Открыт 149-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Павла Антипова, Рубена Апресяна, Наталии Арендт, Марии Васильевой, Сергея Касабова, Pata (Пааты Мерабишвили), Валерия Мишина, Андрея Мунца, Ольги Оснач, Ирины Раковой, Георгия Смирнова, Елены Суровцевой, Анатолия Чечика
Каталог AI Аукциона № 463 и 149-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 20 января, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 8 живописных произведений, две работы в смешанной технике и три скульптуры.
Павел Антипов. Свободный вечер. 2012–2015
Свободный вечер… Время, которое проходит по-разному... И иногда хочется просто и легко раствориться в дымке заката над разогретыми крышами города, соединить тёплое состояние неба и образы в душе янтарными бликами прохладной влаги, ощутить ритм глубокой тишины и звуков, наполняющих мир вокруг (Павел Антипов).
Павел Евгеньевич Антипов — новое имя в каталогах AI Аукциона. Художник «прошел уже определенный путь в поиске собственной художественной манеры, экспериментируя с линией, цветом, “примеряя” различные стили прошлого, переходя от декоративных, “интерьерных” картин к самодостаточным живописным полотнам. Его творчество трудно вписать в какое-то направление. Он сознательно противопоставляет себя области contemporary art, новейших течений, и в то же время далеко отстоит от академических традиций, воспринимая школу Академии как определенный этап в развитии собственного художественного стиля. Используя приемы символизма, импрессионизма, сюрреализма, супрематизма, Антипов продолжает поиски тех форм визуальной выразительности, которые отвечают его пониманию и видению искусства» (Анастасия Карлова, искусствовед, кандидат культурологии, сотрудник Отдела новейших течений Государственного Русского музея, art-spb.ru).
Павел Антипов родился в 1979 в городе Хотьково Московской области. Окончил Абрамцевский художественно-промышленный колледж. В 2000 поступил в Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина при Российской академии художеств (ныне Санкт-Петербургская академия художеств имени Ильи Репина) на факультет живописи, в 2003-м перешел на театрально-декорационное отделение (мастерская Э. С. Кочергина).
Экспонируется с 2001. Участник более сотни групповых выставочных проектов. Финалист и лауреат российских и международных конкурсов, среди которых Международная премия им. Н. Рериха (2010), конкурс молодых художников «Ориентиры» (2010), конкурс произведений живописи и графики, посвященный 175-летию железных дорог России (2012).
Работы художника находятся в частных и музейных собраниях России, Германии, США, Китая, Сингапура (ot-ido.art).
Рубен Апресян. Композиция в желтом колорите. 1999
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).
Наталия Арендт. Луна над морем. 2018
О живопись! — Она неприхотлива.
Она и есть, а вроде бы и нет.
Ведь глаз устроен так искусно.
Закрыл-открыл — себе ты господин.
Ты можешь за секунду свежим глазом
Огромную картину охватить.
А можешь долго ею любоваться.
А можешь и совсем не посмотреть (Наталия Арендт).
Наталия Арендт, автор композиции «Луна над морем» (2018), в своих произведениях соединяет традиционные художнические материалы с тем, что ее внимательный взгляд выхватывает в житейском окружении. «Органичным сплетением наследия русских неопримитивистов с собственными супрематистскими и конструктивистскими исканиями Наталия Арендт достигает яркости и оригинальности художественного высказывания. Она работает с разными техниками и необычными материалами: может задействовать старое, почти истлевшее дерево, семечки, рыбью чешую, старую деревянную мебель в сочетании со скульптурой» (из пресс-релиза выставки «Геометрическая палитра»).
Композиция «Луна над морем» (2018) экспонировалась на персональной выставке Наталии Арендт «Геометрическая палитра» в галерее AI «21-й век» в ноябре — декабре прошлого года.
Мария Васильева. Котенок сфинкс. 2011
Сфинкс. В названии этой породы кошек есть что-то таинственное и мистическое, отсылающее к истории Древнего Египта и культу богини Бастет — женщины с головой кошки. В Древнем Египте кошку наделяли священными качествами, ее почитали и обожествляли. Кошка была символом плодородия и света, хранительницей домашнего очага, а также покровительницей любви, нежности и радости материнства.
Лепить сфинксов интересно и увлекательно. Сфинксы очень выразительны по форме. Отсутствие шерсти дает возможность увидеть конструктивные особенности строения этих грациозных животных. А многочисленные детали — складки, крупные глаза, уши, пальчики лап — придают каждому животному свой уникальный характер и позволяют создать яркий образ (Мария Васильева).
В произведениях Марии Васильевой зритель нередко встречается с женскими образами — необычными, хара́ктерными, но чаще всего художник обращается к одному из самых сложных жанров скульптуры — анималистике, которая требует от автора внимания, тонкой наблюдательности и знания животного мира.
Образ домашнего животного у Васильевой — это в первую очередь его натура, характер: смелый, меланхоличный, веселый, надменный, покладистый… Но нередко в них явственно видны характеры их владельцев, и скульптору удается точно передать эти сочетания — удачные, основанные на понимании и доверии, или, увы, окрашенные полным непониманием владельцем характера того, за кого он в ответе.
Керамист по образованию, Мария Васильева нередко обращается к работе с бронзой, потому что именно в керамике и бронзе точнее всего может выразить свои творческие пристрастия.
Сергей Касабов. Абстракция. 1995
Живопись — не литература, ее не надо объяснять. Надо смотреть. Это визуальное искусство, и там сказано больше, чем скажешь словами (Сергей Касабов).
Художник работает в абстрактной манере. Для этого направления характерен отказ от приближенного к действительности изображения форм. Главная цель абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определенных цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у зрителя разнообразные ассоциации.
Произведения Сергея Касабова — воплощения цветовых впечатлений и фантазий художника, поток его сознания, моментальный снимок его состояния, запечатленный в цвете (mosoblpress.ru).
Сергей Касабов родился в 1951 в Баку. Окончил Бакинское художественное училище. Занимался художественным литьем, книжной иллюстрацией. Живет в Москве. Участвовал в выставках в России, Канаде, Франции, Вьетнаме.
Pata (Паата Мерабишвили). Рассвет. 2008
Любовь к женской фигуре — это в первую очередь уважение и дань красоте. Ничто так не передает красоту пластики, как линия женской формы. Женская фигура вдохновляет и одухотворяет все мое творчество — скульптуру, графику и живопись, и увлечение это постоянно.
…Рассвет — уверенность в том, что в любом случае будет утро и новый день. День, когда бесконечно можно смотреть на мир — на морские волны и тихое течение реки, на женщину и коня у кромки воды… (Паата Мерабишвили).
Pata (Паата Мерабович Мерабишвили) — скульптор, живописец, график, одинаково свободно чувствующий себя в объеме и на плоскости, в материале, линии и цвете.
Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объемно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объемов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития его собственной творческой манеры (Нана Шервашидзе, искусствовед).
Валерий Мишин. Шар. 2022
На любые вопросы о своем искусстве влюбленный в джаз Валерий Мишин цитирует американского саксофониста Джеймса Картера: «Все играют так, как могут, а я играю как хочу» (smotrim.ru).
Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.
В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).
Художник находит наиболее близким себе немецкое изобразительное искусство — многие его явления от Возрождения до ХХ в., соединяющие жесткость, сухость перечисления, кропотливость и одновременно странность, мистичность. Особо родственна Новая вещественность или Магический реализм, с их скрупулезной ирреальностью. У Мишина странность, «сдвиги» не только в наборе изображаемых вещей и в их соединении, но в самой манере: в сочетании иллюзионизма и условности, в соединении высокой техничности и некоторой примитивизации. «Вещественным» изображение делает объемность, усиленная светотеневая моделировка фигур, но вместо плоти вещей — упорядоченные, монотонные фактуры, заполняющие контуры. Наивное искусство, в частности, югославских примитивистов напоминают упрощенная линия и упрощенный ритм, усиленные повторы в пейзаже, аккуратность пышной растительности на головах и лицах персонажей. Все это служит эффекту. Эффектны также постоянные столкновения противоположностей — полета и тяжеловесности, движения и неподвижности, психологической выразительности лиц и их отвлеченности от изображенной ситуации. <…> Отступление от реальности обычно рационально, обычно имеет прозрачную мотивацию… «Иная реальность» распознается как реальность художественного мышления с присущими ему операциями — отстранением, смешением, метафорами, аллегориями, парадоксами, каламбурами. <…> В любой его фантасмагории остается нечто реальное, точное. Реализм сам по себе как проблема занимает художника. В 1990-е гг. Мишин изобрел направление, названное «остаточным реализмом», в русле которого создает композиции из отпечатков разных предметов — листьев, трав, тканей, даже рыб (Любовь Гуревич. Художники ленинградского андеграунда. 2-е изд. СПб. 2019. С. 68).
Андрей Мунц. Натюрморт с самоваром и бутылкой. 2022
Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям.
Картина «Натюрморт с самоваром и бутылкой» была написана в 2022 году. Основой послужил эскиз на бумаге, нарисованный для одного из учеников по живописи.
В своём творчестве я опираюсь на мысль о том, что произведение искусства в любой области — в музыке, в литературе, в архитектуре — может быть любым, только не скучным. Я считаю, что настоящее произведение живописи должно сражать с полувзгляда и вызывать прежде всего душевные переживания. Именно поэтому я стараюсь писать темпераментно, стараюсь привносить динамику и страстность в свои работы. Когда-то давно я изобрёл формулу: «Писать надо не столько красками, сколько эмоциями», и я пытаюсь придерживаться этой идеи и по сей день. Кроме того, мне близок один из главных постулатов Леонардо да Винчи — «Разнообразь, как только можешь». Некоторые искусствоведы считают, что эти слова могут служить девизом всего Возрождения. В меру своих способностей я пытаюсь следовать этой заповеди и именно поэтому не только занимаюсь абстрактным искусством, но пытаюсь соединить абстракцию с образами реального мира, будь то архитектура или предметы повседневной жизни.
Конечно, такую задачу ставили и до меня многие знаменитые художники, такие как Кандинский, Пикассо, Лентулов. Тем не менее я пытаюсь решить эту задачу по-своему, опираясь прежде всего на опыт экспрессионистов. И может быть, поэтому для меня почти не имеет значения ни композиция, ни цвет, ни сюжет — важно запечатлеть страсть, которая владела художником в процессе создания работы (Андрей Мунц).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Ольга Оснач. Хлеб — I. Часть полиптиха «Большой голландский натюрморт». 2014
Еще одно новое имя в нашем каталоге — мастер натюрморта Ольга Оснач. «… Для меня важно рассмотреть все детали, базовые составляющие этого символического словаря предметов как под увеличительным стеклом, — пишет о натюрморте художник, — вытаскивая их из цельной композиции и создавая множественные варианты, в попытках найти идеальное решение для каждого своего “героя”».
«Работа “Хлеб” из цикла “Большой голландский натюрморт”. Цикл задуман мной как дань восхищения натюрмортам малых голландцев и небольшое исследование живописными средствами. Изучая символику этих картин, я выделила “главных героев” — это хлеб, рыба, вино, лимон. Все они несут важный библейский смысл, которым наполнены эти натюрморты. А хлеб вообще абсолютно универсален и как символ и как пища для всех людей» (Ольга Оснач).
Ирина Ракова. Нежность. 2021
Кажущаяся наивность, юмор, женственность, поэзия — персонажи ее картин, сказочные или реальные, живут полной жизнью в своем, созданном ею мире. Смотрят ли они на вас или мимо, они приглашают вас войти в этот мир или хотя бы попытаться понять его, задуматься о чем-то важном, касающемся лично вас. Мир воспоминаний, забытых впечатлений. Мир сказки.
Как она «выбирает» свои темы и сюжеты? При взгляде на ее работы возникает отчетливое и ясное впечатление, что выбирают ее они сами. Но будь то портрет, натюрморт, пейзаж или сюжетная сценка, одно в этих работах неизменно — желание художника разделить с нами яркий, радостный или грустный, но бесконечно чистый мир нашего нескончаемого детства! (Григорий Бессерман, inieberega.ru).
Живопись Ирины Раковой — это прогулка. Прогулка по миру в бесконечном движении, населенному удивительными созданиями, одновременно нежными и загадочными. По миру живому, где каждая частица пейзажа вибрирует и дышит. Приснившийся мир мечты? Наверное, сон для нас — единственный способ попасть в наше детство. Алиса, бросаясь вдогонку за белым кроликом, «падает» в страну-зеркало и пробирается через странные и в то же время знакомые ей места. Это сон? Она и сама не знает.
Живопись Ирины Раковой дарит нам возможность отправиться в путешествие по этому миру. Он наш, мы находим себя в нем… до какого-то момента. Запах осенней листвы, полет белой птицы, золотая рыбка в целлофановом пакетике с водой, взгляд девочки-феи… Мы попали в сон Ирины или ее живопись уводит нас в наш? Продолжайте следовать за белым кроликом и просто мечтайте (maxime-and-co.com).
Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Ирина Ракова».
Георгий Смирнов. Маленький капрал. 2022
Я родился в Москве в 1977 году. Отец мой работал разнорабочим на стадионе, мать — инженером-конструктором. С детства люблю читать и рисовать. Немного учился игре на баяне. Перед поступлением в ВУЗ занимался год на подготовительных курсах в Институте землеустройства с прицелом на кафедру архитектуры. Однако по окончании курсов поступать туда не стал, а поступил в Институт стали и сплавов на кафедру литья. Окончил его в 1999 году по специальности «инженер-литейщик цветных металлов». Специализацией моей стало художественное литье.
Благодаря этому, а также уникальному стечению обстоятельств я тем же летом устроился работать на Бабушкинский комбинат литейщиком в творческую группу Владимира Петровича Буйначева. Замечательный коллектив комбината, творческая атмосфера побудили и меня к созданию собственных творческих работ. В Московский союз художников я вступил в 2005 году.
С моей точки зрения, скульптура как трехмерный объект более близка и понятна зрителю, чем, например, живопись. Ребенком попав первый раз в Пушкинский музей, я был очарован скульптурными залами и долгое время до живописи даже не доходил. Египет и Месопотамия, греки и Ренессанс своими шедеврами с лихвой наполняли меня ощущением прекрасного и жаждой творить.
Скульптура для меня в классическом ее понимании не нуждается в «костылях» в виде длинных сопровождающих текстов, она интуитивно понятна и притягательна. И еще очень важен эмоциональный контакт с работой, эстетическое переживание, которое она сообщает. Сколь мудрена и пластически затейлива может быть иная современная скульптура, удивление от нее без эмоционального переживания переводит ее для меня в разряд «фокуса», некоторого аттракциона, с искусством никак не связанного (Георгий Смирнов).
«Маленький капрал» — известное прозвище Наполеона Бонапарта, чьи живописные и скульптурные изображения уже третью сотню лет не теряют популярности, и даже Отечественная война 1812 года не смогла вымести их из русских великосветских гостиных и кабинетов. Рост Императора известен — 169 см, по нынешним временам для мужчины не слишком много, но не критично, а уж для начала XIX века и вовсе нормальный мужской рост.
«Так откуда же тогда появилось обидное прозвище “Маленький капрал”? Ведь Наполеон никогда даже не носил это сержантское звание, а свою военную службу начал с чина младшего лейтенанта. Прозвищу-дразнилке есть несколько объяснений.
Первый вариант таков: якобы Наполеон во время своих первых военных походов любил носить форму капрала старой гвардии. Очень удобная форма одежды для пыльных и грязных полевых условий.
К тому же во французском языке слово “маленький” имеет двойное значение, в том числе не определение размера, а ласковое обращение к человеку. Вот этим ласкательным прозвищем и наградили в итальянском походе молодого и очень стройного командующего армией генерала Наполеона его же солдаты.
Вторая версия связана с тем, что английская пресса и пропаганда тех лет выставляла Наполеона амбициозным выскочкой и рисовала в газетах оскорбительные карикатуры, на которых Наполеон был изображён низким и нескладным унтер-офицером с саблей невероятного размера. Особенно досталось Бонапарту от едко-ядовитых политических карикатур британского художника-сатирика Джеймса Гилрея.
В-третьих, на картинах той поры Наполеон часто изображался в окружении своих сподвижников, военачальников и генералов. А вот они были просто гигантского роста. К примеру: маршал Мюрат был ростом 190 сантиметров, маршал Мортье — 195 см, а генерал Суам был ещё выше, почти два метра — 198 см. И естественно, на фоне этих атлантов Наполеон казался карликом.
Что весьма интересно, Бонапарт никогда не обижался на прозвище “Маленький капрал”. Он даже бравировал им и гордился тем, что придумано оно было его бравыми солдатами. Наполеон хотел, чтобы его воспринимали таким, каким его полюбила армия» (polzam.ru).
И все же в современной скульптуре образ Наполеона — это огромная редкость. Георгий Смирнов изображает его в характерной для себя стилистике, но Император безусловно узнаваем. «Пластика Георгия Смирнова сдержанна, лаконична и точна. Скульптор добивается максимальной выразительности при минимуме средств, говоря со зрителями языком обобщенности, метафор и доброго юмора» (Екатерина Шмакова, искусствовед).
Елена Суровцева. Берег. 1995
По характеру формы произведения Суровцевой своеобразны и индивидуальны. Четкий нейтральный силуэт, контрастное сочетание тяжелых, широко решенных масс с легкими, уплощенными, тщательно проработанными деталями. Пластика женского тела открывает богатые возможности (Л. В. Марц, заведующая отделом скульптуры Третьяковской галереи).
Отправной точкой в осмыслении формы стала для меня женская модель, потому что именно через нее я могу выразить и свое внутреннее состояние, и мне не приходится делать ничего инородного, непонятного для себя. Я делаю то, что хорошо знаю, понимаю и чувствую. У меня превалируют формы женского тела, выражающие внутреннее состояние, природную суть женщины (Елена Суровцева).
Е. Суровцева много работает с обнаженной натурой, исследуя тему телесности. В женской фигуре она стремится выразить глубинное ощущение природной стихии, пульсацию внутренней энергии. Это проявляется в наклоне поз ее героинь, в контурах их силуэтов, чем-то напоминающих манящие своей магией фигурки Майоля; в них встречается напряженное женское чувство, явленное в композициях Матисса и Ботеро, возвышенность поэтики импрессионизма, погружение в барочную культуру XVIII столетия. В камерных композициях Суровцевой скрывается глубокая нежность к человеческому телу, в котором способен отражаться драматический мир обитания человека. Своеобразно художник подходит и к жанру портрета. В скульптурных портретах она пытается выразить свои размышления о непостижимости природы, одиночестве человека перед лицом времени (rah.ru).
Анатолий Чечик. Night is here (Ночь пришла). 2019
Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.
Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря (Анатолий Чечик).
Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры. В творчестве художника оригинально интерпретируются известные сюжеты, а среди наиболее частых мотивов, встречающихся в его произведениях, особенно выделяются античные мифы и библейские истории.
Творчество А. Чечика вполне вписывается в рамки и трансавангарда, с его новым культивированием высокого ремесла, и иронического постмодернизма, способного эксплуатировать давно открытое. Явное ощущение дуализма мира делает философскую основу его живописи схожей с символистской, а порывистость и звучность колорита, фактурность мазка и интенсивность переживания — с экспрессионистской. Впрочем, тщетны поиски прямых параллелей, следует говорить скорее о духовных истоках, художественном опыте, вобравшем в себя различные культурные слои.
Чечик принадлежит к художникам, чье творчество требует особенной осторожности в определениях и формулировках. Его непоследовательность разрушает границы трагедии и карнавала, гротеска и лирики. Его персонажи (а как было замечено, его более интересуют именно персонажи, нежели модели…) и «предметы» несут в себе универсальные идеи. Но легко обнаруживается их частное «я», которое и взывает к сочувствию. В этом сочетании главный магнетизм его живописи (Нина Геташвили, achechik.com).
Желаем удачи на 149-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20230116_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20230116_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
