СОВРЕМЕННОЕ РОССИЙСКОЕ ИСКУССТВО

Галерея 21-й век ARTinvestment.RU

  • Тагути
  • Малинина
  • Красношлыков
  • Рожкова
  • Ян



Открыты 379-е торги AI Аукциона
ARTinvestment.RU   10 мая 2021

В каталоге 20 лотов: 14 живописных работ, два листа оригинальной и один — печатной графики, две работы в смешанной технике и одна икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 379 и 65-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 379-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 14 мая, в 12:00.

Открывает каталог икона «Спас оплечный», написанная, предположительно, в XVII веке.


Икона «Спас Оплечный». XVII век (?)
Дерево, левкас, темпера. 31 × 27

Оплечные изображения Христа, по одной версии, представляют собой сокращенный вариант широко распространенного иконографического типа Христа Вседержителя. Некоторые исследователи относят такие изображения к самостоятельному типу, указывая на существование оплечных икон крупного размера и подчеркнуто репрезентативного характера. На большинстве подобных памятников акцентировано перекрестье за главой Спасителя. И. А. Шалина называет в качестве единого их прототипа знаменитый образ «Христа Халки» над вратами Халки в императорском дворце Константинополя. Древнейшие иконы, вероятно, повторяющие тип «Христа Халки» (например, «Спас Златые власы» из Успенского собора Московского Кремля), датируются XII веком.

В XIV веке оплечные изображения Христа, восходящие к византийским прототипам, получают на Руси большое распространение. Именно к XIV веку относятся известные иконы подобного типа из Успенского собора Московского Кремля. С середины XVI века уменьшенные повторения прославленных святынь нередко выступают в качестве вкладных и обетных икон царской семьи (по И. Л. Хохловой, icon-art.info).

Русское искусство второй половины XIX — начала ХХ века


МАКОВСКИЙ Владимир Егорович (1846–1920) Корова на лугу. 1875
Холст на фанере, масло, процарапывание. 39,8 × 46,8

Один из топ-лотов сегодняшнего аукциона — небольшой холст «Корова на лугу» (1875) Владимира Егоровича Маковского.

Владимир Маковский родился в Москве в семье Е. И. Маковского — художника-любителя, коллекционера искусства и общественного деятеля, одного из основателей МУЖВЗ. Младший брат художников Александры, Константина, Николая Маковских. Первоначальное художественное образование получил под руководством отца. В 1858 поступил в МУЖВЗ, учился у Е. С. Сорокина и С. К. Зарянко. В 1866 за картину «Литературное чтение» был награжден  большой золотой медалью и выпущен из Училища со званием классного художника 3-й степени. В 1869 за картину «Крестьянские мальчики стерегут лошадей» Советом ИАХ удостоен золотой медали М.-Л.-Е. Виже-Лебрен «за экспрессию» и звания классного художника 1-й степени; в 1873 — звания академика за картину «Любители соловьев».

В 1871 экспонировал свои работы на Первой выставке ТПХВ, в 1872 стал членом и постоянным участником выставок Товарищества до 1918 (с перерывами). Многие картины с выставок ТПХВ купил в свое собрание П. М. Третьяков.

Владимир Маковский — один из ведущих мастеров жанровой живописи второй половины XIX века. В своем творчестве он выступал продолжателем традиций критического реализма, заложенных П. А. Федотовым и В. Г. Перовым. В произведениях Маковского обличительная интонация часто соседствовала с мягким юмором, интересом к повседневной жизни во всем ее многообразии. Для работ раннего периода характерны повествовательность, тщательная выписанность деталей, сдержанность колорита, стремление к предельной завершенности. С годами в его живописной манере появились большая свобода, гибкость и эмоциональная выразительность. Картины Маковского всегда пользовались успехом у знатоков и публики.

«Среди произведений Владимира Егоровича Маковского встречается ряд композиций с изображением коров и бычков на выпасе, — отмечает эксперт. — В 1874 году по заказу А. Н. Голяшкина художник выполнил картину “Стадо (с фермы господина Голяшкина)” (холст, масло, 111 × 165, ГРМ). Александр Николаевич Голяшкин (1824–1880) — вице-президент Общества скотоводства, член совета Императорского русского общества акклиматизации животных и растений, вице-председатель Московского общества улучшения скотоводства в России, член комитета Общества любителей художеств. Известно, что В. Е. Маковский работал на ферме А. Н. Голяшкина и писал животных с натуры… Работы выполнены с большой тщательностью и вниманием к деталям. Исследуемая картина с изображением коровы продолжает ряд таких работ».


