Открыт 136-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Семёна Агроскина, Яна Антонышева, Рубена Апресяна, Алексея Гинтовта, Николая Жатова, Наталии Жерновской, Владимира Ковальчука, Александра Лозового, Юлии Малининой, Бориса Марковникова, Валерия Мишина, Андрея Мунца, Ирины Наседкиной
Каталог AI Аукциона № 450 и 136-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Окончание аукциона в пятницу, 7 октября, в 12:00.
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
В составе аукциона 13 лотов — 8 живописных произведений, три работы в смешанной технике и два листа оригинальной графики.
Семён Агроскин. Высотка. 2019
… Выхваченная из клубящейся темноты, увиденная снизу воздушно-золотистым, кверху устремленным пятном, она кажется каким-то небесным видением. Камень стал не “кружевом”, а светоносным излучением, преодолевающим и земную тяжесть, и земную боль (Вера Чайковская, agroskin-art.ru).
Семён Агроскин занимает какое-то совсем особое место в современном художественном процессе. Он парадоксален, и это отличает его и от «левых» и от «правых», от авангардистов и традиционалистов. Стремление к предметной изобразительности, возрождение «старых» жанров, таких как натюрморт, портрет, автопортрет, пейзаж, интерьер, глубина и серьезность самой позиции художника по отношению к миру, — что это, как не безнадежная в глазах многих архаика? Но при этом живопись Агроскина производит впечатление очень современной: в ней схвачен живой повседневный нерв, ритм, пульсация города и человека, порой возникает неожиданный угол зрения на предметы, лица, жесты и движения (Вера Чайковская).
Работы Семёна Агроскина наполнены тишиной, молчанием, одиночеством. Это ощущение достигается точным выбором сюжета, композиционным решением: окно, за которым просто темнота или неуютное отчужденное пространство, либо предмет интерьера, выступающий из пустоты.
В работах Агроскина ничего не происходит, нет никакой развернутой фабулы, все находится в состоянии статики, но они притягивают внимание зрителей своей неоднозначностью и глубинным подтекстом, скрывающимся за кажущейся простотой. Многозначительность молчания заставляет задуматься о серьезном, почувствовать себя вовлеченным в образный ряд автора.
Этой странной душе, кажется, вообще ничего предметного не нужно — только свет, тепло, легкость, ласка, порыв и опьянение чувством, что ты живой. Еще пока живой. Оказывается, это тоже немало. Отсюда этот живописный «трепет», свечение, пронизывающее тьму, нервность кисти и тонкие переходы от оттенков к цвету, всегда неяркому, сдержанному, «стыдливому». Вместо ярких тонов — вспышки света, вибрации души (Вера Чайковская).
Для живописца Семёна Агроскина естественно жить в мире светотени и создаваемого ею бесконечного объема, глубокого пространства, зачастую — в сериях разных лет — данного с необычных ракурсов.
Прямой взгляд на явление — из окна ли, из внутреннего ли пространства личности, которое тоже есть «окно», какая-то рамка, мировоззренческая или физическая, — исключает, казалось бы, разомкнутость и многосмысленность самого явления (так бывало в работах Михаила Рогинского).
Всё превращается, скорее, в некоторые внутренние формулы постижения внешнего мира, это столь же явления, сколь и мысли о явлениях (Вера Калмыкова, cultobzor.ru).
Читайте об авторе на AI: «Персона недели: Семён Агроскин».
Ян Антонышев. Зубы дракона, или Колесница в Выборге. Из серии «Таро Питера». 2013–2015
В колоде «Таро драконов» есть карта «Колесница». На ней изображен китайский дракон Лун — защитный дух Небесного Императора. Аркан Таро «Колесница» — это символ пути с препятствиями. Путь трудный, но добро победит: колесница доедет к волшебному замку, даже если препятствие — посеянные «зубы дракона», которого, по древнегреческому мифу, убил Кадм (Ян Антонышев).
Кстати, миф о Кадме дает и еще один важный посыл: тот, кто не боится трудного пути, не останется в одиночестве.
В тяжелой битве Кадм победил змея, и «явилась к нему Афина и велела вырвать зубы змея, после чего посеять их, как семена на вспаханном поле. Кадм сделал, что повелела богиня, и тотчас вырос из зубов дракона целый отряд вооруженных воинов. Увидев нового неведомого врага, Кадм схватился за меч, но один из воинов, рожденных землей, воскликнул: “Не хватайся за меч! Берегись вмешиваться в междоусобный бой!” Тотчас же между воинами завязалась битва. Лишь когда их осталось пятеро, они бросили оружие и заключили между собой тесную братскую дружбу. С тех пор спарты, то есть “посеянные”, как их стали называть, помогали Кадму во всех его начинаниях» (mify.org).
Ян Антонышев родился в 1965 году в Санкт-Петербурге.
В 1985 году окончил отделение реставрации Художественного училища имени В. Серова (теперь имени Н. Рериха), получил мастерскую от Союза Художников.
Участник выставок с 1990, в том числе в России, Италии, Германии, Франции.
Работы выставлены в Новой Пинакотеке в Мюнхене, находятся в собраниях Министерства культуры РФ, музеев и галерей России, а также в частных собраниях России, Швеции, Германии, Шотландии, Франции, Южной Кореи, США, Италии, Норвегии, Канады и др.
Работает в области фигуративной графики, в авторской пастельной технике: использует пастель, картон, обработанный особым образом, и реставраторский скальпель — для проработки деталей.
Несмотря на то, что Ян как художник формировался в среде неформальных ленинградских тусовок 1980-х (Сайгон, рок-клуб и т.д.), в его работах больше всего заметно влияние традиционной академической культуры с ее вечными сюжетами и символами.
В 1981 году Ян Антонышев вместе с друзьями основал группу «Старый Город». Девиз коллектива — внимательно всматриваться в городской ландшафт, чувствовать пульс его жизни и сохранять историческую старину Петербурга — если не в реальном пространстве, то в своих работах.
Главный герой работ Яна — Петербург, который становится его альтер эго и предстает в его работах живым существом.
У художника есть своя система символов и знаков: красно-белая оградительная ленточка становится оберегом; рыбы — отсылкой одновременно к библейским сюжетам и к личной жизни; трехцветный мячик — неизменный атрибут работ Яна — отсылает к фильмам Андрея Тарковского, который оказал большое влияние на художника. В коллекции Тарковских хранится несколько работ Антонышева.
Ян — активный участник градозащитного движения Петербурга, призванного защитить исторические здания от уничтожения (yanantonyshev.com).
Рубен Апресян. Интерьер с цветами. 1993
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).
Алексей Гинтовт. Иное I. 2022
Меня всегда интересовала эпоха великих свершений, люди проекта, эстетика большого стиля. Если в настоящее время мы уверенно можем сказать, что никакой большой проект себя не проявляет, то, несомненно, возникнет интерес оглянуться назад (Алексей Гинтовт).
Алексей Гинтовт сегодня, возможно, главный художник в современном русском искусстве, развивающий идею Тимура Новикова «будущее — в прошлом». Вот уже почти 30 лет Алексей Гинтовт убеждает, что авангардом сегодня является не суетливый поиск чего-то нового, а, наоборот, обращение к традиции, к давно известным ценностям. Объясняет он это порой нарочито жестко, без анестезии — на языке «нового ампира», традиционализма, имперского авангарда.
«Противопоставленное модернизму неоакадемическое направление, ставящее своей целью сохранение и возрождение классического искусства, стало для Гинтовта тем фундаментом, на котором сформировался его собственный художественный стиль.
Красота и совершенство исполнения становятся для Гинтовта главными мерилами собственного творчества. В плане композиции и стилистики это симметрия и гармония, сочетание сусального золота и черной или красной типографской краски. Особое внимание художник уделяет технике исполнения своих работ: это преимущественно ручная печать с пристальным вниманием к деталям. При этом он не ограничивает спектр своих выразительных средств, периодически работая с видеоинсталляцией, графикой и скульптурой.
Отточенное до предела техническое мастерство в сочетании с минимализмом изобразительных средств приводит к тому, что его работы вызывают ощущение величия. Сам Гинтовт говорит об этом так: “Чем ограниченнее художник в выборе средств, тем значительнее результат. Избыточность вредит проекту. Мне всегда была важно найти то решение, проще которого быть не может. Продолжая эту линию предельной экономии, можно говорить о том, что рисование отпечатками пальцев — это есть та последняя степень скупости средств”» (Алексей Быковский, artinvestment.ru).
Николай Жатов. Ожидание. 2019
Серию авторских индустриальных городских пейзажей и интерьеров продолжает холст «Ожидание» (2029) Николая Владимировича Жатова.
Николай Жатов живет в Орле с 1985 года. Уроженец села Пески Воронежской области (31 января 1954), он окончил Саратовское художественное училище (1979) и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина Академии художеств СССР (1985). Участвовать в выставках начал в 1983-м. Член ВТОО «Союз художников России» (1991). Преподавал в Орловском художественном училище (1985–2000). Художник пишет преимущественно портреты и пейзажи (orel-sh.ru, vrnguide.ru).
Наталья Жерновская. Из серии «Одиссей». [2021]
Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).
Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).
В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Художницу привлекает красивое в классическом понимании, она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Вдохновение часто находит в фотографиях, особенно советского довоенного периода, поясняя: «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать». Выхватывая выразительный жест или красноречивую позу, Жерновская создает эффектные образы, которые хочется снова и снова рассматривать (vladey.net).
Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).
Владимир Ковальчук. Balalaika. 2020
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии. Потенциально сюжетов бесконечное множество, нужно только включить воображение.
Александр Лозовой. Курганы скифов. 2006
Однажды я рассматривал свои живописные работы в микроскоп и увидел, что отдельный мазок кистью состоит из органичных, естественных, связанных переходов из цвета в цвет, чего нельзя было сказать обо всей картине в целом. И я стал пробовать, экспериментировать, чтобы достигнуть такого же эффекта на всем полотне. Стал использовать специальные эмульсии, соединяющие темперу с масляной живописью, применять различные вспомогательные материалы, как, например, концентрат из дубовой коры, белок от куриных яиц, пчелиную пыльцу и др. Все это не было моим изобретением. Дубовую и ольховую кору использовали в древней Руси для написания книжных миниатюр, мед и яйца использовали в Европе в средние века. Я просто изменил пропорции и использовал в одной работе большее количество компонентов (Александр Лозовой). Разработанная художником технология нанесения и закрепления красок на холсте, когда пигменты в красочном слое не смешиваются, обеспечивает яркость и прозрачность красок.
Работа «Курганы скифов» (2006) выполнена в иной технике — в сочетании монотипии и коллажа. В отличие от ярких, солнечных живописных работ художника о дне сегодняшнем, она, загадочная, словно мираж, и столь же притягательная, уводит зрителя в глубины веков, в вольные степи, где еще сохранились следы великого народа, о котором писал Александр Блок.
Александр Лозовой родился в 1949 году в Сухуми. Автор книг, статей по изобразительному искусству, телевизионных фильмов. В 1977 в Ленинграде защитил кандидатскую диссертацию по психологии изобразительного искусства.
Участник выставок с 1969. Экспонировался на персональных и групповых выставках в России, Италии, Германии, Греции, США, ЮАР.
Работы находятся в собраниях ГМИИ им. А. С. Пушкина, ММОМА, Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Ярославского музея изобразительного искусства, Архангельского художественного музея, Историко-художественного музея «Новый Иерусалим», музея Циммерли (США), в других музейных и частных собраниях в России, Европе и США.
«На сегодняшний день он остается единственным художником, кто непосредственно учился у русских авангардистов начала двадцатого века. Его учителем была Варвара Бубнова (1886–1983), работавшая и выставлявшаяся вместе с Малевичем, Татлиным, Кандинским, Филоновым, Родченко и другими. Отец Лозового — Николай Лозовой (1901–1992) в 1920-х годах учился у Малевича и Филонова, был знаком с Черубиной де Габриак…
Живет и работает Александр Лозовой в Москве, но значительную часть времени проводит на Черном и Адриатическом морях, в Абхазии и Черногории» (dommuseum.ru).
Юлия Малинина. Небо цвета бордо. 2019
Юлия Малинина — художник с метафизическим взглядом на мир, органически присущим отечественной школе живописи. Такой взгляд обнаруживает в окружающем художника пространстве объекты, созданные человеком, и объекты природы, несущие на себе печать отрешенности от повседневного. Структурной основой для художника является Архитектура — универсальный символ человеческой деятельности, продукт инженерной мысли и технологии, сочетающий высокое искусство и функцию оформления жизни. В архитектуре для художника объединяются природное, социальное и культурное, присутствуют характеристики пространственной среды и человека (Анна Флорковская, член-корреспондент РАХ, artcontract.ru).
Фигуративная живопись у Юлии Малининой выглядит своего рода реконструкцией художественного языка модернизма ХХ века — будь то американский реализм Эдварда Хоппера или Чарльза Шилера или метафизические ландшафты Джорджо де Кирико (cultobzor.ru).
Я люблю архитектуру, в промышленном же воплощении ее предельная функциональность, выверенность, обусловленность нахождения на своем месте выходит на первое место и рождает особую эстетическую красоту. Красоту, как правило, без изысков. Для меня это практически портреты заводов и иных индустриальных объектов, извлеченные из фигуративной окружающей действительности. В серии нет ландшафта, окружающего пейзажа в его классическом понимании. В картинах, можно считать, наличие горизонта мы достраиваем в голове, додумываем, что внизу должна быть трава, наверху — небо. В каком-то смысле, возможно, этот подход — отголоски моего реставрационного образования и моей тесной работы с иконами. Используя такие построения, я отсылаю себя к иконописной практике условности окружающего, с идеально ровным поземом (Юлия Малинина, artuzel.com).
Борис Марковников. Начало. 2015–2017
... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.
Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.
Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.
Сопереживай мне!
Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.
Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).
«Становление художника Бориса Марковникова пришлось на годы перестройки, в то время художник обратился к абстрактному способу выражения… много экспериментировал с формой и материалом, создавал инсталляции. В начале 2000-х нашел свой метод работы с полотном — граттаж. Борис Марковников наносит до 15 слоев масла, а затем процарапывает их, погружаясь внутрь слоев, подобно археологу в поиске связи времен.
Процарапывание для художника является не просто расчищением поверхности холста, но и своеобразным ритуалом в поисках света, исследования его движения и оптики, наведения резкости не только на объекты вовне, но и внутрь сознания как автора, так и зрителя.
Исследование пространства, света и цвета, природы материала у Марковникова имеет глубоко личностный характер: работа художника становится в подлинном смысле трудом — напряженным духовным переживанием, направленным на переосмысление архетипов человеческого и сверхчеловеческого божественного начала, переплетение индивидуального и общего опыта. Непростота этого проекта имеет принципиальный характер, в том числе на уровне техники: метода процарапывания, к которому часто обращается художник» (Никита Махов).
«Мои нефигуративные работы — это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную», — говорит художник.
Марковников «словно бы запечатлел момент, предваряющий появление жизни, написав множество переплетающихся друг с другом биоморфных образований, по своей форме напоминающих сперматозоиды. В этих сложных хитросплетениях сложно отделить одно от другого и выявить, где их начало и конец. Марковников переводит в монументальный формат процессы, происходящие на клеточном уровне и доступные человеческому глазу только через микроскоп. Средствами живописи он стремится к постижению тайн мироздания, обнаруживая присутствие божественного начала на каждом из уровней бытия. Завораживающая красота жизни микромира и вместе с тем сложность его устройства является для автора главным объектом эстетического переживания» (Мария Беликова).
Валерий Мишин. Лодка. 2022
Художник Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.
В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).
В эстетике сюрреализма создано полотно «Лодка» (2022) — загадочная сцена с собакой, сидящей в лодке на берегу озера или моря. Несмотря на кажущуюся простоту сюжета, работа сбивает зрителя с толку, провоцируя его искать смысл увиденного. Сцена вызывает ассоциации со сновидческими образами, которые возникают в сознании из воспоминаний о реальности, но все же отличаются от нее (например, чрезмерно длинные и тонкие, словно веточки, весла лодки). Ощущение ирреальности усиливает выбранный художником ракурс изображения: край лодки буквально упирается в небо.
К работе Мишина неприменимы законы здравого смысла, поскольку она апеллирует в большей степени к интуитивному восприятию зрителя, приглашая его стать соучастником процесса формирования образных ассоциаций: «Хотя я рисую целенаправленно, зная, что делаю, я оставляю люфт для зрителя — понять так или по-другому, увидеть то или другое», — говорит художник (smotrim.ru).
Скупая палитра полотна выстраивается на основе тональных градаций двух цветов — серого и голубого. В изображении лодки, берега и собаки преобладает выраженное линеарное начало, создающее эффект рисунка, тогда как небесное и водное пространства, переходящие одно в другое, контрастно трактованы в живописном ключе и не имеют четких контуров. В духе мастеров сюрреализма художник подстегивает зрительский интерес, оставляя ему пространство для свободной интерпретации увиденного (Мария Беликова).
Андрей Мунц. Параллельный мир. 2021
«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).
Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания (Юлия Волгина, искусствовед).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).
Отметим две важные особенности работ Андрея Мунца: они всегда наполнены движением (даже архитектурные композиции) и никогда не бывают безымянными. Но его названия (за исключением разве что узнаваемых городских пейзажей) не устанавливают строгих рамок вроде «воспринимать так и не иначе», а деликатно указывают направление, в котором работала мысль художника и где для зрительской фантазии нет ограничений.
Интереснейший холст «Параллельный мир» (2021) заставляет зрителя задуматься. В каком мире существуют фигуративные элементы композиции — дом с квадратными окнами, городской пейзаж, бутса, игроки в бейсбол и пр., — в реальном или в параллельном? Если в параллельном, то каков реальный мир? А может, параллельный мир в бешеном движении рождается из реальности прямо на холсте, здесь и сейчас?
Ирина Наседкина. Из серии «Банки». [2021]
Завершает каталог 136-го кураторского аукциона большой холст из серии «Банки» [2021] работы Ирины Игоревны Наседкиной.
Желаем удачи на 136-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20221003_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20221003_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
