Открыт 82-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   07 сентября 2021

В каталоге собраны произведения Инны Бельтюковой, Марии Буртовой, Галины Быстрицкой, Александра Захарова, Ильи Ковальчука, Виктора Крапошина, Бориса Марковникова, Андрея Медведева, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Веры Павловой, Романа Рахматулина, Кирилла Чёлушкина

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 396 и 82-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 82-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, один объект, одна фотокомпозиция и один коллаж.

Инна Бельтюкова. Молитва. 2021

Экспрессивный пейзаж «Молитва» (2021) Инны Бельтюковой написан в необычном ракурсе, в сочетании ярких красок, фактурным пастозным мазком.

Инна Бельтюкова в 1985 году окончила экономический факультет МГУ им. М. В. Ломоносова, в 1988 защитила кандидатскую диссертацию на тему «Планирование туристско-экскурсионной деятельности в СССР». Основатель компании «Инна-тур».

Член Творческого союза художников России» (ТСХР).

Мария Буртова. Стереотипы. 2021

У всех художников бывают наиболее продуктивные периоды. У Марии Буртовой этот период случился в нелегкие времена пандемии.

День за днем она работала, творила и создавала образы самоизоляции. Ее взгляд был обращен к пейзажу, сюжетным сценам в метро, были и детские игрушки, да и просто все мы, погруженные в страх и трепет неизвестности завтрашнего дня и системы запретов.

Подобные темы захлестнули большинство авторов в то время, но у Маши масочно-пандемийные сюжеты приобрели иной характер. Поэтически философский. Образы — это рефлексия человеческого ума. Ума, который призывает зрителя к соразмышлению.

Рассматривание работ Марии Буртовой — это диалог.

Диалог с художником.

Художники всегда на карантине и в самоизоляции. Что помогает им создавать (текст предоставлен М. Буртовой).

Галина Быстрицкая. Портрет Артура Рубинштейна за инструментом. 2019

Галина Быстрицкая — путешественник, живописец, фотограф. Работа, вошедшая в сегодняшний наш каталог, выполнена в технике коллажа.

Накопленный за несколько лет, как итог многих путешествий, значительный объем материала (фотографий, рисунков и живописи, блокнотов с путевыми записками и набросками) подсказал ей идею проекта Artography (2004–2007). Частью проекта стало создание одноименной книги-коллажа.

«Работа с проектом Artography как бы подвела итоги, завершила период преданности живописи “а ля прима”. Смысл этой формы для меня был исчерпан. Коллаж, позволивший в книге каждому развороту превратиться в иероглиф места и ощущения, сегодня завладел моей мастерской. Смешанная графика: тушь и графит, гуашь и пастель, гравюра, литье специальной разнофактурной бумаги, монотипия.

Поиск средств для безупречной точности высказывания — вот цель, которая заставляет пробовать. Пытаясь консервативно удержать в момент восприятия знание об аристотелевском единстве места, времени и действия, хочется найти именно тот изобразительный язык, который окажется глубже, структурнее, современнее (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery/autobiography.html).

О своих живописных композициях, создаваемых не кистью, а руками в тонких перчатках, художница говорила: «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru). Коллаж — то же «касание пальцами». Детали, вырезанные из разных материалов, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей должны сливаться в гармоничном звучании, как музыкальные аккорды, единственная ошибка может все испортить.

Коллаж Галины Быстрицкой представляет портрет величайшего пианиста ХХ века Артура Рубинштейна. Он исполнял сочинения от И. С. Баха до композиторов первой половины XX века, однако наибольшую известность ему принесло исполнение музыки эпохи романтизма. Многие музыканты считают его лучшим исполнителем произведений Фредерика Шопена. Его исполнение отличалось проникновенным лиризмом и тонкой фразировкой, экспрессивностью и богатейшей гаммой оттенков звучания.

Артур Рубинштейн родился в Лодзи в 1887 году. Рано проявив музыкальные способности, обучался в Лодзи и Варшаве, затем в Берлине. Первый сольный концерт юного музыканта состоялся в 1900 году и был с восторгом принят критикой и публикой. За ним последовали выступления в Польше и Германии, в 1904-м — в Париже, а два года спустя — в Карнеги-холле в Нью-Йорке. Американская музыкальная критика отозвалась о пианисте весьма холодно, посчитав, что тот еще слишком молод для серьезных выступлений.

Вернувшись в Европу, Рубинштейн познакомился с представителями новой культуры — в частности, с художниками Жаном Кокто и Пабло Пикассо, композиторами Каролем Шимановским и Игорем Стравинским, которые оказали на него достаточно сильное влияние. Помимо выдающихся музыкальных данных, Рубинштейн обладал открытым, дружелюбным характером, что быстро принесло ему популярность в музыкальных кругах.

В 1900—1910-е годы концерты Рубинштейна с большим успехом проходили в Австрии, Италии, России, в 1912 году состоялось его первое выступление в Лондоне. Во время Первой мировой войны Рубинштейн работал военным переводчиком (он свободно владел восемью языками), но не прекращал и концертной деятельности. В 1916–1917 посетил с гастролями Испанию и Южную Америку.

В 1932 году он на несколько лет прекратил выступления, чтобы улучшить своё мастерство и полностью переработать репертуар. Возвращение Рубинштейна на большую сцену состоялось в 1937 году, когда он совершил крупное концертное турне по США, и критики, тридцать лет назад говорившие о незрелости его исполнения, теперь единодушно назвали Рубинштейна одним из величайших пианистов XX века.

Большим потрясением для Рубинштейна, находившегося в то время в США, стало нападение нацистской Германии на Польшу в 1939 году. Многие из его родственников были отправлены в концлагеря. Музыкант навсегда отказался давать концерты в Германии. В 1946 году он принял американское гражданство и вновь начал выступать с концертами по всему миру.

Последний концерт Рубинштейна состоялся 31 мая 1976 года в Лондоне. А умер он в 1982 году в Женеве, не дожив чуть больше месяца до своего 96-летия (ru.wikipedia.org).

***

Искусствовед Андрей Толстой писал: «Галя Быстрицкая — не столько философ, осмысливающий мир и рефлексирующий по поводу своего творчества, его истоков и корней, сколько эссеист-интуитивист, выразитель романтически-эмоционального отношения к окружающему бытию» (gallerix.ru).

Обращаясь к технике коллажа (в которой зритель изначально ожидает увидеть буйство цвета, текстуры, орнаментов, некую условность в рисунке), Быстрицкая отказывается практически от всех красок, кроме черной и белой, по сути, создает блестящую графическую композицию — все для того, чтобы передать зрителю внутреннее состояние музыканта, и мы видим поразительный по эмоциональности портрет великого пианиста.

Александр Захаров. Охота на шмеля. 2020

Бывает, что даже при небольшом увеличении маленькой картины пропадает все ее очарование: размываются линии, мутнеют краски, меняется колорит и разваливается композиция. «Охота на шмеля» (2020) Александра Захарова — это совсем другая история. Огромная (70 × 70) фотография, выполненная с миниатюрного (20 × 20) живописного оригинала, делает видимой почти незаметную на крошечной картине скрупулезную авторскую работу: мазки, тонкие цветовые переходы, какие-то малюсенькие капелюшки. На фотографии миниатюрная живопись обретает новые черты, новые детали и яркие краски.

***

Огромные работы искажают наше нормальное восприятие. Ребенок всегда видит не просто большую картину — он видит множество деталей. Из таких деталей и состоят мои работы. На них можно смотреть долго и каждый раз находить новые подробности. Именно так мы видели в детстве окружающий мир. Я пытаюсь «расковырять» и максимально расширить пространство (Александр Захаров, bolshoi.by).

Дикая растительность на миниатюрах Захарова, конечно, райского происхождения — тут и мильтоновские душистые рощи, где «пышные стволы сочат бальзам пахучий и смолу...», и заросли с картин Таможенника Руссо, и голландские цветочные натюрморты, побуждающие к размышлению о божественной щедрости и мудрости устройства бытия.

У его <живописных> работ есть еще одно важное свойство — «сверхплотность» поверхности: она безвоздушна, герметична, максимально концентрированна. Они как хороший цифровой исходник в тысячи пикселей, который можно растянуть на десятки метров. Чудесные приключения могут приобрести тотальность действия, странным образом конкурировать с реальностью или по крайней мере создавать параллельный поток…» (triumph.gallery).

Занимаясь долгие годы художественной печатью, работая в разное время с разными технологиями — от обрезной гравюры на дереве до офсетной литографии, я обратился сегодня к новым видам печати. Каждая моя миниатюра, являясь законченной картиной, одновременно служит мне как графику-печатнику чем-то вроде «негатива» для создания на ее основе произведений печатной цветной графики. Этот маленький «негатив» я использую в качестве основы (как медную доску-оригинал в гравюре) для создания многократно увеличенных по сравнению с оригиналом печатных листов. Результатом долгой и сложной работы с цветом становится цифровая «доска», с которой я печатаю ограниченный тираж. Это очень важная часть моего творческого метода. Увеличенный PRINT — это своеобразная помощь моему зрителю «разглядеть» пространство, иногда размером с ладонь, во всех подробностях, не прибегая к помощи увеличительных приборов. Полученные изображения — самостоятельные произведения в области цветной печати (Александр Захаров, cumir.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Захаров».

Владимир Ковальчук. Посвящение Ван Гогу. 2009

«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.

Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.

Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.

Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.

В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.

Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).

В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.

Виктор Крапошин. На стуле. 2021

Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).

Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.

Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина).

У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый черный, выплескивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с черным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.

Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).

Любовь к Москве, к ее архитектуре, к домам и дворам из московского детства, боль за то, что облик любимого города шаг за шагом уходит в небытие, воплощаются в фантазиях художника и проступают сквозь весь крапошинский юмор. Московские дома — непременные персонажи работ Виктора Крапошина. Холст «На стуле» (2021) написан в своеобразном фотоателье, где студию от прихожей отделяет плотная зеленая портьера, рядом с ровным фоном стоит стул, а в углу — вазон с цветами. Непропорционально маленький фотоаппарат — это, скорее, дополнительный аксессуар, подчеркивающий место действия. Дом, сидящий на стуле (рука не поднимается поставить кавычки!), с первого же взгляда воспринимается маленьким мальчишкой, которому велели сидеть смирно; ему скучно, он втянул голову в плечи и изо всех сил старается не вертеться. И впечатление это настолько реально, что ни изощренный образ, придуманный и блестяще прописанный художником, ни обилие деталей, на которые Крапошин великий мастер, не могут его поколебать. Так и кажется, что «вылетит птичка» — и озорник сорвется с места, схватит маму за руку и изо всех сил потянет ее за зеленую портьеру — на улицу!

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».

9–30 сентября в Галерее ARTinvestment.RU «21-й век» (Москва, Гороховский переулок, 7) пройдет очная персональная экспозиция «Фантасмагории Виктора Крапошина». В эти же сроки на сайте ARTinvestment.RU состоится онлайн-ретроспектива работ художника 1971–2021 годов. Вернисаж состоится в среду, 8 сентября; начало в 19:30.

Борис Марковников. Сеть. 2015–2017

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.

Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.

Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник (Никита Махов).

Андрей Медведев. Девочка с ружьем. 2020

«Девочка с ружьем» (2020) Андрея Викторовича Медведева относится к большой серии картин, в которых автор пишет куклы или кого-то в образах кукол. У них непропорциональные кукольные фигуры, роскошные костюмы, отсылающие к XVIII веку. Иногда они встречаются в одних сценах со странными авторскими персонажами, больше всего похожими на хрупких, изящных героев сказки Антония Погорельского «Черная курица, или Подземные жители». Но чаще все-таки существуют в одиночестве. Антураж, сопровождающий их, самый разнообразный: лошадки, другие куклы или вот, как сейчас, ружье. Но самое удивительное в них — лица, выполненные тонкими лессировками: живые, эмоциональные, грустные, не детские и не взрослые, и уж точно, не кукольные. Смотрят ли персонажи прямо или их взгляд уведен в сторону, зрителя не оставляет ощущение, что они скрывают какую-то печальную тайну. Такой взгляд бывает у многое переживших, но очень чистых людей.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Pata (Паата Мерабишвили). Обнаженная. Рыжая. 2004

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) известен в первую очередь как скульптор, развивающий традиции французской пластики рубежа веков и первой трети ХХ века (А. Майоля, Ж. Липшица, А. Архипенко, О. Цадкина, Н. Габо). Однако помимо скульптуры Pata создает множество живописных и графических произведений, стилистика которых также отсылает в первую очередь к французскому искусству: художник переосмысливает живописную манеру П. Пикассо, А. Модильяни и других мастеров Парижской школы.

Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, Pata переносит и в сферу живописи. В частности, в изображении лежащей на диване обнаженной модели заметно выраженное стремление акцентировать объемы и изгибы ее фигуры, добиться обтекаемости форм. В трактовке женского тела наблюдается отказ от натуроподобия. Композиция работы отличается диагональным построением.

Художник создает чувственный образ, в котором ощущается влияние иконографии женских персонажей Амедео Модильяни, о чем свидетельствует и сама поза томно лежащей модели, запрокинувшей руку за голову, и ее стилизованное лицо-маска. Палитра работы строится на контрастном сочетании теплых оттенков оранжевого, бордового, желтого и холодного фиолетового цвета (Мария Беликова).

Андрей Мунц. Пьянящая свобода. 2019

Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Свободная импровизация, выражение накопившихся впечатлений и эмоций составляет основу живописных произведений Андрея Мунца. Будучи в том числе архитектором и педагогом, Мунц остро чувствует сковывающие рамки рационального искусства. Поэтому столь ценна для него возможность самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре, когда между художником и рождающимся произведением не существует никаких образов реального мира.

<…> В картинах Андрея Мунца всегда заложена возможность различного толкования. Зритель вовлекается в творческий процесс, домысливая картину в направлении, подсказанном художником. Зритель, как и сам художник, улавливает в красочной стихии архетипические образы (Юлия Волгина, кандидат искусствоведения).

Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулезно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Вера Павлова. Поцелуй комедиантов. 2003

Творчество Веры Павловой покоряет и очаровывает с первого взгляда. Можно до бесконечности спорить и рассуждать о том, сколько в ее работах «детского» и «взрослого», «доброго» и «злого», внутренне напряженного и умиротворяющего (иные критики тем только и занимаются), но нельзя не восхищаться высочайшим уровнем мастерства художницы, вдохновенной, победительной силой ее искусства.

Над каждой книгой художница работает долго и тщательно, всякий раз стараясь выбирать только то, что ей близко, на что не жаль потраченного времени. Впрочем, было бы странно, если б она разменивалась на пустяки, — такое редкостное искусство дорогого стоит (bibliogid.ru).

Как в станковых работах, так и в книжных иллюстрациях Веры Павловой декоративность и стилизация наивного искусства соединяется с яркой индивидуальностью, фантазией, высоким мастерством (prodetlit.ru).

Задачи, которые ее интересуют, традиционны: пространство, цвет, свет и, конечно, сюжет. Но то, как она их решает, не просто необычно, но, на мой взгляд, — невероятно. И как в картинах Павловой пространство и цвет служат одной цели — выявить отблески истинного мира в этом “скоромимопреходящем”, так и в книжной графике они служат той же высокой цели, они помогают хотя бы краем глаза увидеть отражение мыслей уже давно ушедших людей, подсмотреть их сны и хоть на миг разделить их мечты и фантазии.

Пространство в одном произведении преломляется несколько раз, перетекая из трехмерного в плоскостное и обратно, свет существует то вполне ощутимо, то превращается в некое золотистое облако, пронизывающее всю структуру холста. Цвет живет сложной жизнью, теплые и холодные оттенки переплетаются и дают совершенно необычные результаты.

Вера Павлова проиллюстрировала множество книг, каждая из которых по-своему уникальна. Она с удивительным вниманием относится к особенностям детского восприятия и создает художественные образы, донося через них потаенный авторский смысл книги.

Книги <Алексея> Ремизова «Посолонь» (стала лучшей книгой России в 1996 году), «Своеручные записки княгини Долгоруковой» (где ее техника акварели вплотную приблизилась к изощренной технике акварельной миниатюры), иллюстрации к музыкальному произведению «Детский альбом П. И. Чайковского» (получивший в 1995 году диплом на Всероссийском конкурсе книги «Наш отчий дом», а в 2011-м удостоенный Гран-при Всероссийского конкурса «Образ книги») — вот неполный список уникальных работ художницы. Совмещение нескольких плоскостей пространства воедино в иллюстрациях книги Ремизова, проступающие сквозь пергаментный туман лица давно ушедших людей в «Записках...», сложный, счастливый быт людей в «Детском альбоме...» — подтверждают веру художницы в существование параллельных пластов жизни (Мария Халтунен, vitanova.ru).

Роман Рахматулин. Воздушный змей. 2020

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами, — считает автор «Воздушного змея» Роман Рахматулин. Но познакомить публику с Синим Псом — героем целой серии произведений, в том числе и нашей картины, он посчитал необходимым.

***

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь.

Синий Пёс, изображенный на картинах художника Романа Рахматулина, является собирательным образом и средством выражения отношения художника к вопросам, поднимаемым в полотнах; таким образом, часть характеристик образа Синего Пса можно приписать ко всем картинам сразу, часть расписать на отдельные циклы или единичные полотна. Из общих характеристик: Синий Пёс добрый, любит людей, всемогущий, синий, любит есть, у него много шерсти, он любопытный, он вечный, и сам о себе ничего не знает, и еще Синий Пёс — это любовь.

Почему синий?

1. Т.к. пёс, который каждый раз спит на моей подушке, когда я в мастерской (хотя получает за это каждый день), преимущественно черный, а импрессионисты черный, отсутствующий в спектре, не использовали, нужно было решать — и пёс стал синим.

2. Синяя птица Мориса Метерлинка обещает счастье, но все время ускользает, в то время как пёс в том же произведении из кожи вон лезет, чтоб все было хорошо, — вот Рома решил дать людям Синего Пса.

3. Самое последнее, мое пока любимое объяснение: в природе это цвет неба, и как бы природный ландшафт ни менялся от координат нашей планеты, только то, что выше горизонта, всегда одного цвета. Это вечно, красиво, это воздух, наша атмосфера, дающая существование, как мягкая шерсть, окутывает пса и другие объекты на картинах, давая защиту, питание, созидание, жизнь.

Ну хорошо, а почему пёс?

1. Рэй Брэдбери в цикле романов «Марсианские хроники» описывал религию вымерших марсиан как плотную связь с животным миром не в части идолопоклонничества, а по принципу, что именно у животных можно научиться любить жизнь такой, как она есть, ее течение, не зацикливаясь на постулатах. В поиске спасения и других привычных религиозных аспектах возникает необходимость только в сложное время, когда люди сами себе создают проблемы. В хорошие времена, во времена процветания — надобности в этом нет… На картинах и у Синего Пса, и у сопутствующих персонажей все хорошо, а если и будет по-другому, то будем решать проблемы по мере поступленияJ Добро пожаловать в секту Синего Пса!

2. Ван Гог, живя у поля, создал несколько десятков полотен с подсолнухами, я же лицезрел синюю зверюгу целыми сутками, когда работал дома, люди приходили-уходили, а зверюга была, и на фоне всех предметов неживой природы, меня окружающих, и событий мирового масштаба, на которые должен реагировать современный художник, я взял что-то живое и близкое.

3. Это действительно хорошая зверюга, и, не считая порчи имущества, он как человек лучше меня, и лучше вести повествование на своих работах от его имени (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Кирилл Чёлушкин. Arapaima gigas (Гигантская арапаима). 1996

«Arapaima gigas (Гигантская арапаима)» (1996) — редкая ранняя работа Кирилла Чёлушкина, ранее на торги не выставлявшаяся.

Кирилл Чёлушкин (1968) — художник, график, иллюстратор и один из пионеров видеоскульптуры. В настоящее время он живет между Москвой и Парижем, а его работы представлены во многих музеях и галереях мира. Чёлушкин позиционирует себя в первую очередь как график, мастерство которого вызывает восхищение даже в современную эпоху, когда, казалось бы, любые академические штудии выглядят пережитком прошлого. «Техника его рисунков проста до архаичности: основанная на таланте рисовальщика, она помножена на гигантские ремесленные трудозатраты. Пространство рисунка буквально аккумулирует, визуализирует и транслирует энергию затраченных “человеко-часов”, немыслимых для нынешнего времени моментальных импульсов и кратчайших сигналов», — пишет искусствовед Антон Успенский о работах Чёлушкина (gisich.com).

Чтобы как-то преодолеть ситуацию исчерпанности живописных средств, которая, по мнению художника, остро стоит в современном художественном контексте, он соединяет возможности живописных и графических техник, создавая то рисунок на холсте (станковую графику), то, наоборот, перенося масло на бумагу, что мы и наблюдаем в представленном произведении.

Работа выполнена тонкими лессировками маслом на специальной фотобумаге, которая сегодня уже не производится, в монохромной темно-оливковой гамме, имитирующей по своему цветовому строю старинный рисунок или гравюру (Мария Беликова).

Всегда интересно рассказать не только о произведении искусства, но и о том, что вдохновило художника, кто стал его моделью. На работе изображены две арапаимы — тропические пресноводные лучепёрые рыбы, считающиеся живыми ископаемыми. Эти реликты между тем до сих пор обитают в реках и озерах Южной Америки. Арапаима — одна из самых крупных пресноводных рыб мира, длиной обычно до 2 м, но отдельные особи достигают 3 м, а по неподтверждённым данным, встречались особи 4,6 м в длину, максимальный зарегистрированный вес рыбы составил 200 килограммов. Ее крупная рельефная чешуя столь прочна, что позволяет арапаиме выживать в обществе пираний, находясь с ними в небольших водоемах, отделяющихся от Амазонки в период засухи.

Арапаима — хищник, питается в основном рыбой, а также при случае другими мелкими животными, включая птиц. Может дышать атмосферным воздухом и, таким образом, переживать засуху, заглатывая воздух и зарываясь в ил и песок болот. Всплывает к поверхности за воздухом каждые 5–20 минут, звук заглатываемого арапаимой воздуха слышен на большом расстоянии (ru.wikipedia.org).

Внешний облик этой удивительной рыбы, живущей на Земле уже миллионы лет, Чёлушкин пишет маслом со скрупулезной точностью и умением графика.

Желаем удачи на 82-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI