Открыт 29-й аукцион «XXI век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   19 августа 2020

В каталоге собраны произведения Галины Быстрицкой. Дианы Воуба, Даши Делоне, Ильи Комова, Андрея Коровина, Анны Лавровой, Сергея Максютина, Андрея Мунца, Игоря Неживого, Александра Русова

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 343 и 29-го аукциона «XXI век. Современное российское искусство».

Лоты 29-го кураторского аукциона «XXI век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона — 10 живописных произведений.

Галина Быстрицкая. Бордо. Река Дордонь. Вечерняя рыбалка. 2016

Галина Быстрицкая заядлая путешественница, она объехала почти весь мир. «Продолжая художественную традицию, сложившуюся в европейском искусстве еще в конце XIX столетия, Быстрицкая намеренно отказывается от изображения раскрученных архитектурных объектов и узнаваемых видов, отдавая предпочтение жанровым сценкам, скрытым от глаз обыкновенного туриста. “Ее интересуют рыбаки, велосипедисты, крестьяне, баркасы у причала, собаки у пристаней, нищие, старики, дети. Сотни быстрых набросков, эскизов, великолепных динамичных рисунков, фотографий; иногда — просто запомнить, поместить в копилку зрительных-тактильных-вкусовых ощущений, которые делают такими увлекательными рассказы после возвращения”. <…> Быстрицкая пишет только в тех местах, где ее посещает вдохновение» (yandex.ru).

«Ее картины рождаются во время путешествий. Она берет с собой в дорогу… холсты и сразу пишет маслом. Главное, говорит Галина Быстрицкая, чтобы “зацепило”. Зацепить ее могут самые прозаические вещи <…> и тогда можно работать двадцать четыре часа в сутки. Так было во время поездки в Венецию, когда художница писала даже по ночам: “Через несколько дней пошел такой потрясающий импульс от города, что я не могла спать. Я работала непрерывно. У меня дрожали руки от возбуждения. То есть, я понимала, что теряю каждую минуту, если не пишу”» (tvkultura.ru).

Ее эмоциональной манере присущи яркие краски. А работает художница в основном руками, обтянутыми тонкими хирургическими перчатками, и лишь изредка прибегает к помощи мастихина. «Я просто тку из воздуха, из краски то чувство, которое мне хотелось бы передать. И поэтому самое точное касание, на самом деле, касание пальцами» (Галина Быстрицкая, tvkultura.ru).

«Галина Быстрицкая стремится объять необъятное. Ей хочется все успеть и почувствовать, острее ощутить окружающую жизнь, получить импульс для творчества. Ее картины — это сгусток энергии, симфония красок. “Это попытка пробиться к первоосновам ощущений, которые именно в этом географическом месте, как в узле, как она говорит, концентрируются”, — говорит искусствовед Анна Чудецкая» (tvkultura.ru).

Диана Воуба. Геометрия розы 1. 2008

«Искусство Дианы Воуба — вдохновенная импровизация. Но настоящая импровизация, на мой взгляд, возможна только на ту внутреннюю тему, которой живет художник. Только тогда эта импровизация не превращается в крикливую риторику. Здесь именно такой случай, и поэтому картины Дианы Воуба дышат подлинностью и доставляют наслаждение» (Фазиль Искандер).

«Я не учитель жизни, не философ и не мистик. Я — искатель новой красоты. Моя задача — видеть невидимое и делать это видимым для других.

Цель моего творчества — это не какой-то статичный результат, а ощущение движения в покое, попытка достижения слияния двух ритмов: мгновения созерцания ритма на картине с мгновением раскрытия ритма в реальной жизни» (Диана Воуба, vouba.com).

Диана Шотовна Воуба любит работать циклами. В них полнее проявляется художественное высказывание, автор как будто видит тему или мотив с разных сторон, и каждая работа цикла дополняет предыдущие и последующие, каждый цикл — это своего рода пространственный полиптих, в котором воплощается цельность авторского видения.

«Диана Воуба выражает свои эмоциональные и интуитивные переживания, связанные с понятием времени, познания себя и мира, через цвет, форму, линию и пространство, свободно манипулируя с фактурами. В непрерывном творческом процессе, балансируя на грани идеи и материи, художница создает линию, по одну сторону которой находится субъективное, а по другую — внешнее. Диана проникается достоинством и величием даже самой малой вещи на свете» (Наталья Колодзей, куратор, искусствовед, директор «Kolodzei Art Foundation», США).

Даша Делоне. С красным драконом. 2013

Даша Делоне — художник третьего русского авангарда, по определению автора термина Елизаветы Плавинской, — «хаотичного сборища художников, находящихся вне системы не только по обстоятельствам, но и по убеждениям, свободных в творческом выборе всего и объединенных только диким желанием работать».

«Пространство картин Даши Делоне приглашает зрителя в мир личного воображения и культурных архетипов. Вселенная художника населена множеством странных и в тоже время легко узнаваемых существ: драконов, фей и фантастических животных» (Александр Панов, критик).

Откуда появилась эта странная Вселенная у художницы, чье детство и юность пришлись на последние советские десятилетия? «Началось все со средневековой русской книжности, миниатюр и реставрации средневековых церквей. Параллельно — студия графического дизайна Бориса Трофимова: изучение сетки, знака, типографики и законов длящихся композиций» (Елизавета Плавинская, искусствовед). После была студия, где учили писать маслом на холсте, учеба у авангардного керамиста 1980-х Ирины Лабутиной, самостоятельные опыты с керамикой, эмалями, изучение химии, достижение чистых цветов, работа с дизайнером Аркадием Троянкером и — возвращение к живописи со всем этим огромным техническим и в первую очередь духовным багажом. «Первыми появились драконы и рыбы: “Я собиралась рисовать совсем другое, а тут он вдруг взял и появился”. Даша рисует трамвай — появляется дракон, рисует рыбу — а на нее садятся парки (тетки, ведающие судьбой).

Вот о чем я думаю в связи с искусством Даши Делоне: авангард — это не клишированное высказывание, это искусство не идеологическое и не философское. Это сказочный экзистенциализм такой. Вариант реализма — только реальность совсем экзотическая. Творчество Делоне — это авангард, опирающийся на многовековой культурный опыт столичного жителя, но не подавленный им, а, как на старом аэроплане, улетающий все время в некий особенный климат, где драконы чувствуют себя нормально» (Елизавета Плавинская, искусствовед).

Илья Комов. Город N. 2017

«Комов пишет (как дышит) в разных точках планеты. Он живет в Москве и Средней России, но в его картинах отразились и Черногория, и Париж, и пиренейский Руссильон, и диковина Средиземноморья – Каталония. Там он бывал и оттуда привез замечательные живописные отклики на эти прекрасные места. <…> Он московский художник не в первом поколении, в нем московские гены, он всеми своими молекулами связан с московским воздухом. Сверкающая и завораживающая цветосила, изысканно-простодушные деформации, причудливые сочетания тесноты и размаха в его ландшафтах и портретах — явные симптомы московского замеса.

Его ландшафты никогда не подчиняются стабильным схемам, ни осевым, ни кулисным. Дома и горы, облака и деревья и все прочие элементы панорам обязательно покачиваются, смещаются. Корёжит их энергия, сжатая до предела. Ни одна река не течет горизонтально, ни одна башня не стоит вертикально. В этом котле бытия слишком горячо. Там колышется материя, насыщенная энергией. Цвет то распаляется, то обжигает холодом.

<…>

Сельские и городские ландшафты у И. Комова сделались формульными. И получается так, что обширный кусок земной поверхности (кусок Черногории, кусок Франции, кусок России) сводится к сверкающей или мягко остывающей формуле из немногих, хорошо видных глазу цветовых полей. Они — как энергетические поля, образующие конфигурации планетарных и космических объектов.

<…>

И. Комов умещает большие куски мироздания в малые форматы и приводит их к плоскостным формулам, к своеобразной геометрии. Основными формулами являются: гора — дерево — поверхность озера — кусок берега — лодка — дом. И не то что пейзаж, а формула пейзажа. И чем чище несмешанные цвета, чем резче контрасты холодных и теплых, тем лучше» (Александр Якимович, art-life.biz).

Андрей Коровин. Весна-2019. 2019

«В процессе накопления опыта рисования и живописи с натуры у меня появилось второе направление в работе — абстрактное.

Возникло желание выражать отвлечённые чувства, понятия, идеи — образы, которые не привязаны к чему-то конкретному.

Циклические переходы от реального к абстрактному и обратно являются для меня естественными и необходимыми: одно направление помогает другому, дополняет его чем-то новым» (Андрей Коровин, vne-art.narod.ru).

«Абстрактное возникало наряду с реалистическими работами… Мышление человека тоже устроено так, что от изучения реальности оно переходит к пониманию абстрактных идей, которые дают возможность вернуться к реальности и увидеть её глубже как проявление более или менее общих законов.

Разве есть граница между конкретным и абстрактным мышлением? Её нет и быть не может, есть образно — логический переход, который мы все совершаем, не замечая этого.

В искусстве — тем более этот переход разнообразен и наполнен чувственными образами, ощущениями» (Андрей Коровин, artanum.ru).

Анна Лаврова. Надежда. 1991

«Наполненное драмой человеческих чувств, передаваемых через очень личное и острое восприятие, выраженное современными авангардными художественными средствами, искусство Анны Лавровой апеллирует к мыслям и эмоциям современных людей…» (Агнешка Доброчиньска, искусствовед).

Анна Михайловна Лаврова была членом студии «Новая реальность» под руководством Элия Белютина, участницей практически всех выставок студийцев вплоть до конца существования «Новой реальности», включая знаменитые пароходные поездки по Волге в начале 1960-х годов. Занятия живописью Лаврова совмещала с работой в прикладном искусстве, проектируя одежду для советской текстильной промышленности и участвуя в международных выставках (в том числе в Москве, Лондоне, Нью-Йорке и Варшаве). Даже работая с масштабными формами, Лаврова создавала сбалансированные и технически выверенные композиции, наполненные драмой человеческих чувств.

Следуя «теории всеобщей контактности» Белютина, участники «Новой реальности» разрабатывали собственную систему для выражения в искусстве глубинных переживаний человека. «Пишите не то, что видите, а что при этом испытываете. Создавайте не подобие предмета, но всю сложность переживаний, которыми вы в момент работы охвачены», — эти слова Белютина наиболее точно описывают творческое кредо Анны Лавровой.

Сергей Максютин. Облако. 2003

«В этом пейзаже, в котором преодолено тяготение, такая странная и чудесная субстанция, как вода, несет небо и землю не просто как отражение, но как образ единства. В простых сочетаниях неярких цветов ощущалось живое дыхание, движение и в то же время постоянство. Особенно это относится к воде.

Мои работы не должны обозначаться точными координатами, они не однозначны. Даже одно произведение, кажется, изменяет свою суть, если взглянуть на него несколько раз с небольшими перерывами. Цветовая и чувственная природа достаточно выражается даже на небольшом участке холста, который нередко можно рассматривать как полную эмоций абстракцию… Таким образом, подчас сама поверхность живописи может восприниматься абстрактно, самодостаточно определяя чувственную ткань произведения» (Сергей Максютин).

Андрей Мунц. Церковь Покрова в Филях

«Моя концепция — это отсутствие концепции. Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).

Городской вид на холсте Андрея Мунца — это архитектурный пейзаж, написанный в абстрактной манере. Андрей Мунц — действующий архитектор, образ одного из самых красивых и радостных московских храмов, шедевра нарышкинского барокко, составляющий основу его композиции, он воспроизводит хоть и свободно, но пропорционально верно и узнаваемо. Абстрактные и архитектурные элементы в картине сосуществуют и не противостоят, но гармонично дополняют друг друга.

Это очень радостная, светлая работа. Автор традиционно привнес в пейзаж дополнительные элементы: бабочку, ладошку и пр. Так человек рассказывает о своем доме, где ему легко, радостно и уютно живется, и с удовольствием приглашает войти в него.

Игорь Неживой. Над городом. 2001

«Он родился и жил в Москве, был членом Творческого союза художников России. Живопись, творчество и популярность ворвались в его жизнь в конце 1980-х годов — тогда он был участником знаменитых “сквотов” девяностых, и именно в то время родился его авторский, завораживающий и поражающий своей искренностью наивный стиль. Однако художник постоянно искал себя, трансформировал техники, стили и жанры своих работ. У него был активный период увлечения импрессионизмом, а потом он всерьез занялся кубизмом и абстракцией, полюбил строгие геометрические формы, увлеченно писал плоскости, грани и градиенты» (tcxp.ru).

«Я точно не могу охарактеризовать стиль, в котором я работаю. Потому что мне кажется, что это мой личный стиль, основанный на картинках и снах, которые я вижу наяву.

Мое сознание трансформирует увиденное в реальной жизни в калейдоскоп сюжетов и цветовых пятен, создающий общий вид изображения в моих полотнах.

В моих картинах можно встретить многое: и импрессионизм, и авангард, и элементы сюрреализма, а также персонажей наивного искусства.

Стиль, на мой взгляд, весьма эклектичный, такой же, как и движение-хаос вокруг меня и в моей голове. Для меня важнее не следование какому-то определенному стилю и течению, а пластическое соединение культурных наследий, в результате которых создаются гармонические объекты искусства» (Игорь Неживой).

Игорь Неживой — представитель московского наива, как и питерские митьки, одного из самых добрых и миролюбивых явлений в искусстве. Удивительно, но доброта нынче в почете только у наивных художников — кстати, не поэтому ли в последние годы их творчество все более востребовано? И юмор — самые простые веселые мотивы — пишут опять же наивные художники, ибо даже в детских книжках подлинный, чистый веселый смех встречается все реже. Юмор давно уступил место в лучшем случае иронии, а в основном — сарказму или черному юмору. И нужно быть очень смелым и самостоятельным человеком и художником, чтобы писать веселые, добрые и чистые картины.

Александр Русов. Вид на Ситэ с моста Искусств. 2019

«Панорама для меня всегда интересное приключение. Между красочными пятнами должна выстроиться какая-то своя история, какие-то связи, рифмовки, чтобы не скатиться в простое перечисление, хотя и само перечисление бывает красиво. В этом смысле город на реке дает много возможностей для наблюдателя, а когда тебя охватывают со всех сторон вода и небо, очень хочется это состояние реализовать» (Александр Русов).

«Архитектор, который строит мир... Потом фотограф, который снимает мир со стороны... И наконец, живописец, который поступает с этим миром так, как ему заблагорассудится: переворачивает, перекраивает — двигаясь туда, куда “само несет”.

В отличие от архитектора и фотографа — у художника получается только то, что ему “хочется”. Не участие в проекте, не добросовестное отражение увиденного — Саша Русов дорос до свободы делать то, что хочется, т. е. быть самим собой. Он продолжает путь московских художников 30-х годов, прошедших школу авангарда, но вернувшихся от его жесткой схемы назад, к миру. Русов умеет сочетать увиденное с обдуманным, найденное с сочиненным, в результате чего на его картинах рождается жизнь, приглашающая зрителя сочувствовать и сопереживать. Он дорос до свободы что-то любить.

Любовь же не выбирает умом, она просто прикасается к тебе — мир прикасается к тебе. Почему “захотелось” именно в этом месте, в этот момент, именно при таком освещении? Непонятно. Но из совпадения двоих (мир + художник) рождается вдруг живопись. Как? Тоже неизвестно. У нормального художника есть только одна задача: “пойди туда — не знаю куда”. Так только сегодня и можно работать, если, конечно, ты не концептуалист. “Принеси то — не знаю что”. И будет счастье» (Константин Сутягин, facebook.com).

Желаем удачи на аукционе «XXI век. Современное российское искусство»!

AI