Открыт 102-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Рубена Апресяна, Азама Атаханова, Сергея Бордачева, Марии Буртовой, Галины Быстрицкой, Тимофея Бычкова, Даши Делоне, Галины Дулькиной, Владимира Ковальчука, Виктора Крапошина, Сергея Кривцова, Александра Курилова, Янины Ческидовой
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 416 и 102-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 102-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — десять живописных произведений, две скульптуры и один коллаж.
Рубен Апресян. Композиция с оранжевым № 1. 1999
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к абстракции. Будучи учеником «советского сезанниста» Иосифа Гурвича, в ранний период Апресян закономерно испытал влияние французских живописцев, а также мастеров «Бубнового валета». Далее он все больше и больше погружался в беспредметное искусство, переосмысляя достижения русского авангарда и европейской абстракции. Подобно Малевичу и художникам его круга, Апресян исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания и создавая аналитические работы, близкие к минимализму, а также эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет (Мария Беликова).
Азам Атаханов. Виноградники в Гиссаре. 2021
Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности» (artmoskovia.ru).
Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атаханов, kommersant.ru).
«Виноградники в Гиссаре» (2021) написаны в Гиссарской долине, неподалеку от Лучоба, родного кишлака художника. Окруженная со всех сторон горами, Гиссарская долина обладает уникальным климатом, в ней выращивают виноград и делают одноименное белое вино «Гиссар». «Вдохновение я беру в пейзажах родного для меня кишлака Лучоб, который находится вблизи города Душанбе», — пишет художник (tj.sputniknews.ru). «Летом — осенью каждого года он старается высвободить время для поездки в Лучоб — горный кишлак, расположенный неподалеку от Душанбе. Природа родной земли приобщает к вечному, неизменному течению жизни, открывает вневременность, тайну в “обыденности бытия”» (Азам Атаханов. Поэма о смыслах. М., 2019. С. 16). Лучоб и его окрестности для Атаханова не просто точка на карте, город или селение в одной из его многочисленных поездок, но — место силы, поэтому особенно интересно увидеть их глазами художника.
Для художника наиболее важными категориями живописи являются цвет и пространство: его интересуют насыщенность цвета, верно найденный тон, его «звучание» в картине. «Изначально задача живописи — с помощью цвета создавать и передавать образ, информацию, чувства, как в музыке с помощью звука. Всё, что касается цвета, пространства и его влияния на зрителя, — это то, чем я занимаюсь 30 лет», — говорит Атаханов.
Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).
Сергей Бордачёв. Композиция. Макси. 2011
«Чувство дыхания есть в космосе, я не могу терпеть плоскости. Плоскость — это стена, можно голову расшибить» (Сергей Бордачёв, smotrim.ru).
Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).
Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).
«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).
Мария Буртова. Самоизоляция 2. 2020
«У всех художников бывают наиболее продуктивные периоды. У Марии Буртовой этот период случился в нелегкие времена пандемии.
День за днем она работала, творила и создавала образы самоизоляции. Ее взгляд был обращён к пейзажу, сюжетным сценам в метро, были и детские игрушки, да и просто все мы, погруженные в страх и трепет неизвестности завтрашнего дня и системы запретов.
Подобные темы захлестнули большинство авторов в то время, но у Маши масочно-пандемийные сюжеты приобрели иной характер. Поэтически философский. Образы — это рефлексия человеческого ума. Ума, который призывает зрителя к соразмышлению.
Рассматривание работ Марии Буртовой — это диалог.
Диалог с художником.
Художники всегда на карантине и в самоизоляции. Что помогает им создавать» (текст предоставлен М. Буртовой).
Галина Быстрицкая. Couple of the oystercatchers. South Africa (Пара куликов-сорок. Южная Африка). 2021
Галина Быстрицкая — художник, фотограф, путешественник, автор дизайнерских книг и литературных эссе.
Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. «Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются» (Анна Чудецкая, tvkultura.ru).
Сюжетами картин Гали может оказаться все что угодно — от животных и растений, увиденных где-то на Бали или Комодо, сценок из жизни обитателей Сингапура или Филиппин, зарисовок венецианского карнавала до персонажей и примет российского провинциального быта, окружающих художницу в ее загородном доме близ Переславля-Залесского. То, что «зацепило». Где за видимой реальностью существует некая энергетическая «подкладка». С помощью интуиции она пытается уловить основные «сгустки-узлы», силой цвета сделав их видимыми для остальных на плоскости бумаги или холста.
Картина, иероглиф, знак, несущий своеобразие и силу впечатления художницы, воспринимается зрителем как инъекция жизненной энергии (russiskusstvo.ru).
Галина Быстрицкая тяготеет в своем творчестве к жанрам пейзажа, натюрморта и портрета, а в процессе создания живописных полотен уделяет особое внимание их колористической составляющей. «Галя Быстрицкая — не столько философ, осмысливающий мир и рефлексирующий по поводу своего творчества, его истоков и корней, сколько эссеист-интуитивист, выразитель романтически-эмоционального отношения к окружающему бытию», — писал искусствовед Андрей Толстой (gallerix.ru).
Накопленный за несколько лет, как итог многих путешествий, значительный объем фотографий, рисунков и живописи, блокнотов с путевыми записками и набросками, материал подсказал ей идею проекта Artography (2004–2007). Частью проекта стало создание одноименной книги-коллажа.
«Работа с проектом Artography как бы подвела итоги, завершила период преданности живописи “а ля прима”. Смысл этой формы для меня был исчерпан. Коллаж, позволивший в книге каждому развороту превратиться в иероглиф места и ощущения, сегодня завладел моей мастерской. Смешанная графика: тушь и графит, гуашь и пастель, гравюра, литье специальной разнофактурной бумаги, монотипия.
Поиск средств для безупречной точности высказывания — вот цель, которая заставляет пробовать. Пытаясь консервативно удержать в момент восприятия знание об аристотелевском единстве места, времени и действия, хочется найти именно тот изобразительный язык, который окажется глубже, структурнее, современнее (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery/autobiography.html).
О своих живописных композициях художница говорит: «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru). Коллаж, ассамбляж — то же «касание пальцами». Детали, вырезанные из разных материалов, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Она виртуозно управляет цветовыми и текстурными потоками, создает яркие и эмоциональные образы. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей должны сливаться в гармоничном звучании. Коллажи Галины Быстрицкой изящны и наполнены поэтикой, иронией, восхищением природой, раздумьями и многими посылами, вызывающими искренний восторженный зрительский отклик.
Тимофей Бычков. Освобождение. 2021
Скульптура, особенно современная, довольно сложный для восприятия вид искусства. Находясь в постоянном развитии, она меняет свои эстетические направления вместе с другими художественными течениями. В поисках самовыражения авторы прибегают к новым формам и материалам, подчас достаточно необычным и экспериментальным.
Надо признать, талант художника, вне зависимости от используемого материала, безусловно, звучит лишь в том случае, когда его композиции наполнены смыслом, образностью, интересной пластикой, что делает их современными, непохожими на другие произведения (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Главное — это движение. Без возможности движения невозможен путь (Тимофей Бычков).
Обладая классическими приемами пластики, молодой скульптор нарочито легко отходит от реалистически-иллюзорной лепки к обобщенным формам. Тимофей Бычков создает свой художественный мир, причудливый и многообразный. Его произведения несут принцип иронии и гротеска, они основаны на взаимосвязи реальности и причудливых фантазий. Все это позволяет посмотреть на обычные предметы и явления с совершенно неожиданной, необычной точки зрения. Обыденные вещи одухотворены шутливо-эмоциональным авторским видением. В современное искусство вошел скульптор впечатляющего творческого потенциала (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
Даша Делоне. Two Towers (Две башни). 2018
Даша Делоне — художник третьего русского авангарда, по определению автора термина Елизаветы Плавинской, — «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».
В ее стиле живописи сочетаются такие эстетика и традиции, как наивное искусство, европейский сюрреализм, древнерусские фрески и русский авангард начала ХХ века. Пространство картин Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов, критик).
Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой).
Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально (Елизавета Плавинская).
Галина Дулькина. Выход есть! 2017
Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.
«Я отталкиваюсь от русского авангарда, от Казимира Малевича, но так, как я это вижу. Мне близки и супрематисты, и Александр Архипенко, и Константин Бранкузи, и Жорж Брак, и Александра Экстер.
Я, наверное, создаю постсупрематическую фарфоровую скульптуру, ведь сами супрематисты не делали скульптуру в фарфоре, может быть, просто не успели. Конечно, есть чернильница Родченко или архитектон Малевича, но можно ли считать эти произведения фарфоровыми скульптурами — решать искусствоведам. Мне ближе без “измов”: фарфор Галины Дулькиной» (Галина Дулькина, interiorexplorer.ru).
Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.
Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.
<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».
Основу живописной композиции «Выход есть!» составляет формальное взаимодействие геометрических элементов. Уходящие вверх и вниз клиновидные формы задают траекторию разнонаправленного движения, внося элемент динамики. Палитра произведения также отсылает к беспредметным композициям русских авангардистов. В работе ярко выражена цветовая ритмика, реализованная посредством чередования желтого, зеленого, оранжевого, красного, черного и белого. Однако при всей схожести произведения с наследием предшественников (Малевича, Эль Лисицкого, Родченко) Дулькина тяготеет к выраженной декоративности художественного решения, добавляет фигуративные элементы, в частности изображения замка и замочной скважины (Мария Беликова).
Мастера второго русского авангарда наиболее важные темы своего творчества исследовали в разных материалах, интересуясь возможностью и эстетикой их существования, в частности, на фарфоровых поверхностях. «Для меня “делать фарфор” — это такой же акт творения, как создание картины, — говорил Владимир Немухин, — только в станковой живописи созидание происходит как бы из ничего, а при росписи фарфора уже есть “нечто” — некая серийная вещь, не обладающая художественной индивидуальностью. Её надо осмыслить пластически, а затем придать эстетическое своеобразие заключенному в ней пространству» (Цит. по: Уральский М. Немухинские монологи (Портрет художника в интерьере). М., 1999. С. 86). Немухин и другие шестидесятники шли от плоскости картины к поверхности тарелки и от нее — к трехмерным фарфоровым произведениям.
Тема «Выход есть!», отсылающая к творчеству Юрия Шевчука и группы «ДДТ», в творчестве Галины Дулькиной тоже стала одной из программных. Исследуя ее, художница пошла тем же путем, что и шестидесятники: за холстом «Выход есть!», написанным в 2017-м и вошедшим в наш каталог, последовало одноименное фарфоровое блюдо, созданное в 2021-м.
Владимир Ковальчук. Это не пейзаж. 2012
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии.
Виктор Крапошин. Упавшее древо. 2021
Предметная, с подробными деталями, ясная живопись особенно привлекает меня. Набор тем, как мне кажется, стандартный для любого человека искусства: Жизнь, Любовь, Время, Смерть, Сбывшееся и Несбывшееся, Страх и Надежда. Главная моя задача (и не только моя) — найти свой язык для отображения настоящего времени и всего, что прошло через меня; того, что было когда-то настоящим, а теперь — прошлое (Виктор Крапошин).
Виктор Крапошин не следует какой-либо выбранной программе, не иллюстрирует идею, он движется в пространстве холста интуитивно, но всевластно, выталкивая на сцену персонажи, чья явленная на холсте жизнь озадачивает — привлекает — не отпускает — завораживает и в конце концов заставляет серьезно задуматься. Его картины всегда остаются в определенной мере загадкой, всегда есть «куда их продолжить»; задев за живое, они всплывают в памяти, будоража внутренний взор, иногда одаривая, как искрящийся поток, каким-нибудь новым бликом смысла и чуть приоткрыв свою тайну.
Добродушная ирония или едкий сарказм, гротеск, а иногда и романтическая меланхолия, исходящие от работ художника, часто прикрывают глубокую философскую идею. Большей частью в его работах представлено два среза, два сечения, два вектора движения: к истинно человеческому или от него, борьба центробежных или центростремительных сил становления человеческой формы (Вера Родина, искусствовед).
У мужчин моего поколения одним из самых ценных качеств считалось наличие чувства юмора. У Вити Крапошина его столько, что хватило бы и на десятерых. А самое главное, что его юмор, а иногда самый чёрный, выплёскивался в его творчество. Все его картины, как золотой патиной, пронизаны этим чисто московским сарказмом и иронией. Позволю себе одну параллель: если в литературе у нас есть потрясающий Венечка Ерофеев с гениальными «Москва — Петушки», то в живописи у нас есть не менее блестящий Витя Крапошин со всем своим творчеством. В любой его картине есть трагизм одновременно с чёрным юмором, есть философские обобщения с хулиганским хихиканьем, а главное, есть любимый мной наш российский быт с советским душком, замешанный на самом настоящим концентрированном сюрреализме.
Виктор Сидорович Крапошин, как и большинство художников его поколения, не относит себя ни к какому художественному течению. Но мне, как его другу и поклоннику, кажется, что наиболее близкое определение — это фантастический реализм. Замешав суровый советский реализм в фантасмагорию своих снов и фантазий, он получил на выходе ни на кого не похожий стиль, а именно — совершенно фантастический реализм (Константин Кошкин, художник, искусствовед, yandex.ru/q).
Название работы «Упавшее древо» не отражает всей полноты драмы, запечатленной на полотне. Зритель видит крупную автомобильную аварию — пустые разбитые и покореженные машины, врезавшиеся в деревья и повалившие их на дорогу. Жертв автокатастрофы не видно. Дворник пилит поваленные стволы. Высоко на ветках надломившегося дерева беззаботно раскачиваются дети. Еще одна девочка спокойно проезжает мимо места аварии на самокате. Кошка развалилась на капоте машины.
Крапошин в традиционном для него стиле озадачивает ситуацией, не вписывающейся в рамки привычной картины мира: жуткая автокатастрофа, с одной стороны, и занятые своими делами герои, с другой, вносят диссонанс в зрительское восприятие. Так, прибегая к абсурду, Крапошин ненавязчиво намекает, что современный человек настолько привык к ужасающим новостям, которые ежедневно в больших дозах выливают на него средства массовой информации, что такие трагические ситуации, случающиеся в непосредственной близости от него, уже не воспринимаются его сознанием как заслуживающие внимания и участия с его стороны. Примечательно, что художник изображает детей — самую уязвимую часть общества, копирующую, по сути, модель поведения взрослых (Мария Беликова).
Небоскребы Москва-Сити прямо и равнодушно возвышаются вдали, и только церквушка, наклонившаяся как будто под стволом дерева (хотя это образы из разных планов), говорит о том, что безучастие персонажей к случившемуся — отражение их изломанных душ, которым чуждо сострадание. В полотне просвечивает авторское обостренное переживание действительности и ее противоречий, желание художника задеть зрителя за живое, заставить его задуматься.
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Виктор Крапошин».
Сергей Кривцов. Битва гигантов. 2007
Животный мир, его бесконечное разнообразие привлекали меня с детства. Мне нравилось рисовать и лепить животных. И я сделал свой выбор, став художником-анималистом. Еще студентом посчастливилось познакомиться с удивительным мастером, мэтром отечественной анималистики скульптором Андреем Валериановичем Марцем. Он был моим наставником в освоении этого сложного, интереснейшего жанра.
В своих работах стремлюсь передать динамику и экспрессию. Люблю показывать зверей в момент борьбы, напряжения всех сил, когда исход схватки неясен и накал достигает апогея (Сергей Кривцов, academy-andriaka.ru).
Он может причудливо изогнуть и закрутить форму, казалось бы, невероятным образом. Но при этом пластика сохранит естественность и будет точна.
Для него конкретное наблюдение — отправная точка создания художественного образа. Анималистика — один из самых трудных жанров, ведь главный источник вдохновения здесь — природа. А она, как известно, изучения требует длительного и тщательного. Художник-анималист самостоятельно постигает анатомические особенности разных животных, наблюдает их, становясь настоящим натуралистом.
Однако природу недостаточно просто скопировать. Чтобы бронза «ожила», нужно вдохнуть в нее свою энергию. Сергей Кривцов уверен: «Скульптура – не застывший металл, это механизм, имеющий невидимые внутренние пружины и рычаги, нужно только суметь их правильно найти и заложить». Художник, как и писатель, должен сродниться со своим героем, «влезть в шкуру» каждого зверя, чтобы понять его образ.
«Момент истины» — общее название композиций, посвященных схваткам могучих животных. Момент истины — момент апогея борьбы за существование, когда напряжены все силы сражающихся сторон, и зритель сам может предположить, кто станет победителем. Художник ненавязчиво, подспудно передает свои наблюдения и эмоции нам, зрителям. И остается только насладиться «остановленным мгновением», удивиться волнообразному изгибу хвоста крокодила перед ударом или изящному взмаху крыльев совы. Тема такого противоборства давно и последовательно развивается художником, и, пожалуй, в этом отношении не имеет в анималистическом жанре аналогов.
У Сергея, однако, нет ни одного обращения к теме охоты. Художника интересует не психология травли, не отношения «хищник — жертва», а миг противостояния, столкновения двух сил, ошеломляющее сочетание скорости и мощи, молниеносность броска, напряжение мускулов (academy-andriaka.ru).
Александр Курилов. Волосы. 2005
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Янина Ческидова. Смотреть на звезды. 2004
В 1989 году я впервые поехала в Ташлу — деревню в горах рядом с Башкирией. Эта поездка глобально повлияла на мое творчество, и Ташла стала «местом силы». Нежелание потерять Ташлу повлияло на отказ переехать в Москву для развития карьеры. Не жалею ни разу об этом. Хотя бы потому, что искусство — не карьера для меня, а неумение жить иначе.
С 1997 года у нас появился свой дом в Ташле, и в 2002 году написана серия холстов «Жители» («Душа поет», «Душа летает», «Душа танцует», «Брат Коля учит брата Лешу» и др.). Когда живешь рядом, и сам будто становишься тем самым жителем. Чувствуешь.
Наши животные тоже всегда в кадре (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
Холст «Смотреть на звезды» (2009) естественно примыкает к серии 2004 года «Жители» и написан, скорее всего, тоже в Ташле. Здесь те же близкие-друзья-соседи, та же творческая манера, тот же авторский взгляд — сверху, чтобы охватить всех и показать как можно шире мир Ташлы, который стал для Янины Ческидовой бесконечным источником радости жизни, новых впечатлений и вдохновения.
В основном все мои картины в любой технике — это рассказы о любимых местах и людях, близких друзьях. Я рисую слова.
Главное в творчестве — искренность. Источник вдохновения — мелочи жизни, из которых состоит мой большой мир. Главное — не бояться ошибиться, иначе можно всю жизнь стоять на одном месте. У меня нет определенного стиля, узнаваемы скорее персонажи, которые растут вместе со мной, и неожиданные темы для творчества. Чистый холст — свежие мысли и шанс родить новый мир (Яна Ческидова, yana-cheskidova.wixsite.com).
Желаем удачи на 102-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220207auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220207auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
