Открыт 125-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Рубена Апресяна, Даниила Архипенко, Константина Батынкова, Антона Богатова, Дмитрия Воронина, Анастасии Воронковой, Даши Делоне, Сергея Касабова, Юрия Коновалова, Мурмана Кучавы, Владимира Мартиросова, Пааты Мерабишвили, Андрея Мунца
Каталог AI Аукциона № 439 и 125-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 22 июля, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, одна скульптура, одна работа в смешанной технике и один объект
Рубен Апресян. Композиция с жёлтым треугольником. 2021
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).
Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к беспредметному искусству. Переосмысляя достижения русского авангарда, он исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания. Художник создает работы, близкие к минимализму, и эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет.
В «Композиции с жёлтым треугольником» (2021) художник обращается к традиции русского беспредметного искусства и ищет новые способы обновления языка геометрической абстракции. Эстетическая привлекательность произведения обуславливается главным образом его формально-цветовой ритмикой. Живописная поверхность полотна сформирована пересечением цветовых плоскостей, формирующих разнообразные фигуры, среди которых выделяется треугольник — смысловой и композиционный центр работы. Контрастное чередование черного, белого, желтого, оранжевого, розового и голубого цвета составляет колористический строй произведения. Произведение отличает гладкая манера письма и плоскостная организация пространства; лишь одна из сторон треугольника имеет акцентированный объем, который эффектно выделяется на фоне уплощенных форм. Кажущаяся простота композиции не мешает автору создать оригинальную абстракцию, основанную на эстетических принципах минимализма, где художественная выразительность достигается намеренной редукцией средств изобразительного языка (Мария Беликова).
Даниил Архипенко. Отпечатки. Глава «Рождение». 2021
Я подумал о том, что все мы, наблюдатели, чем-то связаны по рукам и ногам — семьей, друзьями, различными событиями. Но когда ты находишься в естественной среде, то пребываешь в состоянии гармонии и уже ничем не связан. Сейчас мы выезжаем за город и восхищаемся лесом, полями, горизонтом. А раньше все было по-другому: люди жили в окружении природы, поражались строящимся домам, первым машинам. Но все будто перевернулось: мы уезжаем за город, чтобы удивиться, хотя живем в среде, которая удивляла людей раньше. Парадокс какой-то (Даниил Архипенко, artzot.ru).
Даниил Архипенко, автор холста «Отпечатки. Глава “Рождение”» (2021) живет и работает в Санкт-Петербурге. В работах Архипенко человек и присутствует, и отсутствует одновременно. Он выступает как наблюдатель или оставляет свои отпечатки, растворяясь в окружающем его пейзаже, а порой совсем покидая его.
В восприятии Даниила «отпечаток — это след, оставленный природой или же человеком во времени и пространстве, свидетельство о прошлом, которое мы обнаруживаем в настоящем; это признак постоянства в вечно изменяющемся мире». Объединив в своих работах современные материалы и секреты старых мастеров, Архипенко создал пространство тотального погружения зрителя в экспрессивную плоскость живописи (uralvisiongallery.com).
«Художник — это “пленник” красоты, — говорит автор. — Восхитившись, он хочет удержать это состояние, продлить его, поделиться им с кем-то еще» (uralvisiongallery.com). В работе Архипенко разворачивается панорама стихийных сил природы, масштаб которой определяют миниатюрные стаффажные фигурки людей. Здесь нет мистики, нет страха, только земля, небо и те, кто восхищенно наблюдает красоту мира. Искусство существует, «чтобы не растерять память о гармонии мира и передавать эти знания следующим поколениям. Чтобы отвлечь человека от сугубо конкретных реалий жизни, вынуть его из скорлупки, показать, как прекрасен и разнообразен мир. Чтобы реальность воспринималась цельнее, и оставалось меньше шансов запутаться в хаосе жизни» (uralvisiongallery.com).
Константин Батынков. Клоун. 2009
Я рисовал цирк всю жизнь, ну, по крайней мере, регулярно возвращался к этой теме. На самом деле цирк нас окружает, куда ни посмотри.
…Когда я был ребёнком, цирк был наиболее значимым видом искусства для нас тогдашних. Впечатление, полученное в детстве, хорошо укореняется. Ведь мы постоянно ходили в цирк. Во всех маленьких и крупных городах были открыты цирки, в Сочи, Красноярске. Когда я играл в баскетбол и мы приезжали на соревнования в какой-нибудь город, то культурной программой было обязательное посещение местного цирка. Музей-то не всегда был, а цирк-то всегда. Причём гастролировали в основном одни и те же артисты. <…> Я вживую видел много раз Никулина, Енгибарова, Шульгина, Карандаша, Олега Попова, который почему-то сильно не нравился детям, но официально считался самым великим клоуном. Когда в программке было его имя, дети говорили «УУУУУУ!!!!!». Все хотели Никулина, Енгибарова, которые были дико смешными и остроумными. Цирк был частью нашей жизни. Окуджава про цирк пел «Она по проволке ходила, болтала белою ногой»… Ещё лет десять назад показывали какие-нибудь фестивали цирка. А сейчас он исчез из телевизора, исчез из жизни. Может, просто сама жизнь превратилась в цирк? Цирк уехал, клоуны остались, просто они сейчас иначе выглядят и называются по-другому (Константин Батынков, iskusstvo.livejournal.com).
Это совсем иной Батынков — без «войнушки», вертолетов, кораблей. Кто-то, возможно, впервые откроет его для себя.
Это не грустный клоун. Это не шут, которому дурацкий колпак дает право на правду. Это немолодой клоун, мудрый клоун со смешинкой в глазах и еще одной, главной, чертой, о которой — ниже. Художник рассказывает о клоунах, которых ему довелось видеть в детстве и в молодости. Конечно, так не принято, но давайте попробуем представить себе, кто из них ближе всего к образу, написанному уже взрослым состоявшимся человеком. Примерим на них этот образ.
Леониду Енгибарову не суждено состариться, это артист из иного мира. Юрий Никулин, Михаил Шуйдин или Михаил Николаевич Румянцев (Карандаш) — блестящие профессионалы, серьезные на репетициях и уморительно смешные на манеже, каждым словом, жестом или взглядом понятные любому. Олег Попов — Солнечный клоун. Главными чертами его образа были доброта, трогательное дружелюбие и искренность (вспомните «Солнце в авоське»!). Его герой не заставлял хохотать до колик и потому был не всем понятен, особенно детям (как пишет Батынков), но его короткие выступления дарили людям удивительный душевный свет, как будто он солнечным лучиком касался каждого сердца и ненадолго возвращал взрослым зрителям чистоту и бесхитростность детства. «Клоун» Константина Батынкова — добрый и искренний клоун. Олег Попов? Пожалуй…
Антон Богатов. Москва 870. 2017
Антон Богатов — сценограф и живописец, известный прежде всего как пейзажист, автор огромного ряда произведений, созданных в России и в многочисленных зарубежных путешествиях. «Антон — яркий представитель московской школы живописи, с характерной для нее культурой крепких цветовых замесов, умением обращаться с колерами и валерами. Плотная, насыщенная по цвету и фактуре поверхность холстов своей материальностью и убедительностью подкупает зрителя. В своем творчестве Антон собирает декоративность цветовой гаммы театральной живописи и сюжетность станковой. Художник не скупится, нанося мощный красочный слой, тем самым выстраивает грубыми мазками эмоциональную составляющую картины» (artanum.ru).
В конце 2019 года на открытии персональной выставки «Иной» художник сказал: «Я ухожу от классической живописи». Экспозицию выставки составили произведения 2018–2019 годов, знаменующие собой творческий поиск художника в новых для него жанрах и направлениях.
Антон Богатов родился в Москве 3 марта 1989. Окончил МГАХИ им. Сурикова, театрально-декорационную мастерскую под руководством народного художника Российской Федерации М. М. Курилко-Рюмина (2014).
Прошел стажировку в творческих мастерских Российской Академии Художеств под руководством народного художника РФ Б. А. Мессерера (2015–2017).
Лауреат премии Санкт-Петербургской Академии Художеств имени И. Е. Репина (2012), получил Золотую медаль Российской Академии Художеств (РАХ) за успехи в учебе (2012).
Член Московского Союза Художников (2014).
Провел более 15 персональных выставок, в т.ч. персональную выставку в Словакии (2017), участник около 100 выставок Московского союза художников и пяти выставок Российского союза художников, а также участник около 100 различных творческих проектов.
Последняя персональная выставка прошла в галерее «ТНК Арт» (Электрогорск) в декабре 2019 года.
Постоянный участник театральных выставок «Магия театра и кино», «Твой Шанс».
Работы находятся в государственных художественных музеях России, в частных коллекциях и галереях России, Европы, Азии, Объединенных Арабских Эмиратов, Гонконга.
Дмитрий Воронин. Кот. 2015
Дмитрий Борисович Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.
Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com
Творческие поиски Воронина идут в русле модернистских исследований пластических возможностей, для которых характерна стилизация форм, абстрактность мышления, акцент на выразительной подаче образа. Созданные им анималистические композиции всегда узнаваемы, непосредственны и очаровательны. Глубокие знания и отточенное мастерство художника воплощаются в оригинальном авторском стиле, сочетающем академический инструментарий и эстетику народного и наивного искусства.
Высокое мастерство Воронина проявляется в умелом сочетании материалов, различающихся по физическим свойствам, твердости, цвету, фактуре, текстуре. Воронин сосредотачивает внимание на кропотливой работе с поверхностью. Несмотря на камерный размер, скульптурная композиция характеризуется тенденцией к монументальности. Воронин в очередной раз создает яркий образ животного, в котором узнается оригинальный авторский стиль (Мария Беликова).
«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.
С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.
По мастерству обращения с материалом ему нет равных…
К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.
В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.
Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.
Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).
Анастасия Воронкова. Сон. Иллюстрация к «Конармии» И. Э. Бабеля. 2013
Анастасия Андреевна Воронкова (1990) — художник-постановщик из семьи архитекторов. Ее дед Леонид Львович Яхнин после окончания МАРХИ стал детским писателем и переводчиком, а двоюродный брат бабушки Михаил Лазаревич Ушац работал в Еврейском театре «Шалом». Отец, Андрей Яхнин, был членом арт-группы «Чемпионы мира». Сама Анастасия в 2007 году поступила на отделение художника по костюму во ВГИК, позднее перевелась на отделение художника-постановщика кино и ТВ (мастерская Александра Никитича Толкачева), которое и окончила в 2013 году.
Ее дипломной работой стали эскизы к повести Исаака Бабеля «Конармия».
Как художник-постановщик работала в кино и на телевидении. В документальном проекте «Дно» режиссера Сергея Мирошниченко принимала участие, в частности, в исторической реконструкции императорского вагона Николая II. Этот объект экспонировался на выставке «Россия — моя история». Участвовала в различных выставках и аукционах.
Ее работы — это, скорее, станковая живопись, нежели эскизы к кино- и телепроектам или книжная иллюстрация. Стоит отметить академическую выучку молодого автора в изображении фигур. В портретах художницы обращает на себя внимание безупречное чувство композиции, благородная уравновешенность общего и частного и эмоциональная напряженность, рождаемая минималистскими средствами, самое сильное из которых — цвет. Как правило, это оттенки серого — от антрацита до перламутра, но возможен и интенсивный всплеск в красно-коричневой гамме. Характерная палитра Анастасии — темные оттенки зеленого, фисташково-голубые тона, угольные, охристые. Проблемы душевного восприятия мира волнуют Воронкову глубже, нежели материальная культура и пространство. Тонкий лиризм придает ее произведениям интимный тон, окутывая изображение дымкой печали и робкой надежды. Не вещный мир, но фантазия, переживание, вчувствование в реальность, становящуюся в результате таинственной, иногда тревожной, а иногда и сказочно-оптимистической, отличает ее работы, будь то портрет, книжная иллюстрация или эскиз декорации. Стоит отметить умелое построение пространства, особенно рельефное как раз в эскизах: безусловно, специализация художницы определяет ее стиль, но формируется он не только в контексте академических навыков. Высокие образцы (среди которых произведения Кузьмы Петрова-Водкина обязательно придут на память), переработанные и переосмысленные, задают тон и направление творчеству Анастасии Воронковой (Дарья Семёнова, искусствовед).
«Я был простерт на безмолвном ложе, и ласка сена под затылком сводила меня с ума. Потом двери сарая разошлись со свистом. Женщина, одетая для бала, приблизилась ко мне». Это цитата из рассказа «Замостье» Исаака Бабеля. Бессмысленная для героя война, длящаяся уже много месяцев, приводит его в состояние отчаяния. Сон, который ему снится, о женщине, любви, но также и о потерянной части души — сострадание, нежность и милосердие навсегда покидают его сердце, выжженное войной. Чужой город и чужая Богоматерь, безразлично покоряющиеся оккупантам, опустевшие дома и нереальность женщины, которая могла бы полюбить его, не приносят чувства победы и удовлетворения. Единственное, что остается герою, это рефлексия и творчество, но и они возможны, только если останется время после написания статей в газету «Красный Кавалерист». Однако воспоминание о матери, по словам Бабеля питающее в нас «океан сострадания», еще способно дать ему надежду на новую жизнь (Анастасия Воронкова).
Даша Делоне. Дракон над миром. 2014
Художник Даша Делоне — это сложная и длинная история, в которой Живописец, Поэт, Дизайнер, Издатель и Всадник попеременно выходят на сцену и творят жизнь, наполненную событиями, которые в свою очередь причудливыми рефлексами отражаются на холстах в виде цветов и драконов, бутылок и валькирий, пиратов, музыкантов и предков (Елизавета Плавинская, куратор, искусствовед, критик). Персонажи Делоне так же творчески свободны и несистемны, как и их создательница, и у них, конечно, найдется о чем поговорить с глазу на глаз.
В ее стиле живописи сочетаются такие эстетика и традиции, как наивное искусство, европейский сюрреализм, древнерусские фрески и русский авангард начала ХХ века. Пространство картин Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов, критик).
Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой).
Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально (Елизавета Плавинская).
Сергей Касабов. Без названия (Абстракция). 2003
Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).
Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.
Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).
Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.
Юрий Коновалов. Диалог. 1988
Юрий Иванович Коновалов, следуя традиции отечественного беспредметного искусства, работает преимущественно в русле геометрической абстракции. Участник персональных и групповых художественных выставок в Москве, Ступине, Кашире. Произведения автора находятся в собрании Художественной галереи «Ника» (Ступино), Каширском краеведческом музее, а также в частных коллекциях России, Киргизии, Финляндии, Канады и США.
«Диалог» (1988) на сюжетно-стилистическом уровне вызывает ассоциации с произведениями сюрреалистов, в особенности с работами С. Дали, на что указывает гладкая манера письма, обтекаемые, гладкие, словно отполированные формы, а также таинственный сюжет, дающий пищу зрительскому воображению. Художник изобразил мужское лицо и морду животного парящими в пустом метафизическом пространстве над каким-то загадочным желтым образованием, напоминающим фигуру лежащей женщины. Картина интригует зрителя, вызывая у него множество вопросов.
Сцена вызывает ассоциации со сновидческими образами, которые спонтанно рождаются в человеческом подсознании и несут в себе символическую нагрузку. К работе Коновалова неприменимы законы здравого смысла, поскольку она апеллирует в большей степени к интуитивному восприятию зрителя, приглашая его стать соучастником процесса формирования образных ассоциаций. В духе мастеров сюрреализма художник подстегивает зрительский интерес, оставляя ему пространство для свободной интерпретации увиденного (Мария Беликова).
Мурман Кучава. Ню. 2013
Мурман Кучава родился в 1962 году в грузинском городе Кутаиси. В 1988 году окончил Тбилисскую государственную академию художеств, факультет живописи. С 1998 года Мурман является членом Союза грузинских художников, участник выставок с 1990 года (kuchava-art.narod.ru).
Мурман блестяще освоил технику живописи. Некоторые из его картин основаны всего на двух или трех цветах, тем не менее он делает каждый цвет таким, чтобы тот «горел ясным пламенем» (mir-prekpasen.mirtesen.ru).
Владимир Мартиросов. Веер. 2022
Проблема движения интересовала меня с детских лет. Все, что шевелится, плавает, скачет, любое движение мне интересно. Сочетание разных движений, разных поверхностей, разных объектов в одном и том же движении, мир без движения быть не может (Владимир Мартиросов).
Владимир Александрович Мартиросов (1974) — художник-постановщик. В 2000 году окончил факультет сценографии РАТИ-ГИТИС (мастерская народного художника РФ Станислава Фёдоровича Морозова). Лауреат премий «Триумф» (2001), «Чайка» (2006). В театре работает с 1999 года. Постоянный соавтор режиссера Нины Чусовой, с которой осуществил постановки десяти спектаклей в разных городах России (в московских театрах РАМТ, «Сатирикон», «Современник», МХТ им. А. П. Чехова, Театре им. Моссовета, новосибирском «Глобусе» и др.). Сотрудничал с режиссерами Еленой Невежиной, Алексеем Крикливым, Юрием Муравицким и др. Работает в игровом и документальном кино; на его счету более пяти проектов.
Как художник Мартиросов экспериментирует в области дизайна. Его кинетические объекты заставляют вспомнить культуру ар-деко и — шире — эпохи модерна: та же органическая ассоциативность форм, те же тонкая проработка, выбор материала, продуманность эффекта и чувство стиля (очевидная медитативность этих произведений отсылает также к традициям восточных культур, служивших источниками вдохновения для мастеров-модернистов). Сравнительно небольшие размеры позволяют уподобить их изысканным ювелирным изделиям того времени — например, произведениям Рене Лалика. «Медуза», «Цветок чертополоха», «Насекомое», «Крылья» — зритель мгновенно узнает эти объекты и попадает во власть их очарования и атмосферы тайны, тишины и покоя, которую они создают в окружающем пространстве. Мерное движение составных частей, их тихий шелест, сияющие цвета и подчеркнутое изящество и безупречность форм представляют произведения автора законченными художественными высказываниями. В то же время их кинетическая суть напоминает о театральной специализации Владимира, ведь, как известно, театр — это действие, производимое во времени. Игра света и теней, рождаемая ритмичными взмахами «крыльев» или «стеблей», и вовлеченность зрителя в процесс наблюдения еще более подчеркивают сценическую сущность скульптур, созданных из металлических профилей, проволоки и т.п. (Дарья Семёнова, искусствовед).
Видео аналогичного объекта на сайте художника
Видео аналогичного объекта на youtube.com
Идеи трансформации художественной формы и самого процесса восприятия произведения исследовали многие художники. Преодолеть статичность формы, придать ей динамический характер художники пытались еще в конце XIX века. Одна эпоха сменяла другую и приносила с собой новую эстетику, скорость, новое представление о пространстве и времени. Можно вспомнить художников первого авангарда — Татлина, Эль Лисицкого, Габо, Родченко и др.
Формирование среды и ее объектов становится генератором для создания альтернативной реальности. Новую реальность создает и художник Владимир Мартиросов, вовлекая зрителя в диалог с «живым» искусством. Его кинетические объекты заставляют вспомнить Марселя Дюшана с его «Велосипедным колесом», а органика форм отсылает нас к культуре ар-деко и эпохе модерна: та же органическая ассоциативность форм, тонкая проработка деталей, нестандартный набор материалов (стальные струны, трубы, проволока, бамбук, папирус и др.). Продуманность эффекта, чувство стиля, очевидная медитативность этих произведений отсылает также к традициям восточных культур, служивших источником вдохновения для мастеров-модернистов.
Идею объекта Мартиросов продумывает заранее, иногда она приходит сразу, иногда приходится откладывать на какое-то время. Первые объекты были из бамбука, потом на смену пришел металл, нержавейка. Предпочитает работать сериями, природа для мастера — главный источник вдохновения.
«Веер» — результат интересного эксперимента, в процессе которого художник превратил простой предмет в кинетический арт-объект с движущимися частями, с новыми технологиями и сложной механикой. «Владимир Мартиросов использует фигуративные элементы природного происхождения, структуру, напоминающую скелеты существующих форм жизни. Сочетание биологических мотивов, конструкции из металла, где нет ничего лишнего, ритмичного движения и особенного для каждого механизма звука дает ощущение одушевленности, наделяет биомеханические существа способностью дышать» (Александра Акимова, искусствовед, martirosovart.com).
Pata (Паата Мерабишвили). Веер. 2007
Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно (Паата Мерабишвили).
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
«Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры» (Нана Шервашидзе, искусствовед).
В холсте «Веер» (2007), словно написанном во времена Парижской школы в кафе на Монмартре, соединились несколько мотивов, по отдельности встречающихся в живописи и графике художника: женский образ, небольшое кафе, веер.
***
Изучение пластических возможностей женского тела, характерное для многих скульптур Pata, переносится автором и в сферу живописи. Художник создал целую серию ярких женских образов, вдохновленных произведениями мастеров Парижской школы, в особенности портретами А. Модильяни. Художник отказывается от акцентирования индивидуальных черт героини и привнесения психологизма в ее образ, сосредотачиваясь на передаче ее женственного и чувственного облика, выраженного в обтекаемых формах тела, выразительных красных губах, изгибистом носе, голубых глазах.
Работа создана в смешанной технике: Pata использует не только масло и акрил, но и газетные листы, которые приклеивает прямо на живописную поверхность. Композиция характеризуется коллажным построением: за девушкой, сидящей на стуле, виднеются наложенные друг на друга плоскости, а также столик причудливой формы. Полотно Pata следует смелому духу французских модернистов, увлеченных формальными и техническими экспериментами (Мария Беликова).
Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.
Андрей Мунц. Лесное озеро. 2009
Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).
Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания.
Иногда в абстрактной живописной стихии просматриваются очертания реальных предметов, порой в ней появляются условно трактованные элементы реального мира — пейзажи, архитектура, натюрморты, животные, люди. При такой системе творчества большое значение приобретает фактор случайности. Эта случайность чрезвычайно ценна для художника. Именно в ней ему видится явление образов подсознания. Свой метод он называет «управляемой случайностью» и говорит, что ему близки слова Пикассо, который считал, что если заранее знаешь, что нарисуешь, то зачем рисовать, рисовать уже скучно. В картинах Андрея Мунца всегда заложена возможность различного толкования. Зритель вовлекается в творческий процесс, домысливая картину в направлении, подсказанном художником.
В творчестве художник пытается экспериментировать в разных направлениях, в области чистой абстракции с сильным эмоциональным звучанием, сочетает абстракцию с образами реального мира, соединяет несколько принципиально разных по образности изобразительных слоев (Юлия Волгина, искусствовед).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Желаем удачи на 125-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220718_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220718_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведения о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, предоставленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
