Открыт 76-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Галины Дулькиной, Ильи Евдокимова, Александра Кацалапа, Игоря Кислицына, Владимира Ковальчука, Ильи Комова, Ирины Корсаковой, Александра Курилова, Олега Ланга, Андрея Медведева, Андрея Мунтяна, Ирины Раковой, Яны Ческидовой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 390 и 76-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 76-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — одиннадцать живописных произведений и две работы в смешанной технике.
Галина Дулькина. Лучи и тени. 2003
Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.
Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.
Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.
<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».
Илья Евдокимов. Антенна. Из серии «История будущего». 2020
Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.
Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.
Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).
Александр Кацалап. Майский дождь. 2021
Александр Кацалап (1957) совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.
В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап также переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематические формы Малевича с примитивистской эстетикой, заполняя все пространство своих работ геометризированными персонажами и отказываясь от перспективы и глубины. Иногда он выстраивает с этими героями сюжетные линии, и равномерно распределяет их по плоскости холста — в этой манере выполнена наша работа «Майский дождь».
Художник обращается к стилистике примитива, запечатлевая на матовом бежевом фоне условных городских жителей, застигнутых врасплох в будничный день майским дождем. Фигуры персонажей тяготеют к геометрическим формам и располагаются на всей плоскости холста, даже вверху работы, где изображены серые облака. Все герои объединяются коллажным принципом и пребывают в абстрактном, лишенном глубины пространстве. Палитра работы ограничивается всего парой цветов — бежевым, коричневым и серым, которые разбавляются в некоторых местах черно-белыми контрастами. Автор дополняет коллажный принцип построения композиции настоящим коллажем, приклеив некоторые детали к холсту.
Персонажи трактованы максимально упрощенно и обезличенно, при этом сама изображаемая сцена передает непринужденную и легкую атмосферу весеннего дня. Непосредственные и порой неуклюжие позы персонажей вызывают у зрителя улыбку и светлые эмоции. Так с помощью минимальных средств изобразительности художник показывает синтетическую картину действительности, запечатлевая единство момента в его разнообразных проявлениях (Мария Беликова).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».
Игорь Кислицын. К истоку I. 2020
В своем творчестве Игорь Кислицын часто обращается к сакральным художественным традициям былых эпох: к древнерусской и византийской иконописи, романской фреске, готическому витражу и т. п. Уверенно поднимаясь над любой имитацией канона, художник погружается в исследование многомерных пластических кодов древних образов. Движение от поверхности в глубину, к обретению внутренней художественной формы идет не без активной интерпретации уроков русского классического авангарда.
В определенный период в работах [Кислицына] все настойчивее дает себя знать неразрушимая цвето-триада — Черное, Белое, Красное, символически трактуемая как Почва, Дух, Кровь... Эта цвето-триада чаще всего дополняется холодной синевой — цветом, связанным уже с христианской традицией, цветом Глубины и Высоты. (Вера Родина, artinvestment.ru).
В полотне «К истоку I» ощущается характерное стремление автора передать символическое осмысление картины мироздания через обращение к архетипическим образам. Колористическая составляющая помимо эмоционального воздействия играет еще и важную смыслообразующую роль, определяя, таким образом, поэтику всего произведения. В работе преобладает красный цвет в разнообразных вариациях алого, пурпурного, малинового и багрового оттенков. Помимо них, здесь еще присутствуют синий, желтый и золотой цвет, несущие в себе метафизическую нагрузку. Подобный цветовой строй характерен для многих произведений Кислицына, созданных в живом диалоге с византийской и древнерусской иконописью.
Работу отличает плоскостность художественного решения, а также деление пространства на регистры локального цвета. В центре композиции расположена знаковая фигура человека, трактованная геометризированно. Этот обезличенный персонаж в позе Витрувианского человека Леонардо да Винчи находится как бы в центре мироздания, символизируя единство микро- и макрокосма. Абстрактный фон ритмизирован геометрическими фигурами треугольников, прямоугольников, кругов. Внизу можно обнаружить изображение куполов церквей с крестами, перевернутых на правый бок, что создает ощущение того, что у картины нет как такового смыслового верха и низа и она допускает изменение расположения в пространстве, которое будет расставлять новые концептуальные акценты. Фактура полотна имитирует следы стертости и утрат красочного слоя, ее поверхность процарапывается мастихином, что воссоздает следы времени и отсылает к древним монументальным росписям (Мария Беликова).
Народные корни искусства и сегодня влекут всех профессионалов, да не все из них могут подняться выше простой аранжировки или стилизации. Игорь Кислицын сумел уверенно претворить, «перекодировать» в новое качество типовую структуру древних композиций. Постепенно ему раскрылся весь глубинный образный «орнамент» архетипа: роль силовых линий и узлов, ритмических пауз и акцентов, «вечное» поступательное или круговое движение, здоровая гармония рисунка и цвета, знаковость и символика фигур (Лев Дьяконицын, nasledie-rus.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Игорь Кислицын».
Владимир Ковальчук. Лама да Винчи. 2004
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.
Илья Комов. Красный октябрь. 2020
Его [Ильи Комова] ландшафты никогда не подчиняются стабильным схемам, ни осевым, ни кулисным. Дома и горы, облака и деревья, и все прочие элементы панорам обязательно покачиваются, смещаются. Корёжит их энергия, сжатая до предела. Ни одна река не течет горизонтально, ни одна башня не стоит вертикально. В этом котле бытия слишком горячо. Там колышется материя, насыщенная энергией (Александр Якимович, ilya-komov.com).
Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.
…Художник точен в своих наблюдениях, он «снимает виды» конкретных ландшафтов и архитектурных сооружений. Между тем натура, хотя и вызывает у мастера несомненное доверие, является скорее поводом, позволяющим углубиться в колористические и композиционные штудии. Пространство в работах Ильи Комова не глубоко, но любимый мастером синий цвет, подменяя собой законы прямой перспективы, уводит взгляд зрителя вдаль. Действие, если таковое существует, разворачивается на переднем плане картины, как правило, это неспешный провинциально-дачный быт, медленно протекающий перед глазами зрителя. Описание это весьма условно, как, впрочем, условен и сам жанровый момент в пейзажах художника. Их прочитываешь скорее как череду символов, нежели как бытовые зарисовки. Лаконизм, тщательный отбор деталей позволяет усматривать в пейзажах сцены, не привязанные жестко к определенным географическим координатам.
Вневременные пейзажи художника становятся декорациями некоего эпического театрального действия. Тот фантастический мир окрашивает равенство всех всем: люди здесь уподоблены кронам деревьев, монастырским колокольням, стогам сена. Их очертания повторяют друг друга, пробуждая мифологические воспоминания о первоначальной гармонии всего живущего.
Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».
Ирина Корсакова. Оливковая роща. 2012
В середине двухтысячных мы стали проводить лето в маленьком городке на берегу моря. Около него оказалась оливковая роща, самая большая и старая в Европе. Это не просто земля и деревья, а мистическое пространство, населенное живыми существами, видевшими древних римлян, а может, и иллирийцев. Они зачаровали меня, и я несколько лет их писала, скорей портреты, чем пейзажи (Ирина Корсакова).
Реликтовые рощи — это особый мир, в нем по-другому идет время, не живет суетность, нет места резкому свету, громким звукам и ярким краскам. Живые и сегодняшние, они существуют не в прошлом, но в вечном. На холсте «Оливковая роща» (2012) Ирины Корсаковой, точно как на старинной пикториальной фотографии, «образы старых стволов, проступая рельефом коры сквозь холст, далеки от фотографического реализма; напротив, в них угадываются античные легенды и мифы: история рождения Артемиды и Аполлона, весть о новой жизни после потопа, тени иерусалимских садов…» (artinvestment.ru).
Александр Курилов. Весна. 2001
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Олег Ланг. Знаменосец. 2005
Свободный и независимый, он не пытался встроиться в мейнстрим, соответствовать чьим-то ожиданиям. Его авторский стиль, которому он был верен на всех этапах пути, замешанный на обращении к городскому фольклору, сочетает в себе черты примитива, экспрессионизма, минимализма (saratov-room.ru).
У Ланга предметы тяготеют к беспредметности, поэтому и дома, и лица, и большие фигуры объединены общим натюрмортным подходом. Где берет начало эта установка? В московской живописи десятых годов прошлого века — у художников «Бубнового Валета». По словам их современника, критика Сергея Маковского, именно «валеты» первыми «и в пейзаже, и в лице человека, и в наготе увидели взаимодействие окрашенных трехмерностей. Портрет уподобляется натюрморту и наоборот… Топографическая верность натуре — и при этом отвлеченность, обобщение» (lookatme.ru).
Своеобразно развивая традиции старого доброго авангарда, Олег Ланг разработал собственную, индивидуальную манеру, в которой экспрессионистическая стилистика сочетает абстрактные и фигуративные элементы… <…> Живопись Ланга, несмотря на всю условность его языка, обращена не к метафизике, а к реальной жизни. Композиции отличают захватывающая свобода, остроумная игра фактур, интенсивные цветовые пятна, независимая пространственно-образующая линия. Пластические метафоры неожиданны, как оригинальные рифмы. Здоровое веселье творчества сочетается с трагичностью. Изобретательность и прихотливость решений неизменно удивляют, а из-за «хаоса зарослей» живописного инструментария проступает нечто глубокое, необъяснимое, бесконечное (erarta.com).
Андрей Медведев. Обнаженная № 7. 2017
Сюжет «Обнаженной № 7» (2017) Андрея Викторовича Медведева — обнаженная женщина в окружении двух мужских персонажей, явно к ней неравнодушных, — встречается в творчестве художника не единожды. Мужчины и женщина, волею художника происходящие из разных миров, поменялись ролями: лицо женщины напоминает живые, чувственные, одухотворенные лица медведевских… кукол; мужчины же относятся к странным персонажам, населяющим картины художника. Как правило, эти персонажи, чем бы они ни занимались — гуляли, сидели в театре, играли на сцене, плыли в лодке, — отстранены от окружающего мира, их лица стерты, а краски — тусклы. Галантные же кавалеры в пудреных париках, расшитых кафтанах и туфлях на каблуках, как никогда явственно, ассоциируются с хрупкими, изящными героями сказки Антония Погорельского «Черная курица, или Подземные жители». Любовь, прикосновение к руке женщины оживили их, окрасили щеки румянцем, а она позирует художнику, равнодушная к трогательному душевному движению своих кавалеров.
«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).
Андрей Мунтян. Контакт. 1986
С самого рождения перед глазами художника на стенах висели старые фламандцы, а антикварная мебель красного дерева украшала быт. Блестяще образованная бабушка учила считывать тонкие метафизические вибрации событий и вещей. Постепенно стало выкристаллизовываться аморфное, дотоле неосознанное, тело Гармонии. У будущего мастера сложился сугубо индивидуальный вкус к определенной эпохе, литературе и музыке. Соединенные Судьбой, эти 3 вектора привели к четвертому — живописи (mountian.ru).
Потомственный художник, Мунтян избрал близкую к классической технику — настолько, что он часто выбирает сюжеты, которые любили художники ранних времен, Его картины аллегорически повествуют о том, что волнует людей во все времена: красота мира, духовный рост, проявление силы, нравственный выбор, взаимоотношения (ng.ru).
До 1986 года Андрей Мунтян работал в области плаката и промышленной рекламы. Однако начиная с 1986 г. стал заниматься только живописью и графикой. За годы своей творческой деятельности провел более 50 персональных выставок в России, Италии, Франции, США, Австрии, Германии, Испании, Японии, Португалии, Эстонии, Латвии и Черногории.
В живописи приоритетами художника являются философско-религиозная тематика и иконопись (mountian.ru).
Ирина Ракова. Девочка с арбузом. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».
Янина Ческидова. Грим. 2010
В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.
С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.
В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.
Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения – мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной и неожиданные темы для творчества. Чистый холст – свежие мысли и шанс родить новый мир. (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
Желаем удачи на 76-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210727_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210727_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
