Открыт 146-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Азама Атаханова, Марии Васильевой, Дмитрия Воронина, Михаила Дронова, Игоря Кислицына, Юлии Малининой, Бориса Марковникова, Pata (Пааты Мерабишвили), Александра Пучко, Леонида Ракова, Рудольфа Хачатряна, Константина Худякова, Владимира Чибисова
Каталог AI Аукциона № 460 и 146-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 16 декабря, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 7 живописных произведений, 5 скульптурных композиций и один лист печатной графики.
Азам Атаханов. Птичья скала. 2021
Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности» (artmoskovia.ru).
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
Название полотна «Птичья скала» отсылает к известной природной достопримечательности Крыма, вместе с тем натурные мотивы здесь тесно переплетены с фантазией автора, переносят зрителя в какой-то фантастический мир. Работа имеет оригинальный вертикально-ориентированный формат, отсылающий к эстетике персидских миниатюр, на что указывает и характерная для восточного искусства плоскостная трактовка пространства, и расположение композиционных элементов друг над другом. Атаханов радикально преобразует природные виды, отказываясь от классической перспективы, убирая лишние детали и вводя в работу несколько точек зрения (Мария Беликова).
Азам Атаханов пишет не пейзаж как таковой — он в очередной раз приглашает зрителя в свой мир, где звучит музыка, летают удоды, плывут разноцветные облака, над которыми висит ажурная арка моста, а скала чем-то напоминает кремовый торт. Весь этот мир играет, движется и переливается яркими красками, а образ девушки, играющей на дудочке, придает ему глубину и лиричность.
Художник предлагает нам не развлечение, не поучение, и не эстетские лакомства для глаз (хоть и умеет писать крепко и сочно). Он предлагает отбросить шелуху будней, заботы дня и радости ночи, и обратиться к первичным, исходным, главным заботам человека, живущего на земле. Такой подход к делу предполагает зрителя, который способен вспоминать о главном. Это не легко. Нервный и нередко неврастенический, легко возбудимый и быстро утомляющийся вид по имени «человек современный» усеял своими особями джунгли больших городов. Азам Атаханов обращается к нам от лица иного человечества, которое, как мы догадываемся, существовало в эпохи досовременные. Он всегда предлагает подумать именно о главном, о вечном и неслучайном.
Его главная тема — фигура в природном пейзаже, то есть в большом Доме мироздания, и в интерьере, то есть в родовом, семейном Доме. Полы, подушки, одеяла и стены жилого дома устроены так же прочно, надежно, и так же переливаются горячими красками жизни, как и горы, горные долины, деревья и камни внешнего мира (Александр Якимович, atakhanov.art).
Для художника наиболее важными категориями живописи являются цвет и пространство: его интересуют насыщенность цвета, верно найденный тон, его «звучание» в картине. «Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.
Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).
Мария Васильева. Коктейль. 2014
«В современных мегаполисах домашние питомцы, собаки и кошки, давно очеловечились. Хозяева небольших собачек неразлучны со своими любимцами. Их можно встретить практически везде, где доступно посещение мероприятия с собакой. Часто они сопровождают хозяина в путешествиях, походах по магазинам, выставкам, кинотеатрам. Так много разных пород собак, однако все питомцы удивительно похожи на своих владельцев, и даже одеваются в том же стиле и колорите. Я люблю наблюдать, сравнивать, находить характер и особенности каждого персонажа, стараюсь передать портретное сходство и выражение каждого.
Миниатюрный той-терьер для меня — это символ хрупкости и уязвимости нашего мира.
Этот крохотный пес вызывает умиление, желание проявить заботу и участие. Он так же хрупок и грациозен, как стеклянный фужер на тонкой ножке. Поэтому у меня появилась серия бронзовых скульптур “Коктейль”, где представлены мини-собаки в фужерах. “Коктейль” — той-терьеры в фужере для коньяка и фужере для мартини, и “Чашка кофе”» (Мария Васильева).
В произведениях Марии Васильевой зритель нередко встречается с женскими образами — необычными, хара́ктерными, но чаще всего художник обращается к одному из самых сложных жанров скульптуры — анималистике, которая требует от автора внимания, тонкой наблюдательности и знания животного мира.
Образ домашнего животного у Васильевой — это в первую очередь его натура, характер: смелый, меланхоличный, веселый, надменный, покладистый… Но нередко в них явственно видны характеры их владельцев, и скульптору удается точно передать эти сочетания — удачные, основанные на понимании и доверии, или, увы, окрашенные полным непониманием владельцем характера того, за кого он в ответе.
Керамист по образованию, Мария Васильева нередко обращается к работе с бронзой, потому что именно в керамике и бронзе точнее всего может выразить свои творческие пристрастия.
Дмитрий Воронин. Кролик. 2022
В преддверии наступающего года Кролика по восточному календарю мы пригласили в наш каталог этого забавного ушастого гостя, созданного в единственном экземпляре замечательным скульптором-анималистом Дмитрием Борисовичем Ворониным.
Дмитрий Воронин работает в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин создает яркие, острохарактерные образы животных, в которых узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Михаил Дронов. Творческий тупик. 2017
Михаил Дронов — один из ведущих отечественных скульпторов. Художник отточенной формы принадлежит к поколению «восьмидесятников», чьи творческие пути определялись временем и осознанием себя частью этого времени. Он создает свой художественный мир, причудливый и многообразный, основанный на взаимосвязи реальности, фантазий и гротеска. Скульптор — экспериментатор, и дух его поисков всегда интересен. С легкостью объединяя реалистически-иллюзорную лепку с обобщенными формами, скульптор создает станковую работу, многофигурную композицию или натюрморт, где образный мир произведений подчинен исключительно свободе мироощущения и самовыражения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Михаил Дронов принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.
Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».
Игорь Кислицын. Ангел. 2008
Кисти Игоря Кислицына принадлежит живописная композиция «Ангел» (2008). На протяжении полутора десятков лет, начиная с конца 1990-х годов, изображение ангела становится одной из сквозных тем художника.
Вспомним, что «ангел» в переводе с греческого означает «вестник», как и в переводе с иврита — «посланец». Выражением «воинство небесное» называются группы ангелов, сопровождающие Бога и служащие Ему. Последнее можно рассматривать как отрицание языческой идеи независимых от Бога сверхчеловеческих существ. Составляя мир бесплотных, но сотворенных сущностей, ангелы, которых мы называем Силы Небесные, населяют Небо, не земное, а высшее и имеют свою стройную иерархию.
В повествовательных книгах Библии часто упоминается один ангел, редко два или более, передающие послание или совершающие определенное действие, причем появляются они в образе человека и в них не сразу можно распознать небесное существо. Например, Авраам и три ангела (Быт. 18), сон Иакова (Быт. 28:12), знаменитый сюжет борьбы Иакова с богом и др. В книге Псалмов упоминания об ангелах встречаются по всему тексту. В пророческих видениях Иезекииля на ангелов возложено разрушение Иерусалима, наложение на чело избранных для спасения праведников особого знака, рассыпание пригоршней горящих углей на город и т.п.
В иных книгах традиции ангелы властвуют над всеми стихиями и силами природы, и имена многих ангелов образованы от имен тех сил природы или стихий, которые им подвластны. Как служебные духи, они призваны сопровождать и охранять человека или даже народ, у каждого сакрального места есть свой ангел и т.п.
Но часто традиционные описания ангелов прочитываются как поэтические символы.
В поэзии Серебряного века ангел — незаменимый персонаж, появляющийся в самых разных ситуациях, но всегда знаменующий значительный сдвиг, разрыв в жизни лирического героя или самого автора (вспомним хотя бы «Ангела бледного синеглазого» Брюсова, «Ангела Божьего» Анны Ахматовой, «Сусального ангела» Блока и многих других). Послание из иного, непривычного и незримого мира неожиданно вторгается в ровный ход человеческой жизни и рассекает ее надвое: до и после. Такая весть из иного измерения всегда помещает человека в точку разлома и требует осознанного выбора и пересмотра ставшего заданным и косным существующего ритма и порядка жизни.
Множество прекрасных изображений ангельских сил запечатлено на иконах русских, греческих, сербских и др. Канон требует изображать невидимое, используя определенные символы: нимб и крылья (указывают на благодать и действенность в них безначального Бога, полёт и скорость как вестников воли Его); одежды, изображающие величие их чина, как правило историческое римское или византийское одеяние, символы власти: диадема, в виде ленты (одна из царских регалий и атрибута жрецов), жезл, скипетр, держава (превратившаяся в «Зерцало») и т.д.
В работе «Ангел» (2008) мы имеем дело не с изображением, обязанным воспроизвести все канонические требования, чтобы стать культовым, а со свободной творческой интерпретацией общей идеи Ангела, освобождённой от поверхностной подробной изобразительности. Автор далёк от имитации канона или стилизации, он сохраняет лишь общий абрис ангельского существа, нимб, крылья и державу (зерцало), некоторую условную антропоморфность облика. Персонаж абсолютно иератичен, но предстоит он не Небесному Владыке, а человеку-зрителю. Загадочной силой веет от этой кристалличной фигуры с огнящимся ликом, как бы обращенной к нам с немым вопросом о важном. Богатство красного, претерпевающего превращения в пределах небольшого полотна, то мерцающего подобно остывающим углям, то ярко вспыхивающего киноварными отблесками, то изнемогающего в виннобордовом остатке, подчеркивается сложным в лессировках почти чёрным фоном. Пламенеющая фигура словно выступает из непроявленного запредельного пространства и магнетической мощью образа вызывает в памяти слова из 103 псалма: «Творяй Ангелы Своя духи, и слуги Своя пламень огненный». Следует отметить, что в этой работе Кислицын несомненно близок одному из своих любимых художников — Жоржу Руо, последнему великому христианскому художнику.
Здесь явно присутствует эффект витражности, хотя способ достижения другой. У Руо он скорее «генетический» вследствие принадлежности к этой культуре по рождению и многолетней практике работы над витражами, их реставрацией и созданием. У рассматриваемого нами автора это итог длительной живописной практики в области экспрессии цвета вкупе с глубоким изучением (здесь уместно вспомнить, что автор в совершенстве владеет темперной техникой иконописи), личным переосмыслением и творческим наследованием традиций сакрального искусства (Вера Родина, искусствовед).
Юлия Малинина. Мой Монмартр. 2019
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).
Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико (cultobzor.ru).
«Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом» (Юлия Малинина, artuzel.com).
Борис Марковников. Господи, дела рук наших исправи! 2018–2019
«... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.
Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.
Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.
Сопереживай мне!
Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.
Для меня “переживание” не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание...» (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).
«Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.
Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.
Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник» (Никита Махов).
«Мои нефигуративные работы — это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную», — говорит художник.
Pata (Паата Мерабишвили). Водопой. 1996
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры.
В малой скульптуре Мерабишвили 1980–90-х годов особенно ясно и оригинально проявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства — к бронзовым бляхам и поясам. Стилизованные фигуры людей и животных поражают яркостью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в стремительных движениях фигуры замкнуты в силуэтный овал и не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры не только несут в себе формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью. «Водопой» (1996) покоряет зрителя композиционной оригинальностью одновременного изображения фигуры и ее отражения. Уже в ранних работах ясно видны характерные для будущего творчества художника черты — стилизация, неожиданные сочетания разнообразных материалов и приемов обработки, игра с цветом, использование дополнительных техник — эмали, инкрустации. Малая пластика молодого скульптора изысканна и индивидуальна.
Творческая натура Мерабишвили и его богатое художественное воображение определяют оригинальность и пластически-эмоциональную выразительность его работ. Авторский метод мастера опирается на глубокое знание художественного образа и пластических возможностей формы и материала. Оглядываясь вокруг или углубляясь в далекое прошлое, он воплощает архетипы плодородия, охотника, воина, женщины, увиденные через призму современности, модернизирует традицию и создает выразительные художественные образы с разными характерами — лирические, экспрессивные, иногда с легким юмором, и каждый его персонаж удивляет точностью характера и артистичностью исполнения (Нана Шервашидзе, искусствовед).
Александр Пучко. Движение видеовиса. 2006
Современный художник, находясь под огромным давлением «атмосферного столба» различных направлений, школ, стилей, течений, эпох в искусстве, черпая из накопленной сокровищницы ценности знания, решает сложнейшие творческие задачи генерации собственной художественной системы. Чрезвычайно трудно отчетливо зазвучать, найти свою стилистику и, основываясь на знании предыдущих творческих опытов, избежать прямого цитирования, найти своего зрителя и разговаривать с ним на одном языке понимания и сочувствия.
Автор, поставив перед собой задачу уйти от унылых, искусственных правил целесообразной эстетики, экспериментирует, иногда связывая воедино абстракционизм и модерн, создавая изображение зачастую интуитивно. Иногда его охватывают настроения, подвигающие на высказывания языком символизма.
Всё это попытки смотреть на мир непредвзятым взглядом, очищенным от опыта рационального восприятия.
Постоянный поиск новой лексики выражения обогащает творчество автора различными приемами, позволяющими подобрать оригинальные пути и модели оживления восприятия. Иногда в этом процессе ясность формы сменяется бурным ниспровержением скучного перечисления деталей.
Избегая свойственного современности эгоцентризма, автор пытается перекинуть мостик между предметом выражения и зрителем. Путь к собеседнику без преград, не обремененный навязанными банальными идеями и равнодушием посредственного опыта.
Искреннюю попытку избежать шаблонности и линейного взгляда, порыв, возможно наивный, в стремлении общаться со зрителем можно расценить как приглашение к игре, где образ выводится из-под автоматизма восприятия, и предлагается на чувственном уровне получить ощущение «увиденного», а не узнавание знакомого образа (Александр Пучко).
Александр Александрович Пучко родился в 1961 году в Москве. В 1983 году окончил МХУ имени 1905 года, по специальности художник-реставратор. Много лет работал реставратором монументальной и станковой живописи в ГТГ, «Союзреставрации», Всесоюзном НИИ реставрации. Принимал участие в восстановлении Новоспасского монастыря в Москве, Николо-Перервенского монастырского комплекса, церкви Николы в Кожевниках, церкви Михаила и Фёдора Черниговских, Симонова монастыря в Москве, Новгородского Кремля. Занимаясь реставрацией станковой живописи более 35 лет, сохранил и восстановил не одну сотню произведений русской и европейской живописи. Помимо этого, увлечен проектированием и строительством жилых домов, дизайном мебели и интерьеров. Большая часть творческого процесса посвящена созданию собственных живописных и графических работ. С 2007 года — член Московского объединения художников Международного Художественного Фонда. Работы находятся в частных собраниях России, Чехии, Польши, Германии, Швеции, Нидерландов, Канады и США (litfund.ru).
Леонид Раков. Концерт. 2017
Творчество Леонида Ракова — яркий пример обостренно эмоционального визуального повторения реальности. Его работы — прекрасны! Их беспредметность дает возможность окунуться в чувственные глубины собственного «Я».
Яркие, позитивные, гармонично и сложно сбалансированные по цвету абстракции Леонида Ракова радуют глаз, успокаивают нервы, будоражат воображение. В этом суть и творческая задача художника (cultobzor.ru).
Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).
Рудольф Хачатрян. Соединение. Композиция VI. 1992
Рудольф Хачатрян — армянский живописец и график, народный художник Армянской ССР.
«Простая чёткая линия в рисунках Хачатряна превращается в универсальное средство, с помощью которого он способен выразить богатство окружающего мира, тончайшие оттенки человеческих чувств», — отмечал историк искусства Савва Ямщиков, обращаясь к творчеству «поэта линии».
Рудольф Хачатрян — один из тех художников, чей талант развился на основе классического искусства и, естественно, благодаря его исключительной природной одарённости. Его отличает своеобразный образ мышления и манера речи, это человек, связанный корнями со своим прошлым и, в частности, с эпохой Возрождения, в то же время вполне современный. Хачатрян — своего рода мост между прошлым и современным (Рипсиме Варданян, armmuseum.ru).
В творчестве Хачатряна выделяют несколько периодов — совершенно самостоятельных, но не просто тесно связанных, а совершенно невозможных один без другого. Это и «леонардовский» период классического рисунка, и работа в уникальной авторской технологии рисунка на левкасе, и периоды многомерных объектов и метаморфоз.
«… Как он говорил, самым важным творческим этапом, который должен был быть понят позже, были “Метаморфозы”. Изображая на протяжении всей жизни “живых, реальных” героев и персонажей, художник, наконец, попытался помимо прочего найти вечную формулу человека-существа, человека-таинства, загадки» (Рипсиме Варданян, armmuseum.ru).
Живописная работа «Соединение. Композиция VI», написанная в 1992 году, представляет собой характерное произведение этапа «Соединения» внутри творческого периода «Метаморфозы».
Константин Худяков. Игрок. 1995
Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. В его произведениях соединились архитектурный опыт, занятия живописью, а также интерес к новейшим цифровым технологиям. Запечатленные автором причудливые сцены часто вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, которые также наполнены символическим подтекстом и иносказаниями, погружая зрителя в ирреальный мир, в котором порой просвечивает знакомая зрителю реальность.
«Игрок» (1995) — образец печатной графики художника середины 1990-х годов. Сюжет и композиция рисунка замечательны своей очевидной сюрреалистичностью, предлагающей зрителю множество толкований. Позднее все авторские творческие искания сосредоточились в области цифровых технологий, и это уже совсем другое искусство, по-своему обогащенное за счет возможностей, предоставляемых новыми техниками. Цифровые работы Константина Худякова чрезвычайно многообразны, очень хорошо известны, много раз экспонированы на самых престижных площадках, в достаточном количестве представлены на рынке. А вот найти печатную графику, в которой авторский замысел выражен чисто, изящно и традиционными средствами, — редкая удача.
Владимир Чибисов. Похищение Европы. 2015
Главный мой герой — это скульптурный материал.
Меняется пространство и время, жизнь может предложить любые темы и сюжеты, но материал в скульптуре всегда во главе угла, всегда источник поиска и открытий.
Камень — а с ним я более всего работаю последние годы — это собеседник, не терпящий суетных движений. Ему не навяжешь свою волю. Природа камня откроется лишь в созерцании и терпении, лишь в неторопливом диалоге.
Металл — мир нагреваний и остываний, перетеканий и деформаций — это совсем другая история, где конечный результат нужно предположить заранее, тогда откроется улыбка перевоплощений.
Керамика — нежна и вероломна, ее женственная природа бесконечно изменчива и иронична.
Дерево — самый теплый и живой собеседник, всегда готовый к взаимодействию формы и цвета.
Процесс работы с деревом — вершина земного наслаждения.
Материал скульптуры — это всегда и открытие и загадка. Как поведёт он себя в работе? А в пространстве? А в диалоге с формой? Но есть еще и тайна сочетания материалов друг с другом, есть еще тайна встречи объема с цветом и графикой. И чем дольше к материалу прикасаешься, тем безбрежнее поле его возможностей и новых загадок.
Сочетание материалов — это всегда риск и ответственность.
Но и возможности здесь особые и конечно же ещё неизведанные (Владимир Чибисов).
Тема традиции и осмысления культурного наследия занимает важное место в пластике Владимира Чибисова. Постоянный поиск гармонии взаимоотношения формы с цветом и с графикой силуэта рождают композиции, декоративные по своей сути и образные по содержанию (Катерина Шмакова).
Желаем удачи на 146-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221212_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221212_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
