Открыт 124-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   11 июля 2022

В каталоге — произведения Юрия Бабича, Анастасии Вахненко, Василия Власова, Дианы Воуба, Елены Гориной, Галины Дулькиной, Германа Егошина, Айдан Салаховой, Александра Ситникова, Елены Суровцевой, Ольги Фадейкиной, Елены Фокиной, Константина Худякова

Каталог AI Аукциона № 438 и 124-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Окончание аукциона в пятницу, 15 июля, в 12:00.

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

В составе аукциона 13 лотов — четыре живописных произведения, одна скульптура, два листа оригинальной и два — печатной графики, три работы в смешанной технике и одна композиция, выполненная цифровой печатью.

Юрий Бабич. Рука 1840. 2009

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Анастасия Вахненко. Прогулка по Фонтанке. Из серии «Санкт-Петербург». 2021

Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Лист «Прогулка по Фонтанке» (2021) свидетельствует о свободном владении автором всеми пластическими средствами изображения, равно как и широким арсеналом графических инструментов. Работа отличается выраженным линеарным началом, основанным на четкости и ясности рисунка. Знакомый вид набережной реки Фонтанки автор стилизует и придает ему некую декоративность.

Произведение строится на игре точных архитектурных форм и обобщенно трактованных элементов пейзажа — деревьев, сведенных к овалам, облаков, изображенных в виде нависающих друг за другом полусфер, и небесного пространства в целом, представленного в экспрессивной манере. Драматичными светотеневыми контрастами отмечены и небо, испещренное динамичными «силовыми» линиями в виде пересекающихся проводов электропередачи, и река, частично покрытая снегом и льдом. Рисунок отличается выверенной архитектоникой композиции, акцентированной пространственной глубиной и ритмичной организацией элементов (Мария Беликова).

Мало увидеть Санкт-Петербург — его нужно почувствовать, и каждому человеку он открывается по-своему. Лист Анастасии Вахненко «Прогулка по Фонтанке» (2021) из серии «Санкт-Петербург» с блестящим техническим мастерством передает самое главное: простор, морской воздух, свободу, врожденную графичность города, вдохновение его архитекторов и строителей. Зритель может не прочитать названия серии, не знать места, но он с первого же взгляда узнаёт на рисунке Санкт-Петербург, его дух и красоту.

Василий Власов. Желтый звук. Триптих. Центральная часть. 2012

Поток творческого импульса иррационален. Как художник многие годы пытаюсь уловить этот первый творческий толчок. И признаю, что сила его сама создает мою пространственную среду (Василий Власов).

Был момент, меня пригласили поучаствовать в выставке «Письма Булгакова», но с опозданием. Через 2 дня выставка. Что я могу успеть за 2 дня?! У меня были какие-то документы, какая-то подборка. Я все это взял и на больших листах прошил. С этого момента все началось. Мне понравилось! Если клеить, все коробится, а с нитками получается все идеально ровно. И я решил, что буду создавать коллажи, сшивая их нитками.

Сам материал диктует как себя вести. Если бы я просто рисовал, это было бы одно. А когда я знаю, что будут какие вставки-акценты, и кажется, что ничего не произошло. На самом деле очень многое произошло, я пространство нарушил, и оно смотрится немножко двояко. Мне это нравится! (Василий Власов, rewizor.ru/museums-exhibitions).

В графике и живописи Власова существует особое пространство, построенное на изысканных колористических сочетаниях, в котором и происходит встреча с таинственным и подлинным. Словно Власов освобождает изображение от всего подробного, сюжетного, легко читаемого, с тем, чтобы зафиксировать некий внутренний образ, родившийся в нем от соприкосновения с темой, мелодией, мыслью… (Анна Чудецкая, ведущий научный сотрудник ГМИИ им. А.С.Пушкина).

В работах Власова есть образы нарисованных мелодий, звуки музыки, переданные цветом и линиями, музыкальная гармония, перенесенная на бумагу и холст. Василий воспринимает звуки музыки и зарисовывает их, словно композитор делает аранжировки и вариации на темы известных и любимых мелодий. Музыкальные произведения получают в его творчестве вторую жизнь, находят продолжение и новые интерпретации.

Если вам посчастливится побывать в мастерской художника, вы сможете услышать одновременное звучание нескольких мелодий. И у вас никогда большее не возникнет сомнений в необыкновенной музыкальности его работ. Его картины — это симфонии в красках. Сравнение музыкальных тональностей с оттенками цветовой палитры можно назвать синестезическим принципом его работы. Его интересуют возможности и способности цвета находиться в гармонии или в контрасте друг с другом точно так же, как сочетания различных звуков могут гармонировать или контрастировать друг с другом.

Единственно правильное изучение работ художника должно происходить в кротком безмолвии, и только лишь слегка приглушенная композиция любимого им Шнитке может на миг врываться во внутренний мир наблюдателя, в очередной раз смешивая невыразимое сочетание музыки и изобразительного искусства. И в этом весь Власов, сложный и непостижимый, о нем невозможно говорить и трудно писать, его нужно постигать и чувствовать (Марина Щелокова).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Василий Власов».

Диана Воуба. Динамическая симметрия № 13. 2010

Диана Шотовна Воуба любит работать циклами. В них полнее проявляется художественное высказывание, автор как будто видит тему или мотив с разных сторон, и каждая работа цикла дополняет предыдущие и последующие, каждый цикл — это своего рода пространственный полиптих, в котором воплощается цельность авторского видения.

***

Некоторые люди способны видеть звук и слышать цвет. В науке такое восприятие музыки в виде закономерно и непроизвольно проявляющихся цветовых пятен, полос, волн, называется музыкально-цветовой синестезией. Cинестезия (synaesthesia) — это особый способ познания, который проявляется когда существует необычно тесная связь мышления и системы чувств (Диана Воуба, vouba.com ).

Я не учитель жизни, не философ и не мистик. Я — искатель новой красоты. Моя задача — видеть невидимое и делать это видимым для других.

Цель моего творчества — это не какой-то статичный результат, а ощущение движения в покое, попытка достижения слияния двух ритмов: мгновения созерцания ритма на картине с мгновением раскрытия ритма в реальной жизни (Диана Воуба).

Искусство Дианы Воубы — вдохновенная импровизация. Но настоящая импровизация, на мой взгляд, возможна только на ту внутреннюю тему, которой живет художник. Только тогда эта импровизация не превращается в крикливую риторику. Здесь именно такой случай, и поэтому картины Дианы Воубы дышат подлинностью и доставляют наслаждение (Фазиль Искандер).

Исследуя возможности КВАДРАТА, внутри которого геометрический рисунок основан на Золотом Сечении, замечаешь пугающую мощь закономерного, где властвует абсолютная симметрия.

Изучая виды симметрии в природе и искусстве, постигаешь силу закона, действующего во всём. Известно, что достигнув совершенства, объект рассыпается, поэтому идеал недостижим. И всё же, стремление к гармонии, как победы над хаосом, побуждает искать новую, вечную красоту в упорядоченности геометрических форм, вопреки принятому убеждению, что истина искусства лежит за пределами симметрии (vouba.com).

Трудно уместить творчество этого художника в жанровые рамки. Границы направлений, в которых работает Диана Воуба, размыты. Она известна миру своими живыми, говорящими портретами, хрупкой, чувственной абстракцией, графическими импровизациями на тему космоса и вселенских образов. Позиционирует себя Диана Воуба как художник-абстракционист. Ее графика обладает некой гиперболизированной зеркальностью: в соприкосновении с книгой ее творчества читателю открываются возможности глубинного погружения внутрь себя, почти космического самосозерцания.

«Диана Воуба выражает свои эмоциональные и интуитивные переживания, связанные с понятием времени, познания себя и мира, через цвет, форму, линию и пространство, свободно манипулируя фактурами. В непрерывном творческом процессе, балансируя на грани идеи и материи, художница создает линию, по одну сторону которой находится субъективное, а по другую — внешнее. Диана проникается достоинством и величием даже самой малой вещи на свете» (Наталья Колодзей, куратор, искусствовед, директор «Kolodzei Art Foundation», США).

Живопись Дианы Воуба — это погружение в мир иного порядка, путешествие меж планет и галактик, красочно описанное на холстах. Истории же земных путешествий Дианы Воуба служат источником вдохновения и рождают неповторимые сюжеты для творчества, требующие рождения на свет (apsnypress.info).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Диана Воуба».

Елена Горина. Горячий кофе. 2020

Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.

Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.

Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).

Пишу не предмет и не пейзаж, а чувство, которое переживаю, — то, что трогает и восхищает в происходящем. Может, поэтому мою живопись называют чувственной. Это мой «таинственный сад» (Елена Горина, vne-art.narod.ru).

Главное в живописном и графическом языке Елены — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (Софья Владимирова, vne-art.narod.ru).

Галина Дулькина. Память сорока веков. Иаков. 2003

Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.

«Я отталкиваюсь от русского авангарда, от Казимира Малевича, но так, как я это вижу. Мне близки и супрематисты, и Александр Архипенко, и Константин Бранкузи, и Жорж Брак, и Александра Экстер.

Я, наверное, создаю постсупрематическую фарфоровую скульптуру, ведь сами супрематисты не делали скульптуру в фарфоре, может быть, просто не успели. Конечно, есть чернильница Родченко или архитектон Малевича, но можно ли считать эти произведения фарфоровыми скульптурами — решать искусствоведам. Мне ближе без “измов”: фарфор Галины Дулькиной» (Галина Дулькина, interiorexplorer.ru).

Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.

Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.

<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».

Мастера второго русского авангарда наиболее важные темы своего творчества исследовали в разных материалах, интересуясь возможностью и эстетикой их существования, в частности, на фарфоровых поверхностях. «Для меня “делать фарфор” — это такой же акт творения, как создание картины, — говорил Владимир Немухин, — только в станковой живописи созидание происходит как бы из ничего, а при росписи фарфора уже есть “нечто” — некая серийная вещь, не обладающая художественной индивидуальностью. Её надо осмыслить пластически, а затем придать эстетическое своеобразие заключенному в ней пространству» (Цит. по: Уральский М. Немухинские монологи (Портрет художника в интерьере). М., 1999. С. 86). Немухин и другие шестидесятники, за некоторым исключением (Целков, Рабин и др.), шли от плоскости картины к поверхности тарелки и от нее — к трехмерным фарфоровым произведениям.

В творчестве Галины Дулькиной трехмерные фарфоровые композиции органично сочетаются со станковыми живописными работами и коллажами, однако о том, что из них первично, как правило, знает лишь сам автор.

В 2004 году Галина Дулькина окончила факультет керамики Московской государственной художественно-промышленной Академии им. С. Г. Строганова (galinadulkina.ru) с дипломной фарфоровой композицией «Память сорока веков». Тема, разрабатываемая в ней скульптором, воплотилась не только в фарфоре, но и в живописи. Наша одноименная картина создана в период работы скульптора над дипломной работой.

Анализируя дипломную фарфоровую скульптуру (и, что для нас главное сегодня, отношение автора к избранной теме, которой посвящена и наша картина) Татьяна Глебовна Малинина, доктор искусствоведения, профессор, главный научный сотрудник Научно-исследовательского института теории истории изобразительного искусства РАХ, пишет: «Квалификационные (дипломные) работы завершающих свое образование художников могут быть и успешными, и неудачными, но чрезвычайно редко бывают они судьбоносными. О таких моментах уже в зрелые годы вспоминают иногда художники, с удивлением обнаруживая в своих ранних произведениях неожиданную глубину и провиденциальность. Именно такими чертами обладает композиция «Память сорока веков», представленная Галиной в качестве дипломной работы. Проникнуть в суть замысла, оценить достоинства и выявить уникальные качества первого значительного произведения молодого художника можно рассматривая его в двух аспектах: контекстуальном, связанном с актуальными профессиональными проблемами творчества в данной области искусства, и индивидуально-творческом, где проявлены авторские черты создателя произведения, выраженные в открытом, изобретенном, по-своему интерпретированном.

Свойственное станковым формам фарфора ярко выраженное авторское начало в настоящее время обнаруживает тенденции к  усложнению содержания и способов философствования. Произведения декоративной фарфоровой пластики обогащаются новыми смыслами, аллюзиями, коннотациями.

Сегодня мы часто слышим от молодых поэтов, художников, музыкантов, что их искусство помогает им понять, прежде всего, самих себя, ответить на вопросы: кто я? откуда я? что есть во мне независимо от меня? Пафос самопознания, поиск своей идентичности и своих корней меняет структуру и содержание произведений. Становится шире охват тем и жанров, ведется активный поиск новых средств художественной выразительности, наблюдается выход за пределы видовой и родовой специфики. “Наряду с архетипами общедоступной мифологии рождаются образы сугубо индивидуального мифотворчества” (Т.Л.А.).

Перечисленные особенности станковых форм современной декоративной пластики по-своему преломились в фарфоровой скульптуре выпускницы Строгановской академии, поражая свободой, смелостью и оригинальностью интерпретации. В основе размышлений скульптора о судьбе народа Израиля, духовном опыте и предназначении человечества лежит диалогический тип рефлексии. Человек и его непрекращающийся на протяжении многих веков диалог с Богом становится в центре замысла и композиционном построении произведения, в котором изображается сцена спора Моисея с Богом (“Я создаю две фигуры, потому что стремлюсь изобразить диалог”, — из пояснительной записки к дипломному проекту). Архетип таким образом получает оригинальную иконографическую трактовку.

Универсальный характер приобретает и пластический язык форм.

“Выбранной мной теме много веков, но живу я сейчас и буду говорить о вечном языком современным”, — заметит в свой пояснительной записке дипломница» (galinadulkina.ru).

Герман Егошин. Античный амфитеатр. 1988

Автор живописной композиции «Дама с тюльпанами» (2002) Герман Павлович Егошин — член-корреспондент АХ (2007), заслуженный художник РФ (2007). Его произведения хранятся в ГТГ, в Русском музее, в других музеях и частных коллекциях.

Егошин — представитель поколения «шестидесятников» в ленинградской живописной школе. В его творческой биографии выделяются две выставки группы «одиннадцати», в 1972 и 1976 годах. Интересно отметить выступления двух учеников Малевича на обсуждении выставки 1972 года, ставшей событием в культурной жизни Ленинграда:

Валентин Курдов: «Все эти одиннадцать художников выступили на этой выставке очень увлеченно, одержимыми своим искусством. У всех этих художников есть настоящая страсть, каждый из них по-своему хочет увидеть мир… Путь каждого художника… выстрадан, найден в большой упорной работе. Это и есть настоящий путь в нашем искусстве… Может быть, это будущее нашего ЛОСХа…»

Владимир Стерлигов: «Сегодня я увидел из тьмы свет. А раз свет, значит, и цвет в живописи, представленной здесь… В этой выставке, мне кажется, имеет место приближение к тем традициям, которые были остановлены в своё время. Они вновь начинают жить, а некоторые произведения выставки свидетельствуют о любви к ним».

«Идеолог» объединения искусствовед Л. Мочалов, позже вспоминая об экспозиции Егошина на выставке 1972 года, писал, что тот в своей работе опирался на творчество русских «сезаннистов» — Петра Кончаловского, Ильи Машкова и Роберта Фалька: «Егошин выработал собственную “таинственно-туманную” живописную систему, характеризующуюся вплавлением формы в вибрирующую световоздушную среду» (ru.wikipedia.org).

Наша картина «Античный амфитеатр» (1988) выполнена через много лет, но в ней видны те же традиции, та же сложная живописная система, которая стала основой творческой манеры замечательного ленинградского художника.

***

Еще в 1960-е годы Егошин абстрагировался от официального советского искусства, его интерес обратился к отечественному и европейскому модернизму первой трети ХХ века. Художнику было близко сезаннистское понимание живописи, и в его работах заметны стилистические влияния произведений мастеров «Бубнового валета». Так, «Античный амфитеатр» (1988) по своей колористической насыщенности вызывает ассоциации с работами И. Машкова и П. Кончаловского. Цвет у Егошина так же главенствует над формой, задавая определенный эмоциональный настрой.

Художник запечатлел древнеримский амфитеатр, освещенный лучами яркого солнца. Отказываясь от достоверного следования натуре и от лишних деталей, автор обобщенно изображает внешний облик сохранившихся частей исторического строения — так, концентрические ряды сидений, возвышающиеся друг над другом, трактованы полукруглыми линиями, а объем уцелевших частей стены с колоннами передан лишь черными контурами. Создается впечатление, что сияющий солнечный шар в небе, окруженный оранжевым ореолом, освещает композиционное пространство, окрашивая запечатленные объекты во все цвета радуги. Егошин объединяет все формальные элементы посредством единой цветовой гаммы и создает живописную поверхность, пульсирующую энергией цвета. Картина передает радостную атмосферу теплого солнечного дня, и в ней ярко проявилась приверженность автора модернистским живописным экспериментам (Мария Беликова).

Айдан Салахова. Эскиз к «Гермафродиту» № 1. 1996

Айдан Салахова — яркая фигура отечественной арт-сцены, в творчестве которой нашли осмысление такие актуальные проблемы современности, как социальные мифы Востока и Запада, гендерная идентичность и роль женщины в обществе, границы дозволенного и запретного в разных культурных традициях. Дочь живописца Т. Салахова, выпускница МГАХИ им. В. И. Сурикова, Салахова обращается к темам и сюжетам, далеко выходящим за рамки развиваемых в традиционной академической системе, и это во многом обуславливает востребованность ее творчества в международном художественном контексте. Произведения художницы находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, Фонда культуры «Екатерина», Francois Pinault Foundation и во многих других отечественных и зарубежных частных коллекциях.

Эскиз к полотну «Гермафродит» № 1 выполнен в технике шелкографии.

Образ двуполого существа из античной мифологии всегда вызывал у Салаховой неподдельный интерес, и его можно обнаружить в ряде графических и живописных произведений автора. «В моей работе “Гермафродит” как раз и есть тема о том, что в каждом человеке есть двойственность натур — мужской и женской, независимо от пола. Проблемы у людей возникают тогда, когда они хотят подавить в себе одну из половин», — говорит Салахова о серии своих произведений (vladey.net).

Работа в каталоге аукциона — воспроизведенный трафаретной печатью эскиз к станковому произведению — показывает кропотливый процесс создания картины. Эскиз, как известно, является частью академического подхода к живописи, подразумевающего создание серии подготовительных работ, в которых разрабатываются основные композиционные задачи. Однако эскизы крайне редко демонстрировались широкой публике, поскольку долгое время не воспринимались в качестве полноценных художественных произведений. В данном случае Салахова, напротив, приняла решение репродуцировать свои наброски, открыв всем свою «внутреннюю кухню». В результате мы имеем возможность увидеть, как она корректирует позу гермафродита, стремясь добиться наиболее выразительного варианта, а также продумывает формат полотна. Трактовка персонажа соответствует классическим канонам — его выразительный S-образный силуэт запечатлен на фоне драпировки в восточном стиле. При этом Салахова не акцентирует двуполою природу героя, обнажая лишь его женственную верхнюю часть. Таким образом, эскиз наглядно демонстрирует, что процесс создания работы может представлять для зрителя такой же интерес, как и законченное произведение (Мария Беликова).

Александр Ситников. Похищение Европы. 1994

Александр Григорьевич Ситников приобрел известность еще в 1970-е годы благодаря оригинальным и запоминающимся произведениям, в которых нашли отражение архетипические образы из древних мифов различных культур. В работах автора часто сочетаются фигуративные и абстрактные элементы, а гармоничный колористический строй его полотен, по мнению многих специалистов, вызывает музыкальные ассоциации. «Поиски новых формальных приемов, разработка цветовой партитуры, соотношения света и тени, массы и объема, статики и движения превращаются художником в целостную философскую систему трансформации реалий конкретного времени в некую космическую формулу, подобную пророчеству», — пишет искусствовед А. Рожин о творчестве художника (tg-m.ru).

«Работы Ситникова, изобилующие мифологическими отсылками и культурными кодами, ловят непосвященного зрителя в лабиринт своих наслаивающихся форм, линий и ярких красок и оставляют его разгадывать философские шарады их создателя. Рассматривание холстов Александра Ситникова искусствовед Александр Якимович уподобляет барахтанию в колючем кустарнике, откуда каждому смотрящему выпутываться предстоит самостоятельно. Один увидит в картинах Ситникова математическую выверенность и услышит пифагорейскую музыку сфер. Другой узнает в лицах героев лики с православных икон, а в позах разглядит древнеегипетский изобразительный канон. Третий вспомнит пикассовскую “Гернику” и “Минотавра”. Четвертый проведет параллель с органическим разрастанием “аналитических” картин Павла Филонова. И каждый воспримет искусство Александра Ситникова по-своему» (artinvestment.ru).

В шелкографии «Похищение Европы» (1994) Ситников обращается к известному античному сюжету о похищении Зевсом в обличье быка дочери финикийского царя Европы. Художник, всегда проявляющий живой интерес к мифологии, неоднократно воплощал этот мотив в своих живописных произведениях, часть из которых была репродуцирована с помощью трафаретной печати. Плавные линии формируют монументальный облик быка, от которого исходит мощь и сила, а также тонкую и изящную фигуру девушки. Зевс и Европа, почти образуя единое целое, контрастно противопоставлены с помощью холодного зеленого и теплого красного цвета. Упрощенные формы быка отличаются геометризмом, но зрителю понятна обуревающая его страсть. Внешний облик девушки, напротив, излучает спокойствие и умиротворение, а выраженные объемы ее тела подчеркивают чувственность женского образа. В трактовке женской фигуры ощущаются следы византийской иконописи и монументального религиозного искусства. Ее запрокинутые вверх руки обнимают голову быка, а раскованная поза производит впечатление, что она очень комфортно устроилась на спине своего похитителя. В подобной авторской интерпретации Европа вовсе не выглядит жертвой похищения, а напротив — рада быть похищенной. Вихрь из цветных полос и пятен на абстрактном голубом фоне создает ощущение еще не завершенного процесса формирования цветового строя произведения. Сочетание линейных и цветовых ритмов привносит в работу дополнительный элемент декоративности, не умаляя при этом образно-символического звучания работы (Мария Беликова).

Читайте о художнике на AI: «Художник недели: Александр Ситников».

Елена Суровцева. Обнаженная. Фигура из проекта «Стоящие на снегу». 2018–2019

В творчестве Елены Суровцевой органично сочетаются традиции и стили разновременных эпох — египетской и древнегреческой пластики, византийского и готического искусства, а также находят свое продолжение модернистские поиски средств художественной выразительности. Отказ от классического канона, радикальные формальные эксперименты, обращения к художественному наследию прошлого сближают ее произведения с пластикой выдающихся модернистов первой половины ХХ века. Художница работает как со станковой, так и с монументальной пластикой, используя разнообразные материалы — от дерева и бронзы до мрамора, гранита и керамики.

***

По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Отправной точкой в осмыслении формы стала для меня женская модель, потому что именно через нее я могу выразить и свое внутреннее состояние, и мне не приходится делать ничего инородного, непонятного для себя. Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).

В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства… Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы.

В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека (rah.ru).

Ольга Фадейкина. Дама в золотом. Из серии «Дамы». 2021

Вся серия картин «Дамы», состоящая на данный момент из 5 картин, начиналась с «Дамы в золотом», именно после написания этой картины, появилась идея создать серию работ.

На всех холстах этой серии — изображение женских образов. «ДАМЫ», какие они? Загадочные, яркие, задумчивые, неземные, динамичные, вдохновляющие. Я старалась показать внутренний мир женщины и конечно ее внешнюю красоту, пластику и грацию.

Всю серию объединяет единый графический прием конструктивно-аналитического рисунка, яркие цветовые и тоновые контрасты помогают добавить динамики всему изображению на холсте и конечно выразить характер каждой из «Дам». Мне очень нравится анализировать форму, дробить ее, объединять или подчеркивать, думать цветом. Создавать смелые образы, цветовые сочетания, контрасты.

Композиционные решения каждого холста тоже выбрано не случайно. В каждой своей работе, я с большим пристрастием выбираю композицию на холсте и совершенно сознательно «режу» фигуру, выбирая интересные ракурсы и пластику.

Мне нравится экспериментировать, нравиться быть смелой! В серии «Дамы» я объединила, мою любовь к аналитическому рисунку и декоративной живописи (Ольга Фадейкина).

Художник работает в стиле и традициях художников-конструктивистов, таких как Сафронова, Степанова, Удальцова. Изучая «предмет», автор раскладывает его на плоскости, выстраивает формы, оперируя объемами и пространствами, линией и цветом. Обнаженная модель — как матрица времени и действия, в коей время и эпоха всегда современны и актуальны (Галина Быстрицкая, художник).

Ольга Фадейкина родилась 24 сентября 1982 года в Краснодаре. Окончила отделение театрально-декорационной живописи Краснодарского художественного училища, СПБГХА им. А. Л. Штиглица, факультет монументального искусства, кафедру художественного текстиля (2008).

Елена Фокина. Дорога в Абрамцево. 2002

На мой взгляд, любое искусство имеет право на существование. Как говорит один мой друг митёк: «Рисовать можно все, если не стыдно маме показать». А я считаю, что в каждой работе художника должна быть хвала Богу. И дело не в сюжете, а в отношении к тому, что рисуешь, к тому, что создано Богом.

Я пишу всегда с радостью, потому что для меня это самый чистый кайф — рисовать красками. Если вам это передается — здорово! (Елена Фокина, biozvezd.ru)

Елена Фокина — живописец, график. Постоянный участник разнообразных выставочных проектов, в том числе международных (Лондон, Париж, Дортмунд, Лос-Анджелес, Токио). Живет в Коктебеле. Работы художницы находятся в частных коллекциях России, Германии, Франции, Дании, Голландии, Израиля, Америки и Австралии.

«Елена Фокина — художник, который занимается живописью в самом традиционном смысле этого слова. Живописью, восхищенной самой жизнью во всех ее проявлениях — дожде, поле, детском смехе, грушах, взаимоотношениях кувшинов на столе. Фокина, по ее собственному признанию, просто очень любит “красить красками”, видеть и делиться тем, что она видит и чувствует, с помощью холста и красок», — пишет о творчестве Фокиной искусствовед Н. Щербакова.

Елена Фокина родилась 16 марта 1961 года в Москве. Ее мама занималась исследованиями в области гематологии, а папа самоотверженно служил родине. Елена была единственным ребенком в семье Фокиных, и её воспитание родители доверили бабушке Марии Александровне. «Бабушка была удивительным человеком со сложной судьбой. Она знала несколько языков, а немецкий и польский преподавала в школе, — вспоминает Елена. — А вообще бабушка была профессиональной женой и питерской красавицей: полный набор — воспитание и осанка, прямая спина, безупречный маникюр. Я ни разу не видела ее непричесанной даже во время болезни. В 1937 году ее репрессировали, а мою маму она родила в тюрьме. Бабушку освободили перед войной, со справкой и без карточек она оказалась во время блокады в Ленинграде. Но она все вынесла и выжила. Из таких людей можно делать гвозди».

После школы Елена Фокина два года работала секретарем в издательстве «Малыш», а затем поступила в Полиграфический институт.

После окончания Московского полиграфического института, Елена Юрьевна работала по договорам в разных организациях. Одним из мест ее работы было издательство «Дрофа», в том числе занимающееся выпусками передачи «Спокойной ночи малыши» и киножурнала «Ералаш». В 1987 году Елена Фокина впервые выставила свои работы, которые понравились искусствоведам и поклонникам живописи. Это вдохновило художницу больше сил отдавать написанию полотен.

Она — серьезный, очень много работающий художник, но порой кажется, что в ней живет озорная девчонка, которая умеет, как кэрролловская Алиса из страны чудес, удивляться обычному, и преображать его в своем творчестве. Елена дарит нам своими работами радостное восприятие мира, и как будто говорит: смотрите, как здорово жить, как интересно! Люди, давайте радоваться нашим детям, теплому солнышку, каждому цветку, знакомой собаке, и вообще каждому подаренному нам Господом дню! Оглянитесь вокруг, ведь мы живем в очень красивом месте земли, где есть синие горы, Волошинские холмы, и много-много морского воздуха. И зрители забывают о своих проблемах, о кризисе, о политике, погружаясь в коктебельские радости Елены Фокиной. В её творчестве есть самое главное, чем она щедро делится со зрителем, — гормон счастья (Ирина Панаиоти, старший научный сотрудник Феодосийского литературно-мемориального музея им. А. С. Грина, gorod24.online).

Константин Худяков при участии Александра Сплошнова. Орлы прилетели. 2015

В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.

Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм… (erarta.com).

Метод художника бескомпромиссно современен: на протяжении полутора десятков лет Худяков сосредоточен на максимально вдумчивом и детальном освоении цифровых технологий и коммуникаций как уникальных и универсальных инструментов, наилучшим образом подходящих для решения актуальных творческих задач. Что это за задачи? В общем виде их можно описать как попытку создания новой мифологии. Мифологии распада прежней цивилизации и зарождения новой, синтеза биологического и технологического начал, сопоставления масштабов макро- и микрокосма, метафизического переосмысления пространства и его заполнения (moscowarch.ru).

Константин Худяков (1945) — академик РАХ, заслуженный художник России, президент Творческого союза художников России. Худяков стоял у истоков развития отечественного цифрового и мультимедийного искусства. Образы автора вызывают ассоциации с полотнами сюрреалистов, а его произведения наполнены, как правило, символическим подтекстом и иносказаниями, погружают зрителя в ирреальный мир. «Константин Худяков исследует тотальность пространства через тотальность образа — н инкрустирует образы пространств деталями и фактурами, выводит их за пределы плоскости, дает нам рассмотреть их с разных сторон. Он погружает нас в великолепный ужас новой виртуальной тотальности», — пишет о произведениях мастера художественный критик А. Евангели (web.archive.org).

Желаем удачи на 124-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI