Выставка
«Фантасмагории Виктора Крапошина»

9 — 30 сентября

Москва, Гороховский переулок, 7

+7 (495) 632–16–81


Открыт 77-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   02 августа 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Валерия Бабина, Юрия Бабича, Галины Быстрицкой, Марии Венедиктовой, Елены Гориной, Анатолия Горяинова, Наталии Жерновской, Ирины Корсаковой, Pata (Пааты Мерабишвили), Елены Суровцевой, Татьяны Ян

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 391 и 77-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 77-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — восемь живописных произведений, две работы в смешанной технике, один ассамбляж, одна фотография и одна скульптура.

Семён Агроскин. Будильник. Из серии «Распаковка». 2019

«Мы знаем, какие радости и страдания заключены в арке ворот, в каком-нибудь уголке улицы, между стен комнаты или в пространстве ящика», — писал де Кирико.

Это «пространство ящика», его содержимое, вещи, снятые с антресоли или вынутые из старых чемоданов... Коробки ждут переезда или смены содержимого или окажутся на помойке в ближайшее время.

Лишенные реального цвета предметы, вынутые автором из воображаемых коробок и чемоданов, «разговаривают» друг с другом. Автор предоставляет зрителям возможность вспомнить свои «кладовки и антресоли».

Ассоциативный ряд появляется у каждого свой, в чем-то биографический. Некоторые предметы не вполне понятного или забытого назначения соседствуют с обычными предметами обихода и отдыха. Оболочка предметов отсылает к событиям жизни, дачного детства, походам и увлечениям юности зрителя. Вещи в роли свидетелей сами рассказывают о нас (Семён Агроскин, cultobzor.ru).

Старые термосы, чемоданы, коньки, документы близких — все это возвращает обладателя «упакованных» к встречам, разговорам, смеху за кухонным столом, прикосновению рук на катке, мягким и любящим взглядам уже ушедших близких. Это не просто предметы, интересные своей «пожитостью» и фактурой, старым дизайном или забытым предназначением, — это прежде всего мы сами, память поколений.

Взгляд в себя, обнажение своих чувств, «распаковка» эмоций. Это серьёзное, но позитивное переживание, которое художник дарит своим зрителям, разговаривая с нами визуальным языком со сдержанной колористической палитрой, трепетно и бережно обнажая нашу индивидуальность (artmoskovia.ru).

Азам Атаханов. Обнаженная Инна. 2010

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атахановkommersant.ru).

Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевичkommersant.ru).

Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).

Азам Атаханов свободно оперирует огромной цветовой палитрой, но в «Обнаженной…» он выбрал исключительно сдержанное цветовое решение: локальные чистые цвета пола, стены и зеленого плода в руке женщины подчеркивают красоту ее кожи, которую художник осветил солнечными бликами. В арсенале Атаханова солнечный луч — это такой же инструмент, как кисть: солнце заливает его полотна или контрастирует с глубокими тенями, обжигает или мягко греет, разбрасывает мягкие блики или придает сияние поверхности, на которую упали его лучи. Результат живописи солнечным лучом в полотнах Атаханова всегда очевиден, этот естественный животворный поток не спутать с искусственным светом лампы или просто дневным светом. В «Обнаженной…» кожа модели светится, и это свечение ей придает солнечный луч в руках художника.

Валерий Бабин. Красная дорога. 2009

У меня основная идея в живописи — свет. Я хочу, чтобы живопись светилась. Не как телеэкран. А своим таинственным светом… но мне все эти слова не нравятся, они не передают то, что хочешь выразить кистью. Свет в живописи — даже в черной. Я не люблю какую-то такую вещественную материальность в живописи. Я люблю фреску, икону нашу, Раннее Возрождение, уж если на то пошло, ну и художников ХХ века, которые тоже стремились уйти от предметности, от материальности, хотя писали предметы — те же Моранди или Матисс.

Я бы назвал свой стиль поэтическим реализмом. Так вот. Но… мало ли как кто себя называет, пусть другие оценят.

Если говорить о профессиональных вещах, я должен выковать плоскость живописную. Холст не может быть мятым, дырявым — он должен быть идеально плоским. И в то же время он должен быть очень глубоким по пространству. Я люблю глубокое пространство. У меня не декоративная живопись — я в глубину иду. Выстроить это пространство — выстроить свой мир.

Не изображение меня интересует, а само-выражение. Потому что ничего другого я выразить не могу. Попытка поделиться своими эмоциями, своим внутренним миром с другими людьми (Валерий Бабин, sdm-gallery.ru).

Дорога — сквозная тема моей живописи. Дорога — во многих моих холстах, и часто она главный герой пейзажа («Белая дорога», «Красная дорога», «Распутица» и др.). Дорога как преодоление пространства, дорога как вопрос: где мы, кто мы, куда мы идем; метафизика и поэзия дороги (Валерий Бабин).

Красная дорога идет через деревню, вдоль реки, мимо лодок, домиков, телеги с запряженной лошадью. Дорога Бабина фигуративна, она земная, окружена предметами, и все они — часть дороги, живые, теплые, сотворенные с любовью. «Нет дороге окончанья, есть зато ее итог», — писал Юрий Визбор. И красной дороге на холсте нет окончанья, она трудна, она идет среди людей и — к людям.

Юрий Бабич. Мезальянсы № 4. 2010

Мой метод был создан для производства фотографического изображения, обладающего станковым характером. В результате получаются произведения эксклюзивного музейного качества, воссоздающие пластику дагеротипного изображения, которое, как казалось ранее, осталось в истории фотографии середины XIX века (Юрий Бабич).

Эксперименты по созданию новых методов печати фотографических изображений были начаты Юрием Бабичем ещё в 1996 году. От первых опытов до уникальной авторской технологии, позволяющей получить высококачественное дагероскопическое изображение, в полной мере воссоздающее пластику старинных дагерротипов, прошло почти 12 лет.

С технической точки зрения дагероскоп — это многослойное изображение, полученное путём последовательного спекания образующих его слоёв. Основой дагероскопического изображения служит подложка из драгоценных металлов, на которую с помощью самых современных технологий, таких как технология масштабируемой печати, нанесено фотографическое изображение, покрытое ламинатом или нейтральными в химическом отношении лаками. Благодаря многослойной основе дагероскопа изображение меняет свои свойства в зависимости от ракурса, условий освещения и наличия микро-разрывов на золотых или серебряных слоях, наносимых поверх металлического листа перед переносом на него самого изображения. С этим связан и принципиальный отказ автора от репродуцирования его работ, которые теряют при плоскостном воспроизведении большую часть своих художественных качеств.

Каждую неделю в аукционном обзоре мы пишем, что аутентично передать произведение искусства ни одно устройство не может, ибо между произведением и зрителем стоят фотоаппарат и экран. Личное восприятие не заменит никакая техника, ибо каждый человек видит картину и чувствует ее ауру по-своему. Работы Юрия Бабича видеть лично необходимо — это главное условие их правильного восприятия.

Читайте об авторе и его уникальной технологии фотопечати на AI: «Персона недели: Юрий Бабич».

Галина Быстрицкая. Автопортрет. В раджастанском стиле. 2021

Галина Быстрицкая — путешественник, художник, фотограф.

У меня вся жизнь как путешествие — и ожидание путешествия, которое я считаю не-жизнью, то есть это промежутки между путешествиями, которые посвящены осознанию предыдущего материала и подготовке к следующему.

<В путешествии> ты действительно бросаешь себя полностью в новую ситуацию, ты зачеркиваешь все, что оставил. Ты абсолютно перерождаешься. Оказываясь с новыми людьми в новой ситуации, ты пытаешься проверить еще раз, каким ты можешь быть, или какой ты новый в глазах этих людей. В принципе, ты живешь новую жизнь (Галина Быстрицкая, svoboda.org)

За 2010–2017 годы мне удалось поработать в Аргентине и Перу, Вьетнаме и Камбодже, Португалии, Бельгии, Южной Африке и Индии, России и Франции, на острове Родригес и Мальдивских островах. Жажда открывать не иссякает (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery).

Галина Быстрицкая делит страны на «свои» и «чужие». «Своей» оказалась Индия… Там не обошлось без приключений. Ей пришлось плыть на лодке по каналу среди рисовых полей. «Мы два дня плыли в такой лодке, я писала прямо в движении работы. Потом мы жили в джунглях, на дереве, на тридцатиметровом расстоянии, на баньяне, затем мы были на побережье, где я писала рыбаков», — говорит художница.

Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. «Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются», — говорит искусствовед Анна Чудецкая (gallerywong.com).

Накопленный за несколько лет, как итог многих путешествий, значительный объем фотографий, рисунков и живописи, блокнотов с путевыми записками и набросками, материал подсказал ей идею проекта Artography (2004–2007). Частью проекта стало создание одноименной книги-коллажа.

«Работа с проектом Artography как бы подвела итоги, завершила период преданности живописи “а ля прима”. Смысл этой формы для меня был исчерпан. Коллаж, позволивший в книге каждому развороту превратиться в иероглиф места и ощущения, сегодня завладел моей мастерской. Смешанная графика: тушь и графит, гуашь и пастель, гравюра, литье специальной разнофактурной бумаги, монотипия.

Поиск средств для безупречной точности высказывания — вот цель, которая заставляет пробовать. Пытаясь консервативно удержать в момент восприятия знание об аристотелевском единстве места, времени и действия, хочется найти именно тот изобразительный язык, который окажется глубже, структурнее, современнее (Галина Быстрицкая, gabystr.gallery/autobiography.html).

О своих живописных композициях художница говорила: «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru). Коллаж, ассамбляж — то же «касание пальцами». Детали, вырезанные из разных материалов, прикосновение рук художника насыщает ее энергией. Она виртуозно управляет цветовыми и текстурными потоками, создает яркие и эмоциональные образы. Коллаж, при всей очевидной свободе выражения, едва ли не более живописи не терпит небрежности: колорит исходных материалов, формы и текстура деталей должны сливаться в гармоничном звучании, единственная ошибка может все испортить.

Марина Венедиктова. Быть в равновесии. 2021

… Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.

Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).

Елена Горина. Полоса ненастья (Светлый дождь). 2009

Свет и Тьма для меня — состояния мира, человека. Внутри нас и вокруг нас. Они материальны вполне.

Тьма — это не ночь, это отсутствие… во тьме всё пропадает. Есть свет — мы чувствуем и видим. Можем даже увидеть меру радости или горя. Видим цвет и форму. Настроение — холодное или тёплое. Свет земной и свет небесный, природный и человеческий пересекаются, взаимодействуют.

Постепенно и в живописи и в графике нашлись способы выражения поставленной задачи. Тема Света неисчерпаема, и каждый следующий день может принести новое открытие (Елена Горина).

Главное в живописном и графическом языке Елены Гориной — трепетное ощущение цвета, тончайших его оттенков, сочетаний тонов, когда, кажется, один рождается из другого, но уже со множеством переходов, образуя удивительную цветовую гамму, к которой подчас трудно подобрать какое-либо исчерпывающее определение. Цвет и колорит, гармония, построенная на согласии и контрастах цветовых пятен, виртуозная многослойная техника живописи, чувственная пластика рисунка позволяют ей создавать сложную свето-воздушную среду, в которой цвет — понятие, а форма — образ. Ее картины несут в себе энергию напряжения, неожиданную гармонию противоположностей. Они воспринимаются как образ нашего бытия (София Владимирова).

Анатолий Горяинов. Меланхолия. 2021

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

Однако по образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Сюжет «Меланхолии» прост: обнаженная дама в шезлонге у моря. Если отвлечься от названия, то работа, окрашенная легкой иронией, производит на редкость позитивное впечатление, чувствуется, что художник писал ее с удовольствием.

Наталия Жерновская. Прогулки Короля Людовика XIV. 2001–2020

«Наталия Жерновская художник известный. <…> И всякий раз, как верный последователь заветов Тимура Новикова и его Новой Академии изящных искусств (была основана в 1989 году), Наташа делает нам прививку Прекрасного.

Поначалу… это прекрасное было черно-белым. Затем начал появляться цвет… а в прелестных картинках “Прогулки короля Людовика XIV”… где королем-солнцем был сам Владик Мамышев-Монро (а кто бы смог еще?), Наташин соратник по академии и преданный приятель, она окончательно пришла к своему видению этого Прекрасного. Оно стало разноцветным. И хотя Наташа по-прежнему делает фотографии своим Nikon’ом, ее все больше и больше начинает занимать возможность изменения объективной реальности, данной нам в фотографии. Для чего она печатает снимки на акварельной бумаге разного формата. Затем ретуширует и раскрашивает пастелью и акварельными карандашами. Причем делает это в много слоев, каждый из которых покрывается лаком» (Юлия Логиноваfoto-video.ru).

«Говоря более точно, рисует поверх фотографии, как живописец поверх карандашной прорисовки. Наталия может изменить цвет, контуры, добавить недостающие детали или убрать лишнее.

Жерновская работает в этой технике с 2000 года. Научилась она ей у Георгия Гурьянова. Раньше ее работы всегда были монохромные, в этой серии работ Наталья впервые использует различные цвета. Важно отметить, что мотивом к созданию “Прогулок короля Людовика XIV” послужила одноименная серия живописных картин Александра Бенуа. Интерес вызывает тот факт, что Бенуа и другие художники из круга “Голубой Розы” и “Мира искусства” создавали свои произведения, заимствуя образы из классических работ. Таким образом, они приближали ушедшую эпоху. Людовик XIV жил в XVII веке. Бенуа нарисовал свою серию в начале ХХ века. И вновь, в начале XXI века, Наталья Жерновская возвращается к теме Людовика XIV.

Более того, роль короля для данной серии фотографий играет Владислав Мамышев-Монро. Бесспорно, Монро обладает уникальным талантом перевоплощения. Его умение передать эпоху и интонацию монарха придало проекту убедительность. Несмотря на многовековую историю сюжета, художнице в этой серии работ удалось воссоздать эпоху барокко» (club.foto.ru).

«Мы все, рожденные в искусстве конца восьмидесятых — начала девяностых, воспитанные возможностью доверия идеалу в Академии Тимура Новикова, влюбленные в себя, и друг в друга, и в окружающий мир, полный сокровищ искусства и духа, остались бы навсегда простыми изваяниями той уходящей постепенно эпохи, но стиль и невесомое дыхание фотографии в произведениях и проектах Наталии Жерновской сохраняют биение жизни в мраморном сердце статуи нашего эстетического представлениях о месте человека во дворце, театре и возле огромного металлического корабля. И так далее...» (Елизавета Плавинская, искусствовед).

Ирина Корсакова. Головка 13. Из серии «Куклы». 2020

Я всегда считала достойным, когда искусство несет надежду и красоту людям. И так сложно живется, зачем делать еще больнее? Но видно, моя боль за человечество искала выход, и я дала ей волю в новой теме «Куклы».

«Куклы» — о наших душах, прекрасных и чистых, мудрых, больных и одиноких. Часто под нарядами, локонами, улыбками скрываются травмы, уродства душевные. Когда изображаешь человека, это всегда конкретный персонаж, а в портретах кукол я вижу отвлеченные образы. О людях вообще.

Почему я изображаю кукол в основном обнаженными? Прежде всего, это ужасно красиво, это то, чего мы не видим обычно, когда куклы одеты.

О чем я рассказываю в своих работах? Так же как человек одевается, женщина красится — чтобы казаться чем-то другим, чем они есть на самом деле. А если человека раздеть, а еще покопаться у него в душе, то можно найти что-то совсем другое. Мне хочется рассказать об этом через кукол, потому что если изобразить человека, то он будет восприниматься как конкретный персонаж. А мне хочется обобщения.

Кукла — как образ души, но не одной, а многих душ.

***

Вижу в этой теме безграничные возможности, думаю, мне ее хватит на всю жизнь.

Павел Лунгин назвал их «современными иконами» (Ирина Корсакова).

Pata (Паата Мерабишвили). Изучение. 2001

В смешанной технике, включающей живопись, коллаж, ассамбляж, выполнен холст «Изучение» (2001) Пааты Мерабовича Мерабишвили.

Pata (Паата Мерабишвили) идентифицирует себя в первую очередь как скульптор, ключевыми понятиями его творчества являются универсальность и экспериментирование. Помимо скульптуры, Pata работает в области живописи и графики, реализуя свои художественные идеи, умело воплощенные в трехмерной форме, на плоскости.

Работы, написанные маслом, сверхэмоциональностью, динамикой и насыщенным колоритом напоминают творчество экспрессионистов. В произведениях, например «Рута» (1990-е) или «Обнаженная» (2014), автор ссылается на метод Амедео Модильяни, о чем говорят удлиненные пропорции, отсутствие зрачков у изображаемых моделей и отрешенность образов.

Как и в скульптуре, особенное влияние на манеру Pata оказывает творчество кубистов. Геометризация фигур и предметов, подчеркнутая асимметрия, сложносочиненные конструкции, аппликативный подход во многом роднят картины художника с экспериментами Жоржа Брака или Пабло Пикассо.

Несмотря на подобные апроприации, индивидуальный почерк Pata легко узнаваем и самодостаточен. Главной задачей автора является акцентирование формы, что ему удается при помощи мастерского владения линией и цветом.

Елена Суровцева. Радуга. 2001

По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).

В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства… Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы.

Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека (rah.ru).

Татьяна Ян. Атлет. Тетраптих. 2020

Наверное, трудно быть в чем-то менее оригинальной, чем в любви к Риму! И я, конечно, самая крайняя в огромной компании великих, воспевших за столетия этот невероятный город. Он действительно сносит голову с плеч и расправляет тебе крылья, о существовании которых ты никогда не подозревал. В нем есть совершенно невероятная, поскольку практически необъяснимая — радость, которую вдыхаешь сразу, как только возвращаешься туда, какой-то особой густоты и силы, как в детстве, счастье. Рим переносит тебя в систему координат совершенного иного масштаба и вечность в этом городе не фигура речи, но, буквально – его стены и фундамент. О Риме могу бесконечно говорить, наверное, лучше просто посмотреть мои римские работы (Татьяна Ян, moscow.arttube.ru).

Татьяна Ян отталкивается в своем творчестве от эстетики древних росписей разновременных исторических эпох (античных, раннехристианских, византийских, древнерусских) и создает станковые произведения, в которых звучит живой диалог традиций прошлого с современностью. Излюбленный прием художницы — перевод монументальных фресок в станковый формат при сохранении их гармонизированного цветового строя.

Ян играет на идее о том, что нам доступно лишь обрывочное знание об историческом прошлом человечества, и создает полотна-метафоры, в которых фрагментарно запечатлены атрибуты ушедших культурных эпох. Так, «Атлет» — это монументальное изображение головы древнегреческой скульптуры, реализованное в формате тетраптиха. Здесь мысль о фрагментированности человеческого знания об ушедших эпохах воплощена буквально, поскольку дробность восприятия античного образа заложена в картину изначально. Изображение атлета на глазах у зрителя восстанавливает свою условную целостность, собираясь как будто из фрагментов древней мозаики. Голова юноши написана в классическом ключе, с акцентированным объемом и детально проработанной поверхностью. Живописная фактура полотна усиливает ее идейное звучание: Ян воспроизводит на ней эффект бережного сохранения всех следов времени и имитирует потеки, стертости красочного слоя и утраты. «Выцветший» бордовый фон отсылает к эстетике древнеримских росписей (Мария Беликова).

Желаем удачи на 77-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210802_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210802_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


  • 30.08.2021 Персона недели: Катя Филиппова Катя Филиппова — модельер, декоратор, мастер ДПИ, потрясшая отечественную арт-сцену еще в перестроечные годы эксцентричными авторскими нарядами, получила признание сегодня и как автор оригинальных произведений, в которых эклектично сочетаются разные стили и обыгрываются образы массовой культуры
  • 23.08.2021 «Второе поколение». Открыт 80-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство» В каталоге куратора Александра Кацалапа собраны произведения Рубена Апресяна, Евгения Белоконева, Сергея Бордачёва, САН САН КА РА, Александра Кацалапа, Михаила Крунова, Александра Лозового, Бориса Марковникова, Валерия Светлицкого, Игоря Ширшкова
  • 23.08.2021 Мастер люминизма Иван Шультце В Плёсском музее-заповеднике до 10 октября 2021 года открыта выставка «Архитектура света. Иван Шультце»
  • 16.08.2021 Открыт 79-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство» В каталоге собраны произведения Михаила Дронова, Николая и Александра Жатовых, Александра Захарова, Константина Звездочетова, Александра Курилова, Андрея Медведева, Pata (Пааты Мерабишвили), Ирины Раковой, Романа Рахматулина, Светланы Романовой, Армана Сируняна, Любови Солдатовой
  • 09.08.2021 Открыт 78-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство» В каталоге собраны произведения Андрея Бисти, Валерия Газукина, Сергея Геты, Михаила Дронова, Гурия, Наталии и Анастасии Захаровых, Юлии Мамонтовой, Валерия Полиенко, Кирилла Протопопова, Татьяны Соколовой, Кати-Анны Тагути, Елены Утёнковой-Тихоновой, Татьяны Ян
Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх