Открыт 148-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Даниила Архипенко, Алексея Барвенко, Сергея Бордачёва, Марины Венедиктовой, Далгата Далгатова, Николая Жатова, Натальи Захаровой, Александра Лозового, Николая Онищенко, Андрея Орлова, Александра Пучко, Александра Савко, Владимира Чибисова
Каталог AI Аукциона № 462 и 148-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 13 января, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 9 живописных произведений, одна работа в смешанной технике и три скульптуры.
Даниил Архипенко. Диптих. 2022
Даниил Архипенко, автор диптиха (2022), живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только горы, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
«Работы Архипенко во многом созвучны живописи романтизма, представители которого пытались передать возвышенное состояние человека, созерцающего величественный мир природы. Диптих состоит из двух небольших вертикально ориентированных полотен. Большая часть обеих композиций отведена изображениям ландшафтных элементов — традиционно “главным героям” полотен Архипенко. Художник запечатлел скалистые ущелья, усыпанные массивными каменными обломками; на их фоне едва заметны крошечные фигуры людей. Изображая скалы с низкого ракурса, автор подчеркивает их высоту и неприступность, а также несоизмеримость масштабов человека и окружающих его скал. Средствами живописи Архипенко передает трепет человека перед грандиозным и непостижимым величием природы» (Мария Беликова).
Алексей Барвенко. Натюрморт с церковными книгами и иконами. 2020
«Натюрморт с церковными книгами и иконами» (2020) Алексея Викторовича Барвенко выполнен в любимом жанре художника. Обманка как технический прием в искусстве используется еще со времен античности. Существует легенда о том, как древнегреческие художники Зевксис и Паррасий взялись создать образы, которые не отличишь от реальных предметов. Зевксис изобразил виноград — да так достоверно, что на картину тотчас же слетелись окрестные птицы. Довольный своим мастерством, он предложил и Паррасию откинуть с его работы смятую изорванную занавеску, чтобы можно было оценить картину. Однако тот признался, что занавеска лишь изображение (kulturologia.ru).
В период барокко создание иллюзий получило новую жизнь и стало очень популярным, а возникший тогда же термин тромплей (trompe l’oeil в переводе с французского — «обмани глаз») до сих пор используется для наименования живописных «обманок».
«Если тема задана, начинаешь думать, искать предметы, подбирать вещи для натуры. В основном, конечно, все пишется с натуры. Если найти вещь невозможно, приходится подключать поиск в Интернете, искать в архивах. Выдуманный контекст картины всегда формируется на основе времени жизни человека. <…>
Я люблю работать с символикой, она своеобразный культурный шифр, но я не вставляю символы куда попало, такие вещи пишутся только к месту. <…> По сути, мои картины требуют некоторого знания истории, философии, географии. Прежде чем посмотреть на картину, нужно иметь приблизительное понимание контекста, а само изображение — это информация к размышлению. Вы смотрите на заданную тему и начинаете думать. Неожиданно ваши знания дополняются просмотром картины и таким образом, вы еще больше проникаетесь увиденным» (Алексей Барвенко, rewizor.ru).
«Алексей Барвенко развивает традиции отечественной академической школы живописи. В духе русских мастеров XVIII и XIX века Григория Теплова (1716/1717–1779) и Фёдора Толстого (1783–1873) он создает натюрморты-обманки, на которых с точностью изображены предметы старины, элементы гербария, репродукции классических шедевров. По словам художника, для него обманка — способ удержать исчезающий мир, визуальная форма ностальгии. “Встраивая в свои работы то полотна Леонардо, то русские иконы, он и подчёркивает связь между ними (связь прежде всего предметную, ведь мировым шедеврам соседствуют вещи из традиционно-романтического обихода художника), и одновременно сохраняет, не боясь тавтологии, облик предметов, простёгивающих все уровни времени”, — пишет о произведениях Барвенко искусствовед В. Калмыкова (openklub.ru).
В современных условиях жанр натюрморта-обманки, популярный в прошлых столетиях, встречается редко, и работы Барвенко предоставляют зрителю возможность почувствовать очарование этого своеобразного вида искусства» (Мария Беликова).
Сергей Бордачёв. Крест белый. Прямой. 2010 (по эскизу 1968)
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
«Холст “Крест белый. Прямой”, написанный в 2010 году по эскизу 1968-го, состоит в прямом диалоге с известным полотном Малевича “Черный крест”, которое наряду с холстами на основе черного квадрата и круга входит в живописную серию, отражающую философские взгляды художника. Бордачёв, можно сказать, воссоздает супрематическую композицию Малевича, также используя квадратный формат работы, контрастную черно-белую палитру и образ креста — одной из базовых первоформ изобразительного языка, считающейся сакральным символом во многих культурах с древнейших времен. Однако в отличие от произведения своего предшественника Бордачёв меняет местами цвет фона и фигуры, изображая белый крест на глухом черном фоне.
Сергей Бордачёв не единожды обращался к серии Малевича с крестом, квадратом и кругом, изменял цветовые акценты (как в композиции “Крест белый…”) или, следуя идее Малевича, использовал красный цвет вместо черного. Игры цвета раскрывают новые возможности и смыслы известных композиций Малевича; и эти работы, как и “Крест белый…”, — дань уважения современного автора основоположнику супрематизма» (Мария Беликова).
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Марина Венедиктова. Облако для Евы. 2022
Творчество петербургской художницы Марины Венедиктовой соответствует духу модернистской эстетики, ориентированной на поиск средств художественной выразительности. Отказ от классического канона, радикальные формальные эксперименты сближают ее произведения с работами выдающихся европейских и отечественных мастеров первой трети ХХ века.
«Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами…» (Марина Венедиктова, realgallery.ru).
«Картина “Облако для Евы” погружает зрителя в мир древней тайны, в миф о рождении первой женщины на Земле. Нежное выражение лица несет в себе небесную чистоту ее души, наивная, неуверенная поза тела подтверждает ее первое соприкосновение с этим земным миром.
Центральным элементом картины является кружевное облако, сотканное из множества линий орнамента. Оно символизирует многовековую судьбу женщины, будущий путь, который предстоит пройти и которому нет конца.
Прекрасный чуткий образ и приглушенные цвета фона картины окружают зрителя теплом и уютом, согревают сердце и приводят в созерцательное настроение» (Марина Венедиктова).
Далгат Далгатов. Шторм. 2012
В бронзовой композиции «Шторм» (2012) Далгата Далгатова ярко проявляется ключевая черта всего творчества скульптора — отказ от любых необязательных деталей, не работающих напрямую на передачу чистоты и цельности идеи.
«Как известно, язык скульптуры — это форма. Различные формы, размещенные в пространстве, создают многообразие художественных произведений. Форма, подчиняя себе пространство, начинает по-особому звучать. Далгат Далгатов идет по более сложному пути, в его скульптурах пространство является доминантой — как белый лист для рисовальщика.
В нем уже заложены силы, способные к созиданию новых форм. Причем не только осязаемых, пластических, но и неосязаемых, “пространственных”.
Конфликт между пластическими и пространственными формами определяет формальный принцип произведений Далгата Далгатова, за которым скрывается и содержание. Отсюда и самодостаточность композиций, их полная замкнутость и отрешенность от реального и физического пространства» (Игорь Егунов, искусствовед, welcomedagestan.ru).
«Композиция “Шторм” (2012) создана Далгатовым специально для международного симпозиума по скульптуре, проходившего в Измире (Турция). По словам самого автора, работа посвящена теме преодоления и борьбы со стихией. Скульптор убедительно передает драматический момент: по краям лодки две мужские фигуры держат рвущийся на ветру парус. Герои балансируют на неустойчивой лодке и, рискуя жизнью, пытаются совладать с ветром и волнами. Автор сосредотачивается на пластике их поз, отказывается от детализации лиц, однако прорабатывает складки одежды — значимую деталь для передачи напряжения фигур персонажей. Композиция отличается выраженной динамикой, дугообразные линии лодки и паруса создают выразительную овальную форму. А зеленоватая патина, покрывающая поверхность скульптуры, выразительно, но вместе с тем ненавязчиво отсылает к морской стихии» (Мария Беликова).
Далгат Далгатов родился в 1960 году в Дагестане. Окончил Пензенское художественное училище имени К.А. Савицкого, отделение скульптуры (1987); Харьковский художественно-промышленный институт, факультет скульптуры (1994). Член секции скульптуры МСХ и ОМС. Член Союза художников России (1998). Работы скульптора находятся в частных коллекциях Китая, США, Германии, Италии, Гонконга, Сингапура (подробнее о художнике: oms.ru).
Николай Жатов. Зелёный квартал. 2020
Серию авторских индустриальных городских пейзажей и интерьеров продолжает холст «Зелёный квартал» (2020) Николая Владимировича Жатова. В футуристическом городском пейзаже, выполненном в узнаваемой авторской стилистике, звучит перекличка с творчеством мастеров ОСТа, их индустриальной графикой и машинной эстетикой.
Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru).
Наталья Захарова. Рука. Подставка для колец. 2018
«Не вступая в прямой диалог со своими друзьями скульпторами, Наталья Захарова нашла своего рода пластическую нишу, в которой чувствует себя вполне комфортно, так как и в живописи, и в новой изобразительной ипостаси ее влечет магия проверенного веками образа. Она освободилась от случайностей штрихового обилия ранних рисунков. Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории “нонфинито”, оставляющей пространство для зрительских домыслов» (Вильям Мейланд, gallerynazarov.ru).
«Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.
Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой» (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
«Подставка для колец “Рука” (2018) выполнена в единственном экземпляре. Высокий уровень профессионального мастерства Натальи Захаровой проявляется и в умелом обращении автора с материалом, и в колористическом решении. Скульптор мастерски передает изящный изгиб кисти, а также длинные тонкие пальцы женской руки. Захарова опирается на народные лубочные росписи, заимствуя в них орнаментальные мотивы и пеструю цветовую гамму, в которой доминирует характерный для русской народной росписи красный цвет. Композиционная структура росписей состоит из ритмичного чередования растительных и геометрических узоров, дополненных образами птиц.
Автор использует декоративные возможности расписной скульптуры, уделяя внимание цветовой гамме работы, в том числе позолоте (в особенности поверх изображения ленты на запястье).
Украшение предметов домашнего быта — многовековая традиция. В музеях сохранились образцы народного творчества — прялки, блюда, горшки, полотенца и другие утилитарные вещи с уникальными росписями, резьбой, вышивкой и пр. Подставка для колец — предмет из сегодняшнего времени, выполненный из дерева и расписанный Натальей Захаровой в традиции народной деревянной скульптуры» (Мария Беликова).
Александр Лозовой. Огненные колесницы. 2009
«Однажды я рассматривал свои живописные работы в микроскоп и увидел, что отдельный мазок кистью состоит из органичных, естественных, связанных переходов из цвета в цвет, чего нельзя было сказать обо всей картине в целом. И я стал пробовать, экспериментировать, чтобы достигнуть такого же эффекта на всем полотне. Стал использовать специальные эмульсии, соединяющие темперу с масляной живописью, применять различные вспомогательные материалы, как, например, концентрат из дубовой коры, белок от куриных яиц, пчелиную пыльцу и др. Все это не было моим изобретением. Дубовую и ольховую кору использовали в древней Руси для написания книжных миниатюр, мед и яйца использовали в Европе в средние века. Я просто изменил пропорции и использовал в одной работе большее количество компонентов» (Александр Лозовой). Разработанная художником технология нанесения и закрепления красок на холсте, когда пигменты в красочном слое не смешиваются, обеспечивает яркость и прозрачность красок.
Работа «Огненные колесницы» (2009) выполнена в иной технике — в сочетании монотипии и коллажа. В отличие от ярких, солнечных живописных работ художника о дне сегодняшнем, она, загадочная, словно мираж, и столь же притягательная, уводит зрителя в глубины веков.
Александр Лозовой родился в 1949 году в Сухуми. Автор книг, статей по изобразительному искусству, телевизионных фильмов. В 1977 в Ленинграде защитил кандидатскую диссертацию по психологии изобразительного искусства.
Участник выставок с 1969. Экспонировался на персональных и групповых выставках в России, Италии, Германии, Греции, США, ЮАР.
Работы находятся в собраниях ГМИИ им. А. С. Пушкина, ММОМА, Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Ярославского музея изобразительного искусства, Архангельского художественного музея, Историко-художественного музея «Новый Иерусалим», музея Циммерли (США), в других музейных и частных собраниях в России, Европе и США.
«На сегодняшний день он остается единственным художником, кто непосредственно учился у русских авангардистов начала двадцатого века. Его учителем была Варвара Бубнова (1886–1983), работавшая и выставлявшаяся вместе с Малевичем, Татлиным, Кандинским, Филоновым, Родченко и другими. Отец Лозового — Николай Лозовой (1901–1992) в 1920-х годах учился у Малевича и Филонова, был знаком с Черубиной де Габриак…
Живет и работает Александр Лозовой в Москве, но значительную часть времени проводит на Черном и Адриатическом морях, в Абхазии и Черногории» (dommuseum.ru).
Николай Онищенко. Покой. 2006
Московский художник Николай Онищенко работает в жанрах видео, фотографии, инсталляции, перформанса, графики и живописи. Художник сегодня известен произведениями, посвященными взаимоотношениям пространства и времени. Искусствоведы пишут о минималистичности выразительных средств и практически полном отсутствии нарратива в его вещах, метафоре остановки, временного прерывания привычного течения событий, опыте медитативного отстранения и выходе в состояние чистого созерцания...
«Покой» (2006) — это вещь совсем иная, работа раннего периода творчества, чистая и правдивая, отсылающая к наивному искусству. Вертикальная графичность городского пейзажа соседствует с подчеркнутой горизонтальностью неба и моря, и все три пространства написаны одной палитрой — поражающей разнообразием ярких локальных цветов. Южный приморский городок стоит на холмах, залитые солнцем улицы его пусты — сиеста… far niente… покой…
Николай Онищенко родился в 1979 году в Воронеже. Окончил художественно-графический факультет Воронежского государственного педагогического университета (Воронеж, 2001) и Институт проблем современного искусства (Москва, 2012). Живёт и работает в Москве.
Андрей Орлов. Холмы Коктебеля. 2021
Андрей Павлович Орлов — пейзажист, портретист, мастер натюрморта, абстракционист. Родился в 1979 в Ялте. В 2002 окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша. Живет и работает в Ялте.
«В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы.
Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков. Живописный инструментарий замыкается в широком диапазоне выразительных средств от истоков колористических открытий нидерландских старых мастеров, обогащенных французскими постимпрессионистами до узаконенности американцами самоценности цвета в абстрактной картине. Марк Ротко, Кес ван Донген, Хаим Сутин, Пьер Боннар, Анри Матисс — в высшей степени обуздавшие краску — становятся для Орлова камертоном звучания цвета. Его живопись свободна от балласта символизма и концептуализма, в ней чистота неповторимого образа порождается органичной сложностью четко определенных взаимоотношений цвета на плоскости холста. Прохлада кобальта, ультрамарина или бирюзы не гасит, необузданно испаряясь, раскаленность кадмия, кармина или краплака, а утоляет пыл особого рода эстетической жажды. Самозабвенное размышление художника о колористической структуре явленной натуры, имя которому — сама картина, погружает истинного ценителя, тонких индивидуальных состояний в полнокровную жизнь цвета» (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).
Александр Пучко. Чайная роза. 2014
«Современный художник, находясь под огромным давлением “атмосферного столба” различных направлений, школ, стилей, течений, эпох в искусстве, черпая из накопленной сокровищницы ценности знания, решает сложнейшие творческие задачи генерации собственной художественной системы. Чрезвычайно трудно отчетливо зазвучать, найти свою стилистику и, основываясь на знании предыдущих творческих опытов, избежать прямого цитирования, найти своего зрителя и разговаривать с ним на одном языке понимания и сочувствия.
Автор, поставив перед собой задачу уйти от унылых, искусственных правил целесообразной эстетики, экспериментирует, иногда связывая воедино абстракционизм и модерн, создавая изображение зачастую интуитивно. Иногда его охватывают настроения, подвигающие на высказывания языком символизма.
Всё это попытки смотреть на мир непредвзятым взглядом, очищенным от опыта рационального восприятия.
Постоянный поиск новой лексики выражения обогащает творчество автора различными приемами, позволяющими подобрать оригинальные пути и модели оживления восприятия. Иногда в этом процессе ясность формы сменяется бурным ниспровержением скучного перечисления деталей.
Избегая свойственного современности эгоцентризма, автор пытается перекинуть мостик между предметом выражения и зрителем. Путь к собеседнику без преград, не обремененный навязанными банальными идеями и равнодушием посредственного опыта.
Искреннюю попытку избежать шаблонности и линейного взгляда, порыв, возможно наивный, в стремлении общаться со зрителем можно расценить как приглашение к игре, где образ выводится из-под автоматизма восприятия, и предлагается на чувственном уровне получить ощущение “увиденного”, а не узнавание знакомого образа» (Александр Пучко).
Александр Александрович Пучко родился в 1961 году в Москве. В 1983 году окончил МХУ имени 1905 года, по специальности художник-реставратор. Много лет работал реставратором монументальной и станковой живописи в ГТГ, «Союзреставрации», Всесоюзном НИИ реставрации. Принимал участие в восстановлении Новоспасского монастыря в Москве, Николо-Перервенского монастырского комплекса, церкви Николы в Кожевниках, церкви Михаила и Фёдора Черниговских, Симонова монастыря в Москве, Новгородского Кремля. Занимаясь реставрацией станковой живописи более 35 лет, сохранил и восстановил не одну сотню произведений русской и европейской живописи. Помимо этого, увлечен проектированием и строительством жилых домов, дизайном мебели и интерьеров. Большая часть творческого процесса посвящена созданию собственных живописных и графических работ. С 2007 года — член Московского объединения художников Международного Художественного Фонда. Работы находятся в частных собраниях России, Чехии, Польши, Германии, Швеции, Нидерландов, Канады и США (litfund.ru).
Александр Савко. Приехала. 2021
Один из самых провокативных и абсурдистских мастеров постмодернизма в России, Александр Савко в своих работах сталкивает персонажей разных идеологий, разных культур, разного времени, часто (но не всегда) используя в качестве отправной точки известные произведения русской классики и мирового искусства. «Помещая образы массовой культуры в контекст классического искусства, художник иронизирует над современным обществом и восприятием традиционного. Композиции, поражающие абсурдностью и алогичностью, далекие от привычной художественной стройности, на самом деле подчеркивают болезненность общества, подверженного зависимости от навязанных образов медийной культуры и ее стандартов» (Л. А. Кашук, кандидат искусствоведения, artinvestment.ru).
«Помещение персонажей массовой культуры в иную среду — эстетическую, временную, стилистическую — это осознанный художественный прием. Это эксперимент, это страшно интересно, когда ты каких-то героев помещаешь в совершенно не характерную для них ситуацию. Тебе самому неизвестно, как они будут себя вести, как они вживую будут сочетаться с другим интерьером, с другим контекстом, приемлемы ли они друг для друга.
…Здесь много таких смыслов и подсмыслов, которые могут сочетаться в одном герое. Или в том антураже, куда они помещены. Это даёт совершенно новое прочтение, делая из всего этого такой взрывной продукт, который начинает рушить представление о старом мире, какое-то привычное отношение вот к этому герою…
Именно это дает возможность зрителю увидеть, что такое кроется за этими благостными картинками, что эта жевательная резинка, которую они жуют каждый день, она на самом деле очень вредна и опасна.
Если у зрителя есть способность развиваться — то у него будет возможность увидеть первоисточник, познакомиться с тем, что было изначально заложено в эту работу, погрузиться в настоящую культуру и увидеть всю убогость этих современных героев, которыми он восторгается и умиляется, которые являются атрибутом и антуражем его повседневной жизни. Он поймет тогда, в какой простенький и упрощенный мир он себя вживил» (Александр Савко, cultobzor.ru).
Владимир Чибисов. Кокетка. 2022
«Главный мой герой — это скульптурный материал.
Меняется пространство и время, жизнь может предложить любые темы и сюжеты, но материал в скульптуре всегда во главе угла, всегда источник поиска и открытий.
Камень — а с ним я более всего работаю последние годы — это собеседник, не терпящий суетных движений. Ему не навяжешь свою волю. Природа камня откроется лишь в созерцании и терпении, лишь в неторопливом диалоге.
Металл — мир нагреваний и остываний, перетеканий и деформаций — это совсем другая история, где конечный результат нужно предположить заранее, тогда откроется улыбка перевоплощений.
Керамика — нежна и вероломна, ее женственная природа бесконечно изменчива и иронична.
Дерево — самый теплый и живой собеседник, всегда готовый к взаимодействию формы и цвета.
Процесс работы с деревом — вершина земного наслаждения.
Материал скульптуры — это всегда и открытие и загадка. Как поведёт он себя в работе? А в пространстве? А в диалоге с формой? Но есть еще и тайна сочетания материалов друг с другом, есть еще тайна встречи объема с цветом и графикой. И чем дольше к материалу прикасаешься, тем безбрежнее поле его возможностей и новых загадок.
Сочетание материалов — это всегда риск и ответственность.
Но и возможности здесь особые и конечно же ещё неизведанные» (Владимир Чибисов).
Работы Владимира Чибисова в любом материале всегда окрашены яркой индивидуальностью их автора. В них нет единой стилевой доминанты: работая в русле модернистской пластики, скульптор опирается на художественные традиции восточного, классического, средневекового и народного искусства в зависимости от преследуемой цели. Вместе с тем анималистическим произведениям Чибисова свойственна узнаваемость художественного почерка мастера, который имеет многолетний опыт работы с камнем. Скульптор говорит, что часто берет «бросовый» камень и выявляет скрытую в нем художественную форму, превращая его в реальных и фантастических животных.
Желаем удачи на 148-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20230109_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20230109_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
