Открыты 373-и торги AI Аукциона и 59-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   31 марта 2021

В каталоге 30 лотов: 14 живописных работ, 8 листов оригинальной графики, 7 работ в смешанной технике и одна икона

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 373 и 59-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 373-го AI Аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Лоты 59-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

Окончание торгов в пятницу, 2 апреля, в 12:00.

Открывает каталог икона «Богоматерь Владимирская», написанная в Поволжье в конце XVII — начале XVIII века.

Икона «Богоматерь Владимирская». Поволжье. Конец XVII — начало XVIII века
Дерево, левкас, темпера, творёное серебро. 31,5 × 27,7 × 3,3

По благочестивому преданию, образ Божией Матери Владимирской был написан евангелистом Лукою на доске от стола, за которым трапезовал Спаситель с Пречистой Матерью и праведным Иосифом Обручником. Божия Матерь, увидев этот образ, произнесла: «Отныне ублажат Мя вси роди. Благодать Рождшегося от Меня и Моя с сим образом да будет».

До половины V века икона оставалась в Иерусалиме. При Феодосии Младшем ее перенесли в Константинополь, откуда в 1131 году она была прислана на Русь как подарок Юрию Долгорукому от Константинопольского Патриарха Луки Хризоверха. Икону поставили в девичьем монастыре города Вышгорода, недалеко от Киева, где она сразу прославилась многими чудотворениями. В 1155 году сын Юрия Долгорукого, св. князь Андрей Боголюбский, желая иметь у себя прославленную святыню, перевез икону на север, во Владимир, и поместил в воздвигнутом им знаменитом Успенском соборе. С того времени икона получила именование Владимирской.

Во время похода князя Андрея Боголюбского против волжских болгар, в 1164 году, образ «святой Богородицы Владимирской» помог русским одержать победу над врагом. Икона сохранилась во время страшного пожара 13 апреля 1185 года, когда сгорел Владимирский собор, и осталась невредимой при разорении Владимира Батыем 17 февраля 1237 года.

Дальнейшая история образа связана уже всецело со стольным градом Москвой, куда ее впервые принесли в 1395 году во время нашествия хана Тамерлана. Завоеватель с войском вторгся в пределы Рязани, полонил и разорил ее и направил свой путь на Москву, опустошая и уничтожая все вокруг. В то время как московский великий князь Василий Дмитриевич собирал войска и отправлял их под Коломну, в самой Москве митрополит Киприан благословил население на пост и молитвенное покаяние. По взаимному совету Василий Дмитриевич и Киприан решили прибегнуть к оружию духовному и перенести из Владимира в Москву чудотворную икону Пречистой Богоматери.

Икону внесли в Успенский собор Московского Кремля. Летопись сообщает, что Тамерлан, простояв на одном месте две недели, внезапно устрашился, повернул на юг и вышел из московских пределов. Произошло великое чудо: во время крестного хода с чудотворной иконой, направлявшегося из Владимира в Москву, когда бесчисленное множество народа стояло на коленях по обеим сторонам дороги и молило: «Матерь Божия, спаси землю Русскую!», Тамерлану было видение. Перед его мысленным взором предстала высокая гора, с вершины которой спускались святители с золотыми жезлами, а над ними в лучезарном сиянии явилась Величавая Жена. Она повелела ему оставить пределы России. Проснувшись в трепете, Тамерлан спросил о значении видения. Ему ответили, что сияющая Жена есть Матерь Божия, великая Защитница христиан. Тогда Тамерлан отдал приказ полкам идти обратно.

В память о чудесном избавлении Руси от нашествия Тамерлана в день встречи в Москве Владимирской иконы Божьей Матери 26 августа / 8 сентября был установлен торжественный церковный праздник Сретения этой иконы, а на самом месте встречи был воздвигнут храм, вокруг которого позднее расположился Сретенский монастырь.

Во второй раз Богородица спасла Русь от разорения в 1480 году (память совершается 23 июня / 6 июля), когда к Москве подошло войско хана Золотой Орды Ахмата.

Встреча татар с русским войском произошла у реки Угры (т. н. «стояние на Угре»): войска стояли на разных берегах и ждали повода для атаки. В передних рядах русского войска держали икону Владимирской Богоматери, которая чудом обратила в бегство ордынские полки.

Третье празднование Владимирской Матери Божией (21 мая / 3 июня) вспоминает избавление Москвы от разгрома Махмет-Гиреем, ханом Казанским, который в 1521 году достиг пределов Москвы и стал жечь ее посады, но внезапно отступил от столицы, не причинив ей вреда (pravmir.ru).

Раздел искусства русских художников конца XIX — начала ХХ века продолжает наш каталог.

ЛАГОРИО Лев Феликсович (1827–1905) Судак. Берег. 1903
Бумага, акварель, графитный карандаш. 17,6 × 14,5 (рисунок очерчен)

Крымская марина в акварели «Судак. Берег» (1903) представляет графику Льва Феликсовича Лагорио. Крымские работы художника особенно интересны, прежде всего потому, что именно в Крыму, в Феодосии, появился на свет сын неаполитанского консула, впоследствии принявший русское подданство. Учеба у Айвазовского (1839–1840), заграничное пенсионерство (1853–1860), Париж, Рим, многие годы проживания и работы в Петербурге, ежегодные поездки по России, напитали восприимчивую душу художника огромным количеством впечатлений, отразившихся в его рисунках и полотнах, которые нравились публике, покупались в собрания Академии художеств, частные коллекции и картинные галереи.

Наша работа выполнена в поздний период жизни и творчества художника. «В 1903 году Л. Ф. Лагорио провел лето в Судаке на Южном побережье Крыма, — пишет эксперт. — За время отдыха он создал обширную серию графических и живописных пейзажей побережья, которая частично экспонировалась им на выставках», в том числе в Обществе русских акварелистов. Пейзаж залит солнцем и наполнен воздухом, он привлекает внимание глубиной перспективы, широтой пространственных построений, мастерской передачей эффектов освещения.

МАЛЯВИН Филипп Андреевич (1869–1940) Голова крестьянки. Первая четверть ХХ века
Бумага, графитный и цветной карандаш. 24,3 × 25 (лист в сложенном виде), 42,5 × 31,6 (лист)

«Голова крестьянки» (1-я четверть ХХ века) Филиппа Андреевича Малявина продолжает собой большой ряд натурных зарисовок крестьян, мужчин и женщин, выполненных в узнаваемой авторской манере, и представляет автора прекрасным рисовальщиком. «Будучи сам выходцем из крестьянской семьи, — пишет эксперт, — Малявин сделал тему русской деревни одной из основных в своем искусстве. Многочисленные зарисовки, рисунки и живописные полотна с изображением крестьянок в ярких национальных одеждах выполнялись им в течение всего творческого пути». Малявин глубоко понимал быт и обычаи русского народа, его изображения крестьян отличаются яркой характерностью и живой динамикой композиции.

В творчестве художников Русского Зарубежья театральная графика составляла огромный и, к сожалению, сегодня мало изученный пласт, хотя подчас именно в этих работах ярко проявлялась авторская индивидуальность и сохранялись блистательные традиции русского театрального искусства, во многом утраченные на родине.

ПОЖИДАЕВ Григорий Анатольевич (1894–1977) Эскиз костюмов к спектаклю The Jealous Mistress. Вторая половина 1920-х
Бумага верже с водяными знаками, акварель, белила, графитный карандаш. 47,5 × 62 (в свету)

Автор эскиза костюмов к спектаклю The Jealous Mistress (вторая половина 1920-х) Григорий Анатольевич Пожидаев оставил Россию не ранее 1921 года — об этом свидетельствуют документы из архива семьи балетмейстера К. Я. Голейзовского, который работал с Пожидаевым в Москве. Сначала он жил и работал в Бухаресте, Праге, Берлине, Вене, а в 1925 году поселился в Париже. «Эскиз костюмов для постановки спектакля The Jealous Mistress хорошо узнаваемый пример театрального творчества Г. И. Пожидаева, — отмечает эксперт. — Эскиз исполнен стильно, мастерски, с пониманием сценических и режиссерских задач, характера постановки. Возможно, что исследуемый эскиз костюмов предназначался для одного из спектаклей парижского кабаре “Фоли-Берже”, с которым Г. А. Пожидаев сотрудничал в 1926–1927 годах».

Объемным и интересным в этот раз получился раздел творчества советских художников.

ФЁДОРОВ Герман Васильевич (1885–1976) Цветы в вазе. Вторая четверть XX века
Холст, масло. 80 × 60

Второй четвертью ХХ века датирует эксперт флоральный натюрморт «Цветы в вазе» Германа Васильевича Фёдорова, отмечая, что «композиционные и колористические особенности… картины характерны для произведений Г. В. Фёдорова зрелого периода творчества. В это время художник неоднократно обращался к созданию постановочных декоративных натюрмортов, часто включающих изображения белых и бордово-красных цветов».

Герман Фёдоров учился в Строгановском училище технического рисования (1902–1904), МУЖВЗ (1905–1911), посещал студию И. И. Машкова. Писал натюрморты, пейзажи, портреты. В годы учебы сблизился с П. П. Кончаловским и другими художниками будущего объединения «Бубновый валет». Входил в состав участников и экспонентов объединения (1911–1917, с перерывами), на выставках которого демонстрировал довольно много работ (в основном пейзажей), а также, возможно, возрожденного «Мира искусства» (1917–1921), был членом-учредителем общества «Московские живописцы» (1924–1925), участником и экспонентом Общества московских художников (1928–1932). Во 2-й половине 1920-х обратился к индустриальной тематике, с которой участвовал в работе и выставках АХРР — АХР (1926–1928, с перерывами).

Преподавал живопись и рисунок в различных школах и художественных студиях Москвы (1910-е), в 1918-м работал ассистентом Кончаловского в ГСХМ, преподавал во Вхутемасе — Вхутеине (1920-е), МХУ и МПИ (с 1932).

В советское время участвовал в XIV международной выставке искусств в Венеции (1924), выставках советского искусства в Японии (1926–1927, передвижная), Турции (1927), США (1929, передвижная).

ЛАБАС Александр Аркадьевич (1900–1983) На палубе. Из серии «Крым». 1936
Бумага, акварель, белила. 29,5 × 41,9

Акварель «На палубе» (1936) из серии «Крым» Александра Аркадьевича Лабаса принадлежит, как отмечает эксперт, к циклу акварелей, выполненных художником во время круиза из Батуми в Одессу на теплоходе «Крым».

«Для художника, — размышлял Александр Лабас, — вопрос пространства, его восприятие — важный вопрос. Например, море до горизонта с его движением во времени. Как на плоскости построить глубину и подчинить ее определенному ритму? Волны бегут к берегу, облака движутся, люди ходят и лежат. Когда смотришь, кажется очень большой глубина моря, а когда начинаешь смотреть на небо, уже не такой воспринимаешь глубину до горизонта. Конечно, поражает картина ночного неба, когда начинает пугать пространство, измеряемое миллионами и миллиардами световых лет; что по отношению к ней глубина моря? Нет, это вне сравнения. А вот с человеком, с его воображением, его способностью охватить мир и реально его представить, сравнивать можно. Пытливый ум человека проникает в самые отдаленные глубины Вселенной» (Александр Лабас, 1960-е, labasfond.ru).

ДЕЙНЕКА Александр Александрович (1899–1969) Трое загорающих. 1930–50-е
Бумага, графитный карандаш. 12,1 × 18 (в свету)

Карандашный рисунок «Трое загорающих» Александра Александровича Дейнеки эксперт относит к серии набросков 1930–50-х годов, выполненных художником во время отдыха на Крымском побережье. Интересно, что это не три отдельных наброска, а жанровая сцена. Легкими плавными линиями художник создает контуры фигур, и даже передает их настроение. Эксперт указывает, что рисунок имеет несомненное музейное значение как характерный образец вспомогательной графики художника.

АВЕТИСЯН Минас Карапетович (1928–1975) Дружба народов. Эскиз. 1960
Бумага, масло. 66 × 61

Эскиз «Дружба народов» принадлежит кисти Минаса Карапетовича Аветисяна, выдающегося армянского живописца, графика и художника театра, одного из самых известных армянских художников поколения 1960-х годов. «Бытовые зарисовки, композиции на исторические и фольклорные темы нередки в творчестве художника, — отмечает эксперт. — Многие подобные работы отличаются не только национальным колоритом, но и своеобразной эпичностью, к которой всегда тяготел М. Аветисян».

«… Минас — прирожденный живописец, у него цвет никогда не становится вспомогательным декоративным элементом, как у пустых салонных исполнителей. Игра пятен и мазков имеет свою закономерность и в конце концов создает свою целостную и красочную гармонию.

… Для Минаса мир природы и людей был интересен тем, что его можно было переплавить в художественные образы, что он и делал с блеском, с замечательной проникновенностью» (Г. А. Анисимов. Цит. по: Экспертное заключение ЦХЭ им. И. Е. Репина № 1386-1-20 от 01.02.2020).

Эксперт указывает, что наша работа, «по всей видимости, является эскизом к картине М. Аветисяна “Дружба народов” (1960, картон, масло; 79,2 × 72,3; частное собрание)» и имеет музейное значение.

МЫЛЬНИКОВ Андрей Андреевич (1912–2012) Обнаженная. 1971
Бумага, акварель. 12,8 × 18,5

Творчество Андрея Андреевича Мыльникова, одного из самых известных советских художников, удостоенного множества званий и наград, мастера и педагога, воспитавшего множество благодарных учеников, в каталоге представляет совсем небольшая, но очень узнаваемая акварель «Обнаженная» (1971).

«В своем творчестве он достаточно рано отказывается от соцреалистических канонов, принятых в его время, и создает свой уникальный художественный стиль под влиянием примеров классического мирового искусства, что ставит его фигуру особняком и выделяет среди других художников того времени» (rah.ru).

«На общем фоне советского искусства 1960-х годов, когда многие художники сосредоточили свое внимание на изображении неприкрашенной действительности, на том, “что есть”, работы Мыльникова выделялись тем, что в них присутствовало сознание идеала того, что “должно быть”. В нашей живописи он явился своего рода хранителем, даже ревнителем “отрадного”, того, “чем люди живы”…
<…>
… Важнейшая особенность искусства Мыльникова: он — поэт, то есть человек, стремящийся — как говорил Блок — “превратить шум в музыку”, поверяющий гармонию мира сердцем, сохранившим способность прозревать красоту, человечность сквозь оболочку временных несовершенств и отталкивающих сторон жизни. Большинство картин Мыльникова — поэтические формулы душевных состояний, просветляющих, очищающих человека, возвращающих ему хоть на миг естественное, любовное приятие жизни. Художник обнажает сущность искусства живописи как воплощение духовности в зримых образах. Оттенки цвета в его картинах — это оттенки чувств, вступающих во взаимодействие, в определенную гармонию. Отсюда — особая эмоциональность, музыкальность его работ» (Владимир Петров, andreymylnikov.com).

В творчестве Мыльникова «изображение женщины трактуется как символ мира, материнства, гармонии, знаменующий собой непоколебимую силу в жизненном хаосе страстей. В драматургии цвета и острых композиционных решениях проявляется пафос философских притч.

Сочетание гармонии и хаоса, ярости и спокойствия — суть творчества мастера, умеющего превращать события окружающей жизни в емкие символы» (rah.ru).

Яркие, во многом знаковые для своих авторов работы составили раздел, представляющий в каталоге творчество шестидесятников.

ЗВЕРЕВ Анатолий Тимофеевич (1931–1986) Лошадка. 1958
Бумага, графитный карандаш, темпера. 57,1 × 47,2

Темпера на бумаге «Лошадка» (1958) относится, как пишет эксперт, «к уникальному раннему циклу натурных вещей Анатолия Тимофеевича Зверева, получившему у почитателей его таланта условное название “Зоопарк”. Зверевские анималистические работы поражают своей зрелостью, глубиной, совершенством, выдумкой, экспрессией, умением всего несколькими свободными линиями передать характерный образ животного, его повадки. Отметим, что с лошадками у Зверева это получалось лучше всего: не случайно в более поздний период, когда он писал в основном заказные портреты, после портрета, “на бис”, как правило, рисовалась лошадка».

Подчеркивая уникальность работы и то, что выполнена она в лучший период творчества художника, эксперт отмечает музейное значение «Лошадки».

ЯНКИЛЕВСКИЙ Владимир Борисович (1938–2018) Мгновение вечности. 1976
Бумага, пастель, тушь, графитный карандаш. 21 × 29,5

Предположительно, к циклу «Город» относится композиция «Мгновение вечности» (1976) Владимира Борисовича Янкилевского — светлая, чистая пастель в хорошо знакомой любителям и знатокам творчества художника узнаваемой авторской стилистике. Контурная фигура-тень воспринимается как символ человеческого одиночества в чем-то заполненном, но пустом пространстве.

Творчество Владимира Борисовича Янкилевского выпадает из любых рядов и направлений как отечественного, так и зарубежного современного искусства, одновременно наследуя лучшим мировым традициям. Его можно было бы назвать эпической экспрессией. Предельная чувственность и эротизм соединяются здесь с высочайшим уровнем концептуализации действительности (artinvestment.ru).

В 2018 году в Московском музее современного искусства на Гоголевском бульваре состоялась большая выставка «Владимир Янкилевский. Непостижимость бытия» Художник участвовал в подготовке экспозиции, организованной к его 80-летию, но увидеть открытие уже не успел. Из беседы куратора выставки Ольги Турчиной с вдовой художника Риммой Солод:

«Ольга Турчина: …Художник был во всех смыслах слова уникальной фигурой. Есть авторы, которым важно ощущать себя частью сообщества. Они взаимно влияют друг на друга и развиваются в коллективе. Янкилевский же всегда был один — и в своем творчестве, и в философии. Его, естественно, нельзя назвать отшельником, но он был настолько цельной личностью, что ни о каком влиянии со стороны и речи не идет.

Римма Солод: У него были друзья, был круг общения, застолья, но плодотворных творческих взаимоотношений не было, как мне кажется. Отсюда и тема одиночества, которая часто проскальзывает в его творчестве. Многие его просто не понимали. В общем, одиночество — это не случайно рожденная тема» (weekend.rambler.ru).

СЛЕПЫШЕВ Анатолий Степанович (1932–2016) Лесная речка. 1990
Холст, масло, процарапывание. 89 × 116

Разнообразен в оттенках зеленого экспрессивный и энергично написанный пейзаж со стаффажем «Лесная речка» (1990) Анатолия Степановича Слепышева; свободный и выразительный лесной вид представляет собой один из многочисленных примеров колористического и композиционного таланта художника.

ШТЕЙНБЕРГ Эдуард Аркадьевич (1937–2012) Композиция. 1991
Картон, гуашь, коллаж. 75 × 100 (общий размер)

«Композиция» (1991) Эдуарда Аркадьевича Штейнберга состоит из двух частей и наполнена хорошо знакомыми любителям его творчества формами. Крест, круг, линия, полумесяц — все они для художника одновременно и знаки, и символы — понятий, явлений и аллюзий. Можно предложить, например, такие их трактовки: «треугольник напоминает Троицу, крест означает Крест, круг — идею совершенства мира. Линия может выглядеть как граница между жизнью и смертью, между днем и ночью — всё то, что неотвязно преследует метафизическое воображение художника»; «полумесяц, один из неоднократно повторяемых мотивов его холстов, — это аллюзия на серп, но, конечно, не в качестве коммунистической̆ эмблемы, в обнимку с молотом: это аллюзия, полная и нежности, и остроты, поскольку серп издревле привычен любому крестьянину, так как внушал ему чувство доверия и покоя»; «круги и белые прямоугольники Штейнберга предстают в двух ипостасях, знаменуя собой и отчаяние человека, затерявшегося в необозримом пространстве, и торжество всепобеждающей жизни, возвращающейся на круги своя» (Доминик Фернандес. Цит. по: knife.media).

На вопрос о поиске своего пути в искусстве художник отвечал, что к пониманию геометрической абстракции «пришел через русский авангард, прежде всего через супрематизм Казимира Малевича. Но я практически ничего нового не открыл, я только дал русскому авангарду другой ракурс. Какой? Скорее, религиозный. Свои пространственные геометрические структуры я основываю на старой катакомбной стенописи и, конечно, на иконописи. Моя маленькая заслуга состоит в том, что я чуть-чуть повернул русский авангард. Но, с другой стороны, я развиваю в своих работах традиции русского символизма… <…> Внутренняя концепция моих произведений, таким образом, строится на синтезе мистических идей русского символизма десятых годов и пластических решений супрематизма Казимира Малевича» (books.google.de).

«Его картины виртуозны по технике, простые композиции выдают гениальное чутье и художнический расчет, все элементы строятся по непреложным законам “золотого сечения” композиции. Его работа с цветом также подчинена строгим законам логики и художественного соответствия. Богатство и абсолютная точность цветовой палитры буквально завораживают, цветовые решения — восхищают.

Смело пользуясь то черным цветом, то яркой палитрой красок, Штейнберг создает особый мир, заставляющий зрителя ощущать себя частичкой Вселенной. Гармония его красок почти музыкальна» (Платон Обухов. От андеграунда до академии // Декоративное искусство. — 2008. — № 4. — С. 83).

«Картины Штейнберга ничего не навязывают зрителю, ничего от него не требуют — между ними созерцательные отношения. Важным условием для восприятия этих полотен становится способность зрителя к созерцательности, независимой от эстетической позиции. Для зрителя, который смотрит на них “мельком”, “жирновато” и “лениво”, они закрыты. Если же зритель готов принять определенную установку, тогда его субъективное беспокойство поглотится светящимся, тихим космосом» (Ханс Гюнтер, artguide.com).

КРОПИВНИЦКИЙ Лев Евгеньевич (1922–1994) Процветший жезл. 1992
Холст, масло. 169,5 × 89,2

К поздней серии полотен на библейскую тематику относится холст «Процветший жезл» (1992) Льва Евгеньевича Кропивницкого — героя сегодняшней публикации в рубрике «Художник недели».

НЕМУХИН Владимир Николаевич (1925–2016) Зеленый ломберный стол. Красные и черные. 1995
Холст, шпон, масло, игральные карты, коллаж. 140 × 110

В виртуозной авторской манере выполнена работа «Зеленый ломберный стол. Красные и черные» (1995) Владимира Николаевича Немухина. Прекрасный размер, узнаваемая авторская магистральная тема, великолепная декоративность, многодельность — все эти качества высоко ценятся коллекционерами. К тому же работа экспонировалась на выставке «Традиция нонконформизма. Живопись, графика, скульптура, фарфор из собрания Иосифа Бадалова» (2009, Московский музей современного искусства, Москва) и опубликована в ее каталоге.

КУПЕР Юрий Леонидович (1940) Тюльпан
Фанера, акрил, смешанная техника. 63 × 89

В уникальной авторской технике выполнен недатированный акрил «Тюльпан» Юрия Леонидовича Купера, своего рода портрет цветка. В творчестве художника подобные «портреты» тюльпанов образуют довольно большую серию, объединяемую, пожалуй, лишь удивительной нежностью и изяществом «моделей». Белые, розовые или желтые, вертикальные, лежащие или согнутые — цветы на «портретах» невероятно многолики и, вне сомнений, выставленные вместе, составили бы уникальную по красоте и разнообразию экспозицию, в которой наша работа заняла бы свое достойное место.

Читайте об авторе на AI: «Интервью с художником и поэтом Юрием Купером».

ВЕЧТОМОВ Николай Евгеньевич (1923–2007) Без названия
Бумага, тушь, акварель. 77 × 99

Не датирована метровая (!) акварель «Без названия» Николая Евгеньевича Вечтомова.

«Николай Вечтомов — один из немногих представителей советского неофициального круга художников, к которому правомерно может быть применим термин “сюрреалист”. Входил в “Лианозовскую группу” вместе со Львом Кропивницким, Оскаром Рабиным, Лидией Мастерковой, Владимиром Немухиным и другими. Начав с натурных композиций, через эксперименты абстрактного экспрессионизма в конце 1950-х годов, пришел к характерным для дальнейшего его творчества беспредметным композициям — фрагментам альтернативной реальности» (Сергей Попов, pop/off/art).

В творчестве художника арт-критик Сергей Кусков в первую очередь отмечал, что «здесь конкретика природных и вообще земных реалий и впечатлений во многом абстрагируется, очищаясь от излишних деталей, от всякой будничности и локально конкретно узнаваемых примет знакомого повседневного окружения, обретая тем самым загадочную странность, парадоксальность, возвышенную отрешенность и специфический космизм звучания.
<…>
Присущие душевному складу нашего художника романтические устремления побуждают его искать именно все редкостное, экстраординарное, загадочно-волнующее или магично-мистическое в познаваемом им мире и, обнаружив такие мотивы или источники вдохновения, заострять, усиливать акцентировать “выпадение” их инаковости относительно всего обыденного, буднично-привычного. Данная ситуация проявляется уже на уровне формально-стилевом, когда, например, художник либо подводит в основе своей конкретно-изобразительные мотивы к границе Абстракции, либо уподобляет свои жизненные наблюдения каким-то сюрреалистическим или “метафизическим” живописным видениям, или обнаруживает и усиливает в них подобно некоей инопланетной реальности, хотя на самом деле подобное видимое в сущности возможно и здесь — на земле, но лишь в исключительных, измененных состояниях реальности» (art-critic-kuskov.com).

Завершающий раздел каталога — произведения наших современников. И все они написаны в XXI веке.

НЕСТЕРОВА Наталия Игоревна (1944) Чайки и пароход. 2002
Холст, масло. 110 × 120

Гармонией и динамикой композиции поражает холст «Чайки и пароход» (2002) Наталии Игоревны Нестеровой. «Ожидание кажется мне естественным состоянием человека. Оно бывает всякое — и напряженное, и тревожное, и счастливое… На моих картинах люди часто смотрят на море — ждут парохода или просто появления паруса», — говорит художник (portal-kultura.ru).

Если зритель представит себе ожидание — то, что происходило всего несколько секунд назад, он поразится тому, как перед его мысленным взором изменится картина. Персонажи смотрят на море, в молчании или перебрасываясь отдельными словами, они откинулись в шезлонгах, их лица скрыты от нас («Я часто пишу людей, у которых не видно лиц. Картина не должна все рассказывать. Что-то должно быть скрыто, иначе не интересно» (Наталия Нестерова, portal-kultura.ru)), горизонт чист. И ничто, в том числе и чайки, не нарушает состояния ленивого ожидания. Но вот появляется пароход — и беседа оживляется, женщина поворачивается вполоборота, движутся руки обоих персонажей. И появляется эмоциональный и динамический центр композиции — чайки. Поразительно: чайки летят потому, что на горизонте появился пароход! Зритель, по сути, видит, как разворачивается действие. Действие не в кино, а на холсте — удивительно, и Наталия Нестерова мастерски передает его, буквально приковывая восторженный взгляд зрителя к картине.

«… Самое сложное, но и самое важное для художника — стать узнаваемым. Нужно придерживаться некой последовательности. Хотя все зависит от индивидуальных качеств человека, у кого-то разбрасывание превращается в стиль. Но для меня все-таки главное  − узнаваемость. Это когда вы идете по большой выставке и вдруг поворачиваете голову, потому что этот художник вам знаком и он вас притягивает. У художника должен быть внутренний стержень и должно быть что-то, что он хочет сказать зрителю, причем не с натугой, а с легкостью. Русским художникам не хватает легкости. От русских всегда исходит страдание. Если вы будете все время смотреть на страдание, то в какой-то момент намылите веревку. Искусство должно поднимать человеческий дух, а не разрывать душу на части» (Наталия Нестерова, dianov-art.ru).

СИТНИКОВ Александр Григорьевич (1945) Шаровая молния и бабочка. 2000–2020
Холст, дерево, темпера, ассамбляж. 110 × 105

«Шаровая молния и бабочка» (2000–2020) Александра Григорьевича Ситникова — большая абстракция, которую отчасти организует контур большой разноцветной бабочки и еще более упорядочивают элементы ассамбляжа.

«Работы Ситникова, изобилующие мифологическими отсылками и культурными кодами, ловят непосвященного зрителя в лабиринт своих наслаивающихся форм, линий и ярких красок и оставляют его разгадывать философские шарады их создателя. Рассматривание холстов Александра Ситникова искусствовед Александр Якимович уподобляет барахтанию в колючем кустарнике, откуда каждому смотрящему выпутываться предстоит самостоятельно. Один увидит в картинах Ситникова математическую выверенность и услышит пифагорейскую музыку сфер. Другой узнает в лицах героев лики с православных икон, а в позах разглядит древнеегипетский изобразительный канон. Третий вспомнит пикассовскую “Гернику” и “Минотавра”. Четвертый проведет параллель с органическим разрастанием “аналитических” картин Павла Филонова. И каждый воспримет искусство Александра Ситникова по-своему» (artinvestment.ru).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Александр Ситников».

ВОРОНОВА Люся (Людмила Владимировна, 1953) Ворожба. 2021
Холст, масло. 110 × 130

«Холст “Ворожба” (2021) Люси Вороновой и по времени создания, и по сути органично входит в большой корпус работ уже полюбившегося всем радостного периода творчества художницы, который начался в 2018 году. На первый взгляд всё так — но с некоторой оговоркой.

Если мы заглянем в прошлое и внимательно присмотримся к работам конца 1970-х, мы тотчас заметим, что они перекликаются с “Ворожбой”. Нет, это не возвращение к прошлому, а скорее, сорокалетний поиск той самой заветной калейдоскопичности, о которой было сказано так много. Творчество художника прибывает в постоянном развитии, невероятной манящей динамике, но при этом в нем сохраняется узнаваемый с первого взгляда собственный язык.

Отдельно стоит отметить и размер произведения: совершенно непривычный для Люси гигантский формат 110 × 130 буквально притягивает к себе внимание зрителя, а вышеупомянутая калейдоскопичность гипнотизирует и не оставляет его равнодушным.

Люся пишет: Ворожба — волшебство, заговор, ведовство, гадания. Заговор на благо. Святочные гадания. Старинная традиция. Волшебство дает возможность летать, поднимает в таинственные сферы. Картина “Ворожба” Люси Вороновой отсылает к давним, сказочным обрядам и традициям и сама завораживает зрителя сюжетом и мастерством исполнения. Точность авторского названия, выбор единственно верного слова, как всегда у Люси, венчает общую гармонию произведения (Георгий Воронов).

Одновременно с нашим штатным 373-м AI Аукционом открыт 59-й кураторский аукцион «XXI век. Современное российское искусство». В каталоге собраны произведения Сергея Базилева, Даши Делоне, Юлии Малининой, Pata (Пааты Мерабишвили), Андрея Мунца, Николая Переднего, Романа Рахматулина, Андрея Туканова, Марии Шалито, Татьяны Ян.

Всем желаем удачи на 373-м AI-Аукционе и 59-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

Уважаемые участники и зрители аукциона AI! Ни один монитор и никакой современный гаджет никогда аутентично не передаст произведения искусства! Цвет, фактура, не говоря уже об ауре той или иной работы, впечатлении от встречи с нею, монитору не подвластны. Хорошую вещь он может сделать как минимум невыразительной, а не совсем удачную, напротив, приукрасить (последних у нас нет, но справедливости ради сказать об этом стоит). К тому же каждый человек видит и чувствует по-своему. Поэтому приезжайте посмотреть на все работы собственными глазами у нас, на Гороховском, 7 (только предварительно необходимо позвонить и договориться о встрече).

Справедливый рыночный ценовой уровень по работам авторов, представленных в каталоге настоящего аукциона, можно определить по информации базы аукционных результатов ARTinvestment.RU.

На аукционе AI продолжает работать виртуальный участник «Резервная цена не достигнута». Он появляется на последних минутах торгов, чтобы покупатели имели возможность перебить резервную цену (у тех лотов, где она есть). Другими словами, если видите участника «Резервная цена не достигнута», то это повод продолжить борьбу — возможно, победа близка.

Если же последняя ставка появляется в сопровождении пометы «До резерва остался 1 шаг», это значит, что, сделав следующую ставку, вы выигрываете лот — если, конечно, кто-нибудь, вдохновившись близкой удачей, не перебьет вашего последнего слова. И всегда досадно, когда участники, торговавшиеся несколько дней и особенно азартно последние пару часов перед закрытием, вдруг останавливаются именно в одном шаге от победы. Если чувствуете, что вещь — ваша, так сделайте этот шаг!

Комиссионный сбор с покупателя составляет 18 % от финальной цены лота.

***

Мы продолжаем принимать живопись и графику (оригинальную и тиражную) на наши регулярные еженедельные торги. О своем желании выставить вещь на аукционе AI пишите на [email protected] или звоните по телефону: +7 (495) 632–16–81. Правила приема работ на аукцион AI можно посмотреть здесь.

***

Регулярные торги произведениями искусства и предметами коллекционирования проводятся с помощью автоматизированной системы аукционных торгов, доступной по адресу https://artinvestment.ru/sales/.

В штатном режиме каждый интернет-аукцион длится четыре дня. Но если ставка на какой-либо лот сделана менее чем за 30 минут до закрытия интернет-аукциона, то торги за такой лот автоматически продлеваются еще на 30 минут. По истечении этих 30 минут, если не поступит новая ставка, интернет-аукцион будет закрыт — в противном случае он будет продлен на дополнительные 30 минут. Такой режим торгов, как показала практика, делает бессмысленными попытки откладывать ставки до последних секунд перед закрытием аукциона и стимулирует участников делать ставки в комфортном режиме на протяжении всех дней аукциона.

Согласно Правилам аукциона, участвовать в торгах, т. е. делать ставки на предложенные к продаже лоты, могут только лица, прошедшие регистрацию на сайте Аукциона (администрация Аукциона оставляет за собой право проверять заявителей и отказывать в регистрации без объяснения причин).

Комиссионный сбор с покупателя Аукциона AI определен в размере 18 % от финальной цены лота. Оплата производится в рублях наличными в офисе Аукциона или безналичным переводом на расчетный счет Аукциона. Администрация Аукциона не выдает покупателям разрешений на вывоз за пределы РФ товаров, приобретенных на аукционе, и не гарантирует возможности получения таких разрешений. Отправка лотов за пределы РФ администрацией Аукциона не производится.

***

ARTinvestment.RU — информационно-аналитический ресурс по рынку искусства, разработчик семейства индексов арт-рынка ARTIMX и составитель крупнейшей в мире базы данных аукционных результатов для художников, входящих в орбиту русского искусства. В своей аналитической работе ARTinvestment.RU опирается более чем на 250 тысяч результатов аукционных продаж для 13 тысяч русских художников в сегментах живописи, графики, скульптуры. Уникальные индикаторы инвестиционного риска, присваиваемые экспертами ARTinvestment.RU, помогают исключить из расчетной массы многие сомнительные результаты.