Открыт 104-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге — произведения Рубена Апресяна, Нисо Атахановой, Александра Григорьева, Натальи Жерновской, Геннадия Красношлыкова, Пааты Мерабишвили, Андрея Мунца, Шамиля Надрова, Сергея Потапова, Анатолия Пурлика, Игоря Снегура, Натальи Турновой, Анатолия Чечика
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 418 и 104-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 104-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, две работы в смешанной технике, одна скульптура и одна фотокомпозиция.
Рубен Апресян. Композиция на зеленом фоне № 2. 1997
Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.
На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».
Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).
Пластическое чувство Рубена Апресяна, подчиняясь образным состояниям нашей реальности, превращается в органический инструмент, «скрепляющий» его собственные интуитивные переходы, взрывы и озарения со стилистикой исторического сознания, скрещивая художественные языки и раскрывая стратегические коды живописных технологий (Виталий Пацюков, искусствовед, armmuseum.ru).
Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к абстракции. Будучи учеником «советского сезанниста» Иосифа Гурвича, в ранний период Апресян закономерно испытал влияние французских живописцев, а также мастеров «Бубнового валета». Далее он все больше и больше погружался в беспредметное искусство, переосмысляя достижения русского авангарда и европейской абстракции. Подобно Малевичу и художникам его круга, Апресян исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания и создавая аналитические работы, близкие к минимализму, а также эмоционально заряженные беспредметные композиции, где основную смысловую нагрузку несет цвет (Мария Беликова).
Нисо Атаханова. Ночное приключение (Долгая дорога. Ночь). 2017
В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.
Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека (Нисо Атаханова).
Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.
Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.
“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!”» (sovetskaya-adygeya.ru).
Александр Григорьев. Композиция из серии «Спираль в разных средах». 2007
Александр Ефимович Григорьев, автор фотокомпозиции из серии «Спираль в разных средах» (2007), родился в 1949 году в Ленинграде (Санкт-Петербург).
В 1967 поступил в ЛИСИ на архитектурный факультет; в том же году познакомился с участниками московского коллектива художников «Движение» и кинетическими тенденциями в их творчестве (русское кинетические движение 1960-х продолжало традиции авангарда 1920-х, яркими представителями которого были Татлин, Малевич, Родченко, Габо и др.).
Летом — осенью 1967 сделал первые работы в стиле абстрактно-геометрической минималистической живописи и пространственные кинетические объекты.
В 1968 в составе группы «Движение» разрабатывал проект детской игровой среды «Остров цветов», в основу которого были заложены идеи «лабиринта — искусственной кинетической среды»; принимал участие в создании кинетической модели «Киберсобытие», оформлении выставки, посвящённой 50-летию советского цирка. В 1971 году стал одним из создателей декораций к фильму «Комитет 19-ти» режиссёра Саввы Кулиша, а в 1972 году принял участие в конструировании кинетических ансамблей для промышленной выставки «Электро-72» в Москве.
В 1972 вышел из состава группы «Движение», с 1973 работал в области книжной графики; в 1980–90-х создал серию графических работ с использованием фото, а впоследствии и компьютера, постановочные акции в стиле «кинетического маньеризма».
***
Импульсом к занятиям фото и фотоэкспериментами для меня послужило знакомство с фотохудожником из Свердловска. <…> А занимался он довольно странными по тем временам экспериментами. Придумывал заранее идею композиции, к примеру снимал луну с определенной выдержкой, а затем на этот же кадр в определенное место снимал новый образ. Получалось не всегда удачно, но иногда очень выразительно и художественно. И был это 1969 год.
Я пошел другим путем. В 1973 году с первого гонорара в издательстве «Знание», в комиссионном магазине на Садовом кольце, купил немецкий фотоувеличитель для узких и широких кадров. Первое направление — это двойная экспозиция с разных негативов с использованием масок. Второе направление — печать одного кадра с разной выдержкой в нескольких экземплярах и последующий коллаж из этого материала. Третье направление — это рисунок темперой по фотографии. И четвертое — это печать несколько раз одного кадра и последующее вырезание отдельных элементов и выклеивание либо зеркально, либо под другим углом и соединение в одно целое. Главная цель всего ранее изложенного — попытка выйти за пределы увиденного пейзажа, интерьера или «объекта», соприкоснуться с тонкими мирами параллельных пространств. Было еще и пятое направление — это съемка на природе заранее сделанных художественных объектов (Александр Григорьев, alegrig.ru).
Свой стиль Александр Григорьев называет кинетическим маньеризмом.
Маньерист считает абсолютно непонятным не только свое «я», но и окружающий мир, любой из его объектов. Как маньерист — поэт или художник — может относиться к этому миру? Заинтересованно? Нет. Страстно? Нет. Холодно?.. Да, пожалуй, что и не холодно, ведь холодность — тоже эмоция. Поэтому для такого человека прежде создания поэмы или картины возникает очень трудный подготовительный период. Он должен продумать: что даст ему объект, который он хочет изобразить на картине или воспеть в стихах. Это продумывание, порой, занимает гораздо больше времени, чем создание самого произведения.
Замечательный испанский философ Хосе Ортега-и-Гассет в своем эссе «Поездка в трамвае» пишет: « Я не хочу эту женщину мерить общими мерками красоты. Я хочу найти принцип красоты в ней самой. Отвлечься от всех норм и стандартов, и просто понять, почему эта женщина красива». Заметьте, Ортега-и-Гасет здесь поступает как типичный маньерист: он не хочет анализировать объект наблюдения, не хочет его расчленять. <…> Для маньериста любое состояние, любой предмет, любой объект даны в своей абсолютной непознанности. Для маньериста очень важны «политес», «дистанция». Он не хочет вовлекаться в объект. А значит, «нормальные» человеческие чувства для маньериста полностью исключены.
Маньерист крайне серьезно, уважительно и «политесно» относится ко всему, что его окружает. В качестве героев картины или стихотворения он стремится взять объекты, дающие максимальное количество эмоций и ассоциаций. Для этой цели подойдет павлин или звезда, луна или летучая рыба... (Е. Головин, alegrig.ru).
Наталья Жерновская. Без названия. Из серии «Советская античность». 2015
Художественный путь Натальи Жерновской начался в 1991 году, когда она познакомилась с Тимуром Новиковым и поступила в его Новую Академию Изящных Искусств, которая появилась… на волне формирования нового имперского консерватизма в стране, интереса к большим стилям прошлого. Влившись в сообщество неоакадемистов, Жерновская начинает дружбу с Владиславом Мамышевым-Монро и Георгием Гурьяновым, оказавшим влияние на ее творчество, но своим «учителем» художница называет именно Тимура Новикова. В 1997 году в среде Новой Академии складывается движение «Новые серьезные», куда входят Георгий Гурьянов, Денис Егельский, Егор Остров, Константин Гончаров, сама Наталья Жерновская и другие. «Новые серьезные» противопоставляли себя «шуточному» постмодернизму, особенно популярному в те годы в современном искусстве, и обращались к изучению классической живописи и шедевров старых мастеров (vladey.net).
Поворот «ко всему классическому и античному» в годы распада Советского Союза был не просто удачным коммерческим ходом, позволившим Новикову и членам его Академии занять никому не нужную в то время неоклассическую нишу. Неоакадемический проект Тимура Новикова (наряду с национал-большевистской утопией Лимонова, Дугина, Летова и Курёхина) в середине 1990-х стал одним из первых опытов постиронических художественных практик в постсоветской России. Отличительная черта постиронии — использование возможностей иронии для реализации серьезного смысла. Как отмечает российский философ и публицист Кирилл Мартынов, «постирония — это состояние, в котором границы серьезности и иронии оказываются размытыми. Постироник намеренно допускает двусмысленность своей речи, его игра состоит в том, чтобы заставить вас сомневаться: он это серьезно или нет? <…> постирония может вести к “новой искренности”, то есть позволять иронику говорить о серьезных вещах. Последний аспект самый примечательный — постирония становится культурным механизмом разрыва с постмодернизмом» (nlobooks.ru).
В творчестве Натальи Жерновской преобладают характерные для художников круга Новой Академии сюжеты — сцены с участием рабочих, моряков, людей в форме, танцоров, написанные в лаконичной, почти монохромной манере. Это можно заметить в работе <из серии> «Советская античность» 2015 года: древнее искусство рельефа соединяется с тоталитарной эстетикой в исполнении художницы. Ее привлекает красивое в классическом понимании, и в представленной работе она любуется видимым — телом, выражением лица, посадкой одежды. Запечатлевая выразительные жесты работников производства, изображая их в красноречивых позах, Жерновская романтизирует советское реалистическое искусство, что крайне редко для российских художественных течений 90-х годов. При этом она вдохновляется и различными современными медиа — фотографией и видео. «Я рисую то, что хотела бы сфотографировать, и фотографирую то, что могла бы нарисовать», — говорит она. Благодаря этому эффектные образы с полотен Натальи Жерновской хочется рассматривать снова и снова (vladey.net).
Живопись Натальи Жерновской продолжает и развивает эстетику её знаменитых фотосессий. Ее живописная манера отличается контрастностью и светоносностью, что делает её картины исключительно красивыми и очень глубокими по смыслу. Эстетика солнечной античности и интеллектуального неоклассицизма в современную эпоху имеет прекрасное воплощение в живописных произведениях Натальи Жерновской (Елизавета Плавинская, куратор, критик, искусствовед).
Геннадий Красношлыков. Маша-стесняша. 2008
Свободно владея классическим языком пластики, Геннадий Красношлыков обладает редким умением объединить эмоциональность поверхности и условность образности. Руководствуясь законами архитектоники, будучи верен фигуративности, скульптор создает композиции, для которых характерно тонкое чувством юмора, глубокая ассоциативность и пластическая яркость. Четкие, изысканные силуэты работ с тщательно проработанной поверхностью бронзы подчинены символической трактовке сюжета.
Автор всегда стремится воплотить поэтичность произведения, глубину художественного образа. При этом активная внутренняя динамика даже самых спокойных по композиционной трактовке работ несет в себе напряженность авторской драматургии.
«Я считаю, что только композиция наиболее полно выражает идею замысла, — говорит художник. — В своем творчестве я уделяю большое внимание именно композиции. <…> В композиции меня интересует некий узел, где скрыта интрига взаимоотношения формы и образа. Меня волнует стилистика древнерусской иконописи и архаичной пластики — это те пласты мировой культуры, где наряду с жесткими канонами прослеживается мощная духовная сила».
Геннадий Красношлыков. В мастерской скульптора
Источник: vimeo.com
С необыкновенным чувством художественной меры и красоты художник доводит каждую свою работу до такой степени выразительности, когда идея произведения ясно прочитывается в символике формы. Творческими ориентирами Красношлыкова всегда были, с одной стороны, русские древности, архаика («В архаике очень сильные образы. В наших древних идолах, в греческой архаике. Скупыми средствами достигается сильный, мощный образ», — говорит художник), с другой — наследие модернистов рубежа XIX–XX веков.
Геннадий Красношлыков родился в Москве в 1955 году. Окончил МВХПУ (б. Строгановское, 1989). Член МСХ (1991), член правления секции скульптуры МСХ и ОМС. Заслуженный художник РФ (2017).
Работы Геннадия Красношлыкова находятся в собраниях Фонда Министерства культуры РФ, Государственного Русского музея, Национального музея «Дракон» (Тайвань, Китай), в частных коллекциях России, Германии, США, Словении, Чехии, Швейцарии, Португалии, Италии, Канады, Японии, Франции.
Pata (Паата Мерабишвили). Flamenco 4. 2021
«Flamenco 4» (2021) продолжает большую многолетнюю серию линейных живописных работ Пааты Мерабишвили — женских образов с веером, выполненных черными линиями на чистом белом фоне (или, как наша работа, белыми на плотном черном) с яркими цветовыми пятнами. Мягкие уверенные линии выявляют сложную выразительную пластику танцующих и свободное изящество обнаженных, а разноцветные веера привносят в композицию тепло и эмоциональную глубину.
