Открыт 154-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Павла Антипова, Андрея Асерьянца, Сергея Борисова, Марии Васильевой, Анастасии Вахненко, Марины Венедиктовой, Дмитрия Врубеля, Галины Дулькиной, Александра Жатова, Наталии Жерновской, Мелика Казаряна, Александра Кацалапа, Сергея Кривцова
Каталог AI Аукциона № 468 и 154-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 24 февраля, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 7 живописных произведений, четыре скульптуры, один графический лист и одна работа в смешанной технике.
Павел Антипов. Ночь в Сорренто. 2012
«Картина “Ночь в Сорренто” визуализирует вкусовые и звуковые впечатления, она как аллегория ночи, случайно проведённой в Сорренто во время путешествия по югу Италии. Символизм произведения ярко читается в диагональном решении летящей скатерти как отсыл к скалистому ландшафту, на котором расположен город, в золотисто-синем колорите, характерном для народного творчества этих мест, в закрученном ритме, в ярких вспышках жёлто-лимонного, погружающего в атмосферу праздника и фейерверка, создавая музыку, звучащую повсюду в этом маленьком городке. И конечно, лимончелло, напиток, который готовят из определённого сорта лимонов из этих мест, — он подчеркивает дух Италии и раскрывает эмоциональную составляющую картины» (Павел Антипов).
Павел Антипов «прошел уже определенный путь в поиске собственной художественной манеры, экспериментируя с линией, цветом, “примеряя” различные стили прошлого, переходя от декоративных, “интерьерных” картин к самодостаточным живописным полотнам. Его творчество трудно вписать в какое-то направление. Он сознательно противопоставляет себя области contemporary art, новейших течений, и в то же время далеко отстоит от академических традиций, воспринимая школу Академии как определенный этап в развитии собственного художественного стиля. Используя приемы символизма, импрессионизма, сюрреализма, супрематизма, Антипов продолжает поиски тех форм визуальной выразительности, которые отвечают его пониманию и видению искусства» (Анастасия Карлова, искусствовед, кандидат культурологии, сотрудник Отдела новейших течений Государственного Русского музея, art-spb.ru).
Павел Антипов родился в 1979 в городе Хотьково Московской области. Окончил Абрамцевский художественно-промышленный колледж. В 2000 поступил в Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина при Российской академии художеств (ныне Санкт-Петербургская академия художеств имени Ильи Репина) на факультет живописи, в 2003-м перешел на театрально-декорационное отделение (мастерская Э. С. Кочергина).
Экспонируется с 2001. Участник более сотни групповых выставочных проектов. Финалист и лауреат российских и международных конкурсов, среди которых Международная премия им. Н. Рериха (2010), конкурс молодых художников «Ориентиры» (2010), конкурс произведений живописи и графики, посвященный 175-летию железных дорог России (2012).
Работы художника находятся в частных и музейных собраниях России, Германии, США, Китая, Сингапура (ot-ido.art).
Андрей Асерьянц. Нептун. 2003 (?)
«“У меня искусство несерьезное”, — говорит Андрей Асерьянц, автор скульптуры “Нептун”, и вместо классического — торжественного, величественного и грозного — образа повелителя океана создает несколько карикатурную версию мифологического персонажа.
Нептун предстает перед зрителем добродушным старцем в короне, в ниспадающих драпировках, с выпирающим оголенным животом и огромным трезубцем в руке, который значительно больше его самого. Более того, скульптор вместо грозных морских коней помещает морское божество на спину забавного нарвала». (Мария Беликова).
Андрей Асерьянц (1961) — московский скульптор, работающий, по собственному определению, на стыке жанров арт-механики и стимпанка.
Родился в семье скульптора Светланы Асерьянц и книжного графика Виктора Асерьянца. Окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (б. Строгановское), факультет керамики (1990). Работает в металле, бронзе, керамике, создает кинетические скульптуры. Многие скульптурные композиции автора выполнены из металлолома. Произведения скульптора находятся в собрании Музея «Новый Иерусалим» (г. Истра, Московская область), Тверской областной картинной галерее, Курганском областном художественном музее имени Г.А. Травникова, а также в частных коллекциях в России и за рубежом.
Сергей Борисов. Всадник. 2020
Сергей Борисов — скульптор из Санкт-Петербурга, член Союза художников СПб, доцент и профессор Санкт-Петербургского государственного университета промышленных технологий и дизайна, участник более 50 групповых и 12 персональных российских и международных выставок.
Скульптуры Сергея Борисова установлены в городских пространствах Санкт-Петербурга, Зеленогорска, Никольска, Стрельны (Россия), Иматры и Лаппеенранты (Финляндия).
Работы находятся в музейных собраниях Государственного Русского музея, Государственного музея городской скульптуры (СПб), Центрального выставочного зала «Манеж» (СПб), Музея петербургского авангарда (Дом М. В. Матюшина), выставочного центра «Эрмитаж-Выборг», Псковского Государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Imatra Art Museum (Финляндия), а также в частных коллекциях в России, США и Германии.
Скульптор использует как традиционные материалы — гранит, металл, стекло, так и новейшие — стеклопластик и композит.
«Сергей Борисов является ярким представителем современного структурализма. Структурализм как самостоятельное направление в искусстве продолжает пластические традиции русского авангарда первой трети XX века. Эстетика структурализма базируется на радикальных экспериментах и художественных поисках Малевича, Филонова, Матюшина, Петрова-Водкина и мастеров следующих поколений Г. Я. Длугача, П. М. Кондратьева, В. В. Стерлигова. Структуралистов объединяет стремление понять духовную структуру мира через поиск пластических закономерностей формы и пространства.
Скульптурные объекты Сергея Борисова выстраивают самостоятельную линию структурализма в скульптуре и передают яркий индивидуальный стиль автора.
Экспериментируя с формой и пластикой, скульптор оригинально выстраивает архитектонику произведения, обнаруживает новое пространство формы. В то же время произведения отсылают зрителя к знакомому миру идей и предметов. Объекты Сергея Борисова являются неординарной интерпретацией и трансформацией реальности. Часто через форму он выражает состояния, органичные его творчеству в целом, — таковы произведения “Текучесть”, “Структура”, “Динамика”, “Траектория”. В замысле и пластическом исполнении они передают движение и развитие.
Пластические деформации, текучесть, геометризация — характерные черты сложившейся манеры мастера» (Ю. Спиридонова, erm.vbgcity.ru).
Мария Васильева. Французский бульдог. 2021
«Говорят, кто завёл хоть раз французского бульдога, уже не захочет собаку другой породы. Они терпеливы, умны, дружелюбны и ориентированы на людей. А еще бульдоги имеют выразительную внешность и пытливый взгляд. Перед вами спящий щенок французского бульдога. Уютный, умиротворенный, тактильно приятный. Его поза напоминает округлый камень с берега моря, где ленивые волны, разбиваясь о прибрежные валуны, создают неповторимые природные формы» (Мария Васильева).
В произведениях Марии Васильевой зритель нередко встречается с женскими образами — необычными, хара́ктерными, но чаще всего художник обращается к одному из самых сложных жанров скульптуры — анималистике, которая требует от автора внимания, тонкой наблюдательности и знания животного мира.
Образ домашнего животного у Васильевой — это в первую очередь его натура, характер: смелый, меланхоличный, веселый, надменный, покладистый… Но нередко в них явственно видны характеры их владельцев, и скульптору удается точно передать эти сочетания — удачные, основанные на понимании и доверии, или, увы, окрашенные полным непониманием владельцем характера того, за кого он в ответе.
Керамист по образованию, Мария Васильева нередко обращается к работе с бронзой, потому что именно в керамике и бронзе точнее всего может выразить свои творческие пристрастия.
Анастасия Вахненко. Под крылом зимы. Из серии «Санкт-Петербург». 2021
«Графический лист “Под крылом зимы” открывает большую серию работ, посвященных Санкт-Петербургу. Серия задумывалась на основе впечатлений от творческих поездок в Северную столицу. Невероятная красота, линеарность и ритмичность архитектуры, игра света и тени, узоры кованых оград, масштаб и одновременно камерность города — все это произвело на меня огромное впечатление, которое я попыталась выразить в графической серии “Санкт-Петербург”.
Как художника-графика меня невероятно заворожил город зимой, именно это время года чаще показано в большой серии работ. Снег, тени на снегу, игра солнца подчеркивают графичность не только архитектуры, но и стволов деревьев, визуализируя музыкальный ритм сюжета «Под крылом зимы». Мою нежную любовь и теплое чувство к городу символизирует белая чайка, расположенная под углом к четкому строю решеток и парапета набережной; чайка останавливает взгляд зрителя и направляет его обратно вглубь картины. Ритм летящей птицы подчеркивается тенями от дерева в правом нижнем углу. Таким образом, взгляд зрителя находится в постоянном движении внутри рисунка, плавно переходя от заснеженных кустов к порфировой вазе и далее к зданию Кунсткамеры. Закольцовывает ритм геометрический полукруг кроны дерева с белыми хлопьями снега на ветках. Мерный ритм черной решетки и обнаженных веток на фоне снежного полотна в нижней части листа уравновешивает спокойное серое небо, давая простор парящей чайке.
Лист “Под крылом зимы” с четким и ясным рисунком открывает большую серию “Санкт-Петербург”, поэтому в нем только начинают прослеживаться элементы декоративности, стилизации и конструктивизма, которые постепенно усиливались с развитием серии. Его лиричный сюжет точно передает дух и атмосферу зимнего Петербурга (Анастасия Вахненко).
Уникальная атмосфера Петербурга неоднократно вдохновляла отечественных графиков прошлого и настоящего на создание циклов работ, посвященных видам Северной столицы. Не обошла стороной тему Петербурга и Анастасия Вахненко, дерзнувшая создать графическую серию, в которой нашел отражение ее оригинальный авторский взгляд на город.
Лист «Под крылом зимы» свидетельствует о свободном владении автором всеми пластическими элементами изображения, равно как и широким арсеналом графических средств. Произведение отличается выраженным линеарным началом, основанным на четкости и ясности рисунка. Выверенная архитектоника композиции, акцентированная пространственная глубина и ритмичная организация элементов являются характерными чертами графических произведений Анастасии Вахненко.
Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.
Марина Венедиктова. Миф. Психея — душа. 2021
«Картина “Миф. Психея — душа” (2021) написана под впечатлением от курса “История древних цивилизаций”, который я тогда изучала.
Современники эпохи, которая была на Земле 2 500 — 4000 лет назад, поражают величием мыслей и творений. Видимые глазу архитектурные сооружения пронизаны экзистенциальным смыслом божественной веры и соединением с энергией космоса.
Я решила отдать должное этим знаменитым людям и созданным ими верованиям, сила и эталон которых выдержали испытания тысячелетнего человеческого пути и находятся рядом с нами, способные вдохновить на творчество и на поиск, направленный в будущее (Марина Венедиктова).
Творчество петербургской художницы Марины Венедиктовой соответствует духу модернистской эстетики, ориентированной на поиск средств художественной выразительности. Отказ от классического канона, радикальные формальные эксперименты сближают ее произведения с работами выдающихся европейских и отечественных мастеров первой трети ХХ века.
«Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами…» (Марина Венедиктова, realgallery.ru).
Дмитрий Врубель. Без названия
«Когда мне хочется чистой красоты, я иду в Лувр или Эрмитаж. Многие художники сегодня стремятся по старинке сделать что-нибудь необыкновенно изящное. Но все равно изящнее, чем в Эрмитаже, вряд ли выйдет. А мы на изяществе не заморачиваемся. Если объяснять коротко, не вдаваясь в детали, мы всего лишь рисуем картинки по фотографиям и снабжаем их подписями. Но нет такой эмоции, которую нельзя было бы выразить этим способом» (Дмитрий Врубель, из интервью Яну Шенкману от 26 июля 2010, contemporary-artists.ru).
«…Он никогда не пишет картины непосредственно с натуры, а использует фотографии. Лейтмотивом его творчества является политика. Поэтому себя он называет не иначе, как “политическим живописцем”. По его собственному признанию, он готов на все, чтобы добиться всеобщего признания, чтобы его творчество любили и понимали все слои населения» (contemporary-artists.ru).
«Его кумиры — чемпионы популярности Лактионов и Русланова. Самое любопытное — что ему многое удается на этом пути. Его работа на Берлинской стене “В объятиях этой смертной любви” — поцелуй двух полутрупов Брежнева и Хонеккера — стал символом времени крушения стены, и я видела в Берлине людей в майках с этой работой на груди. <…> А то, что Врубель превратил свою мастерскую (а он там и жил, и пил) в галерею — конечно, “имени Врубеля” — и регулярно во всех изданиях дает её рекламу, тоже было бы чудовищной саморекламой, но, к счастью, все уравновешивается тем, что там и правда бывают замечательные домашние выставки с совершенно человеческой атмосферой ушедшего навек квартирного искусства, когда всем хорошо» (Елена Курляндцева, «Сегодня», 1993, ru.wikipedia.org).
Дмитрий Врубель — российский и немецкий художник, представитель стиля соц-арт, известный главным образом как автор граффити «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви», которое стало одним из символов воссоединённой Германии.
В 1976 году учился рисунку у Михаила Эпштейна, в 1977–1978 году — у Андрея Панченко, в 1977–1980 году — у Владимира Овчинникова.
В 1979 году учился в МГПИ на художественно-графическом факультете (не окончил).
В 1980-е был членом московского андеграундного Клуба авангардистов.
С 1983 года — член Союза художников СССР.
В 1987 году принял участие в первой выставке «Клуба авангардистов» (КЛАВА).
В 1986–1996 годах организовал в своей квартире галерею Врубеля («Кварт-Арт», Москва). Был активно вовлечен в подпольную художественную сцену и организовывал нелегальные выставки в своей квартире в последние годы существования СССР (ru.wikipedia.org).
С 2010 года постоянно проживал в Берлине.
Галина Дулькина. Клоун, катящий шар. 2019
«Я отталкиваюсь от русского авангарда, от Казимира Малевича, но так, как я это вижу. Мне близки и супрематисты, и Александр Архипенко, и Константин Бранкузи, и Жорж Брак, и Александра Экстер» (Галина Дулькина).
Галина Дулькина (1981) известна в первую очередь как талантливый скульптор-керамист, создающий оригинальные и запоминающиеся произведения из фарфора, которые пополнили собрания отечественных и зарубежных частных коллекций. Однако творческая деятельность художницы не ограничивается керамикой, она также создает живописные произведения и коллажи, продолжая и развивая традиции русского авангарда.
Дулькина определяет свой стиль как «постсупрематический», называя отечественное беспредметное искусство первой трети ХХ века отправной точкой для собственных творческих экспериментов. «Во всех моих небольших сериях есть немного рока, немного клоунады, и много фантазии. Все персонажи для меня — реальные. Они настоящие. И все космические объекты непременно найдут свои „редкие земли“ — я в них верю», — говорит художница (cheglakovfoundation.org).
«Галину Дулькину отличает редкая для современного молодого художника последовательность в движении вперед в рамках своей творческой концепции и независимость от мимолетных соблазнов актуального культурного пространства. Благодаря этому оттачивался ее художественный метод. Отсекая лишнее, ведомая верным чувством формы, артистично манипулируя цветом, Галина создает уникальные произведения. Они выразительны, динамичны, их интересно разгадывать как некую головоломку, наслаждаясь остроумным решением поставленной задачи. Они узнаваемы в контексте любых выставок и интерьеров.
Мы видим её творческий диалог с живописцем Жоржем Браком, с выдающимися мастерами Архипенко, Бранкузи и Цадкиным. Здесь наследие русского супрематизма и агитационного фарфора. И это диалоговое пространство в творчестве Галины подчёркнуто равноправно.
Галина овладела мастерством, и результат оказывается выше всех похвал, она — зрелый и при этом продолжающий развиваться художник» (Морис Барюш, коллекционер, в прошлом руководитель галереи Popoff & Сie. Париж).
Александр Жатов. Квартет. 2020
Холст «Квартет» (2020) саратовского художника Александра Николаевича Жатова являет собой пример возвращения автора к стилистике ранних работ, но на новом витке творческого развития.
«Принцип сделанности и чёткой детализации ранних работ в 2019 году уступает место более свободной живописной манере, хотя исторический характер подачи сюжета сохраняется, — писала об Александре Жатове А. М. Ставцева. — В этот период художник создает серию натюрмортов “Время жизни — время творения”, объединенных ренессансными реминисценциями. <…> Музыкальные инструменты, книги — всё хранит память об ушедших поколениях. Мир, созданный автором в этих натюрмортах, — это мир, предназначенный для долгого, вдумчивого созерцания».
В «Квартете» (2020) художник словно пропускает свой ранний опыт через призму более поздних натюрмортов ванитас и вместе с тем обращается к наследию художников авангарда. В излюбленном жанре натюрморта Жатов пишет композицию с музыкальными инструментами, но исключает из него присущую ранним работам четкую детализацию предметов и почти уходит от фигуративности, сосредотачиваясь на цельности и динамике образа в целом.
От картин конца 2010-х, написанных в стилистике голландского натюрморта, художник приходит к экспериментам французских кубистов и отечественных кубофутуристов.
«Однако Жатов в большей степени, чем его предшественники, остается верным натуре, его музыкальные инструменты не исследуются аналитически и не распадаются на составные части. Они накладываются друг на друга, словно элементы коллажа, и каждый при этом остается различимым и узнаваемым. Создается впечатление, что художник средствами живописи стремится передать слаженную игру квартета. Собственный рисунок, силуэт каждого инструмента (круги тарелок, линейность клавишных, изгибы корпуса и эфы виолончели, изящные детали трубы и валторны) художник компонует на абстрактном фоне, ритмизованном геометрическими фигурами, а также зигзагообразными линиями, задающими композиции динамику и определяющими своеобразный музыкальный темп всего произведения» (Мария Беликова).
Александр Николаевич Жатов — живописец, график. Родился в 1982 году в Саратове, в семье художника Николая Владимировича Жатова. Окончил Саратовское художественное училище (2003). Живет и работает в Орле. Победитель конкурса «Пою мое отечество» (2004). Участник областных выставок. Работы хранятся в частных собраниях в России и за рубежом.
Наталья Жерновская. Мягкая посадка. 2022
Наталья Жерновская — одна из главных учениц и продолжателей дела художника Тимура Новикова (1958–2002), основавшего в 1989 году в Санкт-Петербурге Новую Академию Изящных Искусств с целью сохранения и переосмысления классического наследия в искусстве в противовес концептуальным практикам постмодернизма. Творчество художницы относят, как правило, к «неоакадемическому» направлению современного искусства, представители которого синтезируют в своих работах традиции «имперского» и «советского» периодов отечественной художественной жизни.
«Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, “постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к «новой искренности», то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом”» (nlobooks.ru).
«Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит Наталья Жерновская.
«Обращение Жерновской к фотографии не случайно и во многом обусловлено влиянием Т. Новикова, который прививал своим ученикам и последователям интерес к фотоискусству. “Мягкая посадка” (2022) отсылает к эстетике раннесоветской фотографии и фотомонтажа 1920–30-х годов, на которых были изображены герои нового динамично развивающегося мира — летчики, спортсмены, рабочие заводов и так далее. Выбранная автором светло-коричневая тональная гамма, схожая с эффектом сепии, усиливает впечатление старого фотоснимка.
Наряду с мужскими образами Жерновская довольно часто пишет и рисует парашютисток, летчиц, спортсменок.
В основу композиции холста “Мягкая посадка” (2022) положен четкий и выверенный рисунок, конкурирующий по точности воспроизведения натуры с фотографией. Жерновская, следуя канонам академической традиции, демонстрирует свое техническое мастерство, равно как и умение достоверно следовать натуре. Раскрытый ажурный купол парашюта выразительно выделяется, занимая большую часть полона и привлекая тем самым внимание зрителя. Лучезарный образ парашютистки, только что удачно приземлившейся, хорошо вписывается в сюжетные линии изобразительного искусства и кинематографа советского периода. Равноправие полов, активное включение женщин в производственный процесс, в сферу образования, спорта и иные области общественной жизни — эти темы, по мнению властей предержащих, было необходимо пропагандировать, в частности через художественные образы. Лицо героини излучает оптимизм: она на своем примере успешно доказала, что советская девушка ни в чем не уступает мужчине и вполне способна овладеть мужскими профессиями» (Мария Беликова).
«Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской» (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).
Мелик Казарян. Мыльные пузыри. 2014
Впервые на аукционах AI представляем работу современного художника Мелика Казаряна.
Мелик Казарян родился в Ереване (Армения). Учился в художественной студии имени Саргиса Юнханяна (1964–1974), затем в художественном училище имени Ф. Терлемезяна (1974–1979). В 1979 поступил в Ереванский художественно-театральный институт (ныне Художественная Академия), продолжая профессиональную карьеру.
Работает в различных стилях и жанрах живописи. Обращается к портрету, пейзажу, натюрморту; в творчестве мастера представлены религиозный, мифологический, ню, бытовой и другие жанры. Занимался монументальной живописью (участвовал в восстановлении храмов), книжной графикой, преподавал.
Значительная часть картин выполнена в авторской «мозаичной» технике масляной живописи. Характерные черты авторской стилистики — яркая палитра, чистые цвета, четкие формы, крупные штрихи — приближают его манеру к экспрессионистской.
Награжден медалью за вклад в искусство Армении и России.
Член Союза художников СССР.
Первая персональная выставка состоялась в 1984. Участник российских и международных выставок: «Миры Параджанова», «Живопись современной Армении», «Столичные Арт Сезоны»; предоставляет свои работы для благотворительных проектов. Персональные выставки художника прошли в Ереване, Москве, Сочи, Стамбуле, Париже, Монтевидео, Дубае, ЮАР, Австралии.
Работы автора присутствуют в художественных каталогах аукционных домов Европы и арабских стран (g1.gallery/ru).
Александр Кацалап. Моя территория. Вид из окна. 2022
Александр Кацалап совмещает в своем творчестве полистилистику модернизма и концептуальное искусство, создавая оригинальные и узнаваемые произведения.
В середине 2000-х Кацалапу посчастливилось познакомиться с Владимиром Николаевичем Немухиным — одним из немногих мастеров, с именами которых связано понятие второго русского авангарда. По собственному признанию художника, Немухин оказал существенное влияние на его мировоззрение, задав концептуальный вектор его творчеству. Как и многие нонконформисты, Кацалап также переосмысливает достижения отечественного искусства 1910–20-х годов. Он совмещает супрематические формы Малевича с примитивистской эстетикой, заполняя все пространство своих работ геометризированными персонажами и отказываясь от перспективы и глубины.
С 2011 года художник работает над проектом «Моя территория» — серией картин, скульптур и инсталляций, объединенных мотивом личной территории человека, первообразом которой стал собственный участок художника, окруженный забором, и коттедж, где он живет. «В 2011 году я осознал простой факт, что всё, что есть на моем участке в коттеджном поселке, недалеко от Москвы, в полной мере отражает весь мир в его громадности и многообразии. На моем участке есть трава, деревья, облака, небо, солнце, звезды, птицы, а если чего и не хватает, то Интернет поможет связаться с любой точкой мира. И у меня, у художника, нет потребности в поисках новых впечатлений, нет необходимости ехать куда-либо, потому что, у меня есть всё...» (Александр Кацалап).
«Работая в разных “манерах”, всегда примеряя к ним критерий “сделанности”, он одинаково далек как от полного увлечения чисто живописно-пластическими приемами, что заполняет нашу выставочную практику всем уже поднадоевшей “виртуозностью” абстракции, так и от “литературной зауми” сюжетного или концептуального толка. Он правдив, часто прямолинеен в отстаивании своего права, “своей территории”, своего мироощущения: мира вещного, прочного, порой и с мистическими реминисценциями символов и намеков, но своего, отгороженного от суеты и мишуры повседневности» (Валерий Дудаков, коллекционер, художественный критик).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Александр Кацалап».
Сергей Кривцов. Гладиатор Мурмилон. Из серии «Тени Колизея». 2022
Сергей Кривцов — известный скульптор-анималист, заслуженный художник РФ. Сегодня в нашем каталоге его творчество представлено работой из серии, которую он сам для себя считает уникальной.
«“Гладиатор Мурмилон” входит в серию “Тени Колизея”. Всего в серии планируется 7 образов римских гладиаторов.
Сразу скажу: я не занимаюсь историческими реконструкциями, и не нужно искать в моих произведениях чёткую привязку к имеющимся фактам. Это исключительно образы, рожденные в моём мире.
Гладиатор — это сверхперсонаж. Современному человеку и не представить, как может так быть.
Низшая ступень общества, раб — и идол стотысячной толпы, кумир, о котором грезят матроны.
И в один миг это можно потерять вместе с жизнью.
Самые высокие ставки.
Для меня гладиатор — это питбуль в человечьей шкуре.
Всё, для чего он живёт, — это победа. Остальное не важно.
Я сам не раз выходил на ринг, и помню страх, боль, сомнения, но сегодня ни один боец не рискует так, как гладиатор тогда.
А как пришли эта идея? Не помню. Как и всё, наверное. Сначала мысль. Потом она формируется в идею, идея в образ. А дальше ты либо её воплотил, либо она умрёт в твоей голове и отравит всё вокруг.
Художник подобен гладиатору. У него нет выбора. Он должен воплощать.
За него уже всё решено» (Сергей Кривцов).
«Чтобы бронза “ожила”, нужно вдохнуть в нее свою энергию. Сергей Кривцов уверен: “Скульптура — не застывший металл, это механизм, имеющий невидимые внутренние пружины и рычаги, нужно только суметь их правильно найти и заложить”.
Характерная черта этого скульптора — честный, серьезный подход к работе. Кривцов старается ориентироваться на классические каноны “старого образца”, правда, нередко экспериментирует и с новыми материалами. Но если речь идет о бронзовом литье, никогда не пропускает этапы: пластилин — гипс — воск — бронза. “Только работая с полной отдачей на всех этих стадиях, можешь получить результат”. Это тот случай, когда творческое вдохновение художника и владение ремеслом соединяются вместе, чтобы дать рождение замечательным произведениям» (academy-andriaka.ru).
Желаем удачи на 154-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20230220_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20230220_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
