Открыт 145-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Алексея Гинтовта, Евгения Зевина, Дмитрия Каминкера, Сергея Касабова, Игоря Кислицына, Валерия Мишина, Андрея Молчановского, Андрея Орлова, Александра Переднего, Сергея Потапова, Георгия Смирнова, Игоря Снегура, Екатерины Сысоевой
Каталог AI Аукциона № 459 и 145-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 9 декабря, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 8 живописных произведений, три скульптуры, одна работа в смешанной технике и один графический лист.
Алексей Гинтовт. Звезда I. 2022
Меня всегда интересовала эпоха великих свершений, люди проекта, эстетика большого стиля. Если в настоящее время мы уверенно можем сказать, что никакой большой проект себя не проявляет, то, несомненно, возникнет интерес оглянуться назад (Алексей Гинтовт).
Алексей Гинтовт сегодня, возможно, главный художник в современном русском искусстве, развивающий идею Тимура Новикова «будущее — в прошлом». Вот уже почти 30 лет Алексей Гинтовт убеждает, что авангардом сегодня является не суетливый поиск чего-то нового, а, наоборот, обращение к традиции, к давно известным ценностям. Объясняет он это порой нарочито жестко, без анестезии — на языке «нового ампира», традиционализма, имперского авангарда.
«Противопоставленное модернизму неоакадемическое направление, ставящее своей целью сохранение и возрождение классического искусства, стало для Гинтовта тем фундаментом, на котором сформировался его собственный художественный стиль.
Красота и совершенство исполнения становятся для Гинтовта главными мерилами собственного творчества. В плане композиции и стилистики это симметрия и гармония, сочетание сусального золота и черной или красной типографской краски. Особое внимание художник уделяет технике исполнения своих работ: это преимущественно ручная печать с пристальным вниманием к деталям. При этом он не ограничивает спектр своих выразительных средств, периодически работая с видеоинсталляцией, графикой и скульптурой.
Отточенное до предела техническое мастерство в сочетании с минимализмом изобразительных средств приводит к тому, что его работы вызывают ощущение величия. Сам Гинтовт говорит об этом так: “Чем ограниченнее художник в выборе средств, тем значительнее результат. Избыточность вредит проекту. Мне всегда была важно найти то решение, проще которого быть не может. Продолжая эту линию предельной экономии, можно говорить о том, что рисование отпечатками пальцев — это есть та последняя степень скупости средств”» (Алексей Быковский, artinvestment.ru).
Болезненные манипуляции в искусстве способны терпеть далеко не все. Поэтому не удивительно, что число почитателей творчества Гинтовта вряд ли превосходит количество его критиков. Впрочем, нужно помнить, что для искусства любая яростная дискуссия — это скорее добрый знак.
Евгений Зевин. Райский сад. 2020
Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).
В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).
Евгений Зевин остро чувствует закономерности композиционных и декоративных решений; обычные, вроде бы каждодневно виденные предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму в сопоставлении объема, цвета, внутреннего движения или покоя.
Он всегда в процессе исканий, особенно в области цвета, один из самых тонких и культурных наших мастеров.
Работу над картиной Евгений Зевин начинает обычно с рисунка углем, причем это очень длительный процесс по доведению линии до совершенства, с использованием закона силовых линий авангардистов 1920-х годов. В каждом рисунке или композиции уже ничего нельзя менять. Изображаемые предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму. Они близки к построению музыкального произведения…
Его произведения всегда напоминают людям о вечных ценностях и утверждают красоту окружающей нас предметной среды и жизни (Нина Лапина, zevin.ru).
Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».
Дмитрий Каминкер. Граф Шувалов на коне. 1990
«С одной стороны, архаичность скульптуры сегодня может быть совсем не в тренде, поскольку акценты смещены на компьютеры и визуализацию. Но с другой — современный зритель, проводя много времени перед экраном телефона или компьютера, зачастую теряет ощущение трёхмерности пространства, а мы, скульпторы, помогаем ему сохранить это ощущение», — говорит Дмитрий Каминкер, автор скульптуры «Граф Шувалов на коне» (1990).
Дмитрий Каминкер — «один из основателей и председатель правления уникального Петербургского творческого объединения “Озерки — Деревня Художников”. Это сообщество мастеров, ожививших своими работами старые дома и улицы в Шувалово — пригороде Санкт-Петербурга. Там же, в двухэтажном доме, по которому можно ходить, как по музею, живет и сам скульптор. Вокруг тишина, лес и озеро, а сам Дмитрий Давыдович — словно шаман, общающийся с духами природы и передающий через свои произведения её смыслы» (denissavinov.ru).
Произведения Каминкера трудно вписать в одну из предложенных современным искусством схем. Некоторые из существующих направлений, наверное, могли бы претендовать на его к ним причастность. Традиционный реализм увидел бы в нем «своего» — в повышенной содержательности и неизменной фигуративности; «неоклассицизм» — в пристрастии к мифологическим и библейским образам; соц-арт — в гротесковости, социальной заостренности и использовании примет и знаков советского образа жизни (работы конца 1980-х — начала 1990-х); поп-арт — в обыгрывании реди-мейдов и т.п. Однако Каминкер, хотя и применяет отдельные, уже апробированные современным искусством приемы, умудряется тактично увернуться от полного подчинения той или иной арт-стратегии. В этом-то и состоит основная тактика художника, обеспечивающая ему обособленность и параллельность пути.
Несмотря на все эксперименты художника со скульптурным материалом и формой, острые композиционно-пространственные построения, первоосновой всех его пластических фантазий всегда остается скульптурный объем. Пройдя искушение и авангардностью, и классичностью, Каминкер неизменно сохраняет большую культуру пластического мастерства.
Каминкер не догматик собственного метода. Он легко может переходить от минимализма к развернутому сюжетосложению, от лаконичных брутальных форм к почти ювелирной проработанности бронзовых поверхностей (Е. Василевская, art.rin.ru).
Сергей Касабов. Дон Кихот. 2003
Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).
Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.
Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).
Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.
Игорь Кислицын. Романский собор II. 2021
Работа Игоря Кислицына «Романский собор II» входит в одноименную серию, созданную художником в 2021 году и вместе с работами следующей за ней серии «Остров» составляющую новый большой цикл «Излучения» (2021–2022).
Если сравнивать последние работы художника с живописной серией «Нормандский собор», созданной в 2007–2011 годах, где реальные впечатления от путешествия в Нормандию отражены более непосредственно и, при всей значительной мере обобщения, проступают черты реальной архитектуры, цветовая палитра насыщена серебристо-голубым и разбелённой охрой, привнесённой дыханием реального Океана, здесь уместнее говорить о продолжении и разработке излюбленной художником темы Восхождения, о которой можно мыслить как о некоем экзистенциальном модуле личности художника.
Картина вызывает в памяти и ступенчатые зиккураты Месопотамии, и ступы и пагоды Дальнего Востока, и огромные пирамиды Центральной Америки, и сложные формы индуистских храмов-мандал, и великолепные христианские базилики романской и готической эпох и т.д. Весь этот архитектурный спектр имеет один общий знаменатель — стремление символически передать Божественный порядок мироздания. Это воплощённая в той или иной форме осевая и вертикальная связь между Небом и Землей, образ Центра или Оси мира, Мирового Древа, Священной Горы и т.д.
«Романский собор» Кислицына и воспринимается как космическая структура, состоящая из горизонтально расположенных, накладывающихся одна на другую ступеней или рядов, каждый из которых является частью общего Плана Проявления с его бесконечным разнообразием уровней бытия.
Сам вертикальный формат картины уже позволяет испытать кинестетическое чувство, направленное вверх; структура из ступеней восхождения ритмически задаёт вектор движения; пульсирующий красный поднимает зрителя к вершине, увенчанной крестом. В то же время пространство собора, заданное экспрессией вибрирующего и постоянно изменяющегося красного цвета, дано одновременно в «разрезе», что прямо обращает нас к таким разработанным темам автора, как «Большой Атанор» (алхимический тигель, в котором происходит превращение не только косной материи, но одновременно и самого человека в «духовное» золото) и «Башня» (тема огненного восхождения через аскезу и испытания, раскрытая в христианском ключе).
Прямоугольные структуры сложного тёплого чёрного цвета на полях, обрамляющих центр работы, как музыкальные синкопы в общем ритмическом строе, также подчеркивают вертикальность полотна. Покоясь в центре Космического океана сложного синего, почти чёрного цвета, Собор становится символом вселенского Города-Храма, избавленного в пламени очистительного огня от всяческой порчи, болезней, неправды, тлена, символом незыблемости, плодотворного со-творчества Бога и человека (Вера Родина, искусствовед).
Валерий Мишин. Ключ. 2022
«На любые вопросы о своем искусстве влюбленный в джаз Валерий Мишин цитирует американского саксофониста Джеймса Картера: “Все играют так, как могут, а я играю как хочу”» (smotrim.ru).
Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.
В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).
«Художник находит наиболее близким себе немецкое изобразительное искусство — многие его явления от Возрождения до ХХ в., соединяющие жесткость, сухость перечисления, кропотливость и одновременно странность, мистичность. Особо родственна Новая вещественность или Магический реализм, с их скрупулезной ирреальностью. У Мишина странность, “сдвиги” не только в наборе изображаемых вещей и в их соединении, но в самой манере: в сочетании иллюзионизма и условности, в соединении высокой техничности и некоторой примитивизации. “Вещественным” изображение делает объемность, усиленная светотеневая моделировка фигур, но вместо плоти вещей — упорядоченные, монотонные фактуры, заполняющие контуры. Наивное искусство, в частности, югославских примитивистов напоминают упрощенная линия и упрощенный ритм, усиленные повторы в пейзаже, аккуратность пышной растительности на головах и лицах персонажей. Все это служит эффекту. Эффектны также постоянные столкновения противоположностей — полета и тяжеловесности, движения и неподвижности, психологической выразительности лиц и их отвлеченности от изображенной ситуации. <…> “Иная реальность” распознается как реальность художественного мышления с присущими ему операциями — отстранением, смешением, метафорами, аллегориями, парадоксами, каламбурами. <…> В любой его фантасмагории остается нечто реальное, точное. Реализм сам по себе как проблема занимает художника. В 1990-е гг. Мишин изобрел направление, названное “остаточным реализмом”, в русле которого создает композиции из отпечатков разных предметов — листьев, трав, тканей, даже рыб» (Любовь Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. 2-е изд. СПб. 2019. С.68).
Андрей Молчановский. Колесо фортуны. 2020
Андрей Молчановский (1971) — скульптор, мастер художественного стекла, член-корреспондент Российской академии художеств (2019). Окончил отделение скульптуры Одесского художественного училища им. М. Б. Грекова (1992), а также Санкт-Петербургскую государственную художественно-промышленную академию имени А. Л. Штиглица (1999). Участник многочисленных выставок и скульптурных симпозиумов как в России, так и за рубежом. Работы художника представлены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Центрального выставочного зала «Манеж» (Санкт-Петербург), Государственного музея стекла и хрусталя (Никольск, Пензенская обл.), а также в многочисленных отечественных и зарубежных частных коллекциях. Скульптор успешно работает в различных материалах: бронзе, мраморе, граните, нержавеющей стали, терракоте. Большой ряд произведений выполнен из оптического стекла. Произведения Молчановского характеризуются выразительностью пластического языка, обобщенностью и лаконизмом форм.
«…По всему свету, повсюду во все часы дня голоса всех призывают и называют одну Фортуну, её одну обвиняют, привлекают к ответственности, о ней одной думают, её одну хвалят, её одну уличают. С бранью почитают её изменчивую, многие считают её слепой, бродячей, непостоянной, неверной, вечно меняющейся, покровительницей недостойных. Ей на счёт ставится и дебет, и кредит, и во всех расчётных книгах смертных она одна занимает и ту, и другую страницу», — писал Плиний Старший (цит. по: ru.wikipedia.org). Но и сегодня, как и две тысячи лет назад в Древнем Риме, люди во всем мире надеются на слепой случай, на то, что колесо Фортуны повернется в сторону удачи и благополучия.
Андрей Орлов. В мастерской. 2021
Андрей Павлович Орлов — пейзажист, портретист, мастер натюрморта, абстракционист. Родился в 1979 в Ялте. В 2002 окончил Крымское художественное училище им. Н. С. Самокиша. Живет и работает в Ялте.
В ряду современных крымских живописцев имя Андрея Орлова прежде всего будет названо при разговоре о картине, которая определяется сутью осознания мира через цвет, а не исчерпывается названием темы или узнаваемостью сюжета, задушевностью мотива или поразительностью эффектов, вычурностью манеры или провокационностью формы.
Образный строй его произведений балансирует между декоративной энергичностью дерзкой конфронтации самодостаточных красок и изящной игрой богатой палитры оттенков. Живописный инструментарий замыкается в широком диапазоне выразительных средств от истоков колористических открытий нидерландских старых мастеров, обогащенных французскими постимпрессионистами до узаконенности американцами самоценности цвета в абстрактной картине. Марк Ротко, Кес ван Донген, Хаим Сутин, Пьер Боннар, Анри Матисс — в высшей степени обуздавшие краску — становятся для Орлова камертоном звучания цвета. Его живопись свободна от балласта символизма и концептуализма, в ней чистота неповторимого образа порождается органичной сложностью четко определенных взаимоотношений цвета на плоскости холста. Прохлада кобальта, ультрамарина или бирюзы не гасит, необузданно испаряясь, раскаленность кадмия, кармина или краплака, а утоляет пыл особого рода эстетической жажды. Самозабвенное размышление художника о колористической структуре явленной натуры, имя которому — сама картина, погружает истинного ценителя, тонких индивидуальных состояний в полнокровную жизнь цвета (Павел Хлебовский, искусствовед, ot-ido.art).
Александр Передний. Натюрморт с бутылками. 1985
«Я родился в семье художника. Поэтому при выборе профессии у меня не возникло никаких колебаний», — написал Александр Передний в 1980 году в каталоге к своей выставке совместно с Виктором Глуховым и Львом Табенкиным.
Детские Сашины работы рисунками не назовешь просто потому, что их там нет. Нет характерных, свойственных очень многим, детских виртуозных линейных откровений, нет рисованных повествований о первых понятиях, об открытии мира. Сразу — живопись и одна лишь живопись.<…> Недетские детские работы. В этой живописи нет ничего от требуемой натурности: все — натура.
В этом «все» — проживание мальчиком-подростком своей жизни в живописи по своим, упрямым, необщим законам.
Писать он начал рано, лет в 5-6, и почти сразу маслом. Первый автопортрет художника — ему всего пять лет. Он поразительно похож на автопортрет зрелого мастера — Жоржа Руо. Он умер в 1958-м, в год рождения Саши... Непостижимая близость цвета, света, общего строя двух портретов, но главное, взгляд — грустный, обращенный внутрь себя...
Профессионального образования у Александра Переднего, кроме детской художественной школы (МСХШ), не было. Впрочем ему и не нужен был институт — Переднего приняли в МОСХ, в самую главную секцию — секцию живописи — «по факту», как работающего мастера. И это было вполне справедливо, без всяких натяжек. В МОСХ было тайное голосование. На тот момент (1979 год) он был самым молодым членом Союза. Ему исполнился 21 год.
Все работы Александра Переднего — это безукоризненное понимание плоскости холста, всегда четко выверенная композиция, четкий ритм цветовых пятен, безупречный колорит, очень много точных попаданий. И всегда — культура поверхности. Тот самый, непременный для живописца красочный слой, милая сердцу стоящего живописца фактура. Очень красивые, крепкие пейзажи, классные натюрморты — это, бесспорно, Сашин конек (из пресс-релиза выставки «Александр Передний. Десятилетие после смерти» (2004, ЦДХ), museum.ru).
Сергей Потапов. Странствующие души. 2010
В сфере искусства я с середины 1960-х годов прошлого века. И все это время творчество для меня — путь к познанию мира и себя. А это познание — вновь путь к творчеству. Ключевой темой моих работ была и остается древняя идея: человек как микрокосм. Возможность изобразить сознание человека, сферу его мечты, надежды, наконец, драму бытия и привела меня к символу. Для меня искусство не только сфера отражения, но и моделирующая система, приобщающая человека к красоте и тайне мироздания и приближающая его к познанию истины. В начале творчества в 1960-е годы меня вдохновляли русские символические иконы XVI — XVII веков, наивное рыночное искусство на клеенках 1930–50-х годов, буддийская живопись на шелке.
Холст «Странствующие души» относится к циклу работ, посвященных теме соприсутствия параллельных миров в космологии постсимволизма, где взаимодействуют восходящие и нисходящие потоки энергии. В этой работе форма сакральной чаши отражается в этих двух потоках (два соприкасающихся треугольника — проекции конусов энергетических потоков).
Нижний конус — мир с путями восходящих к Богу душ с их Драмой Бытия, преодолением, борьбой.
Основная мысль моих работ начиная с 60-х годов: сознание, мысль созидают мыслеформу, а она — Путь.
Путь как архетип движения от рождения к финалу, через персональные Драмы Бытия.
В вершине треугольника (конуса) — порталы, выходы в иной мир, где странствия души продолжаются. Метод работы — вслушивание в продиктованное тишиной, медитация (Сергей Потапов).
Сергей Владимирович Потапов — яркий художник из поколения «отверженных», деятелей неофициального искусства, как называют нонконформистов 60–70-х годов прошлого века. Ветеран легендарных выставок на Малой Грузинской 70-х годов...
Творчество художника напрямую связано с историей отечественного авангарда 20-х годов. На его становление в период обучения в Строгановке на факультативном курсе «Герменевтика Символов» повлиял наставник и учитель профессор Генрих Людвиг. Другим ориентиром его творческого пути стал манифест Павла Филонова 1923 года, который многие называют предвестником русского космизма. Судьба столкнула Сергея Потапова и с другой линией русского космизма — в 70-е годы он встречался с Борисом Смирновым-Русецким, членом группы «Амаравелла» и учеником Николая Рериха. В январе 1975 года Сергей Потапов встречался с Рерихом, но уже со Святославом. Художник хорошо запомнил его мудрое наставление: «каждодневно совершенствуй то, что дано свыше до конца твоего пути, там будет указана новая дорога» (Мария Трофимова, философ).
Творчество художника Сергея Потапова продолжает характерную для русской культуры традицию философского «рассуждения» о человеке, участвующего в драме истории и открытого неизменному вечному бытию. Потапов размышляет об этом на языке живописи при помощи символов и знаков. Эти символы коренятся в прошлом культуры или найдены, «опознаны» художником в образах современной действительности. С их помощью художник разворачивает перед нами противоречивый мир, где в культурных ландшафтах (или, как еще называет их художник, «астральных пейзажах») совершаются события мета-истории, а душа странствует в гуще вечных мифов, которыми прорастает проза повседневного. Связи, ассоциации, синтезы — вот что волнует автора. Он воссоздает их, ломая разные уровни сознания и реальности, выстраивая новую структурную картину мира (Анна Флорковская, кандидат искусствоведения, автор монографии «Малая Грузинская 28: 1976–1988»).
Георгий Смирнов. Рыбка-клинобрюшка. 2010
Я родился в Москве в 1977 году. Отец мой работал разнорабочим на стадионе, мать — инженером-конструктором. С детства люблю читать и рисовать. Немного учился игре на баяне. Перед поступлением в ВУЗ занимался год на подготовительных курсах в Институте землеустройства с прицелом на кафедру архитектуры. Однако по окончании курсов поступать туда не стал, а поступил в Институт стали и сплавов на кафедру литья. Окончил его в 1999 году по специальности «инженер-литейщик цветных металлов». Специализацией моей стало художественное литье.
Благодаря этому, а также уникальному стечению обстоятельств я тем же летом устроился работать на Бабушкинский комбинат литейщиком в творческую группу Владимира Петровича Буйначева. Замечательный коллектив комбината, творческая атмосфера побудили и меня к созданию собственных творческих работ. В Московский союз художников я вступил в 2005 году.
Неудивительно, что первые свои работы я сделал в жанре анималистики. Спасибо моим друзьям — Петру Хохловкину и Рамилю Шерифзянову. Они брали мои первые опыты на выставки в Дарвиновский и Тимирязевский музеи, всячески поддерживали мои эксперименты. А ведь я, и правда, не стремился сделать животных в реалистическом ключе — главной задачей был поиск знака, некой общей сущности, выражающей внутреннюю суть животного. Для меня очевидно, что ответ скрывается в самом начале цивилизации — это рисунки на стенах пещер, архаическое искусство. Потребовалось, однако, трансформировать эти образы в иное пластическое решение, дабы передать сложившийся в голове образ.
С моей точки зрения, скульптура как трехмерный объект более близка и понятна зрителю, чем, например, живопись. Ребенком попав первый раз в Пушкинский музей, я был очарован скульптурными залами и долгое время до живописи даже не доходил. Египет и Месопотамия, греки и Ренессанс своими шедеврами с лихвой наполняли меня ощущением прекрасного и жаждой творить.
Скульптура для меня в классическом ее понимании не нуждается в «костылях» в виде длинных сопровождающих текстов, она интуитивно понятна и притягательна. И еще очень важен эмоциональный контакт с работой, эстетическое переживание, которое она сообщает. Сколь мудрена и пластически затейлива может быть иная современная скульптура, удивление от нее без эмоционального переживания переводит ее для меня в разряд «фокуса», некоторого аттракциона, с искусством никак не связанного (Георгий Смирнов).
Пластика Георгия Смирнова сдержанна, лаконична и точна. Скульптор добивается максимальной выразительности при минимуме средств, говоря со зрителями языком обобщенности, метафор и доброго юмора (Екатерина Шмакова, искусствовед).
Игорь Снегур. Элементалы, маркеры, субъекты. 2003–2004
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).
Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.
Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).
В работе «Элементалы, маркеры, субъекты» (2003–2004) Снегур продолжает исследования формально-пространственных отношений, интересующих его на протяжении всей творческой деятельности. Как художник-философ, склонный к созданию сложных теоретических систем, Снегур изобрел собственную терминологию, с помощью которой он объясняет свои философские и эстетические воззрения на искусство, а также выражает художественные интенции. Так, название полотна содержит типичные для философии Снегура термины, имеющие непосредственное отношение к художественному осмыслению сакрального для художника процесса рождения формы из пространства. В период создания работы он записывает в дневнике: «Сначала создается иероглиф в карандаше на бумаге, на холсте, в пространстве холста. Ты ищешь точку напряжения — место самого наибольшего напряжения, и там рождается через усилие столкновения энергий субъект — геометрическая форма, где через энергию цвета форма воздействует, оживает и пульсирует. …Сначала — серия “Маркер”, потом — “Элементалы”. Через жизнь элементалов хочу проникнуть дальше, в жизнь фракталов. Художник, как геолог, идет вглубь — а что там?» (Игорь Снегур. Живопись. Графика. Дневник. Размышления. Беседы. Эссе. М. 2016. С. 105).
Средствами абстрактной живописи Снегур стремится выявить первооснову материального мира, рождающегося из вневременного метафизического измерения (Мария Беликова).
Екатерина Сысоева. Защита проекта. Из серии «Авиация превращений». 2022
Работа над серией «Авиация превращений» стала для меня ответом на неопределённость реальности. Перевёрнутые смыслы и понятия подтолкнули меня к разговору на языке абсурда. Ещё будучи подростком, я прочитала сборник Даниила Хармса «Авиация превращений», многое в буквальном смысле не было мне понятно, но именно эта непонятность была мне очень созвучна. Поэтому серию работ назвала по одноименному стихотворению Хармса. Именно его «бессмыслица» наиболее точно для меня описывает окружающее. Ритм и звучание его стихов, «случаев», поэм и рассказов помогают мне сформулировать свои собственные графические рифмы.
Своё высказывание я разворачиваю на стыке сознательного и бессознательного, выстраиваю нарративы в эстетике близкой к сюрреализму. Одним из самых важных для меня является Рене Магритт, впечатление от его мира помогает мне сориентироваться в «мире» моём.
В ситуации, когда многие человеческие законы перестали работать, законы науки становятся для меня самыми верными. Порой мантра Е= МС2 удерживает меня от полного отчаянья.
Я выстраиваю новые истории, приглашаю зрителя в свои собственные визуальные миры, где возможен синтез чуда человеческих возможностей и чудес науки. Часто я чувствую себя в роли «лазутчика», собирая информацию на границе двух областей знания и обнаруживая новые взаимоотношения искусства и науки. Ведомая любопытством, я часто погружаюсь в неизведанные области, толком не зная, как именно это произошло.
Работа «Защита проекта» из серии «Авиация превращений» посвящена Владимиру Набокову, образы его литературы мне очень близки. Когда я соприкасаюсь с его творчеством, я уже не читатель, а скорее зритель.
В этой работе соединяется реальное и придуманное, появляется некий театр абсурда.
Чертежи на доске — это фрагменты из учебников по механике и кинематике, изучающие полёт бабочки.
Одним из путей развития серии «Авиация превращений» стали несколько работ об утешении («Закон сохранения энергии» и «Поступательное движение»).
В широком смысле слова первая из наук, приходящих на помощь человеку в трудных ситуациях, это психология. В работах я использую фрагменты из справочника практического психолога.
Самое важное сейчас, на мой взгляд, не споры и обвинения, а сочувствие понимание и утешение.
Об этом мои работы (Екатерина Сысоева).
Желаем удачи на 145-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221205_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221205_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
