Выставка
«Фантасмагории Виктора Крапошина»

9 — 30 сентября

Москва, Гороховский переулок, 7

+7 (495) 632–16–81


Открыт 68-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   01 июня 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Азама Атаханова, Алексея Ваулина, Сергея Геты, Михаила Дронова, Галины Дулькиной, Александра Захарова, Ильи Комова, Кирилла Протопопова, Леонида Ракова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 382 и 68-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 68-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 10 лотов — восемь живописных произведений и две скульптуры

Семён Агроскин. Бюст. 2015

Живопись «Бюст» (2015) Семёна Агроскина относится к серии «Стена», посвященной героям революции 1917 года. Объектом исследования автор выбрал их образы, созданные советской монументальной пропагандой. «Мне всегда казалось, что феномен революционеров изучен не полностью. В своих работах я стараюсь исследовать не историю, а энергетику этих людей. Мне интересна их живучесть, умение оставаться на плаву и их безусловная неординарность, источник этой энергии до конца не понят.

Мной он, конечно, тоже до конца не понят, я попытался взглянуть на них через призму советской монументальной пропаганды. Это богатый материал для художника, нам остался грандиозный пласт, который героизирует и превращает революционных деятелей в идолов.

Эти тиражные, часто ужасные скульптуры сохраняют в себе дух того времени. Кремль и его стены — это кодовые признаки места действия в сознании людей. Они закрепились в нашем сознании как признак советской власти.

Но одновременно это стена безликих монументов, которые отгораживают нас от большого мира

Моя цель — ощутить энергетику этих лидеров, понять как они “простояли” так долго и как они жили. К тому же это весьма актуальная, на мой взгляд, тема именно сейчас» (Семен Агроскин, cultobzor.ru).

Изначально серия носила название «Соратники», но позже название изменилось, хотя, рассказывая о картине «Бюст» на выставке в галерее ARTinvestment.RU «21-й век», автор употребил именно изначальную формулировку, и вряд ли можно считать это оговоркой: «“Бюст”. Работа из серии “Соратники”. Страшная реальность советской эпохи. На скульптурах меняли головы. Если героя репрессировали, то фигура пригодится для другого, пока живого героя» (Семён Агроскин).

В большинстве произведений мастера отсутствует развитая фабула, им свойственна скупость деталей, строгость их отбора, сдержанность палитры, движение линий, объемов в пространстве…

Художник очень избирательно относится к цвету, избегает ярких цветовых диссонансов, предпочитает монохромную гамму, сложное сочетание полутонов — от серебристо-серых до желтовато-коричневых. Общая тональность колорита обладает определенным эмоциональным звучанием (artinvestment.ru).

Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».

Азам Атаханов. Обнаженная с ожерельем. 2005

Что я хочу передать? В первую очередь, красоту. Может быть, это банально звучит, но на самом деле задача искусства — это, конечно, воспевание красоты, божественного, всего того, что дает человеку импульс к тому, чтобы что-то создавать и творить, и развиваться. Я пытаюсь показать взаимодействие внешнего и внутреннего. Красота, как говорится в одном из мусульманских трактатов, — это блеск истины (Азам Атахановkommersant.ru).

Сам Атаханов, когда говорит о своих духовных учителях, называет мастеров Проторенессанса Дуччо и Джотто, Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли, художников высокого Возрождения Мантенью и Тинторетто. От них монументальность его живописных полотен (Дмитрий Буткевичkommersant.ru).

Атаханов — художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.

Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и конечно, музыка. Искусство для Азама Атаханова — это созидание благого, истинного, атрибутом которого является прекрасное. «Чем музыка отличается от шума, живопись от раскрашенной плоскости, литература от должностной инструкции? Лишь красотой. Только истинная красота придаёт искусству смысл. Постичь и передать её — единственная подлинная задача художника» (artmoskovia.ru).

Алексей Ваулин. Стихия воды. 2020

…Я мог бы рассказать цветом о каждом дне своей жизни! (Алексей Ваулин).

На живопись должно быть интересно смотреть. За каждым мазком зрителя должен ждать неожиданный поворот. Вот знакомые элементы реального мира уже угадывались, а вот они растворились и превратились в чистую абстракцию: мне чрезвычайно интересно это тонкое перетекание реальных и абстрактных форм (Алексей Ваулин, vaulin.info).

… Он создает бесконечное разнообразие сюжетов, которые объединяются особым подходом к цвету. Ваулин использует цвет как фактурную, практически скульптурную массу, из которой буквально лепит формы, а также как изящную графическую технику, рисуя цветными спонтанными линиями и пятнами; работает как декоративно, так и невероятно сложно с живописной точки зрения. В интеллектуальной абстракции Ваулина цвет достигает своей полной выразительности и свободы… Он становится живой, творящей стихией, мыслящей субстанцией, живописным «океаном Солярисом» со своим характером. Цвет каждый раз играет разные роли: подчеркивает индивидуализм модели или выводит сюжет на уровень обобщения, сообщает то дух бунтарства, то настроение умиротворения и покорности, воспевает любовь, страсть, секс, чистоту и порок, движение и поиск. Словом, цвет в композициях Ваулина отражает все качества противоречивого, истекающего желаниями и внутренними метаниями, но такого хрупкого, ранимого и уставшего современного человека (vaulin.info).

Сергей Гета. Ручей. 2021

Заведующий Отделом новейших течений ГТГ Кирилл Светляков, назвал Сергея Гету одним из самых рефлексирующих художников гиперреализма (popoffart.com). Чтобы понять, что такое гиперреализм сегодня, вернемся на несколько лет назад. В 2018 году состоялась персональная выставка графики Сергея Геты в галерее pop/off/art, названая возвращением на арт-сцену одного из лидеров и основателей гиперреализма.

AI писал тогда: «Двухтысячные стали проклятыми временами для гиперреализма в нашей стране. Многое поменялось слишком резко. Во-первых, мода. Публику, вырвавшуюся на простор художественного разнообразия, в какой-то момент стали раздражать любые слишком понятные образы. А уж фотореалистичные сюжеты в своей естественной природной красоте — так и подавно. Людям захотелось драйва, чего-то радикального, чтоб удивляло и било наотмашь. А умение “рисовать похоже” словно стало лишним. Даже хуже: в любом реалистическом фигуративе (если это было частью концептуалистского хода) стал мерещиться чуть ли не “салон”. Но на этом беды не закончились. Второй глобальный тренд двухтысячных состоял в том, что публику перестали настораживать излишняя технологичность в создании произведений и автоматизация труда художника. Это в прежние времена величина замысла должна была быть неотделима от авторского исполнительского мастерства. А в 2000-х степень физического участия художника в создании произведения стала значить куда меньше, чем его интеллектуальная работа. Да и в самом деле, зачем по старинке возиться? В наши дни печать на холсте с последующей доводкой кистью стала уже не экзотическим, а вполне распространенным художественным приемом. И где уж тут старомодным кустарям тягаться с передовым компьютеризированным оборудованием.

Третьим проклятьем для гиперреалистов стал Интернет. Мы ведь действительно стали видеть искусство на экранах куда чаще, чем на выставках. А мир эпохи «инстаграма» стал жесток: художнику дается максимум пара секунд, чтобы пользователя зацепила фотография. Так что захватывающий концепт для Интернета куда важнее, чем многодельная фактура, которая на экране попросту не видна. “Призма” и фильтры лишили сакральности многие художественные приемы. И наконец, проблема четвертая, самая важная. Настоящий ручной гиперреализм, без печати на холсте и других технологических упрощений — это в экономическом смысле сверхрискованная практика. Если не сказать: самоубийственная. Работать над одним рисунком по три месяца в рыночную эпоху — это непозволительная роскошь, реликт тех времен, когда в СССР не жалели денег на искусство. Но Советский Союз кончился, и сегодня продажей графических работ и картин слишком сложно окупить гигантские трудозатраты на их создание. Динамичному современному арт-рынку нужен более доступный и, главное, более быстрый материал. И если “актуальщик” на пике формы способен выдать материала на 3–6 выставок в год, то у матерого “гипера” даже на один проект могут уйти годы» (artinvestment.ru).

А что сегодня? Подобный массированный артобстрел арт-негативом всего несколько лет назад был способен убить кого и что угодно. А в последний год значение Интернета взлетело до небес, и многое из того, о чем было написано применительно к 2000-м, вновь актуализировалось, только в гиперобъемах. А гиперреализм выжил, и не просто выжил, а совершенно очевидно возвращает себе утраченные когда-то позиции. И самым надежным союзником ему стал… тот же Интернет. Усталость от погони за всем сразу в Сети, неожиданное появление свободного времени вдруг вызвали желание остановиться, всмотреться, разглядеть, изучить. И возможности Интернета в этом смысле оказались незаменимы. Тем более что работы гиперреалистов можно разглядывать сколь угодно долго: каждый сантиметр заполнен живописной или графической информацией.

В гиперреализме Сергею Гете подвластно все — от сложнейшей карандашной графики до роскошных живописных макрофотографических холстов. Цветы, трава, листья, камни под водой — все они не просто останавливают взгляд зрителя, они затягивают вглубь, призывают разглядеть и восхититься совершенством природы и мастерством художника.

Михаил Дронов. Ветер. 2012

Михаил Дронов — яркий представитель поколения художников, которые родились в годы «оттепели», сформировались в 1970-х и вступили в творческую жизнь в 1980-х. Он принадлежит к группе мастеров, широко образованных, прошедших серьезную классическую школу и внутренне свободных. Узнаваемый, яркий художественный язык Дронова строится на высочайшем профессионализме. Это позволяет ему сочетать классическую традицию с пластическими новациями.

Достигая минимальными средствами максимального эффекта, он создает фантастический, насыщенный аллегориями и символами, мир. Его остроумная образность включает и повествовательное начало — оно прочитывается не в многословной детализации формы, а через внутреннее состояние причудливых персонажей.

Монументальные произведения автора установлены в нескольких городах. На площади Рембрандта в Амстердаме — скульптурная группа «Ночной дозор». М. Дронов выполнил ее совместно с А. Таратыновым по мотивам знаменитого полотна. Жителям Москвы знакома композиция Дронова «Александр и Натали» перед храмом «Большое Вознесение» у Никитских ворот, где венчался Пушкин с Гончаровой, и изображения благоверного князя Гавриила Псковского и преподобного Варлаама Хутынского на оконной арке южного фасада храма Христа Спасителя. Еще две монументальные работы скульптора представлены в Петербурге: «Пётр I» в аэропорту Пулково и «Святой Пётр» в Александровском парке (museum.ru).

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Михаил Дронов».

Галина Дулькина. Трубач. 2006

Автор небольшого холста «Трубач» (2006) Галина Борисовна Дулькина известна и признана не только в России, но и в мире как крупный современный художник-фарфорист. Ее работа в первую очередь связана с этим хрупким, но необъятным в плане творческих возможностей материалом.

Вместе с тем Дулькина — серьезный живописец, автор блестящих коллажей, и все, что сказал о ее фарфоре Морис Барюш, искусствовед, коллекционер и последний директор парижской галереи Popoff & Cie, — всё это в полной мере относится к ее живописному творчеству: «Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественной метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.

Мы видим ее творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчеркнуто равноправно.

<…> Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник».

Живописная композиция «Трубач» (2006) продолжает собой «музыкальную» серию художницы: чистыми холодными цветами в сдержанной цветовой гамме и простыми линиями написаны «Контрабасист» (2004), «Скрипач» (2004) и наша сегодняшняя картина. Лаконичными средствами художник виртуозно создает очевидно фигуративные и почти супрематические образы музыкантов.

Александр Захаров. Соседка. 2013

Один из женских образов в каталоге — «Соседка» (2013) Александра Геннадьевича Захарова. Яркая, но при этом лаконичная цветовая гамма, неоднородная фактурная поверхность, проработанная кистью, мастихином, процарапыванием, помогают художнику создать сложный женский образ — скорее, собирательный, чем портрет конкретного человека.

Художник подчеркивает закрытость женщины, решая всю композицию достаточно лаконично и силуэтно, но при этом есть много декоративных деталей, которые обогащают живописную поверхность холста, и каждая из них не только добавляет новые черты к внешнему облику модели, но и рассказывает о ее характере. Волосы уложены в простую элегантную прическу, кофточка цвета молочного шоколада с благородным бордовым кантом надета поверх темного платья, отделанного на груди серебристым кружевом, маленький белый воротничок у самого горла скреплен простой небольшой круглой брошью, огромные черные глаза без зрачков, напоминающие о портретах Модильяни, кажутся как будто полуприкрытыми веками. Женщина смотрит на зрителя немного сверху. Темно-красная помада и совсем маленькая брошь, в тон помаде, — единственные цветовые акценты в картине. Автор играет светотенью, двуцветный фон делит картину на две равные части, и это очевидно усложняет и композицию, и характер модели. А вот еще более загадочной для зрителя делает женщину название, которое подразумевает наличие каких-то взаимоотношений с соседом-автором — скорее всего, вежливо-приветливых. Элегантная, с чувством собственного достоинства и очень женственная — такой предстает соседка на картине Александра Захарова. Интересный, притягательный, глубокий и, увы, редкий образ в современном искусстве.

Илья Комов. Дуэт. 2021

Визитной карточкой Ильи Комова была и остается любовь к цвету. Чистый, насыщенный, он господствует на плоскости холста. Пятна краски сталкиваются, то послушно ложась по форме, то разрывая ее, настаивая на собственной значимости и самодостаточности. Цвет становится основой художественной характеристики образа. Произвольное распластывание на полотне цветовых пятен не отменяет, однако, опыта традиционного искусства, которое неизменно задает точку отсчета. Колористическая экстравагантность демонстрируется в рамках продуманной композиции, не разрушая, а подчеркивая ее.

Мир Ильи Комова очень декоративен, красочен — порой пространство холста превращается в панно мерцающих мазков, то озаренных игрой багровых, охристых тонов, то затухающих в глухих и загадочных фиолетовых далях. Это притягательное свечение завораживает больше, чем сюжет или изображенный персонаж. Игра красок делает ненужными названия работ, она сама становится их главным содержанием, смыслом и украшением; несмотря на многолюдство теснящихся героев, цвет становится главным действующим лицом умело срежиссированного спектакля (Алла Михайлова, nasledie-rus.ru ).

В творчестве Комова можно найти целую серию работ, на которых художник запечатлел своих талантливых современников — музыкантов.

«Дуэт» (2021) — две фигуры скрипачей, стоящие лицом к лицу на абстрактном черно-голубом фоне. Каждый из них сосредоточен на игре и погружен в себя, но герои ведут диалог посредством музыки и объединены общим душевным порывом. В работе наблюдается атмосфера интимности и доверительности, которая дополнительно подчеркивается гармоничным распределением цветовых пятен. Палитра ограничивается тремя основными цветами — голубым, черным и светло-коричневым. Примечательно, что именно на скрипках сделан цветовой акцент, подчеркивающий ключевую роль музыкальных инструментов в этом «разговоре без слов». Индивидуальность мужского и женского образов раскрывается не в портретных характеристиках, а в пластической выразительности фигур, их обращенности друг к другу. Так, дуэт скрипачей, запечатленный художником, может служить метафорой единения живописного и музыкального начала (Мария Беликова).

О художнике читайте на AI: «Персона недели: Илья Комов» .

Кирилл Протопопов. Человек, снимающий шляпу. 2015

Когда человек начинает работать, участвовать в творческом процессе, он постепенно начинает понимать, что ему близко, из чего он может творить. Я начинал с живописи, с плоскости, потом перешел в рельеф. Когда я пришёл к скульптуре, то много экспериментировал и пробовал разные техники. Через какое-то время я почувствовал, что бронза — это какой-то «вечный» материал, что он мне близок. Бронза — это достаточно мягкий металл, а есть такой металл — тоже бронза, но с большим содержанием цинка, — латунь. Жёлтого цвета, более жёсткий. Я стал использовать в скульптуре именно латунь, потому что, мне кажется, она более напряжённая, более звонкая.

Ещё, когда ты делаешь скульптуру, всегда нужно думать о пропорциях. Есть такое понятие — оптический вес. Должен быть баланс. Нужно вращать композицию вокруг центра и смотреть сверху, снизу, сбоку… Ведь скульптура — она круглая (Кирилл Протопопов, st-tatiana.ru ).

Творческая стилистика Кирилла Протопопова основана на союзе воображения, творчества и знания — это необходимая формула для поиска авторского баланса между материалом и воображением, натурой и совершенной формой. Его скульптура балансирует на грани между произведением искусства и интерьерным объектом.

Пластика Протопопова, наделенная чертами высокой ювелирной эстетики ар-деко, никогда не впадает в утилитарность. Излюбленным материалом автора является бронза с многообразием оттенков поверхности металла, камень и смальта в сочетании с традиционной и современной техникой, а также графическим дизайном. Структура и выразительность поверхности здесь особенно важна, поскольку она дает представление о внутреннем напряжении произведения, а также определяет его взаимодействие с окружающим пространством. Декоративная поверхность, мерцание фактуры, цветные вставки, использование гипса как декоративного элемента для выявления орнаментального рисунка на поверхности, тончайшая отделка — все это притягивает взгляд и дает почву для фантазии (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).

Леонид Раков. Одиссей и Пенелопа. 2011

Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).

Желаем удачи на 68-м аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!


Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210601_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210601_auctionAI_XXI.html

При цитировании ссылка на https://artinvestment.ru обязательна

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.


  • 22.09.2021 Sotheby’s: $3,2 млн за нонконформистов Каталог онлайн-аукциона Escape Artists был распродан на 79 % по лотам и 122 % по деньгам. Лучше всего продавались работы Рабина, Краснопевцева, Целкова, Плавинского, Пивоварова. Обновились рекорды Чуйкова, Пятницкого и не только
  • 31.08.2021 Открыт 81-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство» В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Константина Батынкова, Владимира Брайнина, Марины Венедиктовой, Анатолия Горяинова, Галины Дулькиной, Наталии Жерновской, Ильи Евдокимова, Игоря Кислицына, Андрея Криволапова, Наталии Турновой, Кати Филипповой, Янины Ческидовой
  • 30.08.2021 Персона недели: Катя Филиппова Катя Филиппова — модельер, декоратор, мастер ДПИ, потрясшая отечественную арт-сцену еще в перестроечные годы эксцентричными авторскими нарядами, получила признание сегодня и как автор оригинальных произведений, в которых эклектично сочетаются разные стили и обыгрываются образы массовой культуры
  • 23.08.2021 «Второе поколение». Открыт 80-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство» В каталоге куратора Александра Кацалапа собраны произведения Рубена Апресяна, Евгения Белоконева, Сергея Бордачёва, САН САН КА РА, Александра Кацалапа, Михаила Крунова, Александра Лозового, Бориса Марковникова, Валерия Светлицкого, Игоря Ширшкова
  • 23.08.2021 Мастер люминизма Иван Шультце В Плёсском музее-заповеднике до 10 октября 2021 года открыта выставка «Архитектура света. Иван Шультце»
Индексы арт-рынка ARTIMX
Индекс
Дата
Знач.
Изм.
ARTIMX
13/07
1502.83
+4,31%
ARTIMX-RUS
13/07
1502.83
+4,31%
Показать:

Топ 37

Узнайте первым об открытии аукциона!

На этом сайте используются cookie, может вестись сбор данных об IP-адресах и местоположении пользователей. Продолжив работу с этим сайтом, вы подтверждаете свое согласие на обработку персональных данных в соответствии с законом N 152-ФЗ «О персональных данных» и «Политикой ООО «АртИн» в отношении обработки персональных данных».
Наверх