«Линия — это самое простое, что мы можем нарисовать любым материалом, будь то уголь от костра, мел, карандаш или масляные краски, — говорит художник. — Однако линия далеко не так проста, как кажется, и таит в себе богатые выразительные средства».
Истоки обращения Pata к линейным композициям лежат в его искреннем восхищении и глубоком увлечении древними наскальными рисунками: «Древность порой настолько современна, что и по сей день наполняет сосуд мыслей идеями, вдохновляя простотой форм и богатством содержания.
В наскальных рисунках основой формообразующих элементов были линия и пятно — специфические средства выразительности графики и живописи. Древний художник из окружающей его действительности вычленял лишь фрагмент, практически важные элементы, не вступающие друг с другом и с пространством в какие-либо связи. В них уже можно увидеть воплощение законов композиции: уравновешенность форм, пропорциональное соотношение вертикали и горизонтали, баланс динамики и статики.
Для меня линия, контур как изображение — это нить перехода из мысли в форму, которая бывает не просто графическая, а цвето-графическая, где цвету отведена своя роль…
Пластика линий, их лаконичность, простота и легкость дают глазу возможность отдохнуть от объемов и масс — в непроглядной темноте ночи увидеть контуры гор перед рассветом».
Андрей Мунц. Карнавал жизни. 2019
«Я пытаюсь ощутить себя свободным художником, не ограниченным какими-либо долгосрочными установками, связанными с тем или иным направлением в искусстве. Для меня важен поиск. Я стараюсь быть открытым миру, открытым новым идеям» (Андрей Мунц).
Как бы ни был логичен и последователен окружающий нас мир, наполненный завершенными формами предметов, он все равно живет по законам содержания. Художники-реалисты, последовательно и скрупулёзно описывая форму за формой и взаимодействия их в пространстве, транслируют свои личные переживания и размышления, связанные с изображаемым.
Андрей Мунц является чистейшим образцом художника поэтического сознания. В его мышлении разрушена эта последовательность и внешняя логика, в нем, как будто, и нет событий. Событием становится само чувство, эмоции. Поводом для их возникновения становятся цвет, цвета, их взаимодействия друг с другом, линии, по которым следуют цвета, и, самое главное, их движения, в, казалось бы, ограниченном двухмерном пространстве холста. Причем движения цветов и линий полностью зависят от физических действий руки и кисти самого художника и скорости их воплощения. Движение, как и пространство, взаимосвязано со временем, и вот здесь Андрей Мунц полностью оказывается в своей стихии. Он работает много и быстро, на холстах больших и не очень, каждый раз доверяя спонтанно возникающим движениям, чувствам и ритмам.
И как результат зрительского взаимодействия с работами Мунца, это палитра ощущений — часто взрыва эмоций или радостного, иногда тревожного возбуждения, веселости и азарта, очень редко сбалансированного покоя. И последнее, за что я люблю работы Мунца, — они красивы, всегда полноценны и уместны в любых интерьерах, всегда дистанционны, невзирая на доминирующее значение эмоциональной составляющей (Наталья Сопова).
Шамиль Надров. Двое с маской. 2015
Стихи: Юлий Ким, музыка: Геннадий Гладков
Источник: youtube.com
В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает «действительность». И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы (Шамиль Надров).
В поисках театрального художник обращается к танцу и цирку, к нашему времени и античной микенской цивилизации. А полотно «Двое с маской» (2015) отсылает зрителя и к венецианскому карнавалу, и к древним золотым культовым индейским маскам.
Художник помещает персонажей на сложный, роскошный, золотой, но, по большому счету, монохромный фон без деталей, оставляя зрителя без единой подсказки о тех, чьи лица скрыты масками и костюмами.
Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).
Сергей Потапов. Дон-Кихот, сражающийся с Хроносом по пути к вечности. 1998
В сфере искусства я с середины 1960-х годов прошлого века. И все это время творчество для меня — путь к познанию мира и себя. А это познание — вновь путь к творчеству. Ключевой темой моих работ была и остается древняя идея: человек как микрокосм. Возможность изобразить сознание человека, сферу его мечты, надежды, наконец, драму бытия и привела меня к символу. Для меня искусство не только сфера отражения, но и моделирующая система, приобщающая человека к красоте и тайне мироздания и приближающая его к познанию истины. В начале творчества в 1960-е годы меня вдохновляли русские символические иконы XVI — XVII веков, наивное рыночное искусство на клеенках 1930–50-х годов, буддийская живопись на шелке (Сергей Потапов).
Сергей Владимирович Потапов — яркий художник из поколения «отверженных», деятелей неофициального искусства, как называют нонконформистов 60–70-х годов прошлого века. Ветеран легендарных выставок на Малой Грузинской 70-х годов...
Творчество художника напрямую связано с историей отечественного авангарда 20-х годов. На его становление в период обучения в Строгановке на факультативном курсе «Герменевтика Символов» повлиял наставник и учитель профессор Генрих Людвиг. Другим ориентиром его творческого пути стал манифест Павла Филонова 1923 года, который многие называют предвестником русского космизма. Судьба столкнула Сергея Потапова и с другой линией русского космизма — в 70-е годы он встречался с Борисом Смирновым-Русецким, членом группы «Амаравелла» и учеником Николая Рериха. В январе 1975 года Сергей Потапов встречался с Рерихом, но уже со Святославом. Художник хорошо запомнил его мудрое наставление: «каждодневно совершенствуй то, что дано свыше до конца твоего пути, там будет указана новая дорога» (Мария Трофимова, философ).
Творчество художника Сергея Потапова продолжает характерную для русской культуры традицию философского «рассуждения» о человеке, участвующего в драме истории и открытого неизменному вечному бытию. Потапов размышляет об этом на языке живописи при помощи символов и знаков. Эти символы коренятся в прошлом культуры или найдены, «опознаны» художником в образах современной действительности. С их помощью художник разворачивает перед нами противоречивый мир, где в культурных ландшафтах (или, как еще называет их художник, «астральных пейзажах») совершаются события мета-истории, а душа странствует в гуще вечных мифов, которыми прорастает проза повседневного. Связи, ассоциации, синтезы — вот что волнует автора. Он воссоздает их, ломая разные уровни сознания и реальности, выстраивая новую структурную картину мира (Анна Флорковская, кандидат искусствоведения, автор монографии «Малая Грузинская 28: 1976–1988»).
Его творчество относят к метафизической линии концептуального искусства, а сам он называет свой стиль постсимволизмом: «Для меня это чистая медитация о воплощении образа из сферы идей в сферу видения, разумеется, в метафорической и символической форме. Однако сложное формообразование этих картин не самоцель, а распутывание механизма проникновения образа иного мира в этот мир, в сфере уточнения границ этих миров, в сфере творчества. Я не идеализирую процесс, но скорее, предупреждаю об опасностях и соблазнах, таящихся в пространстве взаимодействия миров» (Сергей Потапов).
Анатолий Пурлик. Игрушка и пряник. 2021
Бесполезно и скучно изображать реальность, ибо сама реальность уже неспособна удовлетворять автора в его желании оставаться действительно верным своей собственной природе. Тривиальное окружение уступает место воображению художника… (Анатолий Пурлик, liveinternet.ru).
Копировать на плоскости увиденное — скучно. Да и обман велик, а ну как промахнёшься… Хороший способ проверить, обладает ли картина мелодией, прост: нужно взглянуть на неё с такого расстояния, чтобы нельзя было разобрать ни сюжета, ни линий. Если мелодия присутствует в картине, значит, она имеет и смысл и запечатлевается в вашей памяти.
24 квадратных метра холста — вот, что потребуется для воплощения каждого часа ваших эмоций от пережитого.
Образы появляются, как сок спелого фрукта, способного утолять жажду творчества не испитой до конца чаши. Давать анализ происходящему тоже ведь дело неблагодарное. Остаётся только самое трудное — не сделать себя рабом правильных впечатлений (Анатолий Пурлик, eastmeetswestgallery.com).
Именно из сюжета, то есть из драматической инкрустации, взаимодействия человека с человеком, с природой, с животным миром, — вырастает колорит картины, ее пластика. Собственно краска становится основным психологическим нервом, она загадывает интригу произведения и заколдовывает воображение зрителя. О. Уайльд говорил, что «любое искусство есть всегда и поверхность, и символ»… <…> При всех этих сложных символических свойствах колористические пятна образуют плотную поверхность полотен, крепкую композицию, которая могла бы существовать и как абстрактная работа, независимо от предметного мира. Конечно, после Сезанна такое художественное изобретение не ново, но принципиально то отличие, что Анатолий монументализирует не только застывшие пейзажи и натюрморты, но и весьма динамичные композиции. От традиций голландцев, Сезанна, унаследовано особенное символическое очарование натюрмортом, в котором сталкиваются два мира: природный, созданный Богом и рукотворный, созданный человеком. Так и в человеке живут и часто борются две сущности: земная и божественная.
Стиль, пластика, форма картин Пурлика основываются на синтезированном восприятии самых разных традиций конца XIX века — первой половины XX (набисты, постимпрессионисты, фовисты, немецкий экспрессионизм, русское плакатное и театральное искусство). Из рефлексий на эти многие художественные традиции, которые пронизывают и наше время, и наши мысли, у художника возникает своя собственная «конструкция из реальности» (Сезанн), свое внутреннее представление, которое и служит основой произведений. <…>
Уникальная способность Анатолия к самообновлению в творчестве создает сложный, многомерный мир его творчества, для погружения в который требуются серьезные усилия. Но они стоят того свежего притока особого философского состояния, которое выводит человека, как птицу Феникс, на другой виток жизненного развития (Светлана Тарханова, искусствовед, halloart.ru).
Игорь Снегур. Портрет молодого человека. 2015
Игорь Григорьевич Снегур — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В своем творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. Это “не классическое пространство” не должно иметь предметного изображения, литературных идей и символов, свойственных предметной и реалистической живописи, ибо это “территория” непредметной живописи», — говорит художник. Во всех произведениях Снегура отражены его философские воззрения на пространство и время, форму и идею, цвет и свет, реализуемые средствами абстрактного изобразительного языка.
К середине 1980-х пластические разработки в духе уже общепринятых абстрактных приемов не удовлетворяли Снегура. В конце десятилетия, как пишет куратор ГМИИ им. А. С. Пушкина Марина Бессонова, «он перешел к разработкам пространственных композиций, в которых основная роль отводилась созданию сложных, многосоставных тел, возникающих из метафизической пустоты». Примером этих поисков служит карандашный рисунок 1989 года «Портрет молодого человека»: «Напоминание реальности, без каких либо поползновений ее имитации, уподобляет рисунок музыкальной пьесе на заданную тему. Угадывание реальных мотивов превращает их в метафору». К этому мотиву художник вернулся в 2015-м, и карандашный рисунок 1989 года послужил прообразом двух различных, но одноименных работ в цвете. Одна из них — «Портрет молодого человека» — вошла в наш каталог.
«Портрет молодого человека» (2015), несмотря на название, отсылающее к фигуративному изображению, представляет собой абстракцию. В этой пространственной композиции, состоящей из множества геометрических элементов, есть только весьма отдаленный намек на погрудный портрет мужчины — условно считывается овал его лица, нечто похожее на шляпу на голове, а также изгибы плеч. В целом от этих предметных ассоциаций легко абстрагироваться и увидеть многосоставное «тело», пребывающее на фоне метафизической пустоты. Композиция произведения отличается динамичностью, создается впечатление, что абстрактные формы, проникая друг в друга, являют собой наглядный пример идеи единства всего сущего. Все элементы пребывают в непрерывном процессе становления и трансформации (Мария Беликова).
Наталия Турнова. Кришнамурти. 2020
По опыту я ощущала, что человека всегда интересует человек. А жанр портрета, как нам его преподносили в 1970–90-х, оставался достаточно традиционным, реалистическим. И если ты выходил за эти пределы, то уже обращал на себя внимание. Мне было интересно поработать с традиционным портретом, чтобы он оставался живописью, но превращался во что-либо другое. Если ты брал образ известного человека, устоявшийся не только в визуальном, но и в этическом отношении, и выполнял в нетрадиционной для того времени манере, это воспринималось по-другому и понималось как живопись, а не как изображение писателя или вождя (Наталия Турнова).
Наталия Турнова — яркая фигура современной отечественной художественной сцены. Свои работы она называет не портретами, а «обобщенными образами состояний или переживаний, внутреннего движения и выражения человеческих эмоций». Характерные черты ее художественного почерка — монументальный формат работ, лаконичность форм, а также использование открытого насыщенного цвета, через который реализуется смысловая и эмоциональная нагрузка. По тому значению, какое имеет для художницы цвет, она сопоставима, пожалуй, лишь с экспрессионистами, с которыми ее особенно роднит стремление к передаче внутреннего состояния (Мария Беликова).
Серию своеобразных портретов философов — Рене Декарта и Мераба Мамардашвили — в нашем каталоге продолжает собой образ индийского духовного учителя Джидду Кришнамурти (1895–1986), известного оратора на философские и духовные темы, в число которых входили психологическая революция, природа сознания, медитация, отношения между людьми, достижение позитивных изменений в обществе. Он неоднократно говорил о необходимости революции сознания каждого отдельно взятого человека и подчеркивал, что подобные изменения не могут быть достигнуты с помощью внешних сил — будь то религия, политика или общество (ru.wikipedia.org).
Решая чисто художнические задачи, Наталия Турнова вместе с тем предлагает зрителю посмотреть на портретируемых внутренним зрением, увидеть не черты лица, передаваемые линией, но черты личности — точнее, свое видение этих черт, выражаемое цветом.
Портрет — жанр, который Турнова предпочитает многим другим. Ее интересует не портрет конкретного человека, а скорее, портрет какого-то социального явления или чувства, переживания. Лицо человека в большинстве случаев предстает в виде овального пятна, обозначенного цветом, где цвет — это синоним психологичности, сложности эмоционального переживания. Отсюда рождается ощущение новой реальности. «Мне лично человеческое лицо наиболее интересно, — говорит художник. — Это очень пластичный материал, при помощи которого можно показать очень многое. Поэтому для меня портрет — благодатная почва, если уметь ей пользоваться. Не могу сказать, что я это умею, но пытаюсь» (artinvestment.ru).
Анатолий Чечик. Lot's daughters (Дочери Лота). 2012
Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.
Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря (Анатолий Чечик).
Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры. В творчестве художника можно найти оригинальные интерпретации известных сюжетов, а среди наиболее частых мотивов, встречающихся в его произведениях, особенно выделяются античные мифы и библейские истории.
Чечик переосмысливает библейскую притчу о дочерях Лота. Своеобразие работы проявляется в оригинальной интерпретации сюжета: на многочисленных полотнах мастеров прошлого можно увидеть, как правило, изображение нагих дочерей с отцом в горной пещере, тогда как Чечик прицельно сосредотачивает внимание на девушках — какими они были в первой части повествования, до бегства из Содома (Мария Беликова).
Творчество А. Чечика вполне вписывается в рамки и трансавангарда, с его новым культивированием высокого ремесла, и иронического постмодернизма, способного эксплуатировать давно открытое. Явное ощущение дуализма мира делает философскую основу его живописи схожей с символистской, а порывистость и звучность колорита, фактурность мазка и интенсивность переживания — с экспрессионистской. Впрочем тщетны поиски прямых параллелей, следует говорить скорее о духовных истоках, художественном опыте, вобравшем в себя различные культурные слои (Нина Геташвили, achechik.com).
Желаем удачи на 104-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20220221_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20220221_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
