Открыт 138-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   17 октября 2022

В каталоге — произведения Даниила Архипенко, Владимира Головина, Евгения Зевина, Юлии Картошкиной, Сергея Касабова, Владимира Ковальчука, Сергея Максютина, Андрея Медведева, Сергея Радюка, Игоря Снегура, Константина Худякова, Янины Ческидовой, Елены Щепетовой

Каталог AI Аукциона № 452 и 138-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 21 октября, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — 10 живописных произведений, одна скульптура, одна работа в смешанной технике и один лот, выполненный цифровой печатью.

Даниил Архипенко. Человек. 2021

Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки» (2022) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.

«В юности я часто путешествовал с родителями из Карелии в Мурманск и обратно. Мы преодолевали это немаленькое расстояние, около 1200 километров, на машине. В дороге я наблюдал за пространством, которое нас окружало. Подмечал какие-то колористические решения, созданные природой. Видел жителей населенных пунктов, встречавшихся на пути, — рассказывает Даниил Архипенко. — Когда едешь в машине, лица людей разглядеть невозможно. Я видел только стаффажные фигуры и силуэты, мелькавшие в пространстве. Все это отпечаталось в моей голове как фотокарточки и картинки, которые сейчас я проецирую через новые медиа, новые техники» (stolnick.ru).

«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).

Владимир Головин. Купальщица. 1993

Творчество Владимира Головина обрело зрелость в конце 1980-х годов и возникло как бы вдруг — в результате чуткой интуиции художника, уловившего свою тему и свой метод. Из ведущих мастеров современности художнику близки по духу такие новаторы искусства, как Роден, Врубель, Мур.

Придя к своему необычному выражению творческого образа, он выделяет в нем тему внутренней борьбы человека с собой. В пластике этого скульптора соединились современный дизайн и модерн начала века.

Важным этапом в творчестве Владимира Головина стала выставка его работ в Центральном доме художников в Москве в 1994 году. Зрителю была дана возможность получить целостное представление о большом мастере, его профессиональном уровне (Александра Симашко).

Владимир Головин — представитель династии скульпторов: сын скульптора и медальера Бориса Прохоровича Головина и брат скульптора Романа Головина.

Родился в Москве в 1966 году. В 1985-м окончил скульптурное отделение Московского училища прикладного искусства. Участник художественных выставок с 1986 года. Член Союза художников СССР (1991). В соавторстве с отцом выполнен ряд монументальных работ для Москвы, Нижнего Новгорода, Ухты. Произведения скульптора находятся в частных коллекциях России, США, Великобритании, Германии, Франции, Испании, Кипра, Израиля.

Евгений Зевин. Лабиринт. 2014

Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Евгений Зевин остро чувствует закономерности композиционных и декоративных решений; обычные, вроде бы каждодневно виденные предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму в сопоставлении объема, цвета, внутреннего движения или покоя.

Он всегда в процессе исканий, особенно в области цвета, один из самых тонких и культурных наших мастеров. В настоящее время едва ли можно говорить о нем, как о представителе крайних левых направлений. Натюрморты Зевина — это всегда картины, в которых есть глубочайшее содержание, действие, интрига, тайна, мгновение, год, эпоха, соотносящие смысл их живописной фактуры с духом современности. Картина двухмерна, и задачей художника является перевести эту условную двухмерность в трехмерное пространство внешнего мира. Он хочет, чтобы картину можно было читать как книгу.

Продуманные включения в натюрморт тех или иных предметов делаются художником не ради повышенной декоративности или в поисках новых цветовых созвучий как таковых: цельность остается главным качеством его произведений. Работу над картиной Евгений Зевин начинает обычно с рисунка углем, причем это очень длительный процесс по доведению линии до совершенства, с использованием закона силовых линий авангардистов 1920-х годов. В каждом рисунке или композиции уже ничего нельзя менять. Изображаемые предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму. Они близки к построению музыкального произведения…

На всех этапах своего творчества художник не терял собственного лица. Овладев формой путем опытов над ее разложением, он пришел к упрощенному, но вместе с тем материальному построению картины.

Его произведения всегда напоминают людям о вечных ценностях и утверждают красоту окружающей нас предметной среды и жизни (Нина Лапина, zevin.ru).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Юлия Картошкина. Кран. 2020

Так бывает на больших выставках, когда среди обилия работ одна картина или рисунок останавливают взгляд своей чистотой, теплом и какой-то особой искренностью. Не зря коллекционер Александр Флоренский сказал о картинах Юлии Картошкиной столь же просто и незатейливо: они «прекрасны и удивительны, их скорее нужно покупать и вешать на стену» (irin-krainov1.livejournal.com).

Холст «Кран» (2020) привлекает внимание, пожалуй, своей простотой и открытостью, распахнутостью навстречу тому, кто на него смотрит. Художница искренне радуется своей работе, краскам, окружающему миру, и эта радость передается зрителю.

Юлия Сергеевна Картошкина родилась в Москве в 1985 году. Окончила курсы в МХГПА им. Строганова и Российскую Государственную Специализированную Академию Искусств (мастерская О.Н. Лошакова). Член Международного Художественного Фонда. Член Московского Союза Художников. Входит в список ста лучших молодых художников России по версии InArt. Участник всероссийских групповых и персональных выставок в Москве, Санкт-Петербурге, Саратове, Камышине (radmuseumart.ru).

В 2018 году Саратовский художественный музей имени А. Н. Радищева провел персональную выставку «Просто красиво. Натюрморты Юлии Картошкиной в Доме Павла Кузнецова».

Художницу вдохновляют работы Виктора Попкова, Николая Андронова, Рихарда Васми и Анри Матисса.

Сергей Касабов. Без названия (Девушка). 2003

Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Владимир Ковальчук. Посвящение Лукасу Кранаху Старшему. 2022

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.

Сергей Максютин. Букет 2. 2021

Сергей Владимирович Максютин (1956) — живописец, график, архитектор, педагог.

Средствами живописи Максютин исследует первоэлементы природы. Он говорит о себе: «Я — художник первоматерии». Автора традиционно привлекают взаимодействия Земли, Воды и Неба, понимаемые им в онтологическом смысле как некие первоэлементы Бытия.

«... Кто-нибудь когда-нибудь обязательно разглядит, что художникам все интереснее становится не какая-нибудь значимая история, не умная цитата, не прикосновение к старой иконографии, не концептуальное перекодирование иконографий, а счастье вольного первочеловека, которому никогда не надоест смотреть на воды текучие и озера тихие, неудержимые и неописуемые причуды облаков в небесах. …» (Александр Якимович, peoples.ru).

… И на красоту природы, живой и совершенной даже в букете сухих цветов...

Андрей Медведев. Поклонение. 2019

Мир Андрея Медведева населен множеством антропоморфных персонажей. Это и сонмы остраненных «людей», внешне напоминающих героев «Черной курицы» Антония Погорельского, но при этом, как правило, совершенно лишенных эмоций, и «куклы» — самые живые, теплые и выразительные среди медведевских образов, и странные персонажи, чем-то похожие на остраненных, но чувственные и вдохновенные, и другие «люди».

На холсте «Поклонение» (2019) художник обращается к вечному сюжету Тайной Вечери. Он тонко и деликатно помещает ее участников в свой мир и без тени иронии не только показывает зрителю, что придуманные им остраненные герои испытывают высокие человеческие чувства, но и создает эмоциональное, драматичное полотно.

Андрей Медведев (1960) родился в Москве. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года (1979). Работы художника отличаются выраженной театральностью образов, гротеском и наполнены цитатами из истории мирового искусства. Творческая манера автора окрашена влияниями разнообразных стилей и направлений прошлого — православной иконописи, наивного искусства, экспрессионизма. Сам автор характеризует свой стиль как «живописная гофманиада». Произведения Медведева регулярно продаются на отечественных и зарубежных аукционах (Мария Беликова).

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Сергей Радюк. Школьница Ира. Из «Переславльского цикла». 1994

Стиль определяет тема, а многочисленные приемы — способ ее раскрытия (Сергей Радюк, facebook.com).

Сергей Радюк считает, что мало быть мастером в чем-то одном, поэтому постоянно экспериментирует. Например, создает картины, изображающие вкус вина. Это чистая абстракция. Или пробует различные технологии в коллажах. Не забывает традиционную живопись, но делает это в разных стилях — импрессионизма, классическом, модернистском. Работает над сюжетными картинами, предпочитая библейскую тему. Такие полотна требуют особой тщательности, поэтому над некоторыми трудится годами. Много времени проводит в творческих командировках по всему миру (cultinfo.ru).

Сергей Радюк родился в 1965 году в Белоозерске (Белоруссия). Окончил Минское художественное училище (1986). Член Союза художников России (1992).

Картины художника находятся в музеях России (в том числе, в ГТГ, Музее русского импрессионизма, Сочинском художественном музее, ЧерМО, ВОКГ, Тотемском музее), Белоруссии, Люксембурга, Южной Кореи, Вьетнама, а также в частных коллекциях 43 стран мира (в коллекции Патриарха Московского и Всея Руси Кирилла, Великого Герцога Люксембурга, короля Камбоджи, в собраниях известных коллекционеров Германии, Люксембурга, Франции, Канады, Вьетнама, Китая, Кореи, Норвегии).

В 2004 году прошла персональная выставка в Европарламенте в Страсбурге (red-bridge.info).

Игорь Снегур. Конструкция в пространстве. Из серии «Пространство». 2002–2009

Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).

Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.

Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).

Холст «Конструкция в пространстве» (2002–2009) относится к большой серии «Пространство», объединенной исследованиями формально-пространственных отношений, интересующих художника на протяжении всей творческой деятельности.  «У пространства есть сила. Пространство активно воздействует энергией на материал, его деформирует, атакует, разрушает. Пространство является активным созидателем формы», — писал художник (Игорь Снегур. Живопись. Графика. Дневник. Размышления. Беседы. Эссе. М., 2016. С. 75). Геометрическая композиция являет собой сцену, происходящую в каком-то высшем измерении: многосоставное «тело», образованное слиянием разного рода геометрических фигур, пребывает на фоне метафизической пустоты. Пересекающиеся друг с другом коричневые плоскости треугольника и прямоугольника составляют основной костяк композиции, в центре которой находятся изгибистые линии, словно бы претерпевающие процесс трансформации из аморфного состояния в четкие геометрические формы. Каждый элемент имеет при этом оригинальную колористическую гамму и узор. Работу характеризует усложненная организация пространства, одновременно уход и в плоскость, и в глубину. Лаконичная палитра полотна строится на вариации оттенков оливкового, бежевого, коричневого и серого, чередование которых обуславливает цветовую ритмику (Мария Беликова).

Константин Худяков при участии Александра Сплошнова. Не ждали. 2017

В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.

Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм… (erarta.com).

Метод художника бескомпромиссно современен: на протяжении полутора десятков лет Худяков сосредоточен на максимально вдумчивом и детальном освоении цифровых технологий и коммуникаций как уникальных и универсальных инструментов, наилучшим образом подходящих для решения актуальных творческих задач. Что это за задачи? В общем виде их можно описать как попытку создания новой мифологии. Мифологии распада прежней цивилизации и зарождения новой, синтеза биологического и технологического начал, сопоставления масштабов макро- и микрокосма, метафизического переосмысления пространства и его заполнения (moscowarch.ru).

Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. Образы автора вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, а его произведения наполнены, как правило, символическим подтекстом и иносказаниями, погружают зрителя в ирреальный мир. «Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — н инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).

Янина Ческидова. Прогулка. 2002

В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.

С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.

Наши животные тоже всегда в кадре (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).

Холст «Прогулка» написан в 2002 году в Ташле и продолжает собой серию «Жители». Здесь те же близкие-друзья-соседи, та же творческая манера, тот же авторский взгляд — сверху, чтобы охватить всех и показать как можно шире мир Ташлы, который стал для Янины Ческидовой бесконечным источником радости жизни, новых впечатлений и вдохновения.

В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.

Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).

Елена Щепетова. Линия. Диптих. 2015

Раннее летнее утро. Мне лет 14. Я стою на холме. Еще не высохла роса, но солнце уже осветило поле и дальний лес. Утренняя свежесть, безоблачное небо, прозрачная тишина, только готовящаяся наполниться пением птиц, шепотом листвы. В это мгновение я услышала мощный музыкальный аккорд. Земля походила на чашу. И звук, рожденный утром и солнцем, все разрастался, отталкиваясь от краев этой чаши. Достигнув наивысшей точки, он затих.

Ощущение радостного единства с мирозданием, родившееся во мне в это мгновение, стало главной темой моего творчества. Все изобразительные средства, которыми владею, служат для передачи того, о чем догадалась когда-то в детстве, глубоко чувствую и понимаю сейчас, — радостного единства с мирозданием (Елена Щепетова, gallerynazarov.ru).

На творчество художника в значительной степени повлияла учеба на геологическом факультете Московского института нефтехимической и газовой промышленности, поездки на практику в Западную Сибирь и Коми, в оренбургские степи и на Кавказ. Многочисленные путешествия Щепетовой по просторам России обусловили во многом жанровое своеобразие ее работ, среди которых преобладает пейзаж.

Таким образом, тема странствий вообще становится магистральной в творчестве художницы. В своих работах Е. А. Щепетова создает ощущение бесконечного пространства при помощи использования параллельной перспективы и кулисного построения. Эти приемы, а также четкая, графичная манера письма, ритмическое строение композиционных элементов пейзажа и преобладание одной цветовой тональности напоминают произведения Николая Рериха, мастера горных пейзажей. Бесконечная игра цвета и света, сочетание пастельных линий и насыщенных цветовых пятен рождают ощущение разнообразного и вечно меняющегося мира (artinvestment.ru).

Желаем удачи на 138-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI