Художник недели: Урс Фишер
ARTinvestment.RU   29 ноября 2013

С 20 ноября 2013 по 18 января 2014 в центре Sadie Coles HQ в Лондоне можно увидеть новую выставку-инсталляцию Урса Фишера «Мелодрама» — 3000 больших разноцветных пластиковых «капель», подвешенных на леске, на фоне массивных разноцветных облаков

Я думаю, что быть художником —  это плохо
для любого человеческого существа.
Это ужасно. Вы хотите что-то создать,
но вы постоянно пытаетесь решить что именно.
Урс Фишер

Урс Фишер — один из самых ярких представителей современного искусства. Провокатор, во многом новатор, весельчак и один из самых востребованных на сегодня художников, он воплощает фантазии и мысли (веселые и кошмарные) в реальность в буквальном смысле этого слова. Его работы часто кажутся застывшим сном, воплотившимся в реальном мире, и никого не оставляют равнодушными.

Родился Урс Фишер 2 мая 1973 года в Цюрихе. О его детстве известно немного: он не особо распространяется о своей личной жизни. Но в одном из своих интервью он обмолвился, что вырос в семье врачей. Его отец был хирургом, работал со сложными травмами и хранил в гараже фотографии пациентов — до и после операций. Урс вспоминал, что подростком любил рассматривать эти фото вместе со своей сестрой, ему была интересна идея тела как материала, изменяющего форму. Во всем остальном в свои шестнадцать лет он был обычным подростком, склонным скорее засесть с друзьями в кафе, чем к разговорам об искусстве.

Он не имеет специального художественного образования, но изучал фотографию в школе дизайна в Цюрихе. В 1993 году 20-летний Фишер переехал в Амстердам и вплотную занялся изобразительным искусством — созданием рисунков, коллажей, объектов и масштабных инсталляций. Специалисты связывают этот ранний этап его творчества в первую очередь с такими художественными и философскими течениями, как неодадаизм, Lost art и даже ситуационизм (сегодня, впрочем, он изменил предпочтения и не скрывает принадлежности к сайентологии). То есть художника в тот период больше всего интересовали различные контркультурные направления, противопоставление собственного творчества общественно одобряемым формам самовыражения.

Несмотря на противление традиционному искусству, его работы неплохо принимались критиками: в 1995 и 1999 годах он был награжден Федеральной премией независимого искусства, в 1996-м в одной из галерей Цюриха прошла его первая персональная выставка.

С середины 1990-х Фишер много и успешно выставляется по всей Европе, а в 1999 году он приехал жить и работать в Нью-Йорк, который стал его вторым домом: именно здесь расположена его постоянная мастерская, здесь растет его дочь. На вопрос, почему он выбрал именно Нью-Йорк, в одном из интервью Фишер ответил так: «Я пытался жить в других местах. Они слишком монокультурны. Мне нравится многообразие». При этом себя Фишер считает в первую очередь европейцем.

Многообразие Нью-Йорка во многом помогло и творческому развитию художника. Он учится на собственных вещах, читает книги по искусству, смотрит, что и как делают другие. В интервью не раз признавался, что с удовольствием покупает работы тех, кто ему нравится, — чтобы просто наслаждаться ими в свободное время, и пристально изучает работы тех, чьи взгляды на искусство ему не близки, — потому что всегда интересно изучить ход мыслей, отличный от собственного.

Вообще для Фишера наибольшую важность представляет не эстетическая, а именно интеллектуальная составляющая того, что он делает и видит, некая система образов-ассоциаций, незамкнутая композиция. «В эпоху Возрождения художники работали над образным воплощением таких понятий, как рай и ад. Так они помогали выстроить общественное сознание. Сегодня этим занимается поп-культура — она доступнее, быстрее, лучше. Искусство здесь больше не нужно. В смысле воздействия на людей и красоты воплощения из нас ближе всех к Микеланджело стоит Уолт Дисней. …Я не думаю, что искусство важно настолько, насколько это принято считать. Для части общества, которая хочет противопоставить себя масс-культуре, искусство — это их Дисней… Я разочарован тем, что, кажется, невозможно создавать еще лучшие произведения искусства. Мы все ленивы. Почему невозможно творить в точности так, как я себе это представлю, как мне на самом деле нравится?» (Урс Фишер).

Вот именно так и стремится работать сам Фишер — исходя из собственных представлений об искусстве, не ограничивая себя каким-либо направлением, техникой и даже видом искусства. Искусство Фишера двух последних десятилетий можно назвать своеобразным продолжением идей дада, поп-арта, сюрреализма. В многочисленных инсталляциях, скульптурах и эстампах он пользуется приемами и реди-мейда, и гиперреализма; излюбленного материала тоже, похоже, нет — в ход идут пенопласт, глина, зеркала, воск, дерево, стекло, краски, опилки, силикон и т. д.

Его проекты метафоричны, остроумны и саркастичны. Достаточно вспомнить огромную яму, выкопанную им в полу галереи Gavin Brown’s в 2007-м, или серию работ Problem Paintings 2012/2013 годов, в которых он дополнил общедоступные фотографии и портреты голливудских актеров и прочих знаменитостей разными предметами или их гиперреалистичными изображениями (двух- или трехмерными), заменяя ими части человеческого лица. В качестве таких дополнений Фишер использовал грибы, свекольную ботву (Gagosian, Beverly Hills, 2012), жареные яйца (Gagosian, Rome, 2013), водопроводный кран и пр. (До Фишера чем-то подобным в XVI веке занимался Арчимбольдо, но тот был более основателен и не так изобретателен в выборе материала.)

Поначалу Фишеру было интересно изменить пространство, не вторгаясь в суть материй, это пространство населяющих, — он наполнял галерейные комнаты камнями, копал в них ямы, оставляя кучи земли, прорубал стены, открывая дорогу воздуху извне. Этакий своеобразный реди-мейд. Позже неизменная форма предметов пришла с автором в идейное противоречие. Раз искусство не подчиняется законам, но призвано воплощать нечто воображаемое, значит, и произведение искусства не может быть неизменным, оно должно меняться так же, как образы сменяют друг друга в голове творца, — быстро и бесконтрольно. И теперь пространство, в котором находятся его творения, изменяется вместе с ними самими, для чего Фишер использует материалы, изменения которых он не может контролировать: фрукты и хлеб — меняют форму, цвет и запах, свечи — тают, и хотя тающий воск никуда не девается, но он меняет форму (и даже, на краткое время, агрегатное состояние), источает тепло. Фишер позволяет своим работам произвольно меняться и вызывать различные эмоции и ассоциации на протяжении всего времени своего существования. Скажем, в инсталляции 2000 года, он сшивал попарно половинки фруктов и овощей, например банана и баклажана, и развешивал их в пространстве галереи, позволяя зрителям наблюдать изменения, происходящие с получившимися фантазийными органическими объектами.

В 2003 году Фишер открыл для себя новый материал, способный воплотить его замыслы, — воск. На выставке в галерее Sadie Coles были впервые представлены его гиперреалистические восковые фигуры. Отливкой чего бы то ни было из воска художник не ограничивается — это слишком просто. Интереснее полить воском, например, тарелку с фруктами — воск сохранит их форму тогда, когда сами плоды ее утратят. Почему именно еда? «Она живая, — считает Фишер. — …Самое замечательное в фруктах то, что сами по себе они лишь питательная среда вокруг семечка… и лишь достигнув стадии разложения, они дают семени вещества, позволяющие ему вырасти и стать чем-то самостоятельным».

В дальнейшем он усовершенствовал использование воска. Для композиции «What if the phone rings» он изготовил три свечи в виде фигур обнаженных женщин в натуральную величину в весьма откровенных позах; гигантские свечи могут гореть на протяжении всего шоу.

Идея тающей скульптуры-свечи получила свое развитие в следующем проекте Урса Фишера «Похищение сабинянок» («Без названия»), созданном для показа на Венецианской биеннале — 2011. Проект этот — трехчастная инсталляция: пятиметровая восковая копия маньеристской скульптуры «Похищение сабинянок» итальянца Джованни Болоньи (1583, Лоджия деи Ланци, Флоренция) и стоящего перед ней «зрителя» (портрет друга художника в масштабе 1:1) — персонажа из нашего с вами пространства, стоящего в свободной позе — руки в карманах, очки на лбу — с зажженным фитилем на голове. «Сабинянки» и «зритель» созданы из одного и того же материала, обладают теми же качествами, одинаково могут плавиться; при этом «зритель» и настоящие люди из публики тоже почти неразличимы — и все они застыли в задумчивости перед «Сабинянками». Таким образом, «зритель» объединяет «Сабинянок» Болоньи и Фишера, прошлое и настоящее, живых людей и восковые фигуры, и еще несет те смыслы, которые видит в нем каждый посетитель (например, «застыть» у произведения может любой, но только «зритель» смог застыть сразу в обоих смыслах этого слова)… Еще один интересный эксперимент с материалом и техникой — «Хлебный дом» (2004). Из буханок хлеба, пенопласта и дерева Фишер построил дом в натуральную величину на манер альпийской хижины и поселил в нем четырех нелетающих птенцов попугая, предоставив им питаться крошками, на которые распадался «дом».

Для Фишера человеческое тело, растение, плод, земля, дерево, камень, прищепка, лампа, стул и пр. — материалы одного порядка и потому обладают сходными свойствами и равной значимостью. Он запросто играет с ними, смешивая их друг с другом в любых пропорциях для достижения желаемого результата. Играя с различными свойствами и качествами предметов, Фишер создает новые формы-образы из знакомых зрителю объектов (нередко бытовых, вроде кирпича или пачки сигарет) — например, помещает 4 фотографии разных граней той же пачки сигарет на 4 грани прямоугольника. При этом первоэлементы утрачивают свои специфические свойства — и на первый план выступает то общее, что есть у них.

Художник вовлекает зрителя в свои игры не только умозрительно и ассоциативно (это уж непременно, иначе зачем было всё затевать), но и буквально, физически, т. е. создает особую реальность, находясь в которой зритель становится частью композиции — как, например, в инсталляциях «Похищение сабинянок» или «Миссис Фишер» (2011), где зрители оказываются в мастерской художника рядом с обнаженной «натурщицей».

20 ноября 2013 года в Лондоне открылся показ его новой инсталляции «Мелодрама». В ней прослеживаются мотивы и «Миссис Фишер», и более ранней работы Horses Dream of Horses (2004), содержащей «всего» 1500 «капель» разного размера. Фишер позволяет зрителю почувствовать себя лилипутом, ребенком, приглашает его в мир фантазии, в котором отсутствует логика, законы пропорции, физики. Там огромные «капли» (этот элемент часто встречается у Фишера — например, в картине «Завтра» (2010. Алюминиевая панель, акрил), подвешенные на почти невидимой леске, летят над разноцветными полулежащими женскими фигурами. Всё это вводит человека в мир бескрайней фантазии художника, буквально воплощающего свои фантазии в реальность и открывающего для нас значение и мир искусства заново.

Фишер много сотрудничает с музеями и уделяет большое внимание выставкам, считая, «что это не мертвые места, а территория творческих идей и энергетической подпитки автора». В 2011 году он выставил на Парк-авеню в Нью-Йорке бронзового семиметрового «плюшевого» медведя весом 20 тонн, увенчанного гигантской настольной лампой. «Концентрация различных идей без ссылки, — так объяснил работу автор, — но мне нравится реакция водителей в машине». Некоторое время спустя скульптура была продана на аукционе Christie’s почти за 7 миллионов долларов. В 2013 в музее современного искусства в Лос-Анджелесе (MOCA) с успехом прошла ретроспектива Фишера — пожалуй, самая масштабная его выставка.

По достоинству оценивают Фишера не только широкая публика и специалисты музеев, но и участники арт-рынка.

На сегодняшний день известно более 50 появлений работ 40-летнего художника в каталогах различных аукционных домов (в том числе Christie’s и Phillips). Почти все они продаются и почти всегда с превышением эстимейта. Вот парочка совсем свежих результатов: на торгах Post-War and Contemporary Evening Sale аукционного дома Christie’s 12 ноября этого года выставлялось две его работы — Daylight Pillow 2004 года (эстимейт 700 000–900 000 долларов, продана за 1 085 000 долларов) и Horse Fraud 2010 года (эстимейт 800 000–1 200 000 долларов, продана за 785 000 долларов).

Топ-три работ художника на сегодня. Первое место в списке самых дорогих работ художника занимает тот самый «плюшевый медведь» — скульптура 2005 года «Без названия» («Лампа/Медведь»), проданная на Christie’s 11 мая 2011 года за 6 802 500 долларов. Вторую строчку рейтинга занимает скульптурная группа 2010 года «Без названия» («Стоящий») — она обошлась покупателю на Christie's 8 мая 2012 года в 1 314 500 долларов. За ней следует картина Pinky, за которую 15 мая 2013 года на Christie's новый владелец заплатил 1 203 750 долларов.

Мария Кузнецова, AI

Источники: sadiecoles.com; ursfischer.com; vmireinteresnogo.com; artlyst.com; interviewmagazine.com; artsy.net; artsy.net; blogforlife.org; ru.wikipedia.org; artinvestment.ru