Мировое искусство. Художник Джон Балдессари
ARTinvestment.RU   28 июля 2010

ARTinvestment.RU рассказывает об одном из самых значительных американских художников

«Если бы микеланджеловский Бог был хиппи...» Так журналист Сара Торнтон (Sarah Thornton) описывает в своей книге «Семь дней в арт-мире» внешность художника Джона Балдессари (John Baldessari, р. 1931), знаменитого своим гигантским ростом и белоснежной бородой. Невозможно представить себе американское искусство ХХ столетия без этого человека удивительной наружности, на чьих идеях было воспитано огромное количество художников и дизайнеров. В прошлом году Балдессари окончательно закрепил за собой статус «живого памятника»: организаторы Венецианской биеннале торжественно вручили ему почетного «Золотого льва», а кураторы галереи «Тейт Модерн» и Художественного музея округа Лос-Анджелес устроили ему огромную ретроспективу. Выставка уже отгремела в Лондоне, сейчас она проходит в Калифорнии, а осенью отправится в Нью-Йорк, где ее примут в одном из самых «классических» музеев мира — нью-йоркском Метрополитене.

Балдессари — это художник-бренд, получивший широкую известность в 1980-е годы, в эпоху бума на современное искусство (в число главных «фигурантов» которого входили его ученики и просто те, на кого он оказал колоссальное влияние — Дэвид Салль, Синди Шерман, Барбара Крюгер и др.). В 1993 году бренд был даже использован в рекламе Gap, где улыбающийся мэтр играл с черным шаром. Последнее является отсылкой к самым известным его произведениям — фотографиям, где лица персонажей залеплены бумажными кружками. Перечень работ Балдессари невероятно велик, и охватить все в одной статье не представляется возможным, поэтому мы остановимся на его основных проектах.

В 1970-х годах Балдессари преподавал в калифорнийском вузе CalArts, славящемся своей поддержкой экспериментального искусства. Его курс назывался Post-Studio Art — то есть нетрадиционное концептуальное творчество, для которого не нужна мастерская. Вдохновленные идеалистическими порывами предыдущего десятилетия, прогрессивные преподаватели и студенты стремились дистанцироваться от арт-мейнстрима; им чужд был как коммерциализм поп-арта, так и «выплескивание на холст своего эго», которым славились Поллок и другие абстрактные экспрессионисты. Устарели представления о художнике как о парящем надо всем мирским гении-одиночке, пытающемся создать «шедевр» на века. В CalArts в ходу была холодная, отстраненная эстетика, иронический комментарий по поводу общества и культуры, стремление свести к минимуму присутствие в работах своего эго и — самое главное — создавать искусство, апеллирующее прежде всего к интеллекту. Конечно, необходимо отметить и внимание к новым медиа... Сам Балдессари, начинавший как живописец, порвал с этим «самым высоким из искусств» примерно в то же время — он даже церемониально сжег свои ранние картины, изготовив для их «праха» урну в форме старинной книги. Он чувствовал, что может сказать гораздо больше с помощью текста, перформансов, видео и, конечно же, фотографии.

Когда Балдессари берет в руки камеру с целью создать произведение искусства, будьте уверены — он направит ее совсем не на то, что обычно снимают фотографы, как профессионалы, так и любители. В одном из своих ранних проектов он переводил на холст небрежные снимки различных неприметных уголков родного тихого городка Нэшнл-Сити, под которыми нанятый маляр-вывесочник делал надписи с указанием места. Выставляя эти неуклюжие пейзажи с прачечными и прочими «красотами» из серии «моргнешь — не заметишь», художник как бы намекал зрителю на то, что привычное искусство (как классика, так и модернизм) оставляет за бортом целый мир. В тот же период (конец 1960-х) появились холсты с текстами, взятыми как из трудов теоретика абстрактного экспрессионизма Клемента Гринберга, так и из популярных книжек с советами для художников-любителей. Здесь художник светит лампой патологоанатома на традиционные представления о восприятии искусства, согласно которым на первый план выходят чувства и эмоции зрителя, а задача интеллекта состоит лишь в том, чтобы развивать в себе умение различать манеры авторов и оценивать качество живописи. Этой теме были посвящены и более поздние «Картины на заказ» (1969) — совершенно реалистичные изображения рук, чьи указательные пальцы направлены на что-то незначительное (комментарий к высказыванию абстрактного художника Эла Хелда «Концептуальное искусство лишь указывает на вещи»). Под каждым изображением было имя нанятого художника, его выполнившего, — зрителю предлагалось сравнивать работы и таким образом «развивать свои способности знатока».

В 1970-х годах Балдессари начал апроприировать фотографии. Обычно это были никому не нужные снимки кадров из фильмов и рекламных роликов, где безвестные актеры смеялись, целовались, угрожали друг другу пистолетами, падали с лошадей — подобного трехкопеечного добра в магазинчиках неподалеку от Голливуда было навалом. Художник начал использовать их в различных композициях, исследующих, как восприятие того или иного образа меняется в зависимости от контекста — например, в некоторых работах он делал под одной и той же фотографией различные подписи. В начале 1980-х появилось его самое известное «ноу-хау» — те самые кружочки. Балдессари как-то попалась фотография нескольких «сильных мира сего», которая вызвала у него отвращение (по собственному признанию, ему всегда был противен мир власти и денег) и он решил как-нибудь ее «модифицировать». Ему пришла идея налепить на лица персонажей круглые стикеры-ценники из магазина. Незамедлительно осуществив ее, художник испытал громадное облегчение: ненавистные представители «элиты» стали полностью анонимными и даже, можно сказать, превратились в неодушевленные предметы.

Впоследствии автор использовал кружочки в разных целях, самая очевидная из которых — высказывание по поводу восприятия современного человека, смотрящего на мир сквозь призму медиа. Почему лица заклеены? Да потому что они там не нужны. Люди настолько привыкли к голливудским типажам, что они спокойно могут дорисовать недостающее в своем воображении. Неважно, чтó закрыть кружком — один из мячиков, подброшенных жонглером, или лицо киноперсонажа — «богатого бизнесмена»: для всего, что спрятано, у зрителя в мозгу есть соответствующее клише.

Наиболее впечатляющими работами Балдессари являются многочастные композиции, где присутствуют не только заклеенные лица, но и целые закрашенные участки. В этих произведениях художник сочетает элементы, на первый взгляд не имеющие друг с другом ничего общего (критики указывают на близость этих творений к сюрреализму, в частности к Магритту). Художник дезориентирует зрителей, заставляет их искать связь между изображениями (зачем рядом с фотографией пеликанов помещен снимок светской дамы с пририсованной кровью из носа?!), задаваться вопросом о смысле, который неизбежно ускользает. Главным для этого мастера является пространство между, где лежит целый мир возможностей, о которых мы даже и не помышляем. У Балдессари мир распадается на части: взять его многослойные принты, где какие-то элементы закрашены, какие-то сделаны рельефными — фотография из документа о реальной ситуации превращается в нагромождение абстрактных фрагментов. Он показывает, что малейшая модификация изображения или изменение контекста способно дать новый нарратив. Взять, например, снимок мужчины и женщины, нежно смотрящих друг на друга. Что будет, если поместить между ними фотографию лисы?.. Или обвести лицо мужчины красным (это может означать любовь... или опасность). Балдессари часто играет с символикой цвета, а также мастерски рифмует различные мотивы: так, в одной композиции выделенные различными цветами морские волны плавно переходят в клавиши аккордеона. Здесь нельзя не вспомнить известную (и трагичную, что для Балдессари вообще-то не свойственно) работу «Инвентарь» (1987), где изобилие на полках супермаркета рифмуется с грудой тел истощенных узников концлагеря. Как говорит художник, «цивилизованность — это всего лишь тонкий покров, который может слететь в любую минуту». Произведения Балдессари тонки, ироничны и элегантны, но за ними стоит дикий, непредсказуемый мир.

«Объемы производства» Балдессари достаточно велики. Его работы, в основном отпечатки и фотографические композиции, часто появляются на аукционах. Но самыми дорогими произведениями художника являются картины. Рекорд принадлежит текстовому полотну «Качественный материал...» (1967–1968), которое в 2007 году принесло на Christie’s 3,9 млн долл. (при эстимейте 1,5–2 млн). За ней идет «Картина для Кюблера» (1966–1968), ушедшая в 2009-м за 1,6 млн при такой же предварительной оценке. А вот оттиск художника можно купить за несколько тысяч; правда, если тиражная работа много раз до этого публиковалась, ее цена может возрасти в десятки, а то и в сотни раз.

Материал подготовила Юлия Максимова, AI

Источник: artprice.com, artnet.com, artinvestment.ru