Открыт 121-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   20 июня 2022

В каталоге — произведения Азама Атаханова, Сергея Бычкова, Михаила Ермолова, Александра Захарова, Наталии Захаровой, Сергея Касабова, Андрея Марца, Андрея Медведева, Такаси Мураками, Александра Пучко, Елены Суровцевой, Наталии Турновой, Елены Щепетовой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 435 и 121-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

В составе аукциона 13 лотов — семь живописных произведений, четыре скульптуры и две работы в смешанной технике.

Азам Атаханов. Спящий Адам. 2011

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атахановkommersant.ru).

Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевичkommersant.ru).

Художник предлагает нам не развлечение, не поучение, и не эстетские лакомства для глаз (хоть и умеет писать крепко и сочно). Он предлагает отбросить шелуху будней, заботы дня и радости ночи, и обратиться к первичным, исходным, главным заботам человека, живущего на земле. Такой подход к делу предполагает зрителя, который способен вспоминать о главном. Это не легко. Нервный и нередко неврастенический, легко возбудимый и быстро утомляющийся вид по имени «человек современный» усеял своими особями джунгли больших городов. Азам Атаханов обращается к нам от лица иного человечества, которое, как мы догадываемся, существовало в эпохи досовременные. Он всегда предлагает подумать именно о главном, о вечном и неслучайном.

Его главная тема — фигура в природном пейзаже, то есть в большом Доме мироздания, и в интерьере, то есть в родовом, семейном Доме. Полы, подушки, одеяла и стены жилого дома устроены так же прочно, надежно, и так же переливаются горячими красками жизни, как и горы, горные долины, деревья и камни внешнего мира (Александр Якимович, atakhanov.art).

Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное: «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).

В работе «Спящий Адам» (2011) Атаханов обращается к ветхозаветным образам Адама и Евы, которые получают у него оригинальное переосмысление. Художник пишет своих героев в родных местах — в Средней Азии. Они устали, трудясь на бахче, в поте лица добывая свой хлеб, и теперь отдыхают в тени деревьев, где сон и краткий отдых на ветерке ненадолго погружает их в райское блаженство.

Сергей Бычков. Я стоял на носу… 2011

Я стоял на носу
и держал на весу
задние лапы
и... (Сергей Бычков, комментарий к одноименной работе, oms.ru)

Мне импонирует в Сергее умение выразить внутреннее состояние. И еще как для меня, так и для него сюжетом зачастую является сидение, стояние, парение. Все это в искусстве важно. Это и есть сущность скульптуры (Владимир Лемпорт, скульптор, oms.ru).

Отвечая на вопрос о своих немного загадочных и странных, немного грустных и чудаковатых персонажах, Сергей Бычков поясняет, что всегда следует за своим «внутренним человеком», сообразуется с его приключениями души, с его эмоциональным движением, психологическим самостоянием. Каждую очередную работу порождает яркое и сильное событие внутреннего человека, это встреча душ, переплетение и созвучие невидимых струн, где сюжет необходим автору как подпорка, служебная конструкция.

Он никогда не ждет вдохновения, а всегда находит его в работе. А работа его уже много лет связана с любимым, хорошо изученным материалом — бронзой. Кажется, что этот материал живо откликается на любой творческий замысел мастера, на каждый поворот его мысли, на всякий замысловатый ход образостроительства.

Сам Сергей Юрьевич объясняет, что бронза — материал весьма широкого диапазона выразительных средств, бронза даже дает возможность создания определенной цветовой гаммы, а разные способы полировки бронзы привносят в готовую вещь необходимые светотеневые эффекты. К тому же продуманная обработка бронзы сводит на нет качество этюдности, незавершенности и вместе с тем не лишает произведение легкости, изящества, все новых комбинаций объемов и линий (Никита Иванов, oms.ru).

Его «малая пластика» выдерживает любое увеличение. Ее можно довести до размеров монументальной скульптуры на площади, как можно спроецировать на многометровую стену крохотную, в несколько сантиметров, гравюру великого Фаворского (Мария Чегодаева, oms.ru).

В искусстве Сергея Бычкова благотворное влияние мирового скульптурного наследия — от древнеегипетских монументальных форм до остро напряженной архитектоники композиций Генри Мура — нашло отражение в образном строе его бронз и каменных изваяний. В большое искусство вошел скульптор больших возможностей, художник впечатляющего творческого потенциала (Юрий Орехов, скульптор, oms.ru).

Если говорить о каком-то «матвеевском» влиянии на творчество Бычкова, то оно, наверное, сказывается лишь в четкости и ясности решения, в классически выработанной пластике. Философский, духовно-нравственный смысл его работ сугубо индивидуальный, глубоко личностный. Их отличают прежде всего драматизм, внутренняя напряженность, жесткость образного мышления (Евграф Кончин, искусствовед, oms.ru).

Работы Сергея Бычкова затрагивают в душе что-то важное и настоящее, дотягиваются до ядра, до сути. Для создания художественных образов скульптор тонко обобщил форму, что сделало его скульптуры простыми для восприятия. Но это глубокая, сложная простота. В работах Сергея много недосказанности, которая рождает у каждого из нас свои образы (Зоя Бездель, zoikinkrug.com).

Сергей Бычков — удивительный скульптор. Он берет свои образы и пластические решения ниоткуда — я подозреваю, что из своей башки. Некоторые из его композиций я бы и сам с удовольствием сделал, но Сергей их первым придумал, вылепил и выпустил на волю — жить своей жизнью. И вообще, он хороший человек (Михаил Дронов, скульптор, oms.ru).

Михаил Ермолов. По-над речкою. 2017

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

Словно из дымки времени проявляется парковая решетка, какие-то строения, колесо обозрения... Пейзаж напоминает парк Горького у Москвы-реки. Зритель как будто видит перед собой пикториальную фотографию, где всё размыто, но все же не придумано, а существует в реальности. Картины Михаила Ермолова обладают удивительным свойством: всё, что он пишет, его особенный мир «Парка имени памяти культуры и отдыха», несмотря на своеобразную патину времени, — настоящий. Настоящий самолет взмывает в небо, настоящий паровоз летит, настоящие игрушки, карусели, шарики! Зритель ни секунды не сомневается, что всё это было и есть, и будет, и на много лет останется в памяти.

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова)

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня, кого не научили удивляться и радоваться тому, что происходит рядом с ними? Время покажет, но пусть в этих воспоминаниях будет хоть немного настоящего — тех простых, чистых детских радостей, тех детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!

Александр Захаров. Одиссей. 2011

Одна из самых поэтичных историй в мировой литературе — древнегреческая поэма Гомера о странствиях Одиссея — находит свое отражение на холсте Александра Геннадьевича Захарова.

Муза, скажи мне о том многоопытном муже, который,
Странствуя долго со дня, как святой Илион им разрушен,
Многих людей города посетил и обычаи видел,
Много и сердцем скорбел на морях, о спасенье заботясь
Жизни своей и возврате в отчизну сопутников; тщетны
Были, однако, заботы, не спас он сопутников… (пер. В. А. Жуковского, rvb.ru).

Из множества гомеровских персонажей, положений и мотивов художник выбирает одиночество героя, на сердце которого свежие раны, а впереди — неизвестность. В своей излюбленной цветовой гамме Александр Геннадьевич Захаров пишет эпическое полотно об Одиссее, несомом ветром и волнами.

Александр Захаров (1957) — современный художник, живет в Германии и сотрудничает с частными галереями по всему миру.

Захаров не раз признавался, что его интересуют «архетипические структуры подсознания, коллективного и личного. Картины, говорящие языком нашего времени, но несущие в себе смысл тысячелетий». В его работах живут архаические и мифологические существа, религиозные образы из различных верований, герои древних эпосов. Все пространство человеческой культуры Захаров воспринимает как единое и неразрывное целое, существующее как бы вне линейного исторического развития (Мария Беликова).

Наталья Захарова. Девятый Ангел (летящий). 2015

Не вступая в прямой диалог со своими друзьями скульпторами, Наталья Захарова нашла своего рода пластическую нишу, в которой чувствует себя вполне комфортно, так как и в живописи, и в новой изобразительной ипостаси ее влечет магия проверенного веками образа. Она освободилась от случайностей штрихового обилия ранних рисунков. Дописанность, дорисованность, т.е. сделанность до максимального заполнения холста, доски или объемной фигуры, — вот фирменное отличие ее стиля. Зрителю тут ни убавить, ни прибавить. Захарова договаривает свои изобразительные речи до конца. Никакой теории «нонфинито», оставляющей пространство для зрительских домыслов (Вильям Мейланд, gallerynazarov.ru).

