Открыт 71-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Юрия Бабича, Константина Батынкова, Ильи Евдокимова, Ильи Комова, Андрея Криволапова, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Ирины Раковой, Игоря Снегура
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 385 и 71-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты 71-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 10 лотов — пять живописных произведений, одна фотография две работы в смешанной технике и две скульптуры
Дополнительный стринг — пять живописных композиций Ирины Раковой, чья выставка «Сага о стуле в 15 частях» до 30 июня открыта в галерее ARTinvestment.RU «21-й век».
Семен Агроскин. Книги. 2019
Обитаемая пустота… Работы, объединённые под этим названием, появились впервые в середине восьмидесятых годов. Оставшись один в квартире, где ранее проживала большая семья, я чувствовал присутствие ушедших людей, их тепло, знаки их жизни. Из этих ощущений появилась серия работ «Домашний театр». Актёры этого театра «ненадолго вышли», однако их незримое присутствие и есть сюжет моих работ. Пространство пустой квартиры, шкафы, столы, стулья и двери заменяют жителей, играют их роли, расширяют частную историю семьи. В этих, с виду случайных сценах есть нечто знакомое каждому, уже прожитое когда-то. Я постоянно возвращаюсь к этим пространствам, добавляю новые сюжеты, выстраиваю сцены и декорации моего личного театра (Семён Агроскин).
Книги в пустой квартире — актуальная тема последнего десятилетия.
Книги — величайшая ценность. В нашей стране еще совсем недавно за ними охотились и добывали всеми правдами и неправдами, заветная подписка на многотомник — грубая картонка размером меньше почтового конверта, от которой в книжном на Кузнецком отрезали напечатанные квадратики с номером тома в обмен на этот самый том... Деньги давали в долг охотнее, чем книги. А тех, кто «зачитывал» книгу у знакомого, больше в дом не приглашали.
Книги, расставленные по цвету корешков, — другая история. Даже те, кто читал только анекдоты в газетах, и то понимали: книги — это престижно. Статусно, как принято сейчас говорить. И если в квартире случался потоп, то спасали в первую очередь не ковры, а книги. Счастливые владельцы ворчали, что книги выживают их из дому, но помыслить расстаться хоть с одной из них было невозможно. Выбросить книгу, даже ненужную, рука не поднималась.
Интернет отучает человека сегодняшнего и от книги, и от культуры книги. Книги, оставленные в старом жилье при переезде, уже не редкость. Зачем они? Только место занимают… Действительно, зачем человеку книга, а?
Но в шкафу Семёна Агроскина стоят не брошенные книги. Пространство, по определению художника, обитаемо, любящие руки расставили их на полках, и значит, любящие руки еще раскроют эти тома.
Он любит простые до «барачности» интерьеры со столом и стульями, непрезентабельные городские пейзажи с лестницами переходов или тянущимися вверх суровыми домами. В его натюрмортах один-два предмета кухонной утвари, иногда это овощи пли фрукты, но без оттенка изобилия и «съедобности». Овощи и фрукты тоже живут или, по крайней мере, пытаются жить, претерпевая гнет бытия и его скупые радости.
Важно, что все эти простые, старые, некрасивые предметы дли художника не внешние «объекты». Он их увидел и по каким-то причинам полюбил, признал своими, дал им возможность высказаться, как высказывается он сам в автопортретах, всегда каких-то удивленных, точно он сам сомневается в собственном существовании.
Минимализм в выборе предметов и деталей, простота композиций, работа с оттенками одного цвета, прежде серого, а теперь все чаще желтовато-коричневого, не приводят к упрощению, а напротив, повышают градус эмоциональной выразительности.
Этой странной душе, кажется, вообще ничего предметного не нужно — только свет, тепло, легкость, ласка, порыв и опьянение чувством, что ты живой. Еще пока живой. Оказывается, это тоже немало. Отсюда этот живописный «трепет», свечение, пронизывающее тьму, нервность кисти и тонкие переходы от оттенков к цвету, всегда неяркому, сдержанному, «стыдливому». Вместо ярких тонов — вспышки света, вибрации души (Вера Чайковская).
Азам Атаханов. Дар. 2018
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевич, kommersant.ru).
Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.
Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).
Обнаженная девушка держит в руках кувшин с восточным орнаментом, в котором стоит огромная розовая орхидея. Локальный глубокий синий цвет фона фокусирует взгляд зрителя на трех, по сути, равнозначных образах. Художник пишет цветок и кувшин так, что «уравновесить» их может только очень сильный образ, — и даже рядом с ню они не теряются, а напротив, притягивают к себе взгляд зрителя. И можно было не обозначать названием главенство цветка в композиции — автор куда убедительнее сделал это кистью. Каждый из образов значителен сам по себе, а вместе они составляют лаконичную и совершенную композицию.
Юрий Бабич. Мезальянсы № 3. 2010
Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).
Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.
С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.
Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.
Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».
Константин Батынков. Клоун. 2009
Я рисовал цирк всю жизнь, ну, по крайней мере, регулярно возвращался к этой теме. На самом деле цирк нас окружает, куда ни посмотри.
…Когда я был ребёнком, цирк был наиболее значимым видом искусства для нас тогдашних. Впечатление, полученное в детстве, хорошо укореняется. Ведь мы постоянно ходили в цирк. Во всех маленьких и крупных городах были открыты цирки, в Сочи, Красноярске. Когда я играл в баскетбол и мы приезжали на соревнования в какой-нибудь город, то культурной программой было обязательное посещение местного цирка. Музей-то не всегда был, а цирк-то всегда. Причём гастролировали в основном одни и те же артисты. <…> Я вживую видел много раз Никулина, Енгибарова, Шульгина, Карандаша, Олега Попова, который, почему-то, сильно не нравился детям, но официально считался самым великим клоуном. Когда в программке было его имя, дети говорили «УУУУУУ!!!!!». Все хотели Никулина, Енгибарова, которые были дико смешными и остроумными. Цирк был частью нашей жизни. <…> А сейчас он исчез из телевизора, исчез из жизни. Может, просто сама жизнь превратилась в цирк? Цирк уехал, клоуны остались, просто они сейчас иначе выглядят и называются по-другому (Константин Батынков, iskusstvo.livejournal.com).
Это совсем иной Батынков — без «войнушки», вертолетов, кораблей. Кто-то, возможно, впервые откроет его для себя.
Это не грустный клоун. Это не шут, которому дурацкий колпак дает право на правду. Это немолодой клоун, мудрый клоун со смешинкой в глазах и еще одной, главной чертой, о которой — ниже. Художник рассказывает о клоунах, которых ему довелось видеть в детстве и в молодости. Конечно, так не принято, но давайте попробуем представить себе, кто из них ближе всего к образу, написанному уже взрослым состоявшимся человеком. Примерим на них этот образ.
Леониду Енгибарову не суждено состариться, это артист из иного мира. Юрий Никулин, Михаил Шуйдин или Михаил Николаевич Румянцев (Карандаш) — блестящие профессионалы, серьезные артисты на репетициях и уморительно смешные на манеже, каждым словом, даже жестом или взглядом понятные любому. Олег Попов — Солнечный клоун. Главной чертой его образа были доброта и искренность (вспомните «Солнце в авоське»!). Его герой не заставлял хохотать до колик и потому был не всем понятен, особенно детям (как пишет Батынков), но его выступления дарили людям удивительный душевный свет, как будто он солнечным лучиком касался каждого сердца. «Клоун» Константина Батынкова — добрый и искренний клоун. Олег Попов? Пожалуй…
Илья Евдокимов. Три грации — 2. Из серии «История будущего». 2020
Материалом к созданию работ проекта [Ильи Евдокимова] «История будущего» послужило декоративно-прикладное и монументальное искусство позднесоветского периода, которое окружало каждого человека той поры в его повседневной жизни. Через основную тему работ подается современный взгляд художника на окружающий мир с точки зрения преломления собственного опыта. Художник использует эстетику и достижения первых «революционных» творцов, таких как Петр Вильямс, Александр Дейнека, Александр Лабас, Юрий Пименов и другие участники объединения ОСТ.
Авторская любовь к фактурам наглядно просматривается в сочетании разных материалов, подчас кажущихся несовместимыми. В серии декоративно-живописных панно основной фактурной доминантой является холст, который используется с неожиданной в этом сочетании фактурой серебряной потали, характерной для традиции оклада.
Тематически полотна обращают внимание зрителей на то, что сегодня, когда техника развивается семимильными шагами, властвует культ человека, который утерял свои человеческие качества в погоне за самореализацией и всевозможными достижениями. Человек как таковой воспринимается, скорее, как часть архитектуры, здания, быстротекущего потока времени, в котором не заметен сам человек, его индивидуальность, его естественные чувства и потребности (museum.ru).
В полотне «Три грации» светло-коричневая тональная гамма схожа с эффектом сепии, который можно наблюдать в выцветшей старой фотографии или после обработки фото в графическом редакторе. В работе ощущаются отсылки к эстетике фотографии и фотомонтажа 1920–30-х годов: девушки на фонтане на первом плане кажутся изолированным и «вмонтированными» в окружающее их пространство. К подобному монтажному принципу построения композиции прибегали часто и художники-станковисты.
Три обнаженные женские фигуры кажутся сошедшими с полотен Дейнеки или фотографий Родченко, запечатлевших множество культмассовых мероприятий. Девушки веселы, излучают оптимизм, бодрость духа, а их тела подтянуты и сильны. Название работы отсылает к античному образу трех граций — богинь, воплощавших доброе, радостное и вечно юное начало жизни. Женские фигуры на огромном фонтане-чаше воспринимаются монументальной скульптурной композицией, расположенной на территории какого-нибудь Дворца спорта. Таким образом, тела героинь становятся органичной частью архитектурной среды, а огромное серебряное солнце символизирует этот «дивный новый мир».
Тема спорта, здорового тела, внешней привлекательности снова овладела умами современников, о чем свидетельствует бурное развитие фитнес-индустрии, а также услуг эстетической хирургии, косметологии. Идея конструирования «нового человека» в настоящее время так же востребована, как и в раннесоветский период. Однако если человек 1920-х был увлечен утопической идеей строительства светлого мира будущего, то современный человек стремится изменить свою физическую оболочку ради соответствия общественным стереотипам успеха, красоты и здоровья. В настоящее время, как и сто лет назад, важная роль в деле формирования эталонных образов отводится пропаганде. В советский период ее брали на себя подконтрольные государству органы, а сейчас культ тела и спорта пропагандируется во всемирном масштабе крупными корпорациями через рекламу, глянцевые журналы и прочие медийные средства. В этой связи полотна Евдокимова побуждают зрителя лишний раз задуматься о принципах функционирования общества, о судьбе индивидуального начала в условиях тотальной унификации потребительских моделей поведения (Мария Беликова).
Илья Комов. Каталонские сказки. 2018
Илья Комов пишет (как дышит) в разных точках планеты. Он живет в Москве и Средней России, но в его картинах отразились и Черногория, и Париж, и пиренейский Руссильон, и диковина Средиземноморья — Каталония. Там он бывал и оттуда привез замечательные живописные отклики на эти прекрасные места.
<…>
Человек Комова нередко бывает тяжеловесен. И не потому, что модели его таковы по своим физическим данным… Тяжелый синий или тяжелый охристый постоянно появляются в портретах. Художник Комов словно ищет в людях опору. Ему нужны именно такие монументальные глыбы фигур, эти тяжеловесные лики. Он норовит очертить фигуры и головы единым абрисом. Показательно, что он избегает писать свои портреты во весь рост. В самом деле, фигура по пояс гораздо более надежно опирается на широкий «пьедестал», тогда как ступня — опора более хлипкая. Статная фигура в импозантном одеянии, опирающаяся на ноги, — это нелегкая задача на равновесие, знакомая и ваятелям статуй, и мастерам живописных портретов в рост.
<…>
…Легенда о человеке в портретной галерее Комова представлена в его изображениях музыкантов. Среди них есть узнаваемые именитые персонажи… Есть и просто люди музыки, увиденные где-нибудь на концерте , а может быть, и на углу парижской или московской улицы, где флейтист или скрипач зарабатывает себе на пропитание своим искусством.
Люди искусства подчинены тем же законам, что и все прочие. Большинство из них держится за свои инструменты, как родители в семейных портретах прижимают к себе детей. Один обнимает скрипку, другой виолончель или тубу. Они не хотят отпускать хрупкие и драгоценные источники звучания в опасный внешний мир. Людям искусства беспокойно, и контрасты интенсивных тонов то подогревают градус беспокойства, то ошеломляюще охлаждают общее состояние до измороси. Внушительные, надежные фигуры, но и им нет покоя. Никому не дано найти окончательный аккорд (Игорь Якимович, art-life.biz).
Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.
Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов».
Андрей Криволапов. Сказки Шахризаде. 2019
В рельефах и скульптурных композициях из литого стекла Андрей Криволапов достиг удивительного мастерства в очень редкой технологии. Моллирование, которое он использует, — это особая авторская технология отливки из расплавленного стекла в специальных формах. Аналогичные приемы использовали, например, в Древнем Египте, до изобретения сирийцами стеклодувной трубки в I в. н. э. На рубеже XVIII — XIX веков технология была популярна в северо-восточной Франции. Моллирование позволяет Андрею Криволапову не только создавать сложные и большие скульптурные формы из стекла, но раскрывает зрителю совершенно новые грани технических возможностей этого материала. «В своих работах я стараюсь повторить и воссоздать природу стекла, добавляя в стекло окислы металлов, составляя шихту для отливов в форму», — рассказывает мастер о своем творческом методе.
Многочастные серии Андрея Криволапова не имеют аналогов в современном художественном стеклоделии.
Криволапов часто воплощает сюжеты из разного рода источников — античной и восточной мифологии, Ветхого и Нового Завета, былинных сказаний, а также отечественной истории. В данном случае он обращается к известному памятнику средневековой арабской и персидской литературы — собранию сказок «Тысяча и одна ночь», в частности к рассказам о путешествиях Синдбада-морехода.
Одна из главных художественных задач, которую автор решает при работе со стеклом, — подчеркнуть естественность материала, в результате чего его произведения выглядят так, словно их не создал современный художник, а нашли археологи. Скульптура «Сказки Шахризаде» напоминает артефакт, поднятый со дна моря или обнаруженный при раскопках дворца где-нибудь в Междуречье. Это словно часть фрески, на которой древние мастера запечатлели сагу о похождениях легендарного мореплавателя. Криволапов воссоздает дух и стиль прошлого, синтезируя традиции древнерусских монументальных храмовых росписей, готической скульптуры и персидской миниатюры. Прибегая к наивной трактовке фигур, художник изображает на корабле лишь укрупненные головы моряков, возвышающиеся друг над другом. Лица персонажей монументальны и выразительны. Цветовая гамма строится на охристо-черных контрастах. Автор намеренно придает работе неправильную форму, напоминающую осколок, добавляет в фактуру трещины, потертости, призванные символизировать следы времени и подчеркнуть связь этого художественного объекта с историей человечества (Мария Беликова).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Андрей Криволапов».
Pata. Без названия. 2020
Паата Мерабович Мерабишвили — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам. Паата Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а её внутреннюю составляющую, её изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов.
Несмотря на абстрактную стилистику в работах Мерабишвили, его скульптуры всегда наполнены образностью и пространственным построением форм. Автор смело экспериментирует с цветом, техникой, материалами, создавая современные образные произведения. Геометризированные, сложносоставные объёмы скульптур Мерабишвили всегда экспрессивные, динамичные, полные метафор. Автор умело воплощает стремление найти пластический прием, ассоциативно выражающий образ. Владение рисунком ощущается во всех работах автора, но его универсальное значение особенно наглядно при знакомстве с фантазиями из металлических лент и пластин, где все сосредоточено на взаимном их перетекании. Металлические плоскости словно вращаются, скручиваются и раскручиваются, пытаясь предъявить различные способы существования в трехмерном пространстве, при всем их архитектоническом единстве» (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
О художнике читайте на AI: «Персона недели: Скульптор Паата Мерабишвили — Творец создает то, что чувствует, а не то, что видит»
Андрей Мунц. Тетнульди. 2019
Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).
Гора Тетнульди, изображенная на холсте Андрея Мунца, — одна из достопримечательностей Сванетии, исторической горной области на северо-западе Грузии. В переводе с грузинского Тетнульди — «белая гора». Сваны еще называют гору «Невеста». Связано это с легендой. Парень, которого звали Ушба, полюбил красавицу Тетнульди, но родители невесты запретили влюбленным даже видеться. Тогда девушка взмолилась: «Господи, сделай так, чтобы никто не мешал нам смотреть друг на друга». Бог превратил обоих в горные вершины, и с тех пор Ушба и Тетнульди могут видеться в любое время года (7ways.com.ua).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена… внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Игорь Снегур. Слово. Из серии «ТАУ». 1998
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях.
«Слово» по своей технике апеллирует в большей степени к произведениям мастеров европейского дадаизма, создававших коллажи с помощью разного рода подручных материалов — рекламных проспектов, вырезок из газет и журналов, комбинация которых рождала в итоге новые смыслы. Весь содержательный сюжет работы вписан в композицию, организованную в виде греческой буквы Т (тау), в центре которой расположена женская фигура. Низ женского туловища отсылает к журнальной «глянцевой» эстетике, а место торса и головы занимает некое пестрое существо, отдаленно напоминающее насекомое или рога улитки. В результате получается причудливый антропоморфный образ с эротическими коннотациями.
Все остальное пространство за фигурой заполнено словами — одни можно легко прочитать, другие ускользают от зрительского восприятия. Чаще всего в этой череде фраз встречается слово «смысл», с помощью которого художник словно заигрывает со зрителем, дразнит его, заставляя искать этот самый «смысл» в представленном произведении, который нельзя считать сходу и который явно не ограничивается каким-то единственно верным выводом. Снегур философски осмысляет понятие «слово», чему в немалой мере помогает эстетика коллажа, отражающая, с одной стороны, «монтажность» человеческого мышления, а с другой — емкость семантической единицы, заключающей в себе целый пласт сознательных и бессознательных ассоциаций и образов. Слово, по мнению художника, это «онтологически первичное переживание», которое «запечатывается в нашей многослойной системе восприятия» (kuvaldn-nu.narod.ru). В этой связи работу можно рассматривать как метафору слова как такового — слова, лежащего в основе мироздания, слова, отождествленного с Абсолютом (Мария Беликова).
Живопись Ирины Раковой
До 30 июня в галерее ARTinvestment.RU «21-й век» открыта выставка «Сага о стуле в 15 частях» Ирины Леонидовны Раковой. Мы включили в каталог аукциона 5 полотен художницы.
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com ).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова» .
Желаем удачи на 71-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210621_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210621_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
