Открыты 51-е торги проекта «XXI век. Современное российское искусство»
Каталог составили работы Даши Делоне, Андрея Осташова, Ксении Пархоменко, Николая Переднего, Сергея Радюка, Романа Рахматулина, Михаила Рудакова, Бориса Смотрова, Елены Суровцевой и Константина Худякова
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 365 и 51-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство».
Лоты аукциона представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
Окончание аукциона: в пятницу, 5 февраля, в 12:00.
Даша Делоне. С красным драконом. 2013
Даша Делоне — художник третьего русского авангарда, по определению автора термина Елизаветы Плавинской, — «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».
В ее стиле живописи сочетаются такие эстетика и традиции, как наивное искусство, европейский сюрреализм, древнерусские фрески и русский авангард начала ХХ века. Пространство картин Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных. В работах Делоне наша повседневная реальность приобретает новое мистериальное измерение, а кажущаяся детская простота раскрывает философские глубины (Александр Панов).
Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская, искусствовед). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой).
Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально» (Елизавета Плавинская, искусствовед).
Андрей Осташов. Храбрый зайчик. Из серии «Наши дети». 2011
Искусство — это пять-десять минут состояния. Все остальное — работа.
… Я не люблю разглагольствовать, как создавалась та или иная работа. Мне кажется, это лишнее. Ведь есть скульптура, которая все скажет сама. Кому-то она раскроется больше, кому-то — меньше. Но знаю точно, что каждый человек напишет свой неповторимый рассказ.
Я могу только наметить свое видение скульптуры в ее названии. Мне кажется, настоящее искусство не должно быть рамочным. Часто слышу на выставках мнения людей о том, что я изобразил, и удивляюсь. Оказывается, зритель видит абсолютно противоположное тому, что я хотел сказать. Это здорово, когда есть разноплановость (Андрей Осташов, kp.by).
У каждого человека есть та часть души, где он открыт, свободен и чувственен. Проживая свой жизненный путь, знакомясь с социальными устоями, человек все больше закрывается. Но где-то, оставаясь наедине с собой, в минуты, может быть, неудач или наоборот, мы погружаемся в мир, связывающий нас с детством, где игра превращала нас в героев и принцесс, где все было возможно. Мне кажется, что я делаю свои работы именно для этого. Для того, чтобы зацепить тот почти эфемерный мир, который с детства дает мне крылья. Именно там я и свободен (Андрей Осташов).
Искусство, неподвластное изменению времени. Его невозможно причислить к определенной культуре или эпохе, так как оно вбирает в себя традиции и образы непохожих друг на друга народностей, — это то, что отличает произведения художника и скульптора Андрея Осташова.
Создание вненационального и в то же время общенационального — непростая задача для любого художника. Умение понять чужую культуру, впитать её и гармонично воплотить в материале подвластно лишь немногим. В синтезе традиций порой рождаются уникальные и многогранные по своему смысловому и эмоциональному наполнению произведения. Андрей Осташов стремится в своем творчестве к гармоничному синтезу культур Запада и Востока, к их переосмыслению в современных реалиях.
Ксения Пархоменко. Пейзаж № 2. Из серии «Тихий пейзаж». 2020
Мысль о том, что образ жизни художника, композитора или писателя в изоляции практически не отличается от обычного, звучала не раз. И я с этим абсолютно согласна. Мне было даже как-то спокойнее — ушла суета и лишняя беготня. И как-то сами собой появились эти работы, процесс создания которых был своеобразной медитацией. Это просто воображаемые пейзажи, не отягощённые дополнительной информацией, по которым я мысленно бродила целыми днями напролёт… Я буду рада, если зритель, находясь на моей выставке <«Тихий пейзаж»>, не будет чувствовать себя обязанным искать какие-то скрытые смыслы, не будет ставить вопросы и искать ответы. А просто отдохнёт, помолчит и прогуляется вместе со мной по вымышленным ландшафтам, поймав волну тихого созерцания и умиротворения, на которой была я, когда рисовала эту серию (Ксения Пархоменко, solyanka.org)
Ксения Пархоменко окончила театральное отделение МГАХУ памяти 1905 года и ВГИК им. С. А. Герасимова (художественный факультет, мастерская художника кино и ТВ по костюму). Работает в разных сферах искусства — кино, театре, анимации, книжной иллюстрации, рекламе. Занимается живописью и графикой. Сотрудничает со студиями, занимающимися кино и анимацией, и с художественными галереями.
Николай Передний. Русь. Из серии «Окна». 1968
«Росписи, иконы производили сильное впечатление. Захотелось изображать человека как икону…» (facebook.com) — это воспоминания о детстве. Годы обучения и работы в Киеве оказались связаны по большей части с монументальным искусством, и строчка из воспоминаний художника об этом периоде и, в частности, о том, что его эскизы оформления Киева к юбилею революции утвердила правительственная комиссия, сегодня кажется провидческой: «Счастливый жребий выпал мне. Но скоро пришло ощущение, что я иду не в том направлении» (facebook.com).
К тому же в те же 1930-е на смену традициям монументального искусства первых лет революции постепенно, но неуклонно приходили принципы соцреализма, искусства, лишенного вдохновения. Передний перевелся в Москву, на 3-й курс Института изобразительного искусства (ныне МГАХИ им. В. И. Сурикова), в мастерскую А. А. Осмеркина. Потом была война, отступление в частях народного ополчения от Вязьмы до Москвы, отозвание с фронта и эвакуация в Самарканд вместе с институтом, защита диплома (1942), переезд и творческая работа в Новосибирске, возвращение в Москву и работа в экспериментальной творческой мастерской под руководством П. Д. Корина, знакомство с Р. Р. Фальком, переросшее в дружбу.
Конец 1940-х для деятелей искусства был удушающим, Передний писал, что ему «пришлось приспосабливаться» и считал это своей «слабостью». Множество официальных портретов членов правительства (иной раз высотой в несколько этажей) принесли успех (вновь успех, и вновь не то и невозможность творчества) и давали средства к существованию, а творчество оставалось за закрытыми дверями мастерской, где, ученик Александра Осмёркина и друг Роберта Фалька, Николай Передний работал по-своему, сумев сохранить свои манеру и убеждения, живописные ценности, пиетет к постимпрессионистам начала века.
В 1960–80-е годы художник экспериментировал в разных направлениях, писал натюрморты, портреты и пейзажи, то используя пуантилистскую технику, то по-своему интерпретируя творческий метод cезаннистов. Именно эти десятилетия ознаменованы расцветом в живописи Переднего, когда на первый план выступила индивидуальность художника и его собственный живописный подход к окружающему миру. И именно к этому периоду относится наша работа, отстоящая от официальных портретов на сотни световых лет. Судя по выставочной этикетке ММОМА на подрамнике, «Русь» там экспонировалась, но название выставки и время ее проведения нам, увы, установить не удалось. Предположительно, 2000-е годы.
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Николай Передний»
Сергей Радюк. Гадание в июле. 1995
Стиль определяет тема, а многочисленные приемы — способ ее раскрытия (Сергей Радюк, facebook.com).
Сергей Радюк считает, что мало быть мастером в чем-то одном, поэтому постоянно экспериментирует. Например, создает картины, изображающие вкус вина. Это чистая абстракция. Или пробует различные технологии в коллажах. Не забывает традиционную живопись, но делает это в разных стилях — импрессионизма, классическом, модернистском. Работает над сюжетными картинами, предпочитая библейскую тему. Такие полотна требуют особой тщательности, поэтому над некоторыми трудится годами. Много времени проводит в творческих командировках по всему миру (cultinfo.ru).
Роман Рахматулин. Воздушный змей. 2020
…Современное общество введено в заблуждение преступным разжевыванием произведений искусства — о чем они и о чем думал автор. В итоге врут все: сами авторы, искусствоведы, экскурсоводы, журналисты и далее, как хорошо запущенная сплетня, которая изначально была ложью, как снежный ком, обрастает новыми небылицами, — считает автор «Воздушного змея» Роман Рахматулин. Но познакомить публику с Синим Псом — героем целой серии произведений, в том числе и нашей картины, он посчитал необходимым.
***
При передаче чего бы то ни было на холсте вы не можете не любить это. Вы можете быть довольны или нет результатом своей работы, но в процессе не можете чувствовать негативные эмоции к объекту изображения, только любовь.
Синий Пёс, изображенный на картинах художника Романа Рахматулина, является собирательным образом и средством выражения отношения художника к вопросам, поднимаемым в полотнах; таким образом, часть характеристик образа Синего Пса можно приписать ко всем картинам сразу, часть расписать на отдельные циклы или единичные полотна. Из общих характеристик: Синий Пёс добрый, любит людей, всемогущий, синий, любит есть, у него много шерсти, он любопытный, он вечный, и сам о себе ничего не знает, и еще Синий Пёс — это любовь.
Почему синий?
1. Т.к. пёс, который каждый раз спит на моей подушке, когда я в мастерской (хотя получает за это каждый день), преимущественно черный, а импрессионисты черный, отсутствующий в спектре, не использовали, нужно было решать — и пёс стал синим.
2. Синяя птица Мориса Метерлинка обещает счастье, но все время ускользает, в то время как пёс в том же произведении из кожи вон лезет, чтоб все было хорошо, — вот Рома решил дать людям Синего Пса.
3. Самое последнее, мое пока любимое объяснение: в природе это цвет неба, и как бы природный ландшафт ни менялся от координат нашей планеты, только то, что выше горизонта, всегда одного цвета. Это вечно, красиво, это воздух, наша атмосфера, дающая существование, как мягкая шерсть, окутывает пса и другие объекты на картинах, давая защиту, питание, созидание, жизнь.
Ну хорошо, а почему пёс?
1. Рэй Брэдбери в цикле романов «Марсианские хроники» описывал религию вымерших марсиан как плотную связь с животным миром не в части идолопоклонничества, а по принципу, что именно у животных можно научиться любить жизнь такой, как она есть, ее течение, не зацикливаясь на постулатах. В поиске спасения и других привычных религиозных аспектах возникает необходимость только в сложное время, когда люди сами себе создают проблемы. В хорошие времена, во времена процветания — надобности в этом нет… На картинах и у Синего Пса, и у сопутствующих персонажей все хорошо, а если и будет по-другому, то будем решать проблемы по мере поступления:) Добро пожаловать в секту Синего Пса!
2. Ван Гог, живя у поля, создал несколько десятков полотен с подсолнухами, я же лицезрел синюю зверюгу целыми сутками, когда работал дома, люди приходили-уходили, а зверюга была, и на фоне всех предметов неживой природы, меня окружающих, и событий мирового масштаба, на которые должен реагировать современный художник, я взял что-то живое и близкое.
3. Это действительно хорошая зверюга, и, не считая порчи имущества, он как человек лучше меня, и лучше вести повествование на своих работах от его имени (Роман Рахматулин, romulen.ru).
Михаил Рудаков. Кот и свеча (по С. Есенину). 1975
Ах, как много на свете кошек,
Нам с тобой их не счесть никогда.
Сердцу снится душистый горошек,
И звенит голубая звезда.
Наяву ли, в бреду иль спросонок,
Только помню с далекого дня —
На лежанке мурлыкал котенок,
Безразлично смотря на меня.
(Сергей Есенин, Ах, как много на свете кошек, az.lib.ru)
Небольшой холст «Кот и свеча (по С. Есенину)» (1975) Михаила Захарьевича Рудакова — это не иллюстрация, это именно «по…» Очень большой мастер, Рудаков передал атмосферу стихотворения, посвященного поэтом сестре Шуре, так, будто больше всего боялся нарушить тишину и сонное тепло дома, едва освещенного неярким огоньком свечи. Художник до минимума ограничил себя в живописных средствах выразительности, и тем ближе и яснее сделал для зрителя и атмосферу дома, и чувства поэта, и собственное отношение к ним.
Борис Смотров. Май. 1996
Борис Смотров любит упрощенную, как в традиционной культуре, форму, пластикой которой он легко владеет, локальные цвета и их сочетания, завораживающие своей открытостью.
Удивительно, что в изобразительных высказываниях этого мастера начала XXI века сохраняется чистота и непосредственность, незамутненная холодными постмодернистскими изысками и искусами, ироничным цитированием, свойственным большинству его современников.
И все же его живопись и есть порождение постмодернизма, поскольку в ней переплавились и слились воедино многие явления искусства разных времен, которые художник умело апроприировал, сделав их частью своего пластического метода (cultobzor.ru).
За последний год прошли две крупные персональные выставки художника — в петербургском музее Эрарта и в музейно выставочном комплексе «Новый Иерусалим», в подмосковной Истре.
Читайте о художнике на AI: «Новые имена: Борис Смотров».
Елена Суровцева. Примерка синего. 2003
По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности: «Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины» (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).
В своем творчестве Елена Суровцева часто использует тему времени, которая несет в себе следы ее личной памяти, обращенной к архаическому переживанию времени и пространства… Она гармонично сочетает образы, имеющие значение для фундаментального понимания истории, мироздания — архаичные фигуры доисторических статуэток женщин, классические античные образы и знаки-символы.
Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека (rah.ru).
Константин Худяков. Дама и лезвие — 2. 2015
В творчестве Константина Худякова авангардный футурологический пафос органично сочетается с визуальной эстетикой цифрового мифа.
Константин Худяков, по сути, является художником-визионером, предвосхитившим цифровой тоталитаризм и порабощение действительности глянцевой эстетикой, транслируемой гаджетами и масштабными рекламными конструкциями, поглощающими городскую среду (erarta.com).
Компьютерная работа окрашена эмоционально «ровно настолько, насколько талантлив или бездарен художник, — говорит академик РАХ Константин Васильевич Худяков, автор огромного тиражного металлического листа «Дама и лезвие — 2» (2015). — <Компьютер это> инструмент, авторская технология, которые позволяют раскрыть и показать образы, рождаемые воображением, переживаниями, впечатлениями». Работа в нашем каталоге фигуративна, изобретательна и насыщена невероятным множеством элементов, разбираться в которых по-настоящему интересно.
Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20210201_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20210201_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведения о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, предоставленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