Творчество Натальи Захаровой очень традиционалистское. Глубокое погружение в культуру прошлого не терпит прямого подражания. Путем требовательного познания и переосмысления всех богатств, накопленных русской культурой, Захарова создала свой особый стиль, имеющий прямое отношение к русской иконе и расписной деревянной скульптуре. Перед нами эстетически утонченное, очень стильное искусство, опирающееся в своей основе на проверенный веками образ.

В произведениях Натальи Захаровой никогда не бывает недосказанности, неоправданных жестов и деталей. Скульптор призывает задуматься над сюжетом. Ангел с поднятой вверх трубой несет в себе смысл призыва, он своим горном призывает к сражению с собой и с мирскими пороками. Ангел, с трубой, направленной вниз, трубит о начале Страшного суда, тогда как коленопреклонённый Ангел склоняет голову, моля Всевышнего об оберегаемой им душе, и т.д.

Современное поколение живет в стремительно сменяющемся мире. Мы существуем на стыке времен, и значит, на сломе традиции. Именно она остается необходимым стержнем целостной художественной культуры, точкой опоры для любых позднейших изменений. Большой художник не имеет возможности традицию не учитывать, и в то же время оставаться в традиции, считая ее незыблемым законом и сводом готовых правил, означало бы застой. Быть верным себе, собственному призванию — задача нелегкая, но подвластная Наталье Захаровой (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Сергей Касабов. Абстракция. 2003

Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Андрей Марц. Птица–секретарь. 1970-е

Отточить образ до символа, найти для каждого зверя его пластическую формулу можно лишь при хорошем знании натуры. Художник-анималист должен попытаться понять сущность животного, не очеловечивая его. Мне дорого само животное, характерность того или иного вида. Когда мне удается это передать — создаваемый мною образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным (Андрей Марц, marz12.narod.ru).

Андрей Марц обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного культурного пространства. Его острое, цепкое видение, подпитанное раскованным воображением и тонким чувствованием возможностей скульптурного материала, соединяло непосредственные реальные впечатления с глубокими познаниями истории мировой анималистики — от первобытных памятников и искусства кельтов до образов, знаков и символов, созданных изобразительной традицией народов Ближнего и Дальнего Востока, Китая, Индии и Северной Африки.

Так возникала новая скульптурная «живность», очень выразительная по формотворческим решениям, сочная по лепке характеров, живущая по каким-то своим особым законам, созданным для нее одним из тишайших созерцателей природы, скульптором Андреем Марцем. Жирафы, похожие на ажурные затейливые башенные конструкции, антилопы, чьи полетные грации изящно подчеркнуты остроумным кроем объема из единого медного листа, носороги с монументальными панцирными телами, уподобленными доспехам средневековых рыцарей, рыбы, словно вылепленные по неведомым древним магическим рецептам, разнообразнейшие птицы, то танцующие, то хлопочущие по своим «житейским» надобностям, то трагически надломленные, в литьевой лепке которых угадываются следы экологических катастроф...

… Образы животных — лиричные и трагикомичные, монументальные и игровые, архетипные и конструктивно-декоративные — все они были отмечены печатью таланта их создателя и неповторимой марцевской любовью к жизни (Л. Ю. Исаева, artmuseumtomsk.ru).

Творчество Андрея Марца, по общему признанию, совершенно особое, уникальное явление в современном анималистическом искусстве. Его работы, острые и точные по образному решению, поражают неожиданностью и декоративностью, остроумными находками в использовании свойств материала, современностью пластического мышления. А между тем Марц — убежденный наследник классической школы отечественной пластики, считающий ее основой, опорой для искусства современного с его подчеркнутым вниманием к форме.

Что касается скульптурного материала, то Марц сделал свой выбор в самом начале творческого пути, раз навсегда определив для себя металл как наиболее подходящий для реализации его пластических замыслов. Металл — подлинная стихия Марца. Не знающий аналогов оригинальный метод мастера, изобретенный им способ металлического отлива с введением проволоки, сочетание плотных масс и сквозных ажурных конструкций, контраст объемов и пустот позволили Марцу создать свой собственный, ставший уже классическим канон, безукоризненно работающий через раскрытие свойств материала на образ, характер изображаемого животного (Марина Юргенс, ГТГ, marz12.narod.ru).

Андрей Марц принадлежит к числу выдающихся скульпторов-анималистов. В его творчестве счастливо соединились качества скульптора, мыслящего пластическими формами, органично чувствующего выразительность и физические возможности материала, обладающего остроумной изобретательностью в решении задач, и человека, очарованного бесконечным многообразием живого мира, не устающим удивляться перед гением Творца…. (gallerynazarov.ru).

Андрей Медведев. Исторический театр. 2021

Мир Андрея Медведева населен множеством антропоморфных персонажей. Это и сонмы остраненных «людей», внешне напоминающих героев «Черной курицы» Антония Погорельского, но при этом, как правило, совершенно лишенных эмоций, и «куклы» — самые живые, теплые и выразительные среди медведевских образов, и странные персонажи, чем-то похожие на остраненных, но чувственные и вдохновенные, и другие «люди».

«Работы художника отличаются выраженной театральностью образов, гротеском и наполнены цитатами из истории мирового искусства. Творческая манера автора окрашена влияниями разнообразных стилей и направлений прошлого — православной иконописи, наивного искусства, экспрессионизма. Сам автор характеризует свой стиль как “живописная гофманиада”» (Мария Беликова).

На холсте «Исторический театр» (2021) зритель встречается с любимыми медведевскими остраненными персонажами в их излюбленном качестве и интерьере — на сцене. Более того, они играют исторический спектакль, одеты в роскошные красочные костюмы и украшены цветами — словом, художник написал их так, что даже самые бесстрастные из его героев не могут скрыть удовольствия от происходящего с ними здесь и сейчас.

«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Такаси Мураками. Saint M×××××× (Святой М××××××). 2020

Такаси Мураками — японский художник, скульптор и дизайнер. Родился в Токио в 1962 году, окончил Токийский национальный университет изящных искусств и музыки. Один из наиболее известных в мире японских художников в стиле нео-поп.

Творчество Такаси Мураками — это оригинальный симбиоз современной поп-культуры и «высокого» искусства. В его работах прослеживается влияние популярных в Японии мультфильмов аниме и комиксов манга.

Визитной карточной автора на протяжении уже многих лет являются рожицы-цветочки, изображающие весь спектр эмоций — улыбающиеся, веселые, грустные, злые, испуганные.

Помимо них, Такаси изображает героев аниме и манги, создает скульптуру, одна из которых, «Мой одинокий ковбой» (My Lonesome Cowboy) (1998), была продана на Sotheby's 14 мая 2008 года за $15,2 млн.

Мураками занимается не только написанием картин, но и создает предметы одежды, всевозможные аксессуары с изображением своих произведений — от сумок до диванных подушек и ковриков для компьютерной мыши. Он сотрудничает с Марком Джейкобсом, креативным директором известной марки Louis Vouitton, и создал для бренда коллекцию сумок Cosmic Blossom.

В 2002 году Такаси стал куратором выставки современных японских художников и скульпторов Superflat. Название выставки, которое переводится как «суперплоский», художник придумал сам и назвал этим термином все современное японское искусство, сочетающее в себе продукты индустрии развлечений (аниме, манга), поп-культуры и изящных искусств. Автор задается вопросом, в чем различие между живописью европейских и японских художников, и приходит к выводу, что в Японии изобразительное искусство создает ощущение «плоскости» из-за отсутствия трехмерного изображения. Таким образом, Такаси Мураками выделяет современное японское искусство в отдельный «феномен», тем самым привлекая к нему внимание и способствуя его развитию на мировом рынке.

Творения Такаси Мураками — одновременно яркие, развлекательные и глубоко философские. Сам Такаси определяет свою творческую деятельность как критику японского общества. В современной Японии, по мнению художника, живопись, скульптура, игры, комиксы и дизайнерская одежда слились в одно целое, и уже нет разницы между высоким искусством и продуктами потребления (artuzel.com).

Один из самых известных художников послевоенной Азии, Такаси Мураками известен своей фирменной эстетикой «Суперплоскости»: красочным двухмерным стилем, который стирает границы между изобразительным искусством и поп-культурой, поскольку объединяет элементы аниме, японской живописи нихонга и гравюры на дереве укиё-э. Общие мотивы в творчестве Мураками, которое охватывает картины, скульптуру, печатную графику и многое другое, включают улыбающиеся цветы, медведей и персонажа, вдохновленного Микки-Маусом, мистера Доба. Они также появляются на товарах и предметахколлекционирования, созданных Мураками.

Мураками выставлялся в Музее Гуггенхайма в Бильбао, MoMA PS1, Художественном музее Мори, Музее современного искусства «Гараж», Бруклинском музее, Музее современного искусства в Чикаго. Его работы продаются за миллионы на вторичном рынке. Мураками также управляет крупной компанией по производству произведений искусства, токийской Kaikai Kiki Co (artsy.net).

На конец 2022 года намечен запуск NFT-проекта Murakami.Flowers, о котором художник заявил еще в прошлом году. Он должен был состоять более чем из 100 токенов размером 24 × 24 пикселя с узнаваемыми образами улыбающихся цветков. Однако впоследствии работа над коллекцией была приостановлена, так как художнику, по его собственным словам, потребовалось более глубоко изучить процессы продвижения и продажи NFT. В начале этого года стало известно, что Мураками, получивший опыт совместной работы со студией RTFKT над проектом CLONE X, наконец-то готов к запуску нового проекта (artinvestment.ru).

Александр Пучко. Белокрыльник на окне. 2014

Александр Александрович Пучко родился в 1961 году в Москве. В 1983 году окончил МХУ имени 1905 года, по специальности художник-реставратор. Много лет работал реставратором монументальной и станковой живописи в ГТГ, «Союзреставрации», Всесоюзном НИИ реставрации. Принимал участие в восстановлении Новоспасского монастыря в Москве, Николо-Перервенского монастырского комплекса, церкви Николы в Кожевниках, церкви Михаила и Фёдора Черниговских, Симонова монастыря в Москве, Новгородского Кремля. Занимаясь реставрацией станковой живописи более 35 лет, сохранил и восстановил не одну сотню произведений русской и европейской живописи. Помимо этого, увлечен проектированием и строительством жилых домов, дизайном мебели и интерьеров. Большая часть творческого процесса посвящена созданию собственных живописных и графических работ. С 2007 года — член Московского объединения художников Международного Художественного Фонда. Работы находятся в частных собраниях России, Чехии, Польши, Германии, Швеции, Нидерландов, Канады и США (litfund.ru).

«Современный художник, находясь под огромным давлением “атмосферного столба” различных направлений, школ, стилей, течений, эпох в искусстве, черпая из накопленной сокровищницы ценности знания, решает сложнейшие творческие задачи генерации собственной художественной системы. Чрезвычайно трудно отчетливо зазвучать, найти свою стилистику и, основываясь на знании предыдущих творческих опытов, избежать прямого цитирования, найти своего зрителя и разговаривать с ним на одном языке понимания и сочувствия.

Автор, поставив перед собой задачу уйти от унылых, искусственных правил целесообразной эстетики, экспериментирует, иногда связывая воедино абстракционизм и модерн, создавая изображение зачастую интуитивно. Иногда его охватывают настроения, подвигающие на высказывания языком символизма.

Всё это попытки смотреть на мир непредвзятым взглядом, очищенным от опыта рационального восприятия.

Постоянный поиск новой лексики выражения обогащает творчество автора различными приемами, позволяющими подобрать оригинальные пути и модели оживления восприятия. Иногда в этом процессе ясность формы сменяется бурным ниспровержением скучного перечисления деталей.

Избегая свойственного современности эгоцентризма, автор пытается перекинуть мостик между предметом выражения и зрителем. Путь к собеседнику без преград, не обремененный навязанными банальными идеями и равнодушием посредственного опыта.

Искреннюю попытку избежать шаблонности и линейного взгляда, порыв, возможно наивный, в стремлении общаться со зрителем можно расценить как приглашение к игре, где образ выводится из-под автоматизма восприятия, и предлагается на чувственном уровне получить ощущение «увиденного», а не узнавание знакомого образа» (Александр Пучко).

Елена Суровцева. Девушка в сарафане. Фигура из проекта «Стоящие на снегу». 2018–2019

По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).

В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства… Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы.

В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека (rah.ru).

Наталия Турнова. Зеленый автомобиль. 2020

Наталия Турнова — один из самых сильных в России живописцев за последние три десятилетия. Ее творчество занимает особое, совершенно отдельное положение. Если на Западе можно условно найти аналоги ее живописи в искусстве нового экспрессионизма, новой вещественности или в некоторых постмодернистских проектах, то в России художницу сопоставить не с кем (tretyakovgallery.ru).

Наталия Турнова — художник яркого самобытного дарования с глубоко индивидуальным творческим лицом. Она — исследователь, философ, для которого важны такие категории, как познание и самопознание. Чье творчество не укладывается в рамки какого-то одного стилистического направления. Кто-то видит в ее работах влияние Алексея Явленского, Августа Макке, кто-то относит их к поп-арту.

Картины Турновой с первого взгляда будоражат сознание, производят потрясающий эффект, они — сгусток энергии благодаря силе цвета, его метафоричности. Сложность пластических и образных задач, которые она ставит перед собой, определили интеллектуальность и элитарность ее творческой манеры.

Цвет играет в произведениях Турновой доминирующую роль. «Меня всегда интересовали цвет и возможность выразить что-либо через цвет и форму. Мне, например, очень нравился Матисс, и многие, писавшие про меня, об этом упоминали. Пикассо мне был немного чужд, хотя я осознавала его значение. А поп-арт всегда казался мне мраком и никогда меня не интересовал. Когда критики находили в моих работах элементы поп-арта, я удивлялась: как можно настолько не понимать, чем я занимаюсь? Кроме яркого цвета, в моих работах нет ничего, никакого поп-арта точно» (artinvestment.ru).

Турнова — чуткий колорист, наделенный мощным живописным даром. В ее картинах определяющую роль — и смысловую, и эмоциональную — играет цвет, Постепенно Турнова осознала, что для нее как для художника главной задачей является передача внутреннего состояния человека, а в живописи больше всего возможностей для этого дают портретные изображения. Этот жанр позволяет художнику напрямую обратиться к зрителю-собеседнику, а заинтриговав его необычным, условным, но никогда не шаржированным изображением известного персонажа, побудить к рассматриванию живописной ткани произведения — красоты нанесения мазка, фактурной лепки формы, модуляций цвета (tretyakovgallery.ru).

Все, что я делаю в своем творчестве, как мне кажется, связано с человеком, с поиском его внутренней сущности. Каждый автомобиль в современной жизни — это своего рода отраженный образ самого человека, который его выбрал. И речь здесь не только о внешних данных автомобиля, но и о том, что происходит в нем с человеком, как он начинает себя вести. Ему кажется, что он в «‎крепости», его никто не видит. Увы, на самом деле, по тому, какой автомобиль человек выбирает, как он ведет себя на дороге — видны все его качества, хорошие и плохие. Думая, что надежно защищен дорогой броней, человек оказывается виден, как на ладони, со всеми своими комплексами (Наталия Турнова, vladey.net).

Елена Щепетова. Странствующий треугольник. Триптих. 2015

Раннее летнее утро. Мне лет 14. Я стою на холме. Еще не высохла роса, но солнце уже осветило поле и дальний лес. Утренняя свежесть, безоблачное небо, прозрачная тишина, только готовящаяся наполниться пением птиц, шепотом листвы. В это мгновение я услышала мощный музыкальный аккорд. Земля походила на чашу. И звук, рожденный утром и солнцем, все разрастался, отталкиваясь от краев этой чаши. Достигнув наивысшей точки, он затих.

Ощущение радостного единства с мирозданием, родившееся во мне в это мгновение, стало главной темой моего творчества. Все изобразительные средства, которыми владею, служат для передачи того, о чем догадалась когда-то в детстве, глубоко чувствую и понимаю сейчас, — радостного единства с мирозданием (Елена Щепетова, gallerynazarov.ru).

Искусство Елены Щепетовой удивительно трепетно балансирует между конструктивной логикой графики и нежным упоением живописи, между традиционным пейзажным сюжетом и чистой космической абстракцией (Никита Иванов, artpanorama.su).

На творчество художника в значительной степени повлияла учеба на геологическом факультете Московского института нефтехимической и газовой промышленности, поездки на практику в Западную Сибирь и Коми, в оренбургские степи и на Кавказ. Многочисленные путешествия Щепетовой по просторам России обусловили во многом жанровое своеобразие ее работ, среди которых преобладает пейзаж.

Таким образом, тема странствий вообще становится магистральной в творчестве художницы. В своих работах Е. А. Щепетова создает ощущение бесконечного пространства при помощи использования параллельной перспективы и кулисного построения. Эти приемы, а также четкая, графичная манера письма, ритмическое строение композиционных элементов пейзажа и преобладание одной цветовой тональности напоминают произведения Николая Рериха, мастера горных пейзажей. Бесконечная игра цвета и света, сочетание пастельных линий и насыщенных цветовых пятен рождают ощущение разнообразного и вечно меняющегося мира (artinvestment.ru).

Желаем удачи на 121-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220620_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220620_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх