Открыт 151-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   30 января 2023

В каталоге — произведения Владимира Акулинина, Наталии Арендт, Даниила Архипенко, Нисо Атахановой, Сергея Базилева, Марины Венедиктовой, Германа Егошина, Николая Онищенко, Ольги Оснач, Николая Рудавина, Андрея Сарабьянова (Дюди), Светланы Семёновой, Екатерины Козловой (Кати-Анны Тагути)

Каталог AI Аукциона № 465 и 151-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 3 февраля, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — 11 живописных произведений, одна работа в смешанной технике и одна скульптура.

Владимир Акулинин. Пространственная композиция 4. 2000

Автор холста «Пространственная композиция 4» (2000) Владимир Акулинин — советский и российский художник-кинетист, один из старейших участников группы «Движение».

«Кинетическое искусство, зародившееся в Москве в начале 1960-х годов, появилось благодаря той же питательной среде, что и другие направления “диссидентского модернизма”, а отличалось от них (помимо прочего) тем, что апеллировало непосредственно к радикальным опытам супрематистов, конструктивистов и производственников 1920-х годов — причем не только к пластическим решениям абстракционистов и функционалистов, но и к их базовым утопическим воззрениям» (Саша Обухова, garagemca.org).

Художники-кинетисты, составлявшие «Движение» («русские кинеты», как они себя называли), создали в третьей четверти XX века творческое наследие, актуальное и в наше время. Оно включает разработки и художественные открытия в сфере «классической» живописи, графики и прикладного искусства, в области статических и кинетических объектов, перформансов и хепенингов. Опираясь на конструктивистские традиции русского авангарда начала XX века, используя идеи и завоевания современных им западных художников, «Движение» стремилось к синтезу искусств, объединяя передовое звучание так называемой «конкретной музыки» с мимансом и структурные живописно-графические геометризмы с кинетической скульптурой (artinvestment.ru).

Содружество художников-кинетистов Владимир Акулинин сравнил с «Великолепной семеркой» Джона Стерджеса — «рыцари нового искусства, художники, вместе приходят к близким эстетическим практикам, основу которых составляли, однако, совершенно разные мотивации». Самого Акулинина «к геометрической абстракции привели… представления о природе скульптуры, которая есть не что иное, как “сочетание плоскостей разных конфигураций в пространстве”» (Саша Обухова, garagemca.org).

«Пространственная композиция 4» (2000) входит в цикл «Пространственное искусство», созданный на рубеже ХХ и ХХI веков. В некоторых полотнах цикла создана оптическая иллюзия вращения или свечения объектов. В других акцент сделан на пространственной организации формальных элементов. К последним относится «Пространственная композиция 4» (2000).

Наталия Арендт. № 4. Из серии «Приземление облака». 2022

О живопись! — Она неприхотлива.
Она и есть, а вроде бы и нет.
Ведь глаз устроен так искусно.
Закрыл-открыл — себе ты господин.
Ты можешь за секунду свежим глазом
Огромную картину охватить.
А можешь долго ею любоваться.
А можешь и совсем не посмотреть (Наталия Арендт).

Наталия Арендт, автор композиции «№ 4. Из серии “Приземление облака”» (2022), в своих произведениях соединяет традиционные художнические материалы с тем, что ее внимательный взгляд выхватывает в житейском окружении. «Органичным сплетением наследия русских неопримитивистов с собственными супрематистскими и конструктивистскими исканиями Наталия Арендт достигает яркости и оригинальности художественного высказывания. Она работает с разными техниками и необычными материалами: может задействовать старое, почти истлевшее дерево, семечки, рыбью чешую, старую деревянную мебель в сочетании со скульптурой» (из пресс-релиза выставки «Геометрическая палитра»).

Композиция «№ 4. Из серии “Приземление облака”» (2022) экспонировалась на персональной выставке Наталии Арендт «Геометрическая палитра» в галерее AI «21-й век» в ноябре — декабре прошлого года.

Даниил Архипенко. Отпечатки. 2022

Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки» (2022) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.

«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).

Художник — это «пленник» красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).

Нисо Атаханова. Беспорядочное. 2014

«В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.

Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека.

Мне нравится возрождать искренность, романтизм и надежду в своих работах, обращаясь назад к истокам и принимая концепции всего, что дала нам мировая художественная культура. С восторгом и озорством я погружаюсь в создание миров, вдохновленных опытом, историей, нашими предками и моей жизнью» (Нисо Атаханова).

Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.

Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.

“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).

Сергей Базилев. Море. Из серии «Структура воды». 2013

Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что, когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru).

«Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.

Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских “гиперов” картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.

Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего “искусственного рая” в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”)» (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

Марина Венедиктова. Сад камней. 2022

Творчество петербургской художницы Марины Венедиктовой соответствует духу модернистской эстетики, ориентированной на поиск средств художественной выразительности. Отказ от классического канона, радикальные формальные эксперименты сближают ее произведения с работами выдающихся европейских и отечественных мастеров первой трети ХХ века.

«Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами…» (Марина Венедиктова, realgallery.ru).

«Картина “Сад камней” с самого первого взгляда очаровывает зрителя роскошным кружевным орнаментом, который создает форму силуэта главной героини и заполняет весь фон, позволяя бесконечно наслаждаться красотой оттенков и разнообразием движения линии.

В дополнение к видимой красоте я, как автор картины, хочу раскрыть вам философию изображенной сцены. Женщина символизирует внутренний мир человека, его душу и тонкие эмоциональные чувства. Каменная пирамида, которую она строит, это жизненный путь и ступени, по которым идет каждый человек. Жизнь настолько хрупкая и изменчивая, что в любой момент может разрушить все и заставить заново строить свой путь. И только душевное равновесие, вера в свои внутренние силы позволяют снова и снова достигать задуманных вершин» (Марина Венедиктова).

Герман Егошин. Античный амфитеатр. 1988

Автор живописной композиции «Античный амфитеатр» (1988) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель поколения шестидесятников в ленинградской живописной школе. В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах, одним из организаторов которой он был. «…Ощущая драму переживаемой исторической эпохи, <художники группы> не превращали, однако, свое творчество в средство политического противостояния. Их сопротивление выражалось в отрицании академически-салонного благополучия, используемые аргументы были исключительно живописного, формального, характера. Сохраняя предметность и изобразительность языка в противовес “антинародному” абстракционизму, художники использовали предмет в “неофициальной”, необщепринятой ипостаси. Он к чему-то отсылал, являлся представителем каких-то масштабных категорий. И смысл рождаемых картиной метафор не исчерпывался каким-либо однозначным прочтением» (museum.ru).

Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Картина «Античный амфитеатр» (1988) выполнена через много лет, но в ней видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

Николай Онищенко. Площадь. 2007

Московский художник Николай Онищенко работает в жанрах видео, фотографии, инсталляции, перформанса, графики и живописи. Художник сегодня известен произведениями, посвященными взаимоотношениям пространства и времени. Искусствоведы пишут о минималистичности выразительных средств и практически полном отсутствии нарратива в его вещах, метафоре остановки, временного прерывания привычного течения событий, опыте медитативного отстранения и выходе в состояние чистого созерцания...

«Площадь» (2007) — это вещь совсем иная, работа раннего периода творчества. В сравнении с сегодняшними произведениями автора в стилистике актуального искусства «Площадь» более традиционна, это фигуративная вещь, в которой автор увлеченно экспериментирует с цветом и фактурой живописной поверхности.

Николай Онищенко родился в 1979 году в Воронеже. Окончил художественно-графический факультет Воронежского государственного педагогического университета (Воронеж, 2001) и Институт проблем современного искусства (Москва, 2012). Живёт и работает в Москве.

Ольга Оснач. Бокал I. Из серии «Большой голландский натюрморт». 2012

Живописец Ольга Оснач работает в жанре натюрморта: «… Для меня важно рассмотреть все детали, базовые составляющие этого символического словаря предметов как под увеличительным стеклом, — пишет художник, — вытаскивая их из цельной композиции и создавая множественные варианты, в попытках найти идеальное решение для каждого своего “героя”».

«Цикл “Большой голландский натюрморт” задуман мной как знак восхищения натюрмортами малых голландцев и небольшое исследование живописными средствами. Изучая символику этих картин, я выделила “главных героев” — это хлеб, рыба, бокал с вином, лимон. Все они несут важный христианский смысл. Натюрморт для малых голландцев был своего рода иконой, библейским повествованием, которое они рассказывали с помощью предметов, наделяемых символическим значением. Хлеб, бокал вина, рыба — символы Христа. И в то же время всегда присутствует обычная житейская суть натюрморта, предметы из обычной жизни, окружающие нас каждый день, простые и потрясающе красивые одновременно, преображенные рукой художника. Этими двумя уровнями — обыденным и высоким христианским — натюрморты малых голландцев и приковывают внимание. Можешь просто любоваться великолепной живописью, а можешь обдумывать тайное значение рассказанной художником истории. Зритель включается в культурную игру и пытается разгадать все ее смыслы.

А ещё для меня, как для живописца, бокал с вином, стакан с водой — это всегда “уловители света”, солнце играет в изгибах предмета, сияет в бликах, наполняет собой любую стеклянную вещь, даже самую простую. И поэтому стеклянные вещи так преображают натюрморты, они особые хранители света» (Ольга Оснач).

Андрей Сарабьянов. Зелёное платье. № 14. 2014

Картина Андрея Сарабьянова (Дюди) № 14 входит в концептуальную серию под заглавием «Зеленое платье», в которой автор осмысляет современную архитектурную среду Москвы, претерпевающую уже многие десятилетия кардинальные изменения. Основу цикла составляет метафорический образ зеленой строительной сетки-вуали, скрывающей фасады разрушающихся, а также находящихся на реконструкции зданий, — таких домов немало в нашей столице. «“Зеленое платье” — одновременно материальная и метафорическая реальность города, узнаваемая его примета, навязчиво преследующая жителей и образ “сокрытого”, неопределенного. Что за этим покровом? Памятник архитектуры или очередной долгострой, — зеленая сетка становится символом бессрочного, своеобразным “занавесом” между прошлым и будущим. Зачастую развязка оборачивается драмой, и на месте еще вчера существовавшей архитектуры, наполненной своей собственной историей и значением, оказывается зияющая пустота, но пока под сеткой все спокойно и размыто…неясность, сфумато», — рассказывает автор о замысле серии «Зеленое платье» (rozaazora.ru).

В работе № 14, как и в других произведениях цикла, перед зрителем предстает условное изображение здания на абстрактном фоне. Постройка трактована весьма упрощенно и сведена к геометрическому объему, поэтому образ балансирует на грани фигуративности и абстракции. Художник намеренно не дает никаких подсказок относительно того, что это за строение или где оно расположено. Лаконичность художественных средств и скупая серо-черная цветовая гамма, чуть дополненная неяркими цветными контурами, сближает работу на стилистическом уровне с минимализмом. Произведение носит концептуальный характер, побуждая зрителя задуматься о современных урбанистических реалиях, в которых под давлением коммерческих нужд изменения в городском пейзаже происходят порой так стремительно, что фактически запускают процесс уничтожения коллективной памяти жителей об их уходящем городе (Мария Беликова)

Николай Рудавин. По первой пороше. 2020

Полотно «По первой пороше» (2020), как и многие другие работы живописца Николая Дмитриевича Рудавина, посвящено теме провинциальной жизни. По первому снегу шагают на охоту автор и его приятель, заядлые охотники, ведя собаку на поводке (как оказалось, это важно).

В картине переосмыслены достижения нидерландского искусства XVI века. Композиционное построение работы напоминает произведения голландского художника П. Брейгеля, создавшего, как известно, множество зимних пейзажей. Более того, сюжет с охотниками, изображенными среди снежных просторов, также неоднократно использовался голландским мастером. Вся живописная поверхность полотна ритмизирована белыми хлопьями снега — как будто снег засыпает землю буквально на глазах у зрителя. К брейгелевскому пониманию пространства отсылает и величественная панорама, которая открывается взгляду зрителя с дальней дистанции. Полотно отличает сложная организация пространственных отношений: взгляд зрителя начинает двигаться от сорок, изображенных на первом плане, к охотникам с собакой, идущим по полю к лесу, а затем к горизонту, подсвеченному рассветным солнцем, и далее возвращается к деревянному домику, расположенному в левой части работы. Художник занижает горизонт, отдавая небесному пространству значительную часть композиции, что создает ощущение безграничного простора. Уходящие вдаль бороздки на поле усиливают эффект пространственной глубины. Работа излучает атмосферу спокойного и тихого зимнего утра (Мария Беликова).

Николай Рудавин родился в Москве, но совсем скоро семья перебралась на жительство в Подмосковье.

Рисовать начал рано — с тех пор, как помнит себя. Хорошо рисовал отец, наверное, этот ген и перешел по наследству к сыну, предопределив его дальнейшую судьбу.

Рудавин сначала учится в изостудии в Москве, потом поступил в Московское художественное училище памяти 1905 года (окончил в 1980). С 1989 года является членом Московского союза художников. Работает в жанре сюжетной композиции, пейзажа, натюрморта. Участник всесоюзных, зональных, региональных и международных выставок. Его работы находятся в частных коллекциях страны и за рубежом — в Англии, США, Франции, Германии, Японии (vk.com).

Светлана Семёнова. Физкультурница. 2002

Скульптор Светлана Семёнова, автор композиции «Физкультурница» (2002) работает в бронзе и керамике, занимается художественной росписью по керамике, стеклу, дереву. «Скульптура — один из самых сложных видов искусства. Каждый художник старается выразить свое мироощущение, свою идею с помощью формы и пластики. Чем глубже ты изучаешь скульптуру, тем сложнее она тебе представляется. Художник никогда не должен останавливаться на достигнутом, учиться нужно всю жизнь!

Работа с бронзой очень трудоемка: от начала работы до ее завершения скульптор проходит долгий путь. Здесь и формовка, и литье, и обработка металла и тонировка. Керамика менее трудоемка, но не менее ответственна. Ведь идея, которую ты воплощаешь, не зависит от материала, она — от души и “живота”, от всей твоей сути и внутренней энергии. Идея захватывает художника целиком, и освободиться от нее можно, только сделав новую работу.

Мои работы — это мой внутренний мир. Идеи, волнующие меня, я пытаюсь выразить с помощью формы. Получается это не всегда, но когда работа удается, появляется ощущение полета» (Светлана Семёнова, semsvet.wixsite.com).

Светлана Семёнова родилась в 1967 году в Калининграде (ныне Королев) Московской области. Окончила Московское художественно-оформительское училище № 75 (1987) по специальности художник оформитель.

Член секции скульптуры Московского союза художников и Объединения московских скульпторов (2002).

Участник московских, российских и международных выставок и арт-салонов.

Произведения находятся в мемориальном доме-музее П.П. Бажова (Екатеринбург), в Художественной галерее Сарова (Нижегородская область), а также в частных коллекциях в России и за рубежом (oms.ru).

Катя-Анна Тагути. Временное жилье. 1987

Катя-Анна Тагути (Екатерина Яковлевна Козлова, 1958) родилась в Риге, в семье художника Якова Козлова, представителя академической школы русской живописи. Окончила Художественный институт им. В. И.Сурикова. Член Московского Союза художников с 1984 года. Живет и работает в Москве.

Тагути — художник, дизайнер, в работах которой часто совмещены несколько видов искусства. Многогранность таланта Тагути позволяет работать ей в различных техниках и направлениях. Корпус ее произведений составляют живописные и графические работы, арт-объекты, инсталляции, а также предметы декоративно-прикладного искусства.

«Палимпсест», «Большой портрет», «Вторая душа», «Люди/People» и другие проекты Тагути последних десятилетий объединяют искусство и философию, размышления художника о человеческом и сакральном, о жизни людей и предметов, о предках и потомках, о живых и ушедших, о едином потоке энергии, ощущений, эмоций. О том, что касается всего человечества и каждого человека.

«Временное жилье» (1987), образно говоря, не о вечном, а о дне сегодняшнем и завтрашнем. Это ранняя вещь, подписанная еще настоящим именем, а не псевдонимом. Интересная с точки зрения живописи — динамичная, композиционно и колористически зрелая, мощная. Сюжет временного жилья можно трактовать по-разному. Можно с точки зрения безысходности миллионов бараков, рассыпанных по всей стране, а можно, как это делает Екатерина Козлова, рассказать о том, что в пустынное место пришли люди, чтобы построить город, завод, дорогу… Они поставили вагончики, времянки, привычное жилье строителей. Железо, деревяшки, трубы, всеобщий хаос на первом плане — но из него родится город-сад! Великолепная, мастерская и позитивная работа. Ключевое слово в авторском названии — «жилье», пусть временное, но от него веет теплом.

Желаем удачи на 151-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI