Открыт 110-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   04 апреля 2022

В каталоге — произведения Дмитрия Воронина, Сергея Кривцова, Александра Курилова, Сергея Максютина, Бориса Марковникова, Андрея Марца, Андрея Медведева, Pata (Пааты Мерабишвили), Валерия Мишина, Андрея Мунца, Анатолия Пурлика, Леонида Ракова, Натальи Турновой

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 424 и 110-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 110-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, один лист оригинальной графики и три скульптуры.

Дмитрий Воронин. Шпиц. 2022

«Ваш шпиц, прелестный шпиц, не более наперстка / Его я гладил всё — как шелковая шерстка!» — первым делом вспоминается всем, кто читал Грибоедова. А на самом деле шпиц — энергичная собака с независимым характером, умная, верная и благородная. Именно такая, какую создал скульптор Дмитрий Борисович Воронин. Получившийся образ не назовешь «прелестным» — воронинский шпиц красив «психологически» и виртуозен по технике исполнения.

Дмитрий Воронин — художник-анималист, работающий в графике и станковой скульптуре, член Союза художников России, почётный член-корреспондент Международной академии культуры и искусства. Известен прежде всего как мастер деревянной скульптуры, виртуозно работающий в таких сложных техниках, как маркетри и инкрустация, поверхность его работ отличается богатой орнаментикой, игрой фактур и декоративностью.

Телеинтервью скульптора Дмитрия Воронина
Источник: youtube.com

«В конце 90-х годов, монтируя одну из скульптурных выставок, неожиданно увидел необычную работу. Спрашиваю: кто автор? Подходит скромный, худенький молодой человек… Это был Дима Воронин, а работа называлась “Рыба”.

С тех пор встреча с каждым произведением Димы вызывает у меня удивление и восхищение.

По мастерству обращения с материалом ему нет равных, разве только скульптор Кирилл Александров.

К своим открытиям в скульптуре Дима прошел и через классическую школу Строгановки, и через реставрацию, и через работу гл. художником фрезерного завода. В разное время его учителями были такие большие скульпторы, как Лев Михайлов, Александр Белашов, Александр Бурганов. Но сильнее всего, по мнению самого автора, на него <повлияло> творчество Андрея Марца. Гротескность образа, предельная лаконичность стали основными приемами и в творчестве скульптора Дмитрия Воронина.

В своих произведениях Дима как бы балансирует на грани. Отказ от традиционной пластики, идеализация формы, предельная выявленность материала легко могут увести в холодный дизайн и потерю внутренней теплоты содержания. Не случайно автор иногда возвращается к традиционной пластике — “Кот”.

Очевидна безразмерность многих произведений Димы, они могут быть воплощены и в более крупных размерах.

Почему животные? У Димы с детства были животные, он любил их и наблюдал за ними. Думаю, что внутреннее восхищение божественным творчеством — неисчерпаемость форм и конструкций — подлинный фундамент творчества скульптора Дмитрия Воронина» (22 апреля 2014, скульптор Борис Чёрствый).

Сергей Кривцов. Лев и львица. 2011

Животный мир, его бесконечное разнообразие привлекали меня с детства. Мне нравилось рисовать и лепить животных. И я сделал свой выбор, став художником-анималистом. Еще студентом посчастливилось познакомиться с удивительным мастером, мэтром отечественной анималистики скульптором Андреем Валериановичем Марцем. Он был моим наставником в освоении этого сложного, интереснейшего жанра.

В своих работах стремлюсь передать динамику и экспрессию. Люблю показывать зверей в момент борьбы, напряжения всех сил, когда исход схватки неясен и накал достигает апогея (Сергей Кривцов, academy-andriaka.ru).

Он может причудливо изогнуть и закрутить форму, казалось бы, невероятным образом. Но при этом пластика сохранит естественность и будет точна.

Для него конкретное наблюдение — отправная точка создания художественного образа. Анималистика — один из самых трудных жанров, ведь главный источник вдохновения здесь — природа. А она, как известно, изучения требует длительного и тщательного. Художник-анималист самостоятельно постигает анатомические особенности разных животных, наблюдает их, становясь настоящим натуралистом.

Однако природу недостаточно просто скопировать. Чтобы бронза «ожила», нужно вдохнуть в нее свою энергию. Сергей Кривцов уверен: «Скульптура – не застывший металл, это механизм, имеющий невидимые внутренние пружины и рычаги, нужно только суметь их правильно найти и заложить». Художник, как и писатель, должен сродниться со своим героем, «влезть в шкуру» каждого зверя, чтобы понять его образ.

Характерная черта этого скульптора — честный, серьезный подход к работе. Кривцов старается ориентироваться на классические каноны «старого образца», правда, нередко экспериментирует и с новыми материалами. Но если речь идет о бронзовом литье, никогда не пропускает этапы: пластилин — гипс — воск — бронза: «Только работая с полной отдачей на всех этих стадиях, можешь получить результат». Это тот случай, когда творческое вдохновение художника и владение ремеслом соединяются вместе, чтобы дать рождение замечательным произведениям (academy-andriaka.ru).

Александр Курилов. Тайка идет. 2002

В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).

Картина «Тайка идет» — яркий пример сюрреалистической игры: художник делится своими воспоминаниями, переживаниями и радостями, выражая их с помощью абстрактных образов, которые вместе с насыщенным цветовым наполнением вызывают в подсознании зрителя уже новую цепь ассоциаций, оторванных от изначальных интенций автора. И в этом случае зритель сам становится активным соучастником формирования новых смыслов произведения (Мария Беликова).

Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).

Сергей Максютин. Скорпена. 2020–2021

От автора: «Поймать смысл воды, ее суть — это очень интересная задача для меня. Изменчивость, вибрация, бесконечность ритмических и иррациональных явлений — какой простор и свобода....

Вода — это другое прочтение пространства, другое измерение времени... другое состояние. Имеет единовременно много измерений и пространств. 

Поверхность — реагирует на свет и цвет неба, окружающий лес, облака. Отражается целый мир, но в другом вибрирующем пространстве. 

Другой слой — дно. Это песок, водоросли, рыбы, камни, затонувшие ветки... Другой мир, другая жизнь.

Течение воды, как и течение времени, меняется и остаётся постоянным.

Но вряд ли это решаемая задача... и это ещё интересней…

Я пишу долго, очень долго. Тугодум. Я хочу, чтобы мои работы с каждым новым взглядом на них вскрывали новые слои восприятия, не были однозначными. Поэтому я накладываю новые впечатления слой за слоем. Цветовая и чувственная природа должна выражаться даже на небольших участках холста, который нередко можно рассматривать как полную эмоций абстракцию... мне бы этого хотелось. Не знаю, получается ли...» (Сергей Максютин).

Художника привлекает красота и мощь природы, силы, неподвластные человеку. Это наглядно демонстрируют его циклы «Вода», «Облака», которые в трактовке художника превращаются в нечто нематериальное, непостоянное, меняющееся, исчезающее и вновь возникающее. Композиции действуют завораживающе, обладают магической силой.

Водной стихии посвящены не только большие программные холсты художника, но и его графика. Акварель «Скорпена» (2020–2021) передает образ рыбы в естественной среде.

Борис Марковников. Роза дорог. Из серии «Дорога». 2010

... Надо остановиться и вспомнить о художественной молитве.

Все мысли, страхи, предчувствия, гнев, сексуальность, все «хочу», «могу», «дайте», «возьмите» всплывают, становятся более явными, выстраиваются в комбинации. Иногда соотношения бывают парадоксальными. Иногда из глубины появляется нечто, что вызывает очень сильное потрясение и — переживание. Настолько сильное, что невозможно не попробовать воссоздать его в материале.

Погрузись со мной в переживание, и ты будешь моим другом.

Сопереживай мне!

Чем сильнее переживание, тем лучше оно связано, с одной стороны, с первичным импульсом, а с другой — с путем, по которому зритель распознает это переживание, проходя через множество трудностей, подобно тому, как рыба-самка мечет намного больше икринок, чем в состоянии оплодотворить самец, а мальков появляется и того меньше.

Для меня «переживание» не только чувственная категория, вместе с ним приходит знание... (Борис Марковников, 1997 год, markovnikov.ru).

Такая довольно типичная, многим знакомая российская дорога, ведущая неизвестно куда. Справа и слева — темный лес, чуть свет вверху — небо, чуть свет внизу — шоссе, а весь клин перспективы — в никуда. Сумерки. <…>

…Вспомните сами такую дорогу в то время, которое называется «между волком и собакой», то есть когда дело уже к ночи. Одна перспектива мало чем отличается от другой, а ровный рокот мотора того и гляди введет в опасную дрему. Единственное, что позволяет бодрствовать такому водителю/художнику, — это как бы недремлющий и предостерегающий внутренний голос. Он-то и окликает названием работ: «Город близко», «Странное место», «Поверни направо!»…

В серии «Дорога» слышится, если так можно сказать, какая-то странная тишина. При том, что по видимости ничего особенного не происходит, ощущается настороженное ожидание чего-то важного, которое вот-вот должно, просто обязано свершиться. Надо сказать, это довольно опасное состояние, когда это самое ожидание может обернуться катастрофой. А может…

Так или иначе, но Марковников, как своего рода патрульный, до рези в глазах всматривается в эту все длящуюся монотонность и чего-то ждет. <…> Подобное ожидание и даже нетерпение Марковников стремится передать с помощью самой пластики. Хотя пластика в этом его случае особого рода. Скорее всего, это ее некая оборотная сторона, поскольку это пластика как бы навыворот: она парадоксальным образом самоутверждается, отрицая самоё себя.

Граттаж — техника процарапывания, истоки которой можно проследить вплоть до античности. <…> Граттаж у Марковникова — парадоксальная живописная система, в которой контр-мазки (то есть царапины) наносятся не кистью, а штихелем или ножом. Это выемка или выборка пигмента, то есть техника как бы отнимания или вычитания у красочного слоя. Но при этом парадоксально возникает тот же самый эффект, что и в тональной и даже валерной живописи. Как у старых мастеров, которые терпеливо мазок за мазком накладывали лессировки. То есть создается то же самое ощущение вибрации живописной поверхности (Михаил Боде, agencyart.ru).

Андрей Марц. Скалярия. 1990-е

Отточить образ до символа, найти для каждого зверя его пластическую формулу можно лишь при хорошем знании натуры. Художник-анималист должен попытаться понять сущность животного, не очеловечивая его. Мне дорого само животное, характерность того или иного вида. Когда мне удается это передать — создаваемый мною образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным (Андрей Марц, marz12.narod.ru).

Андрей Марц обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного культурного пространства. Его острое, цепкое видение, подпитанное раскованным воображением и тонким чувствованием возможностей скульптурного материала, соединяло непосредственные реальные впечатления с глубокими познаниями истории мировой анималистики — от первобытных памятников и искусства кельтов до образов, знаков и символов, созданных изобразительной традицией народов Ближнего и Дальнего Востока, Китая, Индии и Северной Африки.

Так возникала новая скульптурная «живность», очень выразительная по формотворческим решениям, сочная по лепке характеров, живущая по каким-то своим особым законам, созданным для нее одним из тишайших созерцателей природы, скульптором Андреем Марцем. Жирафы, похожие на ажурные затейливые башенные конструкции, антилопы, чьи полетные грации изящно подчеркнуты остроумным кроем объема из единого медного листа, носороги с монументальными панцирными телами, уподобленными доспехам средневековых рыцарей, рыбы, словно вылепленные по неведомым древним магическим рецептам, разнообразнейшие птицы, то танцующие, то хлопочущие по своим «житейским» надобностям, то трагически надломленные, в литьевой лепке которых угадываются следы экологических катастроф...

… Образы животных — лиричные и трагикомичные, монументальные и игровые, архетипные и конструктивно-декоративные — все они были отмечены печатью таланта их создателя и неповторимой марцевской любовью к жизни (Л. Ю. Исаева, artmuseumtomsk.ru).

Творчество Андрея Марца, по общему признанию, совершенно особое, уникальное явление в современном анималистическом искусстве. Его работы, острые и точные по образному решению, поражают неожиданностью и декоративностью, остроумными находками в использовании свойств материала, современностью пластического мышления. А между тем Марц — убежденный наследник классической школы отечественной пластики, считающий ее основой, опорой для искусства современного с его подчеркнутым вниманием к форме.

Что касается скульптурного материала, то Марц сделал свой выбор в самом начале творческого пути, раз навсегда определив для себя металл как наиболее подходящий для реализации его пластических замыслов. Металл — подлинная стихия Марца. Не знающий аналогов оригинальный метод мастера, изобретенный им способ металлического отлива с введением проволоки, сочетание плотных масс и сквозных ажурных конструкций, контраст объемов и пустот позволили Марцу создать свой собственный, ставший уже классическим канон, безукоризненно работающий через раскрытие свойств материала на образ, характер изображаемого животного (Марина Юргенс, ГТГ, marz12.narod.ru).

В его творчестве счастливо соединились качества скульптора, мыслящего пластическими формами, органично чувствующего выразительность и физические возможности материала, обладающего остроумной изобретательностью в решении задач, и человека, очарованного бесконечным многообразием живого мира, не устающим удивляться перед гением Творца…. (gallerynazarov.ru).

Андрей Медведев. Три грации. 2021

Мир Андрея Медведева населен огромным множеством антропоморфных (и зооморфных) персонажей. Это и сонмы остраненных «людей», внешне напоминающих героев «Черной курицы» Антония Погорельского, но при этом, как правило, совершенно лишенных эмоций, и «куклы» — самые живые, теплые и выразительные среди медведевских образов, и странные персонажи, чем-то похожие на остраненных, но чувственные и вдохновенные, и другие «люди».

Три грации — вечный сюжет. По Гесиоду, их было три: Аглая (блеск), Талия (цветущее счастье) и Эвфрозина (радостное настроение, веселье).

Как богини прелести и красоты, грации (греч. хариты) принадлежат к свите Афродиты и Аполлона и муз. Распространяемое грациями веселье относится не к области чувственной жизни, а к духовной; наслаждения музыкой, танцами, поэзией, красноречием приобретают благодаря им особую прелесть и красоту, так что поэты говорили, что не желали бы видеть Афродиту или муз без граций. Их функция заключалась в том, чтобы возбуждать в юных девушках любовь и вообще доставлять радость людям.

Искусство изображало их сначала в одежде… По мере развития искусства, одеяние их делалось все более легким, пока наконец при Праксителе оно совсем не было снято (museumsworld.ru).

Рафаэль, Боттичелли, Рубенс, Канова, другие живописцы и ваятели… Время, место, культурные и иные традиции создавали свои каноны женской красоты, которым следовали художники. Андрей Медведев отходит от характерного расположения фигур, когда две крайние стоят лицом к зрителю, а та, что посередине, — спиной, с головой, повернутой вполоборота, и пишет своих граций красавицами в созданном им огромном мире.

Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).

Pata (Паата Мерабишвили). Flamenco 2. 2021

«Flamenco 2» (2021) продолжает большую многолетнюю серию линейных живописных работ Пааты Мерабишвили — женских образов с веером, выполненных черными линиями на чистом белом фоне (или, как наша работа, белыми на плотном черном) с яркими цветовыми пятнами. Мягкие уверенные линии выявляют сложную выразительную пластику танцующих и свободное изящество обнаженных, а разноцветные веера привносят в композицию тепло и эмоциональную глубину.

«Линия — это самое простое, что мы можем нарисовать любым материалом, будь то уголь от костра, мел, карандаш или масляные краски, — говорит художник. — Однако линия далеко не так проста, как кажется, и таит в себе богатые выразительные средства».

Истоки обращения Pata к линейным композициям лежат в его искреннем восхищении и глубоком увлечении древними наскальными рисунками: «Древность порой настолько современна, что и по сей день наполняет сосуд мыслей идеями, вдохновляя простотой форм и богатством содержания.

В наскальных рисунках основой формообразующих элементов были линия и пятно — специфические средства выразительности графики и живописи. Древний художник из окружающей его действительности вычленял лишь фрагмент, практически важные элементы, не вступающие друг с другом и с пространством в какие-либо связи. В них уже можно увидеть воплощение законов композиции: уравновешенность форм, пропорциональное соотношение вертикали и горизонтали, баланс динамики и статики.

Для меня линия, контур как изображение — это нить перехода из мысли в форму, которая бывает не просто графическая, а цвето-графическая, где цвету отведена своя роль…

Пластика линий, их лаконичность, простота и легкость дают глазу возможность отдохнуть от объемов и масс — в непроглядной темноте ночи увидеть контуры гор перед рассветом».

Валерий Мишин. Пауль Клее виртуозно играл на скрипке. 2011

Художник Валерий Мишин (1939) — один из крупнейших петербургских мастеров современного искусства, живописец, график, автор серий иллюстраций ко многим классическим произведениям русской и мировой литературы, блестящий мастер офорта и литографии, создатель объектов и инсталляций.

В живописи Мишин не ограничивается конкретным стилем или направлением, создает фигуративные и абстрактные произведения. «Задача художника — преодолеть косность традиционного художественного высказывания, вскрыть подсознательные слои цветового мышления и выйти на уровень сверхсознания», — пишет о творчестве Мишина искусствовед Т. Буковская (obtaz.com).

Акрил на бумаге «Пауль Клее виртуозно играл на скрипке» (2011) входит в серию работ художника, в которых он средствами абстракции попытался выразить свой внутренний мир — мысли, переживания, воспоминания. Каждое из произведений имеет замысловатое название, до конца понятное порой только самому автору. По своей технике и колористической насыщенности эти работы близки эстетике американского абстрактного экспрессионизма. В названии листа фигурирует имя знаменитого немецкого живописца Пауля Клее, однако стилистика и творческий метод работы отсылают, скорее, к произведениям американского художника Дж. Поллока, практиковавшего спонтанное нанесение краски на холст (так называемую «живопись действия»). Часть линий причудливой паутины хаотично переплетающихся малиновых линий на абстрактном синем фоне заходит на черную «раму», окаймляющую композицию, подчеркивая идею того, что созидание не имеет каких-либо границ и пределов. Свободная, импровизационная манера письма отражает работу подсознания, очищенную от логически-рассудочного понимания. Яркая палитра произведения несет в себе основной посыл, напрямую воздействуя на эмоциональное состояние зрителя (Мария Беликова).

Андрей Мунц. Мечта о свободе. 2019

«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).

Будучи архитектором, а также педагогом, Мунц зачастую действует в рациональном творческом поле. Поэтому столь ценна для него становится возможность спонтанного самовыражения, которую дает живопись, не привязанная к натуре. Художник стремится изобразить не то, что видит, а то, что чувствует. Его работы являются отражением свободного и личного эмоционального переживания (Юлия Волгина, искусствовед).

Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.

Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.

И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя (Наталья Сопова).

Отметим две важные особенности работ Андрея Мунца: они всегда наполнены движением (даже архитектурные композиции) и никогда не бывают безымянными. Но его названия (за исключением разве что городских пейзажей) не устанавливают строгих рамок вроде «воспринимать так и не иначе», а деликатно указывают направление, в котором работала мысль художника и где для зрительской фантазии нет ограничений. Холст «Мечта о свободе» (2019) позволяет зрителю проследить за тем, как придумывалось название. На обороте написаны три авторских названия, два из них зачеркнуты — «Пьянящая свобода» (по-видимому, это был первый вариант) и «Раздвигая границы». «Пьянящая свобода» противоречит самой сути картины, потому что это состояние здесь и сейчас; движение вперед и вверх завершилось, оно ограничено рамками холста. Второй вариант — «Раздвигая границы» — это уже намек на движение, но по форме это деепричастный оборот, означающий добавочное действие (в данном случае в отсутствие основного, то есть в пустоте), и к счастью, Андрей Мунц от него отказался. Поэтому зритель любуется прекрасной живописью, а название работы побуждает его фантазировать и мечтать.

Анатолий Пурлик. Натюрморт с растениями. 2009

Бесполезно и скучно изображать реальность, ибо сама реальность уже неспособна удовлетворять автора в его желании оставаться действительно верным своей собственной природе. Тривиальное окружение уступает место воображению художника… (Анатолий Пурлик, liveinternet.ru).

Копировать на плоскости увиденное — скучно. Да и обман велик, а ну как промахнёшься… Хороший способ проверить, обладает ли картина мелодией, прост: нужно взглянуть на неё с такого расстояния, чтобы нельзя было разобрать ни сюжета, ни линий. Если мелодия присутствует в картине, значит, она имеет и смысл и запечатлевается в вашей памяти.

24 квадратных метра холста — вот, что потребуется для воплощения каждого часа ваших эмоций от пережитого.

Образы появляются, как сок спелого фрукта, способного утолять жажду творчества не испитой до конца чаши. Давать анализ происходящему тоже ведь дело неблагодарное. Остаётся только самое трудное — не сделать себя рабом правильных впечатлений (Анатолий Пурлик, eastmeetswestgallery.com).

Именно из сюжета, то есть из драматической инкрустации, взаимодействия человека с человеком, с природой, с животным миром, — вырастает колорит картины, ее пластика. Собственно краска становится основным психологическим нервом, она загадывает интригу произведения и заколдовывает воображение зрителя. О. Уайльд говорил, что «любое искусство есть всегда и поверхность, и символ»… <…> При всех этих сложных символических свойствах колористические пятна образуют плотную поверхность полотен, крепкую композицию, которая могла бы существовать и как абстрактная работа, независимо от предметного мира. Конечно, после Сезанна такое художественное изобретение не ново, но принципиально то отличие, что Анатолий монументализирует не только застывшие пейзажи и натюрморты, но и весьма динамичные композиции. От традиций голландцев, Сезанна, унаследовано особенное символическое очарование натюрмортом, в котором сталкиваются два мира: природный, созданный Богом и рукотворный, созданный человеком. Так и в человеке живут и часто борются две сущности: земная и божественная.

Стиль, пластика, форма картин Пурлика основываются на синтезированном восприятии самых разных традиций конца XIX века — первой половины XX (набисты, постимпрессионисты, фовисты, немецкий экспрессионизм, русское плакатное и театральное искусство). Из рефлексий на эти многие художественные традиции, которые пронизывают и наше время, и наши мысли, у художника возникает своя собственная «конструкция из реальности» (Сезанн), свое внутреннее представление, которое и служит основой произведений. <…>

Уникальная способность Анатолия к самообновлению в творчестве создает сложный, многомерный мир его творчества, для погружения в который требуются серьезные усилия. Но они стоят того свежего притока особого философского состояния, которое выводит человека, как птицу Феникс, на другой виток жизненного развития (Светлана Тарханова, искусствовед, halloart.ru).

Леонид Раков. Там, за горизонтом 3. 2019

Творчество Леонида Ракова — яркий пример обостренно эмоционального визуального повторения реальности. Его работы — прекрасны! Их беспредметность дает возможность окунуться в чувственные глубины собственного «Я».

Яркие, позитивные, гармонично и сложно сбалансированные по цвету абстракции Леонида Ракова радуют глаз, успокаивают нервы, будоражат воображение. В этом суть и творческая задача художника (cultobzor.ru).

Художник Раков Леонид свободен от всяких догм и «измов», он создает свои колористические композиции с исключительной дисциплиной и тактом. Каждый цвет в нужном количестве оказывается на своем месте, образуя какое-то волшебное свечение и единое гармоничное целое. Работы последних лет обладают завидной энергетикой и молодым задором, хотя автор далеко не юноша. Выполненные в плоскостной, декоративной манере, они в то же время рождают иллюзию погружения в некие таинственные пространства (Михаил Аввакумов, член-корреспондент Российской академии художеств, профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, gallerysmart.ru).

Наталия Турнова. Павел Флоренский. 2007

По опыту я ощущала, что человека всегда интересует человек. А жанр портрета, как нам его преподносили в 1970–90-х, оставался достаточно традиционным, реалистическим. И если ты выходил за эти пределы, то уже обращал на себя внимание. Мне было интересно поработать с традиционным портретом, чтобы он оставался живописью, но превращался во что-либо другое. Если ты брал образ известного человека, устоявшийся не только в визуальном, но и в этическом отношении, и выполнял в нетрадиционной для того времени манере, это воспринималось по-другому и понималось как живопись, а не как изображение писателя или вождя (Наталия Турнова).

Наталия Турнова — яркая фигура современной отечественной художественной сцены. Свои работы она называет не портретами, а «обобщенными образами состояний или переживаний, внутреннего движения и выражения человеческих эмоций». Характерные черты ее художественного почерка — монументальный формат работ, лаконичность форм, а также использование открытого насыщенного цвета, через который реализуется смысловая и эмоциональная нагрузка. По тому значению, какое имеет для художницы цвет, она сопоставима, пожалуй, лишь с экспрессионистами, с которыми ее особенно роднит стремление к передаче внутреннего состояния (Мария Беликова).

Серию своеобразных портретов философов — Рене Декарта, Мераба Мамардашвили, Джидду Кришнамурти, Альберта Швейцера — в нашем каталоге продолжает собой образ Павла Александровича Флоренского (1882–1937), священника, богослова, ученого, инженера, философа.

Решая чисто художнические задачи, Наталия Турнова вместе с тем предлагает зрителю посмотреть на портретируемых внутренним зрением, увидеть не черты лица, передаваемые линией, но черты личности — точнее, свое видение этих черт, выражаемое цветом.

Портрет — жанр, который Турнова предпочитает многим другим. Ее интересует не портрет конкретного человека, а скорее, портрет какого-то социального явления или чувства, переживания. Лицо человека в большинстве случаев предстает в виде овального пятна, обозначенного цветом, где цвет — это синоним психологичности, сложности эмоционального переживания. Отсюда рождается ощущение новой реальности. «Мне лично человеческое лицо наиболее интересно, — говорит художник. — Это очень пластичный материал, при помощи которого можно показать очень многое. Поэтому для меня портрет — благодатная почва, если уметь ей пользоваться. Не могу сказать, что я это умею, но пытаюсь» (artinvestment.ru).

Желаем удачи на 110-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI