Открыт 67-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   24 мая 2021

В каталоге собраны произведения Юрия Бабича, Марии Буртовой, Димы Горячкина, Владимира Коркодыма, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Николая и Александра Передних, Романа Рахматулина, Сергея Смурова, Сергея Терехова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 381 и 67-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 67-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — шесть живописных произведений, две фотокомпозиции, одна работа в смешанной технике и одна бронзовая скульптура

Юрий Бабич. Портрет девушки. 2010

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Мария Буртова. Самоизоляция 1. 2020

«У всех художников бывают наиболее продуктивные периоды. У Марии Буртовой этот период случился в нелегкие времена пандемии.

День за днем она работала, творила и создавала образы самоизоляции. Ее взгляд был обращён к пейзажу, сюжетным сценам в метро, были и детские игрушки, да и просто все мы, погруженные в страх и трепет неизвестности завтрашнего дня и системы запретов.

Подобные темы захлестнули большинство авторов в то время, но у Маши масочно-пандемийные сюжеты приобрели иной характер. Поэтически философский. Образы — это рефлексия человеческого ума. Ума, который призывает зрителя к соразмышлению.

Рассматривание работ Марии Буртовой — это диалог.

Диалог с художником.

Художники всегда на карантине и в самоизоляции. Что помогает им создавать» (текст предоставлен М. Буртовой).

Дима Горячкин. Микеланджело лайт. 2018

Критик Александр Панов дал очень точное определение моим работам: «Ты пытаешься восстановить отсутствующие воспоминания». Дело в том, что у меня физиологически очень плохая память. У меня почти нет в бэкграунде детских, юношеских воспоминаний. Но меня всегда интересовало мое прошлое, прошлое предков, взаимосвязи между временами, социумами, пространствами. И так как я достаточно большой эгоист, мне было интересно, прежде всего, как это все преломлялось во мне. А поскольку я ничего не помню…

— Это не сами воспоминания, а их символы?

— Именно. Я восстанавливаю не конкретные воспоминания, а их значение для меня (Дима Горячкин, rus.lsm.lv).

Мои фотографические работы как бы принципиально неровные, они вычищены, части изображения вынуты сильными мазками сухой кисти. Для меня это важная деталь. Это внутренняя пластическая игра с моими же воспоминаниями, и даже не игра, это скорее борьба за них, против них, восстановление внутренних связей, причем не в буквальном значении этого слова, а как символ моих взаимоотношений с прошлым, даже которого я не знаю. Так как я глубоко уверен, что мы проживаем не одну жизнь, а несколько, то это попытка пройти сквозь свое сознание и, может быть, узнать, откуда я — не в буквальном смысле, кем я был, пастухом или кем-то другим, а чем было мое сознание тогда, двадцать лет назад, пятьдесят, сто, и как произошло мое внутреннее перерождение (Дима Горячкин, rus.lsm.lv).

Владимир Коркодым. Все те же дельфиниумы. 2006

Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого (Владимир Коркодым).

Как и у великих классиков, у Коркодыма пониманию бренности жизни сопутствует еще большая любовь к ней, внимание к мельчайшим ее деталям, в каждой из которых заключаются подлинные счастье и радость бытия. Хрупкость цветов, собранных в букеты, лишь добавляет им красоты, в них особенно ярко раскрывается чувство цвета, присущее художнику, — цвета сложного, насыщенного, богатого на самые смелые оттенки (artinvestment.ru). Букет дельфиниумов на картине Владимира Коркодыма производит такое же поразительное впечатление, как даже небольшой куст самих цветов в природе: море оттенков синего, светло-голубого и темно-голубого, лилового, белого, вкрапления черного и еще множества цветовых нюансов. Каждый цветок дельфиниума, даже если они давным-давно растут рядом и сто раз переопылялись, совершенен в своей оригинальности в природе и на холсте художника!

Большое и важное место в творчестве Коркодыма занимают цветы. <…> Он сам выбирает, покупает, сажает семена и луковицы, ухаживает за ними. Садовые, полевые, луговые, лесные цветы — всё воплощает его талантливая кисть. В этих натюрмортах проявляется страстная душа автора, его темперамент, задор и колористическая смелость. И в этих работах в равной степени проявляются талант живописца, композитора картины и чувство юмора, с которым составлены многие холсты. Удачно поставленный натюрморт — половина успеха. В слишком «правильном» букете художник надламывает стебель, выдёргивает пучок, нарушая симметрию, бросает опавшие лепестки на первый план. Цветочные натюрморты Коркодыма — это признание в любви ко всему растительному миру нашей планеты (Юлия Ануфриева).

Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Владимир Коркодым».

Pata. Ла Ванда. 2007

Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) известен в первую очередь как скульптор, развивающий традиции французской пластики рубежа веков и первой трети ХХ века (А. Майоля, Ж. Липшица, А. Архипенко, О. Цадкина, Н. Габо). Однако помимо скульптуры Pata создает множество живописных и графических произведений, стилистика которых также отсылает в первую очередь к французскому искусству: художник переосмысливает живописную манеру П. Пикассо, А. Модильяни и других мастеров.

Изучение пластических возможностей человеческого тела, характерное для скульптуры, переносится художником и в сферу живописи и становится центральной художественной задачей. В частности, в изображении главной героини картины «Ла Ванда» (2007) — сидящей обнаженной — заметно выраженное стремление акцентировать объёмы фигуры, в результате чего наблюдается «лепка» живописной формы, желание добиться максимальной осязательности образа. В отказе от натуроподобия, в упрощенной трактовке тела, подчеркивании удлиненных и непропорциональных конечностей женского персонажа обнаруживаются влияния наивного искусства в духе А. Руссо и Н. Пиросмани. В результате художник создает чувственный женственный образ. Абстрактный фон, написанный на контрасте теплого оранжевого и холодного лавандово-лилового цвета, вносит элемент декоративности в решение всей композиции (Мария Беликова).

Андрей Мунц. Спонтанное чувство. 2019

Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена… внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Николай и Александр Передние. Сирень. 1975

Холст «Сирень» (1975) выполнен совместно художниками Николаем Передним и его сыном Александром Передним. Степень творческого вклада каждого мастера определить невозможно, но внимания заслуживает, безусловно, каждый из них.

Годы обучения и работы Николая Переднего в Киеве в конце 1920-х оказались связаны по большей части с монументальным искусством, и строчка из воспоминаний художника об этом периоде и, в частности, о том, что его эскизы оформления Киева к юбилею революции утвердила правительственная комиссия, сегодня кажется провидческой: «Счастливый жребий выпал мне. Но скоро пришло ощущение, что я иду не в том направлении» (facebook.com).

К тому же в те же 1930-е на смену традициям монументального искусства первых лет революции постепенно, но неуклонно приходили принципы соцреализма, искусства, лишенного вдохновения. Передний перевелся в Москву, на 3-й курс Института изобразительного искусства (ныне МГАХИ им. В. И. Сурикова), в мастерскую А. А. Осмеркина. Потом была война, отступление в частях народного ополчения от Вязьмы до Москвы, отозвание с фронта и эвакуация в Самарканд вместе с институтом, защита диплома (1942), переезд и творческая работа в Новосибирске, возвращение в Москву и работа в экспериментальной творческой мастерской под руководством П. Д. Корина, знакомство с Р. Р. Фальком, переросшее в дружбу.

Конец 1940-х для деятелей искусства был удушающим, Передний писал, что ему «пришлось приспосабливаться» и считал это своей «слабостью». Множество официальных портретов членов правительства (иной раз высотой в несколько этажей) принесли успех (вновь успех, и вновь не то и невозможность творчества) и давали средства к существованию, а творчество оставалось за закрытыми дверями мастерской, где, ученик Александра Осмёркина и друг Роберта Фалька, Николай Передний работал по-своему, сумев сохранить свои манеру и убеждения, живописные ценности, пиетет к постимпрессионистам начала века.

В 1960–80-е годы художник экспериментировал в разных направлениях, писал натюрморты, портреты и пейзажи, то используя пуантилистскую технику, то по-своему интерпретируя творческий метод cезаннистов. Эти десятилетия ознаменованы расцветом в живописи Переднего, когда на первый план выступила индивидуальность художника и его собственный живописный подход к окружающему миру.

Сын Николая Переднего Александр Передний «писать начал рано, лет в 5-6, и почти сразу маслом, — читаем в пресс-релизе выставки “Александр Передний. Десятилетие после смерти” (2004, ЦДХ). — Первый автопортрет художника — ему всего пять лет. Он поразительно похож на автопортрет зрелого мастера — Жоржа Руо. Он умер в 1958-м, в год рождения Саши... Непостижимая близость цвета, света, общего строя двух портретов, но главное, взгляд — грустный, обращенный внутрь себя...

Профессионального образования у Александра Переднего, кроме детской художественной школы (МСХШ), не было. Впрочем ему и не нужен был институт — Переднего приняли в МОСХ, в самую главную секцию — секцию живописи — “по факту”, как работающего мастера. И это было вполне справедливо, без всяких натяжек. В МОСХ было тайное голосование. На тот момент (1979 год) он был самым молодым членом Союза. Ему исполнился 21 год.

Все работы Александра Переднего — это безукоризненное понимание плоскости холста, всегда четко выверенная композиция, четкий ритм цветовых пятен, безупречный колорит, очень много точных попаданий. И всегда — культура поверхности. Тот самый, непременный для живописца красочный слой, милая сердцу стоящего живописца фактура. Очень красивые, крепкие пейзажи, классные натюрморты — это, бесспорно, Сашин конек» (museum.ru).

Роман Рахматулин. Ночь Кутузовского проспекта. 2020

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Художник Роман Рахматулин искренне любит Москву, а его авторская манера деликатно преображает самые узнаваемые московские пейзажи: оставляя «в фокусе» единственный, самый значимый и красивый объект, художник скрывает в потоках дождя, отсветах фонарей, наплывах тумана фрагменты пейзажа, легким намеком сообщая об их присутствии. Разбегающиеся в разные стороны автомобили сообщают всей композиции дополнительную естественную динамику. Дождь, свет, машины — все движется, и тем большее внимание зрителя сосредотачивается на «фокусном» объекте. Зритель любящим взглядом вглядывается в преображенный вид и знакомится с ним заново.

***

Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.

Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru ).

Сергей Смуров. Лежащая. 1991

В своем творчестве московский скульптор Сергей Смуров (1957) развивает традиции авангардистской скульптуры, заложенные мастерами Парижской школы (П. Пикассо, Ж. Миро, А. Джакометти, А. Архипенко и др.), проводившими радикальные эксперименты в поле пластической выразительности. «Для меня главным в скульптуре является архитектоническая конструкция человеческого тела. Я всегда стремлюсь к обобщению и абстрагированию, метафоричности, монументальности образа», — говорит сам Смуров о своем творческом кредо.

В представленной камерной бронзовой скульптуре можно наблюдать переосмысление классического образа «лежащая обнаженная»: скульптор отказывается от натурного восприятия и трактует женскую фигуру предельно обобщенно. Он не просто лишает женский персонаж портретных характеристик, но превращает его в своего рода архетипический символ. Силуэтные линии, формирующие трехмерный объем фигуры, отсылают во многом к эстетике графического рисунка. Испанский мастер первой половины ХХ века Х. Гонсалес называл подобного рода скульптуры «рисунками в пространстве».

При этом важную роль в формировании образа играют «пустоты», составляющие неотъемлемую часть композиции и несущие в себе смысловую нагрузку. Намеренно оставляя незаполненные, пустые участки в фигуре лежащей, скульптор акцентирует внимание на женской телесности. Именно эти «пробелы», пропускающие через себя окружающее пространство, а следовательно, и весь мир, усиливают метафорический образ женского начала как всеобъемлющего источника жизни (Мария Беликова).

Сергей Терехов. Мгновения счастья, или Пир во время чумы. 2020

Завершает каталог метровый оргалит «Мгновения счастья, или Пир во время чумы» (2020) подмосковного художника Сергея Николаевича Терехова.

Желаем удачи на 67-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI