Открыт 137-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   10 октября 2022

В каталоге — произведения Тимофея Бычкова, Марины Венедиктовой, Валерия Газукина, Анатолия Горяинова, Михаила Ермолова, Сергея Касабова, Александра Курилова, Pata (Пааты Мерабишвили), Кирилла Протопопова, Леонида Ракова, Екатерины Сысоевой, Кати-Анны Тагути, Елены Фокиной

Каталог AI Аукциона № 451 и 137-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 14 октября, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — 7 живописных произведений, три скульптуры, одна работа в смешанной технике, один лист оригинальной графики и один объект.

Тимофей Бычков. Первый загар. 2017

Обладая классическими приемами пластики, молодой скульптор нарочито легко отходит от реалистически-иллюзорной лепки к обобщенным формам. Тимофей Бычков создает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Его произведения несут принцип иронии и гротеска, они основаны на взаимосвязи реальности и причудливых фантазий. Все это позволяет посмотреть на обычные предметы и явления с совершенно неожиданной, необычной точки зрения. Обыденные вещи одухотворены шутливо-эмоциональным авторским видением. В современное искусство вошел скульптор впечатляющего творческого потенциала (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Тимофей Бычков — московский скульптор, сын скульптора Сергея Бычкова. Окончил МГХПА им. С. Г. Строганова (2018). Один из трех победителей IV Конкурса молодых скульпторов-анималистов «Класс! Насекомые!» Государственного Дарвиновского музея (2019). Участник выставок с 2018. Член Союза художников с 2019.

Марина Венедиктова. Цветы в зеркале. 2021

Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.

Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).

Валерий Газукин. Вечерний портрет. 1992

Ценность живописи создается не фактурной плоскостью, а цветовой: она рождается от цветовой плоскости и от цветовой массы. Именно цветовые массы строят на плоскости живописное цветовое пространство… Температура, размеры и фактура цветовых масс зависят от накала чувств творца и чистоты его восприятия (Валерий Газукин).

Валерий Газукин, автор живописной работы «Вечерний портрет» (1992), был… настоящим мыслителем цвета, исследованию которого он посвятил всю свою жизнь. Его искусство зарождалось из восторга перед соединением цвета, света и пространства. В своей модели мира он устранил все лишнее, оставив там свое понимание гармонии (ria56.ru).

Газукин тяготел в своем творчестве к абстракционизму, вступая в диалог с произведениями К. Малевича, В. Кандинского. Центральное место в художественной системе Газукина занимала проблема реализации цвета. «Идея цвета не только точка отсчета, но и результат цветовых видения и мышления. Цветовые структуры призваны изобразить и выразить духовную субстанцию творчества, его личностные стилистику и мировоззрение», — был убежден художник.

«Вечерний портрет» Газукина содержит отсылки ко второму крестьянскому циклу Малевича конца 1920-х — начала 1930-х годов, в котором художник создал знаменитую серию отвлеченно-фигуративных изображений, воплощая идею «супрематизма в контуре человеческой фигуры» (k-malevich.ru). Газукин пытается решить, по сути, те же художественные задачи, что и Малевич, а именно: выразить содержание через очищенные форму и цвет (Мария Беликова).

Анатолий Горяинов. В усадьбе. 2020

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

Небольшой холст «В усадьбе» (2020) отсылает зрителя к огромному пласту русской культуры нескольких столетий — культуре летней усадебной жизни и ее отражению в картинах и романах. Яркий солнечный день. Дамское общество расположилось на террасе, огороженной перилами с белыми балясинами. Это прекрасные дамы в красочных открытых платьях, с элегантными прическами — словно диковинные цветы в буйной зелени. На столиках рядом с ними цветы, фрукты, бутылка вина, книга. За деревьями виднеются соседние дома. Интересная деталь: головка только одной из женщин украшена шляпкой, век назад такое было немыслимо, и можно предположить, что перед нами наши современницы. Хотя что толку разбираться, какой век пишет художник, когда он пишет прекрасных дам! Умиротворенная летняя сцена из красивой жизни.

Михаил Ермолов. Паровоз. 2019

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха». Автор воспроизводит на своих листах и полотнах атрибуты ушедшей эпохи, которые в своей ретро-стилистике напоминают выцветшие холсты, созданные в середине прошлого века.

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

Как сквозь туман времени или памяти, из плотного фона прямо на зрителя движется паровоз, словно летит на красных крыльях. И еще он очень напоминает украшенные флагами паровозы, на которых возвращались домой победители Великой Отечественной. Паровоз у Ермолова не производит впечатления нарисованного — он поразительно настоящий, такой, каким запечатлела его юношеская, цепкая к деталям память художника.

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, кого не научили удивляться и радоваться тому, что происходит рядом с ними? Время покажет, но пусть в этих воспоминаниях будет хоть немного настоящего — искреннего чувства, простых, чистых детских радостей, детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова.

Сергей Касабов. Без названия (Абстракция). 2002

Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Александр Курилов. Улица-3. 2003

В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).

Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).

Перед нами яркий пример сюрреалистической игры: художник делится своими воспоминаниями, переживаниями и радостями, выражая их с помощью абстрактных образов, которые вместе с насыщенным цветовым наполнением вызывают в подсознании зрителя уже новую цепь ассоциаций, оторванных от изначальных интенций автора. И в этом случае зритель сам становится активным соучастником формирования новых смыслов произведения (Мария Беликова).

Pata (Паата Мерабишвили). Пегас. 2022

Пластика линий, их лаконичность, простота и легкость дают глазу возможность отдохнуть от объемов и масс — в непроглядной темноте ночи увидеть контуры гор перед рассветом.

Тема античных сюжетов в многовековой мировой культуре неразрывно связана с удивительным творением рук человеческих, от которого невозможно оторвать взгляд. Игра красок в бликах света… таинственные, манящие, поражающие, фантастически красивые, будоражащие воображение... Конечно же, это витражи — композиции из стекла, выполненные в виде орнаментов или жанровых сцен. Название витраж (vitraje) пришло к нам из Франции, где, в свою очередь, было позаимствовано из латыни (vitrum — стекло).

Соблазн использовать в скульптуре цвет — велик и не мной придуман. Но идея использовать технику витража в трехмерной скульптуре и сделать плоскую поверхность за счет цвета объемной предлагает художнику пространство для эксперимента и еще более заставляет работать воображение (Паата Мерабишвили).

В малой скульптуре Мерабишвили особенно ясно и оригинально выявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства. Стилизованные фигуры людей и животных поражают выразительностью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в своих стремительных движениях эти фигуры замкнуты в силуэтный овал — не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры несут в себе не только формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью (Нана Шервашидзе, искусствовед).

Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.

Для Пааты Мерабишвили быть скульптором — это «внутреннее состояние восприятия всего окружающего в пространстве, когда мысль уже имеет объем и даже цвет». Воплощение этой мысли на языке искусства на плоскости или в пространстве и есть его образ окружающего мира. Чудо, которое становится зримым благодаря творческим исканиям, разочарованиям и победам художника.

Кирилл Протопопов. Девушка с зонтиком. 2021

Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.

Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru).

Творческая стилистика Кирилла Протопопова основана на союзе воображения, творчества и знания — это необходимая формула для поиска авторского баланса между материалом и воображением, натурой и совершенной формой. Его скульптура балансирует на грани между произведением искусства и интерьерным объектом.

Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством (Екатерина Шмакова, искусствовед).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Кирилл Протопопов».

Леонид Раков. Весна. 2016

Творчество Леонида Ракова — яркий пример обостренно эмоционального визуального повторения реальности. Его работы — прекрасны! Их беспредметность дает возможность окунуться в чувственные глубины собственного «Я».

Яркие, позитивные, гармонично и сложно сбалансированные по цвету абстракции Леонида Ракова радуют глаз, успокаивают нервы, будоражат воображение. В этом суть и творческая задача художника (cultobzor.ru).

Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).

Екатерина Сысоева. Построение горизонтальных связей. 2022

Екатерина Сысоева, автор графической композиции «Построение горизонтальных связей» (2022), в 2000 году окончила Московскую текстильную академию по специальности «художник-стилист».

Во время учёбы начала работать в качестве декоратора, дизайнера интерьера.

«В 2014 году творческая жизнь и интерес к акварели начали “набирать обороты”. Сейчас творчество для меня — это непрерывный процесс, способ общения с собой и миром!

В акварели меня привлекает всё! Лёгкость и сложность, импровизация и планирование, задумывание, придумывание и внезапные сюрпризы! (openklub.ru).

Меня привлекает утончённость, хрупкость и одновременно некая изюминка в предметах, природе и человеке. Я отталкиваюсь от импульса, полученного извне, и отражаю его в «водной стихии» (акварель, тушь, чернила и т.д.)» (Екатерина Сысоева).

Катя-Анна Тагути. Маска. Из серии «Вторая душа». 2000-е

Катя-Анна Тагути — художник, дизайнер, создающая произведения в сложной авторской технике, совмещающей несколько видов искусства.

Созданные ею образы часто апеллируют к архетипам коллективного бессознательного и вдохновлены этнической мифологией. «Маска» (2000-е) входит в серию работ «Вторая душа», в которой автор отталкивается от практики погребальных традиций этрусков, а также сибирских и монгольских шаманов, утверждающих, что у человека есть три души. После смерти первой вторая душа, преодолевшая мучительный путь искупления, изображалась в виде погребальной маски (annataguti.ru).

Гипсовая «Маска» Тагути убедительно передает стилистику древних погребальных масок. Художница совмещает эстетику архаического и советского искусства: на маске видны… октябрятские звездочки с портретом маленького Володи Ульянова (Ленина). Это не сакральный знак — и он не имеет никакого значения там, где пребывает душа. Зрителю представляется огромное поле для размышлений и толкования авторского решения — в частности, рассматривать ли звездочки как погребальное украшение или как навязчивый и чуждый естеству человеческого лица элемент.

«Погребальные маски Этрурии или Хакасии, может быть, когда-то были нашими, и, может быть, сегодня мы изучаем свои захоронения и… всматриваемся в свои изображения», — говорит Тагути, намекая на иллюзорность линейного восприятия времени. Совмещение разновременных художественных традиций в работе обусловлено еще и особенностями советской культуры, по-своему возродившей некоторые древние ритуалы, а также сформировавшей собственную образную символику и мифологию (Мария Беликова).

Елена Фокина. Поля, Маша и лодочник. 1997

На мой взгляд, любое искусство имеет право на существование. Как говорит один мой друг митёк: «Рисовать можно все, если не стыдно маме показать». А я считаю, что в каждой работе художника должна быть хвала Богу. И дело не в сюжете, а в отношении к тому, что рисуешь, к тому, что создано Богом.

Я пишу всегда с радостью, потому что для меня это самый чистый кайф — рисовать красками. Если вам это передается — здорово! (Елена Фокина, biozvezd.ru)

Елена Фокина — живописец, график. Постоянный участник разнообразных выставочных проектов, в том числе международных (Лондон, Париж, Дортмунд, Лос-Анджелес, Токио). Живет в Коктебеле. Работы художницы находятся в частных коллекциях России, Германии, Франции, Дании, Голландии, Израиля, Америки и Австралии.

«Елена Фокина — художник, который занимается живописью в самом традиционном смысле этого слова. Живописью, восхищенной самой жизнью во всех ее проявлениях — дожде, поле, детском смехе, грушах, взаимоотношениях кувшинов на столе. Фокина, по ее собственному признанию, просто очень любит “красить красками”, видеть и делиться тем, что она видит и чувствует, с помощью холста и красок», — пишет о творчестве Фокиной искусствовед Н. Щербакова.

Елена Фокина родилась 16 марта 1961 года в Москве. Ее мама занималась исследованиями в области гематологии, а папа самоотверженно служил родине. Елена была единственным ребенком в семье Фокиных, и её воспитание родители доверили бабушке Марии Александровне. «Бабушка была удивительным человеком со сложной судьбой. Она знала несколько языков, а немецкий и польский преподавала в школе, — вспоминает Елена. — А вообще бабушка была профессиональной женой и питерской красавицей: полный набор — воспитание и осанка, прямая спина, безупречный маникюр. Я ни разу не видела ее непричесанной даже во время болезни. В 1937 году ее репрессировали, а мою маму она родила в тюрьме. Бабушку освободили перед войной, со справкой и без карточек она оказалась во время блокады в Ленинграде. Но она все вынесла и выжила. Из таких людей можно делать гвозди».

После школы Елена Фокина два года работала секретарем в издательстве «Малыш», а затем поступила в Полиграфический институт.

После окончания Московского полиграфического института, Елена Юрьевна работала по договорам в разных организациях. Одним из мест ее работы было издательство «Дрофа». В 1987 году Елена Фокина впервые выставила свои работы, которые понравились искусствоведам и поклонникам живописи. Это вдохновило художницу больше сил отдавать написанию полотен.

Она — серьезный, очень много работающий художник, но порой кажется, что в ней живет озорная девчонка, которая умеет, как кэрролловская Алиса из страны чудес, удивляться обычному, и преображать его в своем творчестве. Елена дарит нам своими работами радостное восприятие мира, и как будто говорит: смотрите, как здорово жить, как интересно! Люди, давайте радоваться нашим детям, теплому солнышку, каждому цветку, знакомой собаке, и вообще каждому подаренному нам Господом дню! Оглянитесь вокруг, ведь мы живем в очень красивом месте земли, где есть синие горы, Волошинские холмы, и много-много морского воздуха. И зрители забывают о своих проблемах, о кризисе, о политике, погружаясь в коктебельские радости Елены Фокиной. В её творчестве есть самое главное, чем она щедро делится со зрителем, — гормон счастья (Ирина Панаиоти, старший научный сотрудник Феодосийского литературно-мемориального музея им. А. С. Грина, gorod24.online).

Желаем удачи на 137-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221010_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221010_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 29

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх