Открыт 98-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   10 января 2022

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Анастасии Вахненко, Елены Гориной, Анатолия Горяинова, Михаила Ермолова, Александра Жатова, Наталии Жерновской, Сергея Касабова, Владимира Коркодыма, Вячеслава Михайлова, Андрея Мунца, Нины Поляковой, Романа Рахматулина

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 412 и 98-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 98-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, четыре работы в смешанной технике и один графический лист.

Семён Агроскин. Самолет. Из серии «Плохая видимость». 2016

«Самолет». Мы всё время хотим куда-то убежать. Эта работа напоминает плакат бюро путешествий. Она из серии «Плохая видимость», Поэтому он [самолёт] в тумане — может быть, он даже не знает, куда летит (Семён Агроскин).

Работы серии «Плохая видимость» — «результат моего интереса к видимой трансформации реальности. Природа сама создает прием: туман придает инопланетный вид картине, зритель перестает обыденно считывать окружающую действительность, замедляется время.

Эффект тумана дематериализует предметы, лишает их веса, смещает присущие им смыслы. Выбранные сюжеты не объединены темой, не имеют прямой связи друг с другом. Здесь пейзажи предполагаемые, как бы спроецированные.

“Недопроявленность” фиксации — так можно определить авторскую идею. Сквозь тонкий пергамент тумана просачиваются лишь отголоски реальных страстей, не более.

Реальные цвета выцветают, отпадают за ненадобностью, как старая краска» (Семён Агроскин, cultobzor.ru).

Для живописца Семёна Агроскина естественно жить в мире светотени и создаваемого ею бесконечного объема, глубокого пространства, зачастую — в сериях разных лет — данного с необычных ракурсов.

В серии «Плохая видимость» ситуация усложнена тем, что окружающий мир в целом ряде работ дан фронтально. Особенно это заметно на урбанистических пейзажах.

Прямой взгляд на явление — из окна ли, из внутреннего ли пространства личности, которое тоже есть «окно», какая-то рамка, мировоззренческая или физическая, — исключает, казалось бы, разомкнутость и многосмысленность самого явления (так бывало в работах Михаила Рогинского).

Всё превращается, скорее, в некоторые внутренние формулы постижения внешнего мира, это столь же явления, сколь и мысли о явлениях (Вера Калмыкова, cultobzor.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».

Анастасия Вахненко. Снег в городе. Из серии «Санкт-Петербург». 2021

Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Лист Анастасии Вахненко «Снег в городе» (2021) из серии «Санкт-Петербург» отличается выраженным линеарным началом, основанным на четкости и ясности рисунка.
Рисуя вид на Исаакиевский собор из Александровского сада, автор преобразует натурный мотив за счет использования приемов декоративности и стилизации. Произведение строится на игре точно выверенных архитектурных форм собора и обобщенно трактованных элементов пейзажа дальнего плана — деревьев и кустов, сведенных к овалам. Живописно трактованное дерево на первом плане мгновенно притягивает зрительский взгляд: автор уделяет большое внимание тщательной передаче поверхности его ствола, испещренного сетью извилистых линий, а также изображению раскидистых и изогнутых голых ветвей, частично покрытых снегом. Птицы, сидящие на тонких веточках, сквозь которые виднеется серое небо, усиливают декоративность работы. Изящные тени, отбрасываемые деревьями, выразительно выделяются на белом снегу и задают композиции особый ритм. Вахненко создает эффектный городской пейзаж, который пополняет коллекцию видов Петербурга, передавая его дух и свойственную только ему атмосферу (Мария Беликова).

Елена Горина. Белые тюльпаны. 2018

«Белые тюльпаны» (2018) Елены Ивановны Гориной — одна из самых светоносных работ каталога. Нашим участникам давно полюбились чистые, наполненные воздухом и всегда немного таинственные работы художника. К сожалению, впервые мы вынуждены поставить вторую дату рядом с годом ее рождения. Елены Ивановны не стало в конце декабря. Светлая память!

***

Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.

Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.

Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).

Пишу не предмет и не пейзаж, а чувство, которое переживаю, — то, что трогает и восхищает в происходящем. Может, поэтому мою живопись называют чувственной. Это мой «таинственный сад» (Елена Горина, vne-art.narod.ru).

Главное в живописном и графическом языке Елены — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (Софья Владимирова, vne-art.narod.ru).

Анатолий Горяинов. Зима. 2007

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — например, о том, как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства. Его работы хранятся в частных коллекциях России, Франции, Германии, Швейцарии.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

Характерная резкая графичность живописи Горяинова — стена и пол сарая, обнаженные ветви деревьев, острые очертания крыш, дверной проем, окна, заборы — в работе «Зима» (2007) уравновешивается огромными ворохами сена на переднем плане, сугробом и пушистыми деревьями на среднем и дальнем планах. В теплом и уютном сельском пейзаже зритель узнает чистые цвета художника, тщательно выстроенную композицию, в чем-то наивную и чистую живопись московского мастера.

Михаил Ермолов. Шарик. 2021

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

Маленькая девочка, одетая в простое неброское платьице, держит в руках красный шарик. Фигура ребенка словно проступает на фоне дымчатой живописной поверхности, создающей эффект присутствия перед зрителем образа из далекого прошлого. Фактура работы имитирует утраты красочного слоя, содержит потертости, царапины, пятна и разводы, подчеркивающие все следы, якобы оставленные временем (Мария Беликова).

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!

Александр Жатов. Композиция с музыкальными инструментами. 2021

Натюрморт — один из любимых жанров Александра Жатова , а «Композиция с музыкальными инструментами» продолжает серию произведений, посвященных теме музыки. Композиционные характеристики произведения, в частности выраженная плоскостность изображения, а также сами запечатленные объекты — разнообразные музыкальные инструменты вызывают ассоциации с работами французских кубистов и отечественных кубофутуристов, создавших множество похожих натюрмортных композиций, отмеченных формально-пространственными экспериментами.

Однако Жатов в большей степени, чем его предшественники, остается верным натуре, его музыкальные инструменты (духовые, клавишные, струнные, ударные) не исследуются аналитически и не распадаются на составные части. Они накладываются друг на друга, словно элементы коллажа, и каждый при этом остается различимым и узнаваемым. Создается впечатление, что художник средствами живописи стремится передать слаженную игру целого оркестра. Абстрактный фон ритмизирован геометрическими фигурами, а также зигзагообразными линиями, задающими композиции динамику и определяющими своеобразный музыкальный темп всего произведения (Мария Беликова).

Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.

Наталия Жерновская. Прогулки Короля Людовика XIV. 2001–2021

«Наталия Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.

Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… а в прелестных картинках “Прогулки короля Людовика XIV”… где королем-солнцем был сам Владик Мамышев-Монро (а кто бы смог еще?), Наташин соратник по академии и преданный приятель, она окончательно пришла к своему видению этого Прекрасного. Оно стало разноцветным. И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком» (Юлия Логиноваfoto-video.ru).

«Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталия может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.

Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова. Раньше ее работы всегда были монохромные, в этой серии работ Наталья впервые использует различные цвета. Важно отметить, что мотивом к созданию “Прогулок короля Людовика XIV” послужила одноименная серия живописных картин Александра Бенуа. Интерес вызывает тот факт, что Бенуа и другие художники из круга “Голубой Розы” и “Мира искусства” создавали свои произведения, заимствуя образы из классических работ. Таким образом, они приближали ушедшую эпоху. Людовик XIV жил в XVII веке. Бенуа нарисовал свою серию в начале ХХ века. И вновь, в начале XXI века, Наталья Жерновская возвращается к теме Людовика XIV.

Более того, роль короля для данной серии фотографий играет Владислав Мамышев-Монро. Бесспорно, Монро обладает уникальным талантом перевоплощения. Его умение передать эпоху и интонацию монарха придало проекту убедительность. Несмотря на многовековую историю сюжета, художнице в этой серии работ удалось воссоздать эпоху барокко» (club.foto.ru).

«Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Наталии Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее...» (Елизавета Плавинская, искусствовед).

Сергей Касабов. Абстракция. 1996

Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).

Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.

Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).

Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.

Владимир Коркодым. Сирень. 2016

Флоральный натюрморт «Сирень» (2016) написан Владимиром Николаевичем Коркодымом, о нем мы писали в нашей постоянной рубрике «Новые имена». «Я пишу картины, потому что не могу иначе, это стало потребностью, бесконечной мукой и радостью, смыслом жизни, частью меня самого», — говорит художник.

Огромный букет сирени занимает почти все пространство картины лиловым облаком. Любой другой цветок можно разглядывать, отмечая для себя форму лепестков, изящество, красоту цветочной «личности». А сирень — это всегда букет, даже если перед нами всего одна веточка. И художник пишет его (при всей своей склонности к натурализму) отчасти в импрессионистической, размытой манере, чтобы зритель почувствовал авторское восприятие этой огромной красоты. Темный глиняный горшок отвечает за строгость и натюрмортность композиции, если угодно, приземляет цветы, говорит нам, что это все же постановка, а не абстрактное цветочное облако. «От своих учителей Владимир Николаевич перенял уважение к живописи московской школы в частности и русской классической традиции в целом, и интерес к изобразительным решениям предшествующих великих эпох — итальянского Ренессанса, барокко и Золотого века нидерландской живописи» (artinvestment.ru).

Как и у великих классиков, у Коркодыма пониманию бренности жизни сопутствует еще большая любовь к ней, внимание к мельчайшим ее деталям, в каждой из которых заключаются подлинные счастье и радость бытия. Хрупкость цветов, собранных в букеты, лишь добавляет им красоты, в них особенно ярко раскрывается чувство цвета, присущее художнику, — цвета сложного, насыщенного, богатого на самые смелые оттенки (artinvestment.ru).

«Большое и важное место в творчестве Коркодыма занимают цветы. Они настоящее воплощение буйства и разнообразия жизни. Сколько оттенков, форм и ароматов! Искренняя любовь художника к цветам отражена в его замечательных композициях с букетами. Он сам выбирает, покупает, сажает семена и луковицы, ухаживает за ними. Садовые, полевые, луговые, лесные цветы — всё воплощает его талантливая кисть. В этих натюрмортах проявляется страстная душа автора, его темперамент, задор и колористическая смелость. И в этих работах в равной степени проявляются талант живописца, композитора картины и чувство юмора, с которым составлены многие холсты. Удачно поставленный натюрморт — половина успеха. В слишком “правильном” букете художник надламывает стебель, выдёргивает пучок, нарушая симметрию, бросает опавшие лепестки на первый план. Цветочные натюрморты Коркодыма — это признание в любви ко всему растительному миру нашей планеты» (Юлия Ануфриева).

Вячеслав Михайлов. Распятие. 1982

Я уверен, что кроме воды и хлеба есть такое важное понятие, как духовность. Особенно оно важно для русского человека. Правда, сам я не очень люблю это слово и не до конца понимаю, что за ним стоит: то ли это икона, то ли храм, то ли сам человек. Но склоняюсь скорее к последнему. Я думаю, что духовность — это живой озабоченный человек. Помните, как Лев Толстой говорил: «Делай что должно, и будь что будет!» (Вячеслав Михайлов, spbdnevnik.ru).

Специфика моих работ — поверхность. Бывает, что без поверхности картина совсем не воспринимается. Мне не нравится, когда видна работа художника. Но если это концептуально, как, например, у Клода Моне, то движение кисти оправдано. А я всегда хотел, чтобы не понятен был путь делания картин, чтобы не было ощущения краски, а была поверхность, возникающая сама по себе, как в природе: кора дерева, лист.

Меня привлекает мистерия самой живописи, формы. Художник должен вторгаться в мир, как Бог, творить собственную форму, но не задирать при этом нос. Соревноваться с Богом — неверный путь. Я называю Богом солнце, холмы, реки, деревья… Когда смотришь цветок или жука, то видишь, что ничего не стоишь. И тебе к этому не приблизиться, не сделать такого, настолько форма сложная.

Художник не должен ничему себя противопоставлять. Он должен быть органичен. Органика — единственное точное ощущение, которое не позволит тебе соврать. Органика, как дар любви, — божественный дар. Не все им наделены (Вячеслав Михайлов, ru.wikipedia.org).

Основой творчества Вячеслава Михайлова является переосмысление классической художественной традиции средствами, близкими языку беспредметной живописи. Преувеличенная экспрессия манеры исполнения, акцентирование рельефной фактуры красочного слоя позволяет художнику органично сочетать в своих полотнах реальное и условное, которые неизменно дополняют и усиливают друг друга (web.archive.org).

Михайлову посчастливилось найти свой выразительный язык, делающий работы узнаваемыми и вызывающими неподдельный интерес. В его произведениях смысл и символика вызывают не меньший интерес, нежели художественные средства выразительности. Михайлов смело обращается с формой и материалом, не боится экспериментировать и отклоняться от созданной ранее и признанной зрителем манеры. Велик диапазон сюжетов, к которым обращается мастер: в его галерее образов соседствуют библейские мотивы, жанровые сцены, сложные многофигурные композиции.

Человеческое тело Михайлов всегда трактует объёмно, наделяя его особенной пластичностью и гибкостью, и кажется, его больше интересует анатомия, структура плоти, а не внешняя красота и эстетика обнаженного тела. Михайлов работает сериями, продолжительно осмысляя ту или иную тему. Художник признается, что для него важна память, ощущение включенности в мир, где есть не только сегодняшний день, но и прошлое. Творчество Михайлова не скандально и не злободневно (ru.wikipedia.org).

Андрей Мунц. Небожитель. 2018

Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям (Андрей Мунц).

Свободная импровизация, выражение накопившихся впечатлений и эмоций составляет основу живописных произведений Андрея Мунца. Будучи в том числе архитектором и педагогом, Мунц остро чувствует сковывающие рамки рационального искусства. Поэтому столь ценна для него возможность самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре, когда между художником и рождающимся произведением не существует никаких образов реального мира.

<…> В картинах Андрея Мунца всегда заложена возможность различного толкования. Зритель вовлекается в творческий процесс, домысливая картину в направлении, подсказанном художником. Зритель, как и сам художник, улавливает в красочной стихии архетипические образы (Юлия Волгина, кандидат искусствоведения).

Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулезно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Нина Полякова. Цензура, или, в простонародье, Князь Победоносный убивает свободное слово. 2020

Работы Нины Поляковой отличаются оригинальным стилем, а сюжеты приходят из того, что происходит с нами здесь и сейчас. «Целью моего творчества является привлечь внимание к острым политическим, социальным или личностным проблемам» (Нина Полякова).

Нина Полякова родилась в 1981 в Красноярске. Училась в красноярской художественной школе им. В. И. Сурикова (1991–1993). Окончила Юридический институт Красноярского государственного университета (2004) и до 2016 работала по специальности.

В 2015–2016 годах, как пишет художник, у нее произошло «переосмысление ценностей», и она завершила юридическую карьеру и занялась живописью.

«Все мои работы создаются на основании имеющихся знаний и опыта в области права, в целях поддержки свободы творчества, свободы слова, отказа от насилия и прославления уникальности человеческой личности» (Нина Полякова).

Роман Рахматулин. Огни в реке Мойке. 2015

При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

***

Художник необыкновенно остро чувствует окружающий мир, и пытается выразить свои ощущения только ему свойственным языком. Отсюда поиск необычных приемов и техник, поскольку стандартных технологий классической живописи (которыми Роман, кстати, безукоризненно владеет) ему явно не хватает для выражения всего богатства эмоций.

Здесь и эксперименты с акриловыми смесями, с различными смешанными техниками, с использованием объема и дополнительного материала — иногда травы, иногда потали. В общем, границ у искусства нет и быть не может, если художник страстно любит этот мир и честно пытается передать свои чувства зрителю (art-gnezdo.ru).

В городских пейзажах Романа Рахматулина свет и вода играют ключевую роль. Свет ночных фонарей или утреннего солнца, свет автомобильных фар или городской иллюминации создает образ города. А вода — поверхность реки, дождевые потоки, лужи на мокром асфальте, морось, туман — рассеивает лучи света, отражает его, разбивает на тысячи новых разноцветных источников и придает ореол волшебства и тайны даже самым знакомым пейзажам.

…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами. В общем, при взаимодействии с произведением искусства советую выстроить замкнутое пространство, где будете только вы и объект. (Пространство должно блокировать исторические, культурологические и прочие пояснения и расшифровки, включая то, что про эту вещь думает критик и ваш сосед по лестничной клетке…) Оказавшись в этом пространстве, вы должны наладить исключительно ваше взаимодействие (прослушивание, просмотр, ощупывание) с объектом. Музыка, скульптура, живопись — становятся таковыми только при наличии зрителя (для природы и физики это все те же элементы, молекулы, колебания волн, а для времени — пыль); таким образом, предмет искусства без вас, без зрителя, пустышка — значит, ТЫ, зритель, — его часть и изволь функционировать как часть произведения, со всей ответственностью, не перекладывая ни на кого своей работы, не облегчая себе жизнь (Роман Рахматулин, romulen.ru).

Желаем удачи на 98-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220110_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220110_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 29

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх