Открыт 97-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
В каталоге собраны произведения Михаила Ермолова, Дмитрия Кедрина, Владимира Ковальчука, Марины Колдобской, Владимира Колесникова, Геннадия Красношлыкова, Александра Курилова, Александра Лозового, Андрея Марца, Андрея Медведева, Шамиля Надрова, Анатолия Пурлика и Игоря Снегура
Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.
Каталог AI Аукциона № 411 и 97-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».
Лоты 97-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.
В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, две скульптуры и две работы в смешанной технике.
Дополнительный стринг — 4 работы Pata (Пааты Мерабишвили): одна живописная композиция, две скульптуры и одна работа в смешанной технике.
Михаил Ермолов. Самолёт. 2017
Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».
«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).
Михаил Ермолов подхватывает всеобщую увлеченность движением, характерную для общественных настроений и, конечно, для искусства 1920–30-х годов. Целый ряд его работ отсылает к вдохновленным движением произведениям Александра Лабаса, но отсылка эта всего лишь предметная и эмоциональная, не более. Михаил Ермолов создает особенный мир своего Парка, населяя его самыми яркими впечатлениями детства и юности. Впечатления эти столь реальны и непосредственны, что зритель видит восторженным взглядом мальчишки самолет, вырывающийся из плотной завесы облаков и летящий к солнцу.
«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова)
«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, тех детских восторгов, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова!
Дмитрий Кедрин. Дальний район. 2020
Пограничный, предельный, окраинный мир волновал меня с детства (Дмитрий Кедрин).
Дальний район у сопки — сохранивший старую одноэтажную застройку, расчерченный заборами, пересеченный резкой диагональю улицы и пронизанный графикой зимних, без листвы, деревьев. Уже не деревня, но еще не город. Дворы завалены сугробами, но уже светит первое яркое весеннее солнце, обнажает все краски и зовет в дорогу — к сопке, увидеть сияющий мир там, где кончаются дворы и заборы.
Кедрин — профессиональный художник-график, выпускник Московского Полиграфического института. Полученные там образование, умения и навыки не просто пригодились, но оказались важными и в живописи: «Спонтанная, эмоциональная, экспрессивная живопись требует постоянного контроля. Я называю это “вовремя остановиться”.
Для меня важно равновесие цветовых масс. Иногда какой то цвет начинает “кричать” — приходиться его успокаивать или находить ему поддержку — гармонизировать картину.
Много работаю чистым, открытым цветом, Я выжимаю краску из тюбика прямо на холст и использую тюбик как рисовальный инструмент. Это дает плотную, насыщенную цветную линию или пятно. Чтобы линия не была равномерна по всей длине, механистична, я расплющиваю ее пальцем или мастихином (Дмитрий Кедрин).
Его яркая экспрессивная живопись композиционно очень точна и даже в чем-то графична, но именно эта ее организованность и помогает зрителю глубоко сосредоточиться на художественном высказывании и услышать художника.
Владимир Ковальчук. Это не натюрморт. 2012–2013
«“Иронический диалог” между классической европейской традицией и интуитивным подходом к использованию цвета и света», — так Владимир Ковальчук определяет художественное направление своего творчества.
Владимир Ковальчук — известный театральный художник, который выпустил около 200 спектаклей в различных театрах Литвы, Латвии, России, Канады, США, Франции, Италии, Бельгии, Германии, Украины, Румынии и других стран.
Создал несколько проектов с режиссером Анатолием Васильевым, основателем театра «Школа драматического искусства». Среди них «Вариации феи Драже» (ТЮЗ, Рига, 1987, «Амфитрион» (Комеди Франсез, Париж, 2002), «МедеяМатериал» (Школа драматического искусства, Москва, 2001) и другие. Сотворчество художника с Анатолием Васильевым началось в 1986 году в Риге, после того как Васильев познакомился с Ковальчуком-живописцем, и продолжается многие десятилетия.
Совместно с Юрием Любимовым в Театре на Таганке в 2004–2006 годах выпустил два спектакля: «Суф(ф)ле» — свободная фантазия на тему произведений Ф. Ницше, Ф. Кафки, С. Беккета, Д. Джойса, и «Антигона» Софокла.
В 2009 году в театре «Школа драматического искусства» прошла персональная выставка живописи Владимира Ковальчука «Размышления. Посвящения. Вариации», экспозицию которой составили более 30 полотен из разных циклов последних десятилетий, в том числе «Лама да Винчи», «Мадонна Дарвина» и другие.
Живописные работы Ковальчука хранятся в галереях и частных коллекциях по всему миру (gif.ru).
В своем станковом творчестве Владимир Ковальчук продолжает театральную линию, «в каком-то смысле это театр, где сценой может быть и пейзаж, и поверхность стола, излучина женского тела» (Владимир Мирзоев). Но в отличие от театра главным на его полотнах становится пространство, где разворачиваются невероятные события. Это сюрреалистический мир, существующий на грани между сном и реальностью, где развиваются разные сюжетные линии.
«Это не натюрморт» (2012–2013) действительно не натюрморт. Художник выходит за рамки театрального, пространство картины по диагонали пересекает железная дорога и идущий по ней поезд. И не понять в этом странном мире, точно как во сне, то ли все несется, то ли, наоборот, движение нам лишь кажется, то ли все происходит одновременно. Все зависит от зрительского воображения.
Марина Колдобская. The Blue Eye. 2017
Писать цветы современному художнику неприлично. Писать их — значит, взять на себя риск быть обвиненным в буржуазности, сентиментальности и легкомыслии. В стремлении к бездумной декоративности и легкому коммерческому успеху. Писать цветы сегодня — значит, идти против течения, нарушать профессиональную конвенцию и рисковать репутацией серьезного автора.
Марина Колдобская принимает риск — она пишет цветы сериями, десятками, покрывая пачки бумаги и рулоны холстов букетами, клумбами и целыми полями. Выставленные вместе, эти работы превращают мастерскую художника или зал галереи в подобие райского сада, тропических зарослей, плантаций дурмана.
Цветочная серия — еще один шаг художницы на пути к истокам, утраченному раю, простоте, чистоте, самозабвенному наслаждению творческим актом. К тому, что отвергнуто, утрачено и почти забыто современным искусством.
Цветы Колдобской написаны просто — кажется, проще некуда. Несколько энергичных линий, несколько ярких пятен, решенный несколькими широкими мазками фон. Несколько плакатных цветов.
Черный-белый-красный, синий-золотой — геральдическая лаконичность палитры.
Один цветок, три цветка, много цветов — архаическая элементарность счисления.
Прямоугольник, треугольник, круг, овал – математическая ясность композиции.
Назвать картины Колдобской примитивистскими невозможно — в этой выверенной простоте внимательный зритель просматривает жесткость дизайнерского знака, строгость графических формул русского авангарда, агрессию тоталитарного плаката и магический ритм племенных орнаментов (marinakoldobskaya.net).
Марина Колдобская (1961) — санкт-петербургская художница, дизайнер, арт-критик и куратор выставочных проектов. Окончила ЛВХПУ им. В. И. Мухиной по специальности «дизайн» (1985). Работает в области живописи, настенной росписи, объекта, текстиля и керамики. Произведения художницы находятся в собраниях Эрмитажа, Русского музея, Музея политической истории России, Музея искусства Санкт-Петербурга, Государственной Художественной Галереи Татарстана (Казань), а также в корпоративных и частных коллекциях в России и за рубежом.
Владимир Колесников. Птица. 2019
Владимир Колесников, автор живописной композиции «Птица» (2019) работает в особой технике с использованием масляной пастели, масла и акрила. Визуально его работы похожи на гравюры или оттиски. Стилизованы они под итальянский рисунок эпохи маньеризма. «Техника, действительно, довольно сложная, я бы сказал — замороченная. Это рисунок масляной пастелью на специально загрунтованном холсте. Масляная пастель сама по себе очень сложный материал, она очень мягкая, жирная, с трудом фиксируется. Я работаю в этой технике уже 20 лет и постоянно ищу новые способы и приемы — стремлюсь добиться эффекта оттиска, литографии, чтобы не было понятно, как нанесен этот материал».
Художник использует шедевры современной живописи, внедряя в них изображения pin-up girls и таким образом противопоставляя вечное и сиюминутное (dorothea.ru).
Владимир Колесников родился 7 июня 1969 в Краснодаре. Окончил Краснодарское художественное училище (1988) и Кубанский Государственный Университет (1995). Живет и работает в Краснодаре и Москве. Работы находятся в собрании «Капитал Груп», в коллекциях Пьера Броше, Умара Джабраилова, Владимира Некрасова и других частных коллекциях.
Геннадий Красношлыков. Холодно. 1992
Свободно владея классическим языком пластики, Геннадий Красношлыков обладает редким умением объединить эмоциональность поверхности и условность образности. Руководствуясь законами архитектоники, будучи верен фигуративности, скульптор создает композиции, для которых характерно тонкое чувством юмора, глубокая ассоциативность и пластическая яркость. Четкие, изысканные силуэты работ с тщательно проработанной поверхностью бронзы подчинены символической трактовке сюжета.
Автор всегда стремится воплотить поэтичность произведения, глубину художественного образа. При этом активная внутренняя динамика даже самых спокойных по композиционной трактовке работ несет в себе напряженность авторской драматургии.
«Я считаю, что только композиция наиболее полно выражает идею замысла, — говорит художник. — В своем творчестве я уделяю большое внимание именно композиции. <…> В композиции меня интересует некий узел, где скрыта интрига взаимоотношения формы и образа. Меня волнует стилистика древнерусской иконописи и архаичной пластики — это те пласты мировой культуры, где наряду с жесткими канонами прослеживается мощная духовная сила».
Портреты московских скульпторов. Геннадий Красношлыков from oms.ru on Vimeo.
С необыкновенным чувством художественной меры и красоты художник доводит каждую свою работу до такой степени выразительности, когда идея произведения ясно прочитывается в символике формы. Творческими ориентирами Красношлыкова всегда были, с одной стороны, русские древности, архаика («В архаике очень сильные образы. В наших древних идолах, в греческой архаике. Скупыми средствами достигается сильный, мощный образ», — говорит художник), с другой — наследие модернистов рубежа XIX–XX веков.
Геннадий Красношлыков родился в Москве в 1955 году. Окончил МВХПУ (б. Строгановское, 1989). Член МСХ (1991), член правления секции скульптуры МСХ и ОМС. Заслуженный художник РФ (2017).
Работы Геннадия Красношлыкова находятся в собраниях Фонда Министерства культуры РФ, Государственного Русского музея, Национального музея «Дракон» (Тайвань, Китай), в частных коллекциях России, Германии, США, Словении, Чехии, Швейцарии, Португалии, Италии, Канады, Японии, Франции.
Александр Курилов. Речная суета. 1996
В творчестве Александра Курилова ярко проявилась эстетика абстрактного сюрреализма. Причудливые биоморфные формы его картин напоминают произведения каталонца Ж. Миро, а также работы позднего В. Кандинского, созданные во Франции в 1930–40-е годы. Эстетика сюрреализма подразумевает обращение к глубинам человеческого подсознания, образы которого не поддаются однозначной смысловой интерпретации и допускают вариативность толкований. «Фантазируя и объединяя свой мир с реальным, Курилов воплощает в своих произведениях удивительное сосуществование подлинной жизни и вымышленного, абстрактного мира, населенного настоящими героями и таинственными существами, и явлениями, живущими по воле автора в упорядоченности и полном согласии», — пишет о его творчестве искусствовед И. Бушухина (Мария Беликова).
Автор, рассказывает о своих работах как имеющих прототип в реальной, окружающей его жизни: здесь и деревенские соседи, дачники любимой Ташлы, курицы и собаки, небо, облака и любимая жена с дочкой… Александр Курилов развил собственный изобразительный язык, который хотя еще и содержит элементы предметности, но в основном определяется чисто изобразительными средствами — формой, цветом, линией, плоскостью. Картина мира, которую он выстраивает, — позитивна, наполнена любовью и гармонией (orinfo.ru).
Александр Лозовой. Черногория. Город у моря. 2017
Однажды я рассматривал свои живописные работы в микроскоп и увидел, что отдельный мазок кистью состоит из органичных, естественных, связанных переходов из цвета в цвет, чего нельзя было сказать обо всей картине в целом. И я стал пробовать, экспериментировать, чтобы достигнуть такого же эффекта на всем полотне. Стал использовать специальные эмульсии, соединяющие темперу с масляной живописью, применять различные вспомогательные материалы, как, например, концентрат из дубовой коры, белок от куриных яиц, пчелиную пыльцу и др. Все это не было моим изобретением. Дубовую и ольховую кору использовали в древней Руси для написания книжных миниатюр, мед и яйца использовали в Европе в средние века. Я просто изменил пропорции и использовал в одной работе большее количество компонентов (Александр Лозовой, lozovoyarts.ru). Разработанная художником технология нанесения и закрепления красок на холсте, когда пигменты в красочном слое не смешиваются, обеспечивает яркость и прозрачность красок.
Александр Лозовой (1949) известен не только как художник, но и как искусствовед, специалист по отечественному искусству первой трети ХХ века, автор книг о К. Малевиче, П. Филонове, В. Бубновой (у которой он учился в 1960–70-е годы). Будучи знатоком мирового искусства, Лозовой активно применяет эти знания и в своем творчестве, экспериментируя с различными стилями и направлениями. Так, в его произведениях заметны следы влияния мастеров отечественного авангарда, экспрессионизма, нового французского искусства, японской гравюры (Мария Беликова).
Александр Лозовой родился в 1949 году в Сухуми. В 1960–70-х учился в частной мастерской Варвары Бубновой (1886–1983). Автор книг, статей по изобразительному искусству, телевизионных фильмов. В 1977 в Ленинграде защитил кандидатскую диссертацию по психологии изобразительного искусства.
Участник выставок с 1969. Экспонировался на персональных и групповых выставках в России, Италии, Германии, Греции, США, ЮАР.
Работы находятся в собраниях ГМИИ им. А. С. Пушкина, ММОМА, Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Ярославского музея изобразительного искусства, Архангельского художественного музея, Историко-художественного музея «Новый Иерусалим», музея Циммерли (США), в других музейных и частных собраниях в России, Европе и США.
Андрей Марц. Бегемот. 2001
Отточить образ до символа, найти для каждого зверя его пластическую формулу можно лишь при хорошем знании натуры. Художник-анималист должен попытаться понять сущность животного, не очеловечивая его. Мне дорого само животное, характерность того или иного вида. Когда мне удается это передать — создаваемый мною образ становится, как мне кажется, более убедительным и органичным (Андрей Марц, marz12.narod.ru).
Андрей Марц обладал редким даром воплощать в изображениях животных, зачастую камерных, масштаб огромного культурного пространства. Его острое, цепкое видение, подпитанное раскованным воображением и тонким чувствованием возможностей скульптурного материала, соединяло непосредственные реальные впечатления с глубокими познаниями истории мировой анималистики — от первобытных памятников и искусства кельтов до образов, знаков и символов, созданных изобразительной традицией народов Ближнего и Дальнего Востока, Китая, Индии и Северной Африки.
Так возникала новая скульптурная «живность», очень выразительная по формотворческим решениям, сочная по лепке характеров, живущая по каким-то своим особым законам, созданным для нее одним из тишайших созерцателей природы, скульптором Андреем Марцем. Жирафы, похожие на ажурные затейливые башенные конструкции, антилопы, чьи полетные грации изящно подчеркнуты остроумным кроем объема из единого медного листа, носороги с монументальными панцирными телами, уподобленными доспехам средневековых рыцарей, рыбы, словно вылепленные по неведомым древним магическим рецептам, разнообразнейшие птицы, то танцующие, то хлопочущие по своим «житейским» надобностям, то трагически надломленные, в литьевой лепке которых угадываются следы экологических катастроф...
… Образы животных — лиричные и трагикомичные, монументальные и игровые, архетипные и конструктивно-декоративные — все они были отмечены печатью таланта их создателя и неповторимой марцевской любовью к жизни (Л. Ю. Исаева, artmuseumtomsk.ru).
Творчество Андрея Марца, по общему признанию, совершенно особое, уникальное явление в современном анималистическом искусстве. Его работы, острые и точные по образному решению, поражают неожиданностью и декоративностью, остроумными находками в использовании свойств материала, современностью пластического мышления. А между тем Марц — убежденный наследник классической школы отечественной пластики, считающий ее основой, опорой для искусства современного с его подчеркнутым вниманием к форме.
Что касается скульптурного материала, то Марц сделал свой выбор в самом начале творческого пути, раз навсегда определив для себя металл как наиболее подходящий для реализации его пластических замыслов. Металл — подлинная стихия Марца. Не знающий аналогов оригинальный метод мастера, изобретенный им способ металлического отлива с введением проволоки, сочетание плотных масс и сквозных ажурных конструкций, контраст объемов и пустот позволили Марцу создать свой собственный, ставший уже классическим канон, безукоризненно работающий через раскрытие свойств материала на образ, характер изображаемого животного (Марина Юргенс, ГТГ, marz12.narod.ru).
Андрей Марц принадлежит к числу выдающихся скульпторов-анималистов. В его творчестве счастливо соединились качества скульптора, мыслящего пластическими формами, органично чувствующего выразительность и физические возможности материала, обладающего остроумной изобретательностью в решении задач, и человека, очарованного бесконечным многообразием живого мира, не устающим удивляться перед гением Творца…. (gallerynazarov.ru).
Андрей Медведев. Царевна с собачкой. 1997
Мир Андрея Медведева населен огромным множеством антропоморфных (и зооморфных) персонажей. Это и сонмы отстраненных «людей», внешне напоминающих героев «Черной курицы» Антония Погорельского, но при этом, как правило, совершенно лишенных эмоций, и куклы — живые, теплые и выразительные, и ню — роскошные и равнодушные к восторгам окружающих, и странные персонажи, чем-то похожие на отстраненных, но чувственные и вдохновенные, и наверное, еще какие-нибудь другие «люди».
Как правило, все эти представители медведевского «человечества» существуют в окружении себе подобных, но иногда они встречаются, как в нашей картине.
Царевна по типу ближе всего, очевидно, к куклам: ее лицо покрывает румянец, живы и умны огромные грустные глаза; ее фигура — пышная и вместе с тем изящная фигура молодой женщины. Огромная драгоценная корона, венчающая голову царевны, как-то не очень соответствует статусу дочери или сестры правителя, скорее это корона самой правительницы. Может быть, именно поэтому образ практически лишен женской чувственности (что тоже характерно для кукол), как будто любовь, желание недоступны молодой женщине, облеченной властью. И если ню Медведева всегда окружены страстными обожателями и поклонниками, то Царевна одинока — рядом лишь собачка, живое существо, к которому женщине позволено испытывать теплую привязанность. Наверное, поэтому так грустны ее глаза?
«Пространство, которое он [Андрей Медведев] создает, кажется лишенным силы тяжести, и создается впечатление, что изображенные люди парят над землей. Его композиции, положения его фигур и очевидное отсутствие гравитации придают его работе особую загадочность. Несовершенства и странные сопоставления вызывают вопросы о нашем существовании и абсурдности жизни, но также и о красоте ярких контрастов XXI века» (искусствовед Питер Ван Рой, Германия, onlinegallery-duarte.com).
Шамиль Надров. Танец. 2018
«В своем творчестве я пытаюсь изобразить мир, который похож или отражает “действительность”. И все же это другой мир. В нем присутствуют все реалии действительности, существующие во все времена, кипят те же страсти, волнения, желания, мечты. Театр, в котором участвуют маски, персонажи с определенными характерами. Театр, где постановщик играет с куклами, пытаясь в игре найти ответ на волнующие многих проблемы» (Шамиль Надров).
Внешний облик танцующей отсылает к «Богине со змеями» (примерно 1600 г. н. э.), найденной при раскопках дворца в Кноссе и ставшей визуальным символом своего исторического периода, как Венера Милосская или Мона Лиза. Полуобнаженная танцовщица кружится, красиво вскинув изящные руки, ее черные волосы развеваются в движении. Рядом с ней, раскинув крылья, парит сова, словно (а может, и в самом деле) участвуя в танце. Свободно парящая птица подчеркивает внутреннюю раскрепощенность женщины. Художник пишет не ласточку или голубя, а сову, явно придавая ей сакральное значение, да и странная общность женщины и птицы наводит на мысль о ритуальном танце.
