая любовь. Из серии «Метафизические образы». 1978
Бумага Arches France (водяной знак), литография. 75,5 × 53,8 (лист), 64 × 44,2 (изображение)

Литография «Скрытая любовь» (1978) Михаила Михайловича Шемякина относится к серии «Метафизические образы», или «Метафизические головы, бюсты и композиции». Серия включает большое количество работ, несущих в себе современное толкование тех или иных объектов прошлых культур. Эта серия — исследование мастером сакральных замыслов, скрытых в архаических и туземных символах, скульптурах, масках, орнаментах (shop.mihfond.ru).

В России можно встретить множество разных лиц и национальностей. У них непохожие обычаи и привычки, но они живут бок о бок. Так и в моих «Карнавалах» вы можете встретить Монгола со свиным лицом, танцующего вместе с огненнорыжим Казаком. А рядом с ними — тонконогого француза, изумленно взирающего на вертящегося на пупе уродца, что позаимствован мной из петровской Кунсткамеры.

Внимательно изучая гротескные маски Австралии, Океании и Древней Мексики, я часто замечал, что их носы, лица, гримасы поразительно напоминают персонажей Комедии дель Арте, равно как и героев старых русских лубков. А изучение амфибий, жуков, лягушек навело меня на мысль об их сходстве с необычными человеческими типами. Этому же помогло и изучение рисунков Гранвиля.

От этого в вихре моих карнавалов соседствуют Татары и Казаки, австралийские Аборигены и русские Петрушки, Бабочки и Пауки... Добавьте к этому нашу безумную юность, нашу сюрреалистическую жизнь, и вы обнаружите источники моих карнавальных серий (Михаил Шемякин, цит. по: litkabinet.ru).

ХАРИТОНОВ Александр Васильевич (1931–1993) Тишина. 1979
Холст, масло. 30,5 × 40,5

В 1979 году выполнена композиция «Тишина» Александра Васильевича Харитонова.

«Не люблю необычные, томные “левитановские” места, — писал Харитонов в одном из писем. — Нужно писать все обыкновенное, то, что видят каждый день, и делать это необыкновенным» (цит. по: newtimes.ru).

Харитонов сначала писал сюжет крупными мазками, причем без подготовки и карандашного наброска, потом использовал кисточки все меньшего и меньшего размера. Иногда таким образом он накладывал до 40 слоев красок, достигая переливчатого свечения и мерцания законченных холстов. «Моя живопись, — писал Александр Харитонов в конце жизни, — зиждется на трех китах: византийская иконопись, древнерусская иконопись и церковная вышивка драгоценными камнями, жемчугом, бисером. Моими учителями были Достоевский, Гоголь, Саврасов, Флоренский и Моцарт» (цит. по: newtimes.ru). Именно к древним техникам церковной вышивки, а вовсе не к пуантилизму, с которым нередко сравнивают манеру художника, напрямую отсылают нас его филигранные работы.

БЕЛЕНОК Пётр Иванович (1938–1991) Скользящие по вертикали. 1982
Картон, коллаж, тушь, акрил. 46,9 × 61,2

В «Скользящих по вертикали» (1982) Петра Ивановича Беленока с первого взгляда узнается авторская стилистика панического реализма (художник в шутку именно так называл свою манеру), хотя многие ее «канонические», или, вернее, привычные черты здесь отсутствуют. Но, как видим, панический реализм отнюдь не ограничивается раз и навсегда установленным (кем?) каноном — с делением живописного поля на две неравные части, темную и светлую, и тотальным доминированием жуткого космически-мистического энергетического сгустка, от которого в панике разбегаются маленькие человечки. Главную роль в нашей сегодняшней композиции художник отводит персонажам (человеческие фигурки он вырезал из спортивных журналов, где фотографам удавалось схватить моменты наивысшего эмоционального и физического напряжения спортсменов), именно им он поручает почти все движение в пространстве. А почти ровный черный овал пока что выглядит не источником непонятной угрозы, а скорее, элементом, уравновешивающим бешеную динамику персонажей. Но разрушение овала уже началось, в любой момент может последовать взрыв — и тогда прощай, хрупкое динамическое равновесие!

ЗЕЛЕНИН Эдуард Леонидович (1938–2002) Заснеженная деревня. 1980-е
Бумага на картоне, гуашь, пастель. 63 × 49,5

1980-ми годами эксперт датирует графическую композицию «Заснеженная деревня» Эдуарда Леонидовича Зеленина. «Новокузнецк, Свердловск, Ленинград, снова Новокузнецк, Москва, деревня во Владимирской области, “бульдозерная выставка”, показ в Измайлове, странный арест “за хулиганство” — отголосок участия в беляевском показе. В общем, так вышло, что в 1975-м Зеленин эмигрировал, по израильскому вызову, как делали тогда все, кому было сильно нужно» (artinvestment.ru). А потом — работа, 10 лет выставок по всему миру, хлебосольный дом в Париже, о котором известно лишь по обрывочным воспоминаниям знакомых, замкнутость, отказ от экспозиций, ностальгия. И все время — работа. И ранний уход из жизни.

Наш пейзаж — мерцающая зимняя фантазия — написан в эмиграции. «Этот пейзаж решен в уникальной живописной декоративной системе Зеленина: цвет набран сложно, поверхность картины тщательно проработана небольшими аккуратными мазками краски и штрихами пастели, что создает эффект внутреннего свечения, драгоценного мерцания этой работы. Сюжет этого пейзажа ностальгический, сказочный», — отмечает эксперт.

Читайте о художнике на AI: «Художник недели. Шестидесятник Эдуард Зеленин».

СНЕГУР Игорь Григорьевич (1935) Зимние игры. 1990
Бумага, акрил, шариковая ручка. 75 × 64

Одна из двух абстрактных работ каталога — «Зимние игры» (1990) Игоря Григорьевича Снегура.

«Абстрактное — значит нематериальное. А нематериальным может быть лишь идея, — записывал в дневнике Игорь Снегур. — Итак, какова идея абстрактного? В моем случае это соотношение аморфного и геометрии. Геометрия всегда конечна и статична. Аморфное всегда неконечно и нестатично. <…> Аморфное — скорее женская природа, геометрия — мужская. Геометрия обеспечивает форму, аморфное наполнено склонностью к изменению. Иначе не произойдет желанной встречи, т.е. не проявится ОБРАЗ… Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета в изменчивости, и в нем отражено время».

«Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: “Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во «времени-пространстве» — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы”» (mmoma.ru).

«Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.

В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.

Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого “занавеса”, и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст» (Игорь Снегур, cultobzor.ru).

КРОПИВНИЦКАЯ Валентина Евгеньевна (1924–2008) Деревня. 1992
Бумага, тушь, перо. 41,2 × 29,5

В 1992 году выполнен большой тушевый рисунок «Деревня» Валентины Евгеньевны Кропивницкой. Дочь художников Евгения Кропивницкого и Ольги Потаповой, сестра художника Льва Кропивницкого, жена художника Оскара Рабина, мать художника Александра Рабина, участница неформальной группы, позже названной «Лианозовской» по месту жительства ее идеолога Евгения Кропивницкого и духовного центра Оскара Рабина. Связанная дружескими узами с другими художниками группы, она нашла собственный художнический язык — узнаваемый, теплый и немного сказочный. Виртуозный график, акварелист, мастер линогравюры, в своих работах Валентина Кропивницкая создавала собственный мир, похожий и одновременно не похожий на окружающую реальность, и населяла его странными персонажами, наполняла мудрыми мыслями и событиями. «Рисунок Валентины Кропивницкой “Деревня” относится к парижскому периоду ее жизни и творчества, — пишет эксперт. — Это ностальгический, идеализированный пейзаж русской деревни, с аккуратными, ухоженными домиками и двумя церквями. В нем нет того, что характерно для ее придуманных, узнаваемых с первого взгляда графических вещей со сложной и своеобразной абсурдистской мифологией, корнями уходящей в протофольклор. Но есть виртуозное владение пером, умение точно моделировать формы и объемы, своеобразное пластическое мышление и удивительная, наивная трогательность, возвышенная поэтичность».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Композиция с кругом. Авторский вариант (Композиция с черным кругом). 2005
Холст, акрил, игральная карта, коллаж. 100 × 100

«Композиция с кругом» (2005) Владимира Николаевича Немухина — это авторский вариант одноименной и более ранней работы и очевидно один из неявных авторских оммажей (посвящения, явные и неявные, в творчестве В. Н. Немухина — это отдельная огромная и исключительно интересная и своеобразная тема, которая еще ждет своего исследователя). «Работа “Композиция с черным кругом”, — отмечает эксперт, — относится к тому уникальному циклу композиций В. Н. Немухина, в которых он блестяще перерабатывает, цитирует и переосмысливает наследие мастеров русского авангарда 1910–20-х годов, органично включая в композиции свои любимые карточные пасьянсы. В данной, конкретной работе отчетливо прочитывается наследие строгих композиций Л. М. Лисицкого».

НЕЙ (Удино-Нежданов) Александр (1939) Colourful Polka Dot Skull (Череп в разноцветный горошек). 2006
Терракота, роспись. 12,5 × 18,5 × 14

Александр Ней представлен в каталоге работой «Череп в разноцветный горошек (Colourful Polka Dot Skull)» (2006), выполненной из расписанной терракоты. Несмотря на большое количество цветных терракотовых произведений, в первую очередь творчество Нея ассоциируется с ажурными, будто связанными крючком, а на самом деле выполненными путем ювелирной работы хирургическими и стоматологическими инструментами белые терракотовые биоморфные композиции: черепа, головы, птицы и пр. «Череп…» — очередное воплощение одного из любимых мотивов мастера, восходящего к культуре шумеров, африканской скульптуре и даже древним наскальным рисункам. «Его керамика, в первую очередь загадочные терракоты, — украшение любой коллекции. Работы ленинградского художника, скульптора находятся в значительных частных собраниях “другого искусства”, в фондах и в экспозициях ведущих музеев страны.

Александр Ней (Нежданов) — представитель скорее тихого, метафизического направления в “другом искусстве”. Что его отличает? Самобытный язык, 100% узнаваемость скульптур с 1970-х годов, а также выбор тем, позволяющих просто довериться красоте и мысленно сбежать от повседневности. В отличие от многих представителей своего круга, художник концентрировался прежде всего на творческих задачах, а не на протестных. Отношения с системой он выяснил иначе, уехав из СССР… в 1972 году. За спиной остались опыт реставраторской работы в Эрмитаже, работа в качестве декоратора над киношедевром Козинцева “Король Лир”. Но все это было очень давно» (forum.artinvestment.ru). В 2009-м в ГЦСИ состоялась обширная персональная выставка художника «В поисках смысла», где наряду с предметами из коллекции ГЦСИ и привезенными из-за океана сыном художника демонстрировались несколько работ из московских частных коллекций. Читайте об Александре Нее на AI: «Художник недели. Александр Ней».

НЕИЗВЕСТНЫЙ Эрнст Иосифович (1925–2016) Сильная рука
Бумага, цветная литография. 52,5 × 74 (лист), 37,8 × 58 (изображение)

Не датирована, но, очевидно, выполнена уже после эмиграции в США (1976–1977) тиражная цветная литография «Сильная рука» Эрнста Иосифовича Неизвестного. Работа подписана и маркирована автором, к тому же художник включил свою подпись латиницей непосредственно в композицию.

Завершает каталог искусство художников рубежа ХХ — XXI веков.

КОКУРИН Валерий Григорьевич (1930–2019) Стадо. 1980
Оргалит, масло. 50,2 × 70,1

В 1980 году написана живописная композиция «Стадо» Валерия Григорьевича Кокурина — одного из трех художников (Ким Бритов, Владимир Юкин и Валерий Кокурин), с именами которых связано возникновение и существование такого понятия, как «владимирская школа живописи». «А началось все с того, что в конце 50-х годов группа молодых художников, в числе которых был и Валерий Кокурин, начала дерзкий поиск в области цвета и колорита. Первый успех и признание пришли к ним в 1960 году. О владимирских художниках заговорили после первой республиканской выставки “Советская Россия”. Мнений существовало множество: хвалили, ругали, но равнодушных не было. В те далекие времена смелость и новаторство владимирских художников понимали и принимали далеко не все. Слишком уж непривычной была их живопись.

Валерий Кокурин, наделенный от природы обостренным чувством цвета, даже среди смелых владимирских живописцев был одним из самых ярких и самобытных  колористов. Стихия Кокурина — это цвет, в живописном хороводе звонких красок проявляется яркий темперамент личности художника, его неистребимое жизнелюбие.

У художника есть своя, кокуринская трактовка живописных принципов владимирской школы. Особенность творческого почерка этого замечательного мастера — повышенная декоративность и утонченность найденных им колористических аккордов.

Его живопись хоть и основана на фольклоре, но она пронизана эстетикой импрессионизма, европейского искусства, наконец, она по-особому чувственна и эмоциональна. Живопись Кокурина делает владимирскую школу более одухотворенной, придает ей особую манерность, легкость и изыск.

В дышащих, пульсирующих радостью полотнах Кокурина есть все: смелый и неожиданный колорит, юмор, элемент игры, а главное — большие чувства большого художника» (Надежда Севастьянова, научный сотрудник Владимиро-Суздальского музея-заповедника, vshr.jimdo.com).

БРАЙНИН Владимир Ефимович (1951) Грифоны. 1996
Холст, масло. 59 × 115

В 1996 году написаны «Грифоны» (1996) Владимира Ефимовича Брайнина. «Постоянная тема картин-миражей Брайнина — старая Москва, в которой нет примет архитектурных преобразований советского времени. В этом городе нет и топографической точности, ощущение которой тем не менее удается создать художнику. Улицы и бульвары наполнены фантастическими существами, полуреальной призрачной архитектурой, фонтанами и решетками, неожиданными отражениями зданий» (svoykrug.com).

«Картины Брайнина обладают странным свойством: пространство изображения несет в себе физически ощутимое содержание другого пространства. Бульвар может уводить зрителя на километровую глубину от поверхности холста, стена с барельефом и дверью не пускает зрителя больше, чем на шаг за красочный слой...

Изначально Брайнин был записан в традиционные живописцы. Так же скоро он был определен как образцовая фигура эстетствующего художника. При этом внутри пейзажного жанра скоро выяснилось его очевидное тяготение к классическим ценностям — от Гварди и Каналетто до Утрилло. Так соткался образ Брайнина — ретроспективиста и традиционалиста, художника архаического, музейного склада. Но со временем оказалось, что именно Брайнин занимается не лирической топографией города, но выражает его историю, разрушение, трагедии живущих и ушедших людей.

Эстетская “ретроспективная” ткань его картин стала клубиться барочными формами, ставшими языком постмодернистского строя незамыкающихся полусюрреалистических рефлексий» (Г. Никич, persona.rin.ru).

БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Осень. 1999
Оргалит, масло. 59,3 × 59,3

В очарованье русского пейзажа
Есть подлинная радость, но она
Открыта не для каждого и даже
Не каждому художнику видна.

Автор пейзажа «Осень» (1999) Арон Фроимович Бух, как мало кто другой, и видел очарованье пейзажа, и чувствовал радость — и делился ею. В его пейзаже солнечный свет заливает ковер опавших листьев и стволы обнажившихся берез, голубое небо чисто и свежо так, как бывает в единственный, последний теплый день золотой осени. «Настоящая живопись оживает на расстоянии, — говорил художник. — Надо уметь из красок извлекать звучание цвета в пространстве. Главное — вырваться из плена правильности. Во имя своей личной правды. И тогда ты обретешь. Сейчас я срываю плоды накопленного. Я уже настолько напоен натурой, что делаю просто сочетание красок. Важнее даже не цвет, а сочетание красок. Я отпускаю руку, как птицу в полет, и она сама парит по холсту вне зависимости от меня. И цвет оживает» (Арон Бух, цит. по: expo-88.ru).

«Парящей» рукой Арон Бух писал картины, создающие вокруг себя пространство радости и вовлекающие в него всех приходящих. И как будто о его произведениях писал Николай Заболоцкий:

Горит весь мир, прозрачен и духовен,
Теперь-то он поистине хорош,
И ты, ликуя, множество диковин
В его живых чертах распознаешь.

БОРИСОВ Леонид Константинович (1943–2013) Качели. 2009
Холст, акрил. 65 × 60

Ленинградец Леонид Константинович Борисов, автор минималистичной живописной композиции «Качели» (2009), «занимается чистой геометрической абстракцией без обычных для ленинградского андеграунда философских коннотаций. Его интересует геометрическая форма, сочетание двух-трех форм само по себе… <…> Деликатность и утонченность цветового решения, расположение форм на холсте позволяют при предельной немногословности добиваться убедительного эффекта» (Л. Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. Биографический словарь. — СПб.: Искусство-СПб, 2007. С. 26).

Одновременно с нашим штатным 362-м AI Аукционом открыт 48-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». Каталог составили работы Алексея Беляева-Гинтовта, Алексея Ваулина, Василия Власова, Дианы и Алана Воуба, Ирины Корсаковой, Егора Плотникова, Кирилла Протопопова, Ирины Раковой, Константина Худякова, Юрия Шабельникова.

Отдельным стрингом выставлены 10 псевдодокументальных фотографий из проекта Елены Самородовой и Сергея Сонина «Генералы 70-х. Неброский шик эпохи СССР», выставка которого до 17 января открыта на AI.

Всем желаем удачи на 362-м AI-Аукционе и 48-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на info@artinvestment.ru или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.