БЕНУА Александр Николаевич (1870–1960) Мадам L. C. D. C. в церкви. Рисунок с гравюры XVII века. 1905–1906
Бумага, тушь, карандаш. 28,5 × 22 (в свету)

Творчество Александра Николаевича Бенуа мы, как правило, представляем в разделе авторов Русского Зарубежья, однако в этот раз мы рассказываем о его работе именно там, где ему и надлежит быть. Рисунок «Мадам L. C. D. C. в церкви» (1905–1906) с гравюры Антуана Труво (Antoine Trouvain, 1656–1708) «Madame L. C. D. C. estant à l'Église» (1695) относится к серии рисунков с французских гравюр XVII–XVIII веков, сделанных художником во время работы в библиотеках Парижа и Версаля в 1905–1907 годах. «Собранные художником… материалы были использованы при создании исторических исследований и оформлении спектаклей», — отмечают эксперты. Бенуа писал, что произведения мастеров, изобразивших «в серии ремесленно-тонких гравюр интимную жизнь Версальского двора… бесценны для истории быта и одежды». По мнению экспертов, исполненные с гравюр рисунки А. Н. Бенуа, «безусловно, представляют авторское прочтение первоисточника. Художник как бы “оживляет” печатную технику, возвращая свежее ощущение оригинального рисунка. Характер преображения источника позволяет понять особенности формирования пластического языка графики А. Бенуа, его удивительного самобытного рисовального почерка, укорененного в искусстве прошлых эпох, хранящего “эхо прошедшего времени”».


МУРАВЬЁВ Владимир Леонидович (1861–1940) Волки в зимнем лесу. 1905
Бумага на картоне, темпера. 45 × 14,7 (бумага), 46,5 × 16,2 (картон)

Замечательна по красоте и уровню исполнения темпера «Волки в зимнем лесу» (1905) работы графа Владимира Леонидовича Муравьёва. Вольноприходящий ученик Академии, он учился у М. К. Клодта и Ю. Ю. Клевера, пользовался советами К. Я. Крыжицкого, был членом Санкт-Петербургского общества художников и Общества русских акварелистов, активно выставлялся на академических выставках, а в 1893 году провел персональную экспозицию. Граф Муравьёв был талантливым пейзажистом, по-настоящему тонко, без слащавости, понимавшим русскую природу, лес и его обитателей. Страстный любитель и знаток охоты, повадок животных, их поведения, Муравьёв перенес свое глубокое пристрастие на листы и полотна. Картины графа Муравьева нравились и были востребованы публикой, активно публиковались в дореволюционной печати.


СЕРЕБРЯКОВА Зинаида Евгеньевна (1884–1967) Осень. 1909
Бумага верже, темпера. 40,8 × 54,6

Пейзаж «Осень» (1909) Зинаиды Евгеньевны Серебряковой, как пишет эксперт, вероятно, «относится к обширной серии зарисовок, выполненной художницей с натуры в окрестностях усадьбы» Нескучное Курской губернии, в доме родителей художницы, где «начиная с 1898 года и вплоть до осени 1917 года» З. Е. Серебрякова жила «каждые весну и лето».

«Впечатления — и жизненные, и чисто живописные, — получаемые Зиной Лансере от пребывания в Нескучном, были необыкновенно сильны и во многом определили характер и особенности ее творчества, не только юношеского, но и зрелого.

Имение Нескучное было расположено между Белгородом и Харьковом и отличалось характерной для северной Украины живописностью. А. Н. Бенуа рассказывает о своих впечатлениях от этих мест: “Вид был поистине восхитительный в своем безграничном просторе и своей солнечной насыщенности. Ряды невысоких холмов тянулись один за другим, все более растворяясь и голубея, а по круглым их склонам желтели и зеленели луга и поля: местами же выделялись небольшие, сочные купы деревьев, среди которых ярко белели хаты”. Читая это описание, с особой ясностью начинаешь понимать, откуда так рано появилась в пейзажах Серебряковой особая “картинность”, почти утраченная — под напором “этюдности” — русской пейзажной живописью десятых годов. И не случайно мы много раз встретимся в акварелях юного и на холстах уже зрелого мастера с этими поэтичными “безграничными солнечными просторами”» (А. А. Русакова, цит. по: biography.wikireading.ru).