Танцующая у Надрова столь же загадочна для зрителя, как и ее далекая предшественница с Крита. Но вот о чем можно поразмышлять: в змеях в руках богини исследователи видят символ связи с царствующим домом владельцев дворца, но «змеи также часто связывались с идеей продления жизни, так как они сбрасывают кожу и обновляются, поэтому они ассоциируются с мужской репродуктивной способностью» (ru.wikipedia.org). Написав рядом с танцовщицей сову — змеиного врага, художник словно бы относит все происходящее к некоему женскому культу.
Если попытаться определить для себя ключевые слова композиции, то получится примерно так: свобода, тайна, женственность, красота, мудрость, то есть образ Женщины.
Шамиль Надров создает удивительный мир, полный тайн и секретов, и так неожиданно похожий на наш. Этот мир — заповедная область жизни маленьких странных человечков-кукол или новых подвигов уже утвержденных в искусстве изображений. Художник легко и свободно строит композицию сюжетов, захватывая нас оригинальной трактовкой персонажей: ироничных и простоватых. Именно в композиции закладывается интрига, по драматургии аналогичная театральной. Нельзя не отметить само письмо Шамиля Надрова, разнообразие цветовых и пластических форм. Кисть то строго движется по плоскости холста, упруго вдавливая мазок в поверхность, то определяет заметно строгий ряд ритмических акцентов, то беспорядочно замешивает мазки в общем пятне, одинаково существующем с другими, подобными ему. Это придает картинам одно явно выраженное качество театральности происходящего, ощущаемого через показ эффектов иллюзии и фейерверка. Отсюда можно сделать вполне традиционный вывод о параллельности миров яви и вымысла, мира театральных действ и нашего действительного абсурдного существования... (И. Ермолаев, persona.rin.ru).
Анатолий Пурлик. Домашний портвейн. 2010
Бесполезно и скучно изображать реальность, ибо сама реальность уже неспособна удовлетворять автора в его желании оставаться действительно верным своей собственной природе. Тривиальное окружение уступает место воображению художника… (Анатолий Пурлик, liveinternet.ru).
Копировать на плоскости увиденное — скучно. Да и обман велик, а ну как промахнёшься… Хороший способ проверить, обладает ли картина мелодией, прост: нужно взглянуть на неё с такого расстояния, чтобы нельзя было разобрать ни сюжета, ни линий. Если мелодия присутствует в картине, значит, она имеет и смысл и запечатлевается в вашей памяти.
24 квадратных метра холста — вот, что потребуется для воплощения каждого часа ваших эмоций от пережитого.
Образы появляются, как сок спелого фрукта, способного утолять жажду творчества не испитой до конца чаши. Давать анализ происходящему тоже ведь дело неблагодарное. Остаётся только самое трудное — не сделать себя рабом правильных впечатлений (Анатолий Пурлик, eastmeetswestgallery.com).
Игорь Снегур. Конструкция с шаром. Из серии «Пространство». 2010
Игорь Григорьевич Снегур (1935) — российский художник-абстракционист, яркий представитель советского андеграунда, иллюстратор, мастер плакатной живописи. В творчестве он развивает достижения русского беспредметного искусства, в частности К. Малевича, Эль Лисицкого, А. Родченко. «Я полюбил использовать пространство, которое сам задаю на холсте. В беспредметной живописи нет вещизма, нет материального. С помощью нее можно показать трепетность собственной души, тем самым вступив в диалог со зрителем», — говорит художник о своих творческих интенциях (Мария Беликова).
Вне зависимости от времени создания и формальных рамок, картины Игоря Снегура в любой период творчества сохраняют удивительную точность линий, мягкость цвета, глубину идеи. Во всех его картинах отражается особая философская концепция: тщательно продуманное сочетание простейших геометрических форм символически воплощает взгляды художника на отражение времени и пространства в искусстве.
Сам Игорь Снегур так характеризует свое творчество: «Я работаю в трехмерном пространстве: оно не глубокое — где-то, может быть, пять-десять сантиметров. Можно уходить и в более глубокое — это как бы путешествие художника в живописном пространстве, которое он совершает. Вид путешествия во “времени-пространстве” — вот что такое живопись и ее меняющиеся формы» (mmoma.ru).
Я неконкретен, ибо рисую абстракции. В отличие от искусства прошлого сегодня обнаружено, что любая поверхность может быть трепетной — она может ожить, сдернуть свою мертвенную завесу.
В конце концов, фактуры и контр-рельеф убедили, что можно заставить поверхность вибрировать. Это значит, что поверхность превращается в со-трудника. Художник сегодня подходит к поверхности, как к некому существу. Он подходит к плоскости как к живому субъекту.
Искусство живописи позволяет пробить брешь в плоскости всякого «занавеса» и заставляет трепетать и волноваться сам холст, который превращается в живое существо. Абстрактная живопись через энергии цвета и формы оживляет холст (Игорь Снегур, cultobzor.ru).
«Абстрактное — значит нематериальное. А нематериальным может быть лишь идея, — записывал в дневнике Игорь Снегур. — Итак, какова идея абстрактного? В моем случае это соотношение аморфного и геометрии. Геометрия всегда конечна и статична. Аморфное всегда неконечно и нестатично. <…> Аморфное — скорее женская природа, геометрия — мужская. Геометрия обеспечивает форму, аморфное наполнено склонностью к изменению. Иначе не произойдет желанной встречи, т.е. не проявится ОБРАЗ… Цвет — непостоянное, он третье начало в живописи. Функция цвета в изменчивости, и в нем отражено время».
Скульптура и живопись Пааты Мерабишвили (Pata)
В залах Галереи ARTinvestment.RU «21-й век» открыта персональная выставка Пааты Мерабишвили «Автопортрет». Выставка продлится до 30 января 2022, а в виртуальных залах на сайте AI одновременно развернута ретроспектива работ художника 1992–2021 годов.
Паата Мерабович Мерабишвили родился в 1964 году в Тбилиси и происходит из известной династии грузинских скульпторов и художников. Окончил Тбилисскую государственную художественную академию в 1990 году. В настоящее время живет и работает Москве. Произведения скульптора находятся в частных коллекциях Грузии, России, США, Германии, Израиля, Швеции, Франции, Италии, Швейцарии, Канады.
Мы включили в каталог аукциона 4 работы Пааты Мерабишвили.
От автора: Испания — это жизнерадостная, солнечная, колоритная страна, сочетающая в себе пылкость цыган, пикантность мавританских племен, изысканность романского стиля и солидность кельтов. Ее жители весьма темпераментны и одновременно чрезвычайно доброжелательны. А какие в Испании проводятся праздники и фестивали!
В основе этой работы вековые традиции королевских династий, это грациозность и пластика, дань безупречному стилю и элегантности. (Паата Мерабишвили).
Паата Мерабишвили — представитель прославленной, мощной по таланту династии грузинских скульпторов. Владея в полной мере всеми приемами пластического наследия, переосмыслив стилистику классической лепки, Паата Мерабишвили четко определил свой творческий вектор. Будучи увлеченным с юных лет творчеством античных мастеров, пластикой Майоля, скульптор пришел в своих произведениях к решению модернистских задач пластики. По творческой манере скульптору всегда были близки Жак Липшиц, Александр Архипенко и Осип Цадкин, которые уделяли особое внимание фактуре и лаконичным формам.
Мерабишвили стремится выразить не саму форму, а ее внутреннюю составляющую, ее изначальный смысл в чем, несомненно, следует наследию модернистов (Екатерина Шмакова, искусствовед, куратор).
От автора: Основой формообразующих элементов в этой работе является линия и пятно — специфические средства выразительности графики и живописи.
Для меня линия, контур как изображение — это нить перехода из мысли в форму, которая бывает не просто графическая, а цвето-графическая, где цвету отведена своя роль, и все это вместе служит появлению на свет линейных работ.
Пластика линий, их лаконичность, простота и легкость дают глазу возможность отдохнуть от объемов и масс — в непроглядной темноте ночи увидеть контуры гор перед рассветом (Паата Мерабишвили).
Давно ставшие классикой художественные образы античной Греции, Амедео Модильяни, Пабло Пикассо, Жоржа Брака являются базисом, на котором строится его собственный художественный мир. Они вдохновляют автора на создание образов, полных чувственности и экспрессии, — женских фигур и портретов, композиций и коллажей. Объёмно-осязательные формы, мягкая моделировка, лиричность образа, текучесть линии сменяются стилизованными