Открыт 118-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 432 и 118-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, две скульптуры и одна работа, выполненная цифровой печатью.
Андрей Медведев. Поклонение. 2019
Мир Андрея Медведева населен множеством антропоморфных персонажей. Это и сонмы остраненных «людей», внешне напоминающих героев «Черной курицы» Антония Погорельского, но при этом, как правило, совершенно лишенных эмоций, и «куклы» — самые живые, теплые и выразительные среди медведевских образов, и странные персонажи, чем-то похожие на остраненных, но чувственные и вдохновенные, и другие «люди».
На холсте «Поклонение» (2019) художник обращается к вечному сюжету Тайной Вечери. Он тонко и деликатно помещает ее участников в свой мир и без тени иронии не только показывает зрителю, что придуманные им остраненные герои испытывают высокие человеческие чувства, но и создает эмоциональное, драматичное полотно.
Андрей Медведев (1960) родился в Москве. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года (1979). Работы художника отличаются выраженной театральностью образов, гротеском и наполнены цитатами из истории мирового искусства. Творческая манера автора окрашена влияниями разнообразных стилей и направлений прошлого — православной иконописи, наивного искусства, экспрессионизма. Сам автор характеризует свой стиль как «живописная гофманиада». Произведения Медведева регулярно продаются на отечественных и зарубежных аукционах (Мария Беликова).
«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).
Pata. Пиросмани. День и ночь. 2010
Оммаж дивному грузинскому живописцу, чье творчество и личность волнуют и вдохновляют Паату Мерабишвили многие годы, — скульптурная композиция «Пиросмани. День и ночь» (2010).
«Для меня Пиросмани — легенда мирового искусства, настоящий самородок, писавший картины внутренним чувством. Не имея художественного образования, он с виртуозностью передавал всю художественную самобытность Грузии. Его строгий, несколько мрачный колорит и эффект немногословности и отчуждения, столь свойственный его творчеству, до сих пор поражают даже самого искушённого зрителя.
Тема образа Пиросмани бесконечна. Он рисовал жизнь, которую знал и любил: герои его полотен — продавцы, односельчане, женщины с детьми… Удивительны изображения животных: у львов, жирафа, оленей человеческие глаза…
Мало известно о нем, и практически ничего не известно о его мыслях, убеждениях, взглядах. Он легендарен для Грузии, и легенды возникали уже при его жизни. Живя в подвале под лестницей, не имея окон, всегда рисовал голубое небо. Пересматривая его картины, неоднократно задумываешься о ценностях жизни, радости общения, бытия.
Скульптурный портрет рельефный и двусторонний: с лицевой стороны глаза ясные, а с оборотной стороны в глазах ночь» (Паата Мерабишвили).
Pata — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.
Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а ее внутреннюю составляющую, ее изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
В малой скульптуре Мерабишвили особенно ясно и оригинально выявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства. Стилизованные фигуры людей и животных поражают выразительностью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в своих стремительных движениях эти фигуры замкнуты в силуэтный овал — не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры несут в себе не только формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью (Нана Шервашидзе, искусствовед).
Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.
Для Пааты Мерабишвили быть скульптором — это «внутреннее состояние восприятия всего окружающего в пространстве, когда мысль уже имеет объем и даже цвет». Воплощение этой мысли на языке искусства на плоскости или в пространстве и есть его образ окружающего мира. Чудо, которое становится зримым благодаря творческим исканиям, разочарованиям и победам художника.
Ирина Ракова. Снегирь. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».
Роман Рахматулин. Синий Пес идет домой. 2014
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами, — считает автор картины «Синий Пес идет домой» (2014) Роман Рахматулин. Но рассказать публике о Синем Псе — герое многих работ и вечном своем спутнике — он посчитал необходимым.
***
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь.
Синий Пёс, изображенный на картинах художника Романа Рахматулина, является собирательным образом и средством выражения отношения художника к вопросам, поднимаемым в полотнах; таким образом, часть характеристик образа Синего Пса можно приписать ко всем картинам сразу, часть расписать на отдельные циклы или единичные полотна. Из общих характеристик: Синий Пёс добрый, любит людей, всемогущий, синий, любит есть, у него много шерсти, он любопытный, он вечный, и сам о себе ничего не знает, и еще Синий Пёс — это любовь.
«Почему синий?»
1. Т.к. пёс, который каждый раз спит на моей подушке, когда я в мастерской (хотя получает за это каждый день), преимущественно черный, а импрессионисты черный, отсутствующий в спектре, не использовали. Нужно было решать — и пёс стал синим.
2. Синяя птица Мориса Метерлинка обещает счастье, но все время ускользает, в то время как пёс в том же произведении из кожи вон лезет, чтоб все было хорошо, — вот Рома решил дать людям Синего Пса.
3. Самое последнее, мое пока любимое объяснение: в природе это цвет неба, и как бы природный ландшафт ни менялся от координат нашей планеты, только то, что выше горизонта, всегда одного цвета. Это вечно, красиво, это воздух, наша атмосфера, дающая существование, как мягкая шерсть, окутывает пса и другие объекты на картинах, давая защиту, питание, созидание, жизнь.
«Ну хорошо, а почему пёс?»
1. Рэй Брэдбери в цикле романов «Марсианские хроники» описывал религию вымерших марсиан как плотную связь с животным миром не в части идолопоклонничества, а по принципу, что именно у животных можно научиться любить жизнь такой, как она есть, ее течение, не зацикливаясь на постулатах. В поиске спасения и других привычных религиозных аспектах возникает необходимость только в сложное время, когда люди сами себе создают проблемы. В хорошие времена, во времена процветания — надобности в этом нет… На картинах и у Синего Пса, и у сопутствующих персонажей все хорошо, а если и будет по-другому, то будем решать проблемы по мере поступления:) Добро пожаловать в секту Синего Пса!
2. Ван Гог, живя у поля, создал несколько десятков полотен с подсолнухами, я же лицезрел синюю зверюгу целыми сутками, когда работал дома, люди приходили-уходили, а зверюга была, и на фоне всех предметов неживой природы, меня окружающих, и событий мирового масштаба, на которые должен реагировать современный художник, я взял что-то живое и близкое.
3. Это действительно хорошая зверюга, и, не считая порчи имущества, он как человек лучше меня, и лучше вести повествование на своих работах от его имени (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.
Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).
Тимофей Смирнов. How much is the fish? (Сколько стоит рыба?). 2009
Тимофею Смирнову «крайне важна иная интонация, иная трактовка привычного подхода. В оригинальности неоригинального (даже в названиях работ и серий), в достаточно бережном отношении к источникам цитирования — именно и есть то, что вызывает интерес. Художнику кажется необходимым парадоксально и неожиданно обрамить один контекст совершенно другим, с точки зрения здравого смысла неподходящим. Какой бы группой изобразительных мотивов он бы ни занимался, он ищет “совлечение несовлекомого”, которое в Средневековье служило аллегорией остроумия.
Это произошло по ряду причин, которые также привели его и к профессиональному искусствоведению, он учился на образцах, планомерно перетекая по всему пространству истории искусства.
Так и родилась магистральная тема всех его работ и серий, ее можно определить, как пространство культуры и метафоры, позволяющих выйти за пределы оболочки вещей и явлений, а главное — обыденности-повседневности с бытовым оттенком.
Методы создания почти плакатно-рекламные, только если это и реклама, то художественного видения и философского мировоззрения.
Таким образом, три главные составляющие нового — пресловутые “хорошее, старое, забытое” — сплавляются Тимофеем Смирновым (в смысле плавильной печи) с их новым восприятием воедино уже в сегодняшнем времени. Кто-то назовет это старомодным “московским сюрреализмом”, кто-то метафизическим символизмом. Кому как будет угодно...» («Оксюморонные картины Тимофея Смирнова», arteex.ru).
Полотно «How much is the fish?» (2009) входит в серию под названием «Мера ценностей», в которой художник осмысляет реалии современного мира, где деньги являются основной мерой всех вещей и главным критерием успеха. Смирнов неоднократно публично выступал против коммерциализации культурного пространства: «Если деньги для человечества — земное воплощение красоты, это не означает, что другой красоты не бывает. Я протестую против культа вещи. Картина не эквивалент ценным бумагам. И хоть она и вещь, но не лопата, ею ничего не сделаешь, она для души и ума» (artguide.com).
Выраженное линеарное начало и четко выверенная композиция сочетаются в работе с мастерством исполнения. Изображение жестяной банки, наполненной доверху золотыми монетами, на которых лежит рыба, выполнено с доскональной точностью. Особое внимание Смирнов уделяет тщательной передаче фактуры объектов. Тонкая манера письма, умелое использование светотеневых моделировок, бликов и рефлексов создают эффект фотографического изображения. Смирнов, подобно голландским мастерам натюрморта XVII века, создает аллегорическую композицию, посвященную непреходящему спутнику человечества — стяжательству. Сталкивая атрибуты «вещного», материального мира (золотые монеты) с христианской символикой (рыба как традиционный символ Христа), художник выносит свой приговор современной культуре, в которой сфера сакрального выставлена на продажу, теряет священный статус и приравнивается в онтологическом статусе к товару массового потребления (Мария Беликова).
Игорь Снегур. Маркеры рецептуализма. 2008
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).
Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.
Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).
В работе «Маркеры рецептуализма» (2008) Снегур создает визуальный комментарий к идеям рецептуализма — концептуального направления отечественного искусства, осмысленного в трудах искусствоведа С. Лёна и художника А. Трифонова, близких друзей Снегура. С точки зрения авторов понятия, рецептуализм являет собой «метакартину множественности художественных миров», отвергающую «искусство в “художественных образах”, утверждая семиотическое искусство — в знаках и символах: язык иератур, сигнатур, символов…» (receptart.ru).
Творчество Снегура многие критики также относят к рецептуализму, поскольку в его произведениях отражены философские воззрения на пространство и время, форму и идею, цвет и свет, реализуемые средствами абстрактного изобразительного языка. Опираясь на достижения отечественного беспредметного искусства, он стремится выйти за рамки обыденного восприятия действительности и художественно осмыслить фундаментальные онтологические вопросы. В работе «Маркеры рецептуализма» (2008) Снегур продолжает характерные для его творчества исследования сложных взаимоотношений формы и пространства. Автор имитирует наложение друг на друга плоскостей, геометрических фигур, а также ряда узнаваемых фигуративных элементов (буквы Е, контура бутылки). Вся живописная поверхность ритмизована диагональными линиями, формирующими оптическую иллюзию калейдоскопа. Произведение вызывает ассоциации с работами отечественных кубофутуристов, также совмещавших в своих полотнах фигуративные и абстрактные элементы и использовавших угловатые геометрические формы. Полотно характеризует усложненная организация пространства, в котором наблюдается одновременно уход и в плоскость, и в глубину. Приглушенная палитра строится на вариациях оттенков красного, бордового, розового, оранжевого, жёлтого, бежевого, коричневого, серого, чередование которых обуславливает цветовую ритмику (Мария Беликова).
Катя-Анна Тагути. Ахейская богиня. 1997
Своими работами Катя-Анна Тагути выявляет внутренние связи и энергетику, которые исторический материал набирает на протяжении веков. Эта энергетика — результат огромной целенаправленной работы Времени, в которой всё-таки больше утрат и потерь...
«Картина “Ахейская богиня” навеяна образами Микенской культуры, расцвет которой приходится на XV–XIII века до н. э. Об этом времени говорит Гомер, описывая “златообильные Микены”. В 1876 году Генрих Шлиман раскопал древнейшие гробницы микенских владык и нашел там множество ценных предметов — золотые царские короны, посмертные маски, бронзовые мечи, инкрустированные золотом и серебром, золотые и серебряные кубки и другие драгоценные находки. Моя воображаемая Ахейская богиня как бы тоже из раскопок Шлимана» (Катя-Анна Тагути).
Катя-Анна Тагути (Екатерина Козлова) (1960) — художник, дизайнер, создает произведения в сложной авторской технике, совмещающей, как правило, несколько видов искусства.
В «Ахейской богине» (1997) Тагути исследует воображаемый фрагмент далеко ушедшей эпохи, изображая древнюю скульптуру богини, найденную якобы во время раскопок. Особое внимание художница уделяет передаче фактуры статуи, тщательно воспроизводя все следы, оставленные временем за прошедшие тысячелетия. Автор намеренно акцентирует все трещины, потертости и сколы на каменной поверхности статуи, что подчеркивает связь этого археологического объекта с историей и усиливает достоверность образа. Скупая палитра полотна строится на вариациях коричневых и бежевых оттенков. Живописная поверхность работы содержит потеки, стертости красочного слоя и утраты. «Выцветший» коричневый фон полотна сохраняет динамичные движения кисти и отсылает к эстетике древних монументальных росписей. Несмотря на разрушающую силу времени и утрату головы, статуя богини сохранила свой гармоничный и притягательный облик. Плавные обтекаемые формы женской фигуры, а также скрещенные на груди изящные руки свидетельствуют о высоком уровне мастерства ахейских скульпторов, вызывая восхищение у современного зрителя. Нижняя часть женского туловища уподоблена монументальной колонне, что призвано подчеркнуть силу и мощь древнего божества (Мария Беликова).
Наталия Турнова. Чан Кайши. 2007
По опыту я ощущала, что человека всегда интересует человек. А жанр портрета, как нам его преподносили в 1970–90-х, оставался достаточно традиционным, реалистическим. И если ты выходил за эти пределы, то уже обращал на себя внимание. Мне было интересно поработать с традиционным портретом, чтобы он оставался живописью, но превращался во что-либо другое. Если ты брал образ известного человека, устоявшийся не только в визуальном, но и в этическом отношении, и выполнял в нетрадиционной для того времени манере, это воспринималось по-другому и понималось как живопись, а не как изображение писателя или вождя (Наталия Турнова).
Наталия Турнова — яркая фигура современной отечественной художественной сцены. Свои работы она называет не портретами, а «обобщенными образами состояний или переживаний, внутреннего движения и выражения человеческих эмоций». Характерные черты ее художественного почерка — монументальный формат работ, лаконичность форм, а также использование открытого насыщенного цвета, через который реализуется смысловая и эмоциональная нагрузка. По тому значению, какое имеет для художницы цвет, она сопоставима, пожалуй, лишь с экспрессионистами, с которыми ее особенно роднит стремление к передаче внутреннего состояния (Мария Беликова).
Еще в 1995 году искусствовед Ольга Холмогорова написала о творчестве Наталии Турновой слова, актуальность которых бесспорна и сегодня: «Во времена постулированного безавторства, когда травести, ирония и всевозможное ерничество соблазняют и будоражат гораздо более, чем открытое высказывание художника, искусство Натальи Турновой воспринимается весьма рискованным. Апологеты все еще процветающего концептуализма не преминут обвинить ее в старомодности, “эрудиты” — в поп-артистских традициях, “радикалы” — в неактуальности устойчивых живописных пристрастий. Все же вместе эти укоры срастаются в один безусловный знак плюс — свидетельство крепкой авторской позиции, предпочитающей пластику и профессионализм изощренным кульбитам заметно утомившегося постмодернизма.
Среди всеобщей невнятицы и порядком приевшихся артистических провокаций Турнова стойко выбирает живопись, выступая в картине, а на картине — исключительно от своего лица. Никакого кокетства, язык ее работ предельно открыт, энергичен и не по-женски напорист» (artinfo.ru).
Турнова обращается к противоречивой личности китайского военного и политического деятеля, генералиссимуса и главнокомандующего Чан Кайши. Художницу не в первый раз привлекают известные и неоднозначные герои мировой истории, ей принадлежит цикл «Полководцы», включающий портреты Ф. Кастро и маршала Г. Жукова: «Мне не так интересны сами эти военачальники (хотя все они, безусловно, личности неординарные), как мифологизация их образа в общественном сознании. “Жизнь замечательных людей” выставлена напоказ, а в тени — реальная, тоскливая и серая, абсолютно неинтересная никому, даже самим “маленьким людям”. … Лица полководцев могут быть узнаваемы, их выражение меняется в зависимости от взгляда зрителя, соседства с другими портретами, ракурса. Они могут казаться милыми, грустными, идиотскими и т. д. Но главное — они не являются тем, кем они были на самом деле» (vladey.net).
Как и на большинстве работ Турновой, весь холст занимает внушительное по размерам лицо, лишенное выраженных портретных характеристик, лишних деталей и формируемое из крупных цветовых плоскостей. Палитра произведения строится на контрастном сочетании теплых оттенков оранжевого, желтого, красного, зеленого с холодными синими, фиолетовыми и розовыми, что во многом обуславливает экспрессивность образа. Столь богатая цветовая гамма призвана отразить всю противоречивость личности китайского политика. Особый акцент сделан на глазах героя, а также на его сжатых губах. Турнова подчеркивает жесткий, напряженный взгляд китайского политика, отражающий его готовность отстаивать свои идеи. При этом автор не стремится соблюсти точное портретное сходство с реальной личностью и передает лишь отдельные атрибуты характерного внешнего облика военачальника — в частности, его фуражку со звездой (стилизованной), в которой он запечатлен на многочисленных фотографиях (Мария Беликова).
Решая чисто художнические задачи, Наталия Турнова вместе с тем предлагает зрителю посмотреть на портретируемых внутренним зрением, увидеть не черты лица, создаваемые линией, но черты личности — точнее, свое видение этих черт, выражаемое цветом.
Портрет — жанр, который Турнова предпочитает многим другим. Ее интересует не портрет конкретного человека, а скорее, портрет какого-то социального явления или чувства, переживания. Лицо человека в большинстве случаев предстает в виде овального пятна, обозначенного цветом, где цвет — это синоним психологичности, сложности эмоционального переживания. Отсюда рождается ощущение новой реальности. «Мне лично человеческое лицо наиболее интересно, — говорит художник. — Это очень пластичный материал, при помощи которого можно показать очень многое. Поэтому для меня портрет — благодатная почва, если уметь ей пользоваться. Не могу сказать, что я это умею, но пытаюсь» (artinvestment.ru).
Ольга Фадейкина. Красная дама. Из серии «Дамы». 2021
Вся серия картин «Дамы», состоящая на данный момент из 5 картин, начиналась с «Дамы в золотом», именно после написания этой картины, появилась идея создать серию работ.
На всех холстах этой серии — изображение женских образов. «ДАМЫ», какие они? Загадочные, яркие, задумчивые, неземные, динамичные, вдохновляющие. Я старалась показать внутренний мир женщины и конечно ее внешнюю красоту, пластику и грацию.
Всю серию объединяет единый графический прием конструктивно-аналитического рисунка, яркие цветовые и тоновые контрасты помогают добавить динамики всему изображению на холсте и конечно выразить характер каждой из «Дам». Мне очень нравится анализировать форму, дробить ее, объединять или подчеркивать, думать цветом. Создавать смелые образы, цветовые сочетания, контрасты.
Композиционные решения каждого холста тоже выбрано не случайно. В каждой своей работе, я с большим пристрастием выбираю композицию на холсте и совершенно сознательно «режу» фигуру, выбирая интересные ракурсы и пластику.
Мне нравится экспериментировать, нравиться быть смелой! В серии «Дамы» я объединила, мою любовь к аналитическому рисунку и декоративной живописи (Ольга Фадейкина).
Художник работает в стиле и традициях художников-конструктивистов, таких как Сафронова, Степанова, Удальцова. Изучая «предмет», автор раскладывает его на плоскости, выстраивает формы, оперируя объемами и пространствами, линией и цветом. Обнаженная модель — как матрица времени и действия, в коей время и эпоха всегда современны и актуальны (Галина Быстрицкая, художник).
Ольга Фадейкина родилась 24 сентября 1982 года в Краснодаре. Окончила отделение театрально-декорационной живописи Краснодарского художественного училища, СПБГХА им. А. Л. Штиглица, факультет монументального искусства, кафедру художественного текстиля (2008).
Константин Худяков при участии Александра Сплошнова. У зеркала. 2017
В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.
Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм… (erarta.com).
Метод художника бескомпромиссно современен: на протяжении полутора десятков лет Худяков сосредоточен на максимально вдумчивом и детальном освоении цифровых технологий и коммуникаций как уникальных и универсальных инструментов, наилучшим образом подходящих для решения актуальных творческих задач. Что это за задачи? В общем виде их можно описать как попытку создания новой мифологии. Мифологии распада прежней цивилизации и зарождения новой, синтеза биологического и технологического начал, сопоставления масштабов макро- и микрокосма, метафизического переосмысления пространства и его заполнения (moscowarch.ru).
Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. Образы автора вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, а его произведения наполнены, как правило, символическим подтекстом и иносказаниями, погружают зрителя в ирреальный мир. «Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — н инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).
Борис Чёрствый. Клеопатра. 1993–1994
Скульптура Бориса Чёрствого не стремится за модой или безоговорочным признанием публикой. Образы, созданные им, не рассчитаны на большие выставочные залы. Скульптуры насыщены энергией таланта и высоким чувством эстетической красоты, рассчитаны на подготовленного зрителя, подобно скульптурам Джакометти. Любовь к живой натуре и благородным материалам создают особое ощущение скульптурного пространства. Преломляясь сквозь призму великолепного умения автора работать как в монументальной скульптуре, так и в скульптуре малых форм, образ и пластическое наполнение работ Чёрствого несет одухотворение среды.
О себе скульптор говорил так: «Ориентиры на архаику, на древнее искусство у меня были заложены с детства. Древние люди были ближе к природе и мир воспринимали напрямую, без посредника. Мне хотелось научиться тому же». Сформировав свое творческое чутье, в силу семейных обстоятельств, среди бессмертных памятников Греции, Черствый приходит к своему творческому кредо, в основе которого заложен минимализм. «В институте я изучал наскальную живопись и был поражен, насколько этот минимализм совершенен. Вот рисует древний антилопу, всего одна линия, а ведь все понимаешь: и пол животного и его настроение. Мне близок минималистический подход», — признавался художник.
Борис Чёрствый, создавая форму, добивался воплощения закодированного в ней образно-эмоционального смысла (Екатерина Шмакова, куратор, искусствовед).
Если древней скульптуре было свойственно ощущение наполненности, она была агрессивной и как бы распирала пространство, то в наше время художники ищут другое видение формы. Самый дорогой скульптор в мире Альберто Джакометти, чей бронзовый «Шагающий человек I», тонкий, как спичка, почти лишившийся телесности, был продан за 104,3 миллиона долларов, сделал прорыв в борьбе с агрессией трехмерных арт-объектов (так в ХХI веке стали называть скульптуру). Чёрствый совершенно независимо (вряд ли в молодые годы он был знаком с творчеством Джакометти, попавшего в топы только недавно) пошел по этому пути: «Меня интересовал момент, как убрать агрессию из скульптуры, как сделать ее почти невидимой. Любой скульптор вырабатывает определенное восприятие, видение мира, а Чёрствый, создавая форму, переносит части своего тела на этот объект», — писал скульптор.
Искусство Чёрствого непублично и непублицистично, не рассчитано на большие выставочные залы и толпу; оно интимно и по-настоящему элитарно и завораживающе красиво. Истовая любовь к живой натуре и благородным скульптурным материалам, сливаясь воедино в произведениях Бориса Чёрствого, создают особое ощущение пространства, которое и есть полное одухотворение среды (О. В. Костина, доктор искусствоведения, eastmeetswestgallery.com).
Янина Ческидова. Космическая скотина («К нам пришел Газукин, и есть шанс…»). 2017
В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.
С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь…
В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.
Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
Полотно «Космическая скотина» (2017) имеет долгую историю, начавшуюся в июле 2003 года.
«Вчера были у Газукина (Валерий Васильевич Газукин, живописец, учитель, гуру оренбургского художнического сообщества и друг семьи художников Янины Ческидовой и Александра Курилова. — AI.), я снова смеялась, что не могу нарисовать корову, а Валерий Васильевич сказал, что надо рисовать “скотину вообще”. Надо попробовать. Ведь обычно я рисую как раз “частности” — конкретного человек с конкретным прыщиком. В общем, мне не нравятся в искусстве “поэтические образы” — они расплывчаты, размыты. Шагал не в счёт. А вот повторить никому не удалось — значит, не “истинно поэты”?
Я не люблю “высоких” тем, стремления к “идеалам”. Мне нравятся “всем понятные чувства”, вся вселенная в веснушках на лице.
Возгласы в мою сторону: «Ну почему ты рисуешь таких уродов?».
Они не уроды, они все мне симпатичны. Просто, рисуя, я хочу передать отличия людей друг от друга — взгляд, форму черепа, жест, складку губ… В общем стоп-кадр. Ведь если в любой эмоции остановить даже самого красивого человека, то лицо его вряд ли будет величественно-прекрасно.
Я “сижу в засаде” со своим глазом-фотоаппаратом и жду, когда “объект моих желаний” зевнёт или поковыряет в носу.
Я рисую то, что не могу не нарисовать, и так, чтобы не возникла мысль, что можно было рассказать об этом иначе.
А всё-таки я попробую нарисовать “скотину вообще” — в космическом смысле» (Янина Ческидова, 2003).
«Космическая скотина» (2017), задуманная в 2003-м, продолжает собой начатую тогда же серию «Жители». Картина (кстати сказать, автопортрет с мужем) написана в любимой Ташле и наполнена любимыми ческидовскими частностями, даже бутылка вина не какая-то там вообще, а подаренная накануне. А в правом верхнем углу холста на гвоздике висит небольшая картина в рамочке. На ней — та самая «скотина вообще, в космическом смысле» и портрет Валерия Газукина, вдохновившего автора на ее создание.
Янина Ческидова — о себе и своем творчестве:
Анатолий Чечик. Апельсины и оливы. 2005
Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.
Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря (Анатолий Чечик).
Посмотрел я на работы свои и увидел, что это хорошо.
Есть холст, и есть сцена. Остальное суета.
Входит человек в свет и выходит из света. Остается тень на картине.
Не важно, куда он идет, важно — как и зачем.
Созданный из праха, прахом и останется. Созданный из света — будет согревать.
Есть время для цвета, и есть время для линии.
Время для solo и время для tutti.
Время может быть пастозным, и время может быть транспарентным.
Время контраста и время сфумато.
Время сострадать и время презирать.
Время ора и время тишины.
Это и есть ритм.
Ритм моего сердца (Анатолий Чечик).
Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры.
Желаем удачи на 118-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220530_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220530_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