Искусство художников Русского Зарубежья


МИЛИОТИ Николай Дмитриевич (1874–1962) Коррида. 1920-е
Картон, масло. 19 × 23,5

Живописная композиция «Коррида» (1920-е) принадлежит кисти Николая Дмитриевича Милиоти — одного из наиболее ярких представителей русского символизма.

Уроженец Москвы Николай Милиоти происходил из купеческой семьи. В 1894–1900 учился в МУЖВиЗ сначала в качестве вольнослушателя, а с 1897 — постоянным учеником. Занимался под руководством А. Е. Архипова, Н. А. Касаткина, С. В. Иванова, Л. О. Пастернака, К. А. Коровина, В. А. Серова. С 1898 посещал лекции на историко-филологическом факультете Московского университета. Однако полного курса обучения не окончил. В 1896–1898, 1902–1906, 1911–1912 предпринимал поездки по Европе. В Париже учился в частных школах-мастерских Д. Уистлера, Ф. Коларосси, занимался в Академиях Витти и Жюльена, где его наставниками были Ж. Лоран и Ж.-Ж. Бенжамен-Констан. Слушал лекции в Сорбонне.

Жил в Москве. В 1904 вступил в Союз русских художников. В 1906 принял участие в выставке русского искусства, организованной С. П. Дягилевым в Париже, а затем в Берлине. По собственному признанию художника, был первым среди всех экспонентов выставки, чьи произведения попали в парижские частные коллекции. В том же году экспонировал свои работы на выставке объединения «Мир искусства».

В 1907 вместе с соучениками по МУЖВиЗ (П. В. Кузнецовым, Н. Н. Сапуновым, С. Ю. Судейкиным, П. С. Уткиным и другими) стал одним из устроителей выставки «Голубая роза» в Москве, а также членом-учредителем общества «Свободная эстетика». В 1907 прошла первая персональная выставка Милиоти в Брюсселе. В 1908–1909 выставлял свои произведения в Венском Сецессионе. В 1910 был одним из инициаторов возобновления «Мира искусства», участвовал в его выставках, в 1912–1916 входил в Комитет объединения. Занимался журнальной графикой, сотрудничал с журналами «Золотое руно» (1906) и «Аполлон» (1910). В 1910 получил почетную золотую медаль на Международной художественной выставке в Брюсселе.

В 1915 призван в армию в чине прапорщика, служил в Карпатах. В июне 1917 по ходатайству двадцати трех московских художников перед Временным правительством освобожден от воинской повинности и демобилизован.

В 1918–1920 жил в Ялте, занимал должность председателя Комиссии по охране художественных сокровищ Крыма. В 1920 переехал в Софию. В 1921–1922 жил в Берлине, в 1923 поселился в Париже. Сотрудничал в журнале «Искусство славян», издаваемом в Вене и Лейпциге. С 1924 работал художником-декоратором в кукольном «Театре деревянных комедиантов» Ю. Л. Сазоновой-Слонимской. В 1924–1925 около года жил в США, затем вернулся в Париж. С 1926 преподавал в Институте декоративного искусства, в 1929–1930 — в Русской художественной академии Т. Л. Сухотиной-Толстой. Входил в союз деятелей русского искусства во Франции, в 1931 стал членом правления.

Указывая, что расцвет творчества художника пришелся на 1900-е — 1910-е годы, эксперт отмечает характерные для картин Милиоти «тонкий лиризм, загадочность образов, словно растворяющихся в живописной стихии, звучность цветов» и относит мотив произведения к зрелому творчеству художника, когда он много путешествовал (в частности, в 1924–1925 около года жил в США). К сожалению, работа не датирована, эксперт не указывает места ее создания, однако предполагает, что на картине изображена традиционная испанская коррида, практикующаяся «также и в некоторых других странах, в частности в Южной Америке».


ШАГАЛ Марк Захарович (1887–1985) Побег нагишом (La Fuite Tout Nu). Лист LXIX из 2-го тома книги Н. В. Гоголя «Мертвые души» (Les Âmes mortes, Париж: изд-во Tériade, 1948). 1923–1927
Бумага, офорт, сухая игла, акватинта. 23,5 × 30,2 (лист в свету), 20,6 × 27,5 (изображение)

В 1923–1927 годах были исполнены иллюстрации Марка Захаровича Шагала к поэме Гоголя «Мертвые души», одна из которых — «Побег нагишом» (лист LXIX из 2-го тома издания) — вошла в нашу подборку. Каждая из 96 иллюстраций Шагала отражает значимый момент поэмы, не всегда ключевой, но всегда интересный для понимания гоголевских образов и событий.

В иллюстрациях Шагал не увлекается точным воспроизведением всех упомянутых автором деталей, но если уж детали появляются в рисунке, то они всегда тщательно отобраны художником и помогают создать нужный образ — пейзажа ли, интерьера или даже душевного состояния того или иного героя.

Тем, кто давно (увы!) не перечитывал Гоголя, напомним, что тайная деятельность Чичикова стала явной, «город был решительно взбунтован; все пришло в брожение, и хоть бы кто-нибудь мог что-либо понять». Строились самые невероятные предположения, вспоминались самые забытые истории, и наш сегодняшний офорт иллюстрирует часть одной из них, о заседателе Дробяжкине. Другое происшествие, недавно случившееся, было следующее: казенные крестьяне сельца Вшивая-спесь, соединившись с таковыми же крестьянами сельца Боровки, Задирайлово-тож, снесли с лица земли будто бы земскую полицию в лице заседателя, какого-то Дробяжкина, что будто земская полиция, то есть заседатель Дробяжкин, повадился уж чересчур часто ездить в их деревню, что в иных случаях стоит повальной горячки, а причина-де та, что земская полиция, имея кое-какие слабости со стороны сердечной, приглядывался на баб и деревенских девок. Наверное, впрочем, неизвестно, хотя в показаниях крестьяне выразились прямо, что земская полиция был-де блудлив, как кошка, и что уже не раз они его оберегали и один раз даже выгнали нагишом из какой-то избы, куда он было забрался (Н. В. Гоголь. Мертвые души. Гл. 9).

С 1923 по 1925 год Марк Шагал по заказу маршана Амбруаза Воллара трудился над гравировкой 107 досок, используя технику офорта в сочетании с гравюрой сухой иглой, акватинтой и механическими способами обработки досок. К концу 1924 года он выполнил около 60 офортов, а в январе 1925-го количество сделанных офортов достигло 100.

В 1927 году был отпечатан первый тираж серии иллюстраций. Одновременно с этим Анри Монго перевел текст поэмы на французский язык. Несколько комплектов получили Воллар и Шагал, основная часть оттисков предназначалась для книги. Но Воллар не спешил печатать, а в июле 1939 года Воллар погиб.

Лишь после Второй мировой войны, в 1947 году изданием занялись дочь Шагала Ида и французский издатель Эжен Териад. Впервые книга «Мертвые души» с иллюстрациями Шагала вышла в свет осенью 1948 года. Тираж составил 368 экземпляров. Издание представляло собой два массивных несброшюрованных тома, упакованных в футляр. Иллюстрации располагались на вкладных листах. В том же году иллюстрации были удостоены Гран-при Венецианской биеннале (m-chagall.ru).

Искусство ХХ века


ВОЛОШИН Максимилиан Александрович (1878–1932) Без названия (Солнце в зените). 1931
Бумага, акварель. 14 × 19,7

В 1931 году выполнена красивая маленькая (14 × 19,7) акварель «Без названия (Солнце в зените)» Максимилиана Александровича Волошина — работа из цикла видов Коктебеля, изысканная, поэтичная, с «волошинским» настроением. Работа подписана монограммой и датирована, а вот в дарственной надписи мы смогли разобрать только имя и отчество адресата и, конечно, подпись художника. Судя по размеру акварели, она, скорее всего, предназначалась для пересылки в почтовом конверте — известно много акварелей Волошина, которые он пересылал друзьям почтой. Новому владельцу прелестной работы предстоит разобрать фамилию некоего Семёна Ефимовича и слова художника и, возможно, добавить новое имя в длинный список его знакомых и друзей или (если исследователям Волошина это имя уже известно) узнать что-то об интересном человеке, благо скучных и заурядных людей в волошинском окружении просто не было.


АНДРОНОВ Николай Иванович (1929–1998) Автопортрет. 1966
Холст, масло. 42,5 × 31,2

Николай Иванович Андронов — художник-шестидесятник, на которого, как и на некоторых его коллег по цеху, после манежной выставки «30 лет МОСХ» в 1962 году обрушились громы небесные, в том числе исключение из СХ. «Но после паузы, которая сегодня кажется небольшой, имя Николая Андронова вновь зазвучало в связи с крупными и дерзкими по стилистике монументальными работами… Недавний “отверженный”, “формалюга”, как его величало масловское болото (мастерские на Нижней Масловке), возвращенный без лишнего шума в ряды СХ, он становился одним из лидеров московского творческого сообщества».

Принципы «сурового стиля», одним из основоположников которого был Андронов, постепенно сменялись в его картинах неким «переосмыслением идеализма молодости, надежд эпохи “оттепели”». Он обратился к пейзажу, жанру, автопортрету, один из которых, 1966 года, т.е. написанный всего через 4 года после Манежа, мы сегодня представляем.

«Острейшая проблема, которая неотступно сопровождала труды и дни мастера, — судьбы культуры и человека в российской действительности. Следует подчеркнуть, что осмысление этой проблемы, связанных с ней мучительно сложных коллизий, вопросов стало для Андронова своего рода подвижничеством, основной темой многочисленных автопортретов, которые художник писал с 1960-х годов до конца жизни. Нужно понять, чего ему это стоило. Ведь в каждом автопортрете — без тени комплиментарности! — он как бы ставит диагноз. Себе. И нам. И нашей эпохе. Портреты безупречно похожи, то есть близки изображенной модели. И притом обладают достоинством как редкой психологической адекватности, так и типичности. Примерно в том смысле, как были типичны образы людей русской культуры у Перова, Крамского, Репина. У Герцена есть статья “Русский человек на рандеву”. Об автопортретах Андронова можно сказать: это русский человек на рандеву с родной действительностью советской эпохи второй половины ХХ века. Порой даже точнее. Есть у Николая Ивановича автопортреты на фоне икон. Их парадокс заключается в том, что трудно назвать другое произведение в нашем искусстве, где с такой очевидностью узнается россиянин поколения 1960-х годов (Александр Морозов, tg-m.ru).


НИССКИЙ Георгий Григорьевич (1903–1987) Весеннее настроение. Дача в соснах. 1950–60-е
Холст, масло. 90 × 70

Кисти Георгия Григорьевича Нисского принадлежит среднеразмерный пейзаж «Весеннее настроение. Дача в соснах» (1950–60-е). «Пластическая тема мощных высоких стволов сосен — одна из любимых в творчестве художника», — отмечает эксперт.

«В моей работе над пейзажем организация пространства имеет колоссальное значение. Понятие пространства не совпадает с понятием линейной перспективы, пересчитыванием планов от носков башмаков до горизонта. Я говорю об организации пространства ритмом силуэтов, цветом; придумываю и компоную вещь в целом, отбрасывая второстепенное, подчеркивая то, что считаю главным, делая планы светлее или темнее в зависимости от того, как этого требует общее решение» (Георгий Нисский).


БУХ Арон Фроимович (1923–2006) Страсть небесная. 2004
Холст, масло. 59,5 × 79

«Гром теперь ясно слышен, раскатами. Синее к Москве, за нами, и черное из-за лесу, справа. Я вижу молнию, и Анюта видит, — будто огненная веревка, спуталась и ушла под тучу. <…>
— Как-ак раскатилось-то!... — говорят. — Круговая гроза идет, страшная, не дай Бог!.. О-о-о, отовсюду нахлобучивает!..
<…>
— Неужто с градом, холодом как подуло?.. — Антипушка снимает шапку и крестится. — Гляди-ка, туча-то с бородой... как бы не подмела.
Едем березами, чистой рощей. Кукушки и там, и там — кукуют, как очумелые, от грозы. Густо пахнет березой, сеном, какими-то горькими цветами. <…> Совсем стемнело: черная над нами туча, с белыми клочьями — “с бородой”. С клочьев стегают молнии, бьют в березы. Анюта тычется головой, кричит:
— Ой, бабушка, боюсь!..
Совсем нависло, цепляет за березы, сухо трещит, словно ворох лучины бросили... и вот — оглушает громом, будто ударило в тележку» (И. С. Шмелёв, «Богомолье», lib.pravmir.ru).

Пейзаж «Страсть небесная» (2004) Арона Фроимовича Буха как будто иллюстрирует дивную прозу Ивана Сергеевича Шмелёва.

Творчество мастеров «второго русского авангарда»


СИТНИКОВ Василий Яковлевич (1915–1987) Фигура у зеркала. [1974]
Бумага, масло. 86 × 61,5

Жизнь Василия Яковлевича Ситникова, автора композиции «Фигура у зеркала» [1974] состояла из множества парадоксов, грустных и грубых, трагических и драматических, творческих и житейских. Родился в селе под Лебедянью — провел последние годы жизни и умер в Нью-Йорке; нигде живописи не учился (приехал в Ленинград поступать в Академию художеств, но экзамены сдавать не стал, во ВХУТЕМАС не приняли) — но работал художником-мультипликатором на «Мосфильме»; обучался лоции, навигации и судовождению… в Москве (конечно, Москва — город пяти морей, но все же…); поступил на рабфак в Московский институт востоковедения — и работал в метро откатчиком вагонеток (успевая при этом лепить фигурки из глины); был человеком высокой культуры — и носил прозвище «Васька-фонарщик» (которым был обязан своей работе — демонстрации диапозитивов в Суриковском институте); строил модели парусных кораблей — и три года провел в Казанской психтюрьме (арестован по доносу, но признан душевнобольным); в 1944-м, выйдя из тюрьмы, перебивался случайными заработками — а в 1956-м его работы приобрел нью-йоркский Музей современного искусства (по материалам svoykrug.com).

Современники называли его «юродствующим гением», сама личность этого человека, «официального сумасшедшего», сумевшего быть творчески свободным в несвободной стране, вызывала и вызывает до сих пор много противоречивых суждений, слухов и легенд.

Татьяна Вендельштейн: «Мифологично все в его биографии, чудо жизни, которое он отвоевал в стенах Казанской психтюрьмы, скоморошество и мудрость русского кентавра, облик пана или фавна, преследующего свою нимфу. А главное — школа, созданная им, альтернативная педагогическая система, организованная в условиях советского социума, столь мало приспособленного для ее понимания» (artinvestment.ru).

Изображения обнаженной женской фигуры в творческом наследии Ситникова занимают значительное место. Эти образы ярко говорят о творческом методе художника (обобщение и текучесть формы, освещение и расположение бликов, проявление объекта из «разреженной» среды и др.). Важно: «Фигура у зеркала» [1974] экспонировалась на выставке «Василий Ситников и его школа» (Москва) в 2009 году и опубликована в ее каталоге.


ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Пейзаж. Станция Яуза. 1986
Картон, масло. 50 × 68,7

«Пейзаж. Станция Яуза» (1986) Анатолия Тимофеевича Зверева относится к позднему периоду творчества художника. Как отмечает эксперт, «видно, что этот пейзаж писался с удовольствием, в характерной легкой и свободной манере, присущей Звереву. Он явно восхищается природными цветами увиденного мотива и торопится запечатлеть его, энергично нанося краски на поверхность картона. Имея под рукой всего одну среднего размера кисть и пять тюбиков с краской, Зверев блестяще передает состояние ясного дня поздней осени на небольшой подмосковной реке.

“Пейзаж. Станция Яуза” во многом уникальная живописная работа, написанная Зверевым на пленэре, непосредственно с натуры в окрестностях дачи С. А. Правовой» — хорошей знакомой художника и коллекционера его произведений.


НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Валет мишень. 1992
Бумага, акрил, графитный карандаш, гуашь. 79 × 59,2

«Валет мишень» (1992) Владимира Николаевича Немухина представляет уникальный авторский жанр — бубновый валет. Есть валеты-портреты (Гитарист, Бубновый валет), предметы (Дело, Радио, Мишень), понятия (Ретро, Натюрморт), места (Фотоателье, Казино), эмоции (Ура!), оммажи-посвящения (Мейерхольду, Маяковскому, Малевичу, Кандинскому, Ларионову, Шагалу и др.).

Валет-мишень (Немухин пишет его без дефиса) — это самая трагичная и самая философская «разновидность» валетов. Художник много раз обращался к этому мотиву, всякий раз создавая новые образы, которые объединяет, пожалуй, только сходство композиции и основной идеи: валет-мишень всегда одет в солдатскую форму и собственно мишенью является (или все-таки закрыто?) лицо. За кажущейся простотой мотива художник скрыл множество возможных толкований личности валета в диапазоне от совсем уж прямолинейного (солдат — мишень) до философско-аллегоричного собирательного портрета человека, на которого всегда что-то нацелено: пуля, стрела, язвительное слово.


ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Скала. 1997
Холст, масло. 50 × 70

В уникальной как по письму, так и по выдуманному научно-фантастическому сюжету сюрреалистической манере выполнена «Скала» (1997) Николая Евгеньевича Вечтомова. В этой работе проявляется своеобразное авторское отношение к Мирозданию и Вселенной. Земная ли это скала или космическая? Скорее — вселенская. «Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного, — писал, как будто отвечая на наш вопрос, арт-критик Сергей Кусков. — Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).


ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. Март 2003
Холст, масло. 150,5 × 160

Творчество Эдуарда Аркадьевича Штейнберга представлено одной из довольно поздних работ — «Композицией», написанной в марте 2003 года.

В своем искусстве Штейнберг соединял мистические концепции русских символистов и пластические идеи Малевича. Используя элементарные супрематические формы, наделял их метафизическим смыслом, превращал в символы неких сверхреальных сущностей. Противопоставлял себя как «художника дня» Малевичу, которого называл «художником ночи». Большинство работ являются стилизацией супрематизма, но система Штейнберга строится на мотиве креста, а не квадрата, как у Малевича (artinvestment.ru).

Его картины виртуозны по технике, простые композиции выдают гениальное чутье и художнический расчет, все элементы строятся по непреложным законам «золотого сечения» композиции. Его работа с цветом также подчинена строгим законам логики и художественного соответствия. Богатство и абсолютная точность цветовой палитры буквально завораживают, цветовые решения — восхищают.

Смело пользуясь то черным цветом, то яркой палитрой красок, Штейнберг создает особый мир, заставляющий зрителя ощущать себя частичкой Вселенной. Гармония его красок почти музыкальна (Платон Обухов. От андеграунда до академии // Декоративное искусство. — 2008. — № 4. — С. 83).

Черные линии на холсте, скорее всего, отсылают к живописно-пластическим достижениям европейского авангарда, точнее, к творчеству итальянского художника-модерниста Лючио Фонтаны, картины которого с прорезями и разрывами, очевидно, послужили Штейнбергу источником вдохновения. Фонтана впервые со времен Малевича преобразовал картину таким радикальным способом. Известны работы В. Н. Немухина, в которых он делал прорези или обозначал их графически. Возможно, что Штейнберг, которого с Немухиным связывала многолетняя дружба, тоже обратился к гениальной находке Фонтаны и по-своему использовал ее в композиции.

«Картины Штейнберга ничего не навязывают зрителю, ничего от него не требуют — между ними созерцательные отношения. Важным условием для восприятия этих полотен становится способность зрителя к созерцательности, независимой от эстетической позиции. Для зрителя, который смотрит на них “мельком”, “жирновато” и “лениво”, они закрыты. Если же зритель готов принять определенную установку, тогда его субъективное беспокойство поглотится светящимся, тихим космосом» (Ханс Гюнтер, artguide.com).

Творчество современных художников


НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Ленинград. Дворцовая площадь. 1981
Холст, масло. 99 × 125

Холст «Ленинград. Дворцовая площадь» (1981) Наталии Игоревны Нестеровой, как рассказывал эксперту сын художницы Лев Нестеров-Раппопорт, «был создан по заказу декорационно-оформительского комбината Союза художников и предназначался для здания посольства СССР в Индии. … Работа “Ленинград. Дворцовая площадь” была отмечена как лучшая работа года и входила в квадриптих с видами Дома Пашкова, Собора Василия Блаженного и Московского Университета имени М. В. Ломоносова».

Эта редкая работа выполнена в манере, которая может стать настоящим открытием для тех, кто знаком только с произведениями Наталии Нестеровой последних десятилетий, когда, как пишет эксперт, «подобно многим живописцам 1970-х годов, она обратилась к эстетике примитивизма, создавая удивительно сложную и выразительную, как будто вылепленную поверхность работ».

«… Самое сложное, но и самое важное для художника — стать узнаваемым, — говорит Наталия Нестерова. — Нужно придерживаться некой последовательности. Хотя все зависит от индивидуальных качеств человека, у кого-то разбрасывание превращается в стиль. Но для меня все-таки главное — узнаваемость. Это когда вы идете по большой выставке и вдруг поворачиваете голову, потому что этот художник вам знаком и он вас притягивает. У художника должен быть внутренний стержень и должно быть что-то, что он хочет сказать зрителю, причем не с натугой, а с легкостью. Русским художникам не хватает легкости. От русских всегда исходит страдание. Если вы будете все время смотреть на страдание, то в какой-то момент намылите веревку. Искусство должно поднимать человеческий дух, а не разрывать душу на части» (Наталия Нестерова, dianov-art.ru).


СКОПОВ Юрий Михайлович (1947) Путь к знаку — «V». 1993
Холст, масло. 110 × 60

Холст «Путь к знаку — “V”» (1993) принадлежит кисти Юрия Михайловича Скопова, художника студии «Новая реальность» Элия Белютина, участника студийных выставок, а впоследствии одного из организаторов группы «Авангардная абстракция». Сегодня произведения Юрия Скопова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Венгерской Национальной художественной галереи (Будапешт), в других музейных и частных собраниях.


МЕДВЕДЕВ Андрей Викторович (1960) Без названия (Лодка на фоне статуи). 2018
Холст, масло. 53 × 63 (холст), 48 × 58 (изображение)

Мир, населенный странными персонажами Андрея Викторовича Медведева, расширяет границы! Сойдя со сцены, они отправились не на очередную загородную прогулку, а в парк и решили покататься на лодке.

Холст «Без названия (Лодка на фоне статуи)» (2018) полон загадок, иронии и трогательной чувственности, виртуозно скрытой за лицами, вызывающими в памяти сказки Гофмана или подземных жителей из «Черной курицы» Антония Погорельского… Лицами, окрашенными такой тонкой, прозрачной «акварелью» эмоций, что зритель сам не понимает, есть ли они на самом деле или это его собственная фантазия. Погруженные в себя, отстраненные (отстраненные ли?) друг от друга и от зрителя, плывущие в лодке притягивают взгляд, побуждая зрителя то ли разгадать их, то ли самому придумать их истории — словом, оживить их, ни больше ни меньше!

Плывет странная лодка на фоне очень украшающей пейзаж выразительной и самой настоящей парковой скульптуры… в которой не сразу узнается знакомый образ с веслом!

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).


ГИНТОВТ Алексей Юрьевич (1965) Черный квадрат. 2019
Холст, поталь, офсетная краска, лак, ручная печать, трафарет. 99,6 × 99,6

Завершает каталог оммаж Казимиру Малевичу — «Черный квадрат» (2019) Алексея Юрьевича Гинтовта. Художник не цитирует, но воспроизводит (нет необходимости уточнять размеры и пропорции, не о том речь) известное произведение — в своей собственной, авторской узнаваемой технике (офсетная краска, поталь, лак) и манере (отпечатки ладоней на золотой поверхности потали).

Одновременно с нашим штатным 379-м AI Аукционом открыт 65-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Сергея Базилева, Наталии Жерновской, Дмитрия Кедрина, Игоря Кислицына, Валерия Кошлякова, Андрея Криволапова, Юлии Малининой, Игоря Снегура, Яны Ческидовой.

Всем желаем удачи на 379-м AI-Аукционе и 65-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/news/auctnews/20210510_auctionAI.html
https://artinvestment.ru/en/news/auctnews/20210510_auctionAI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 24

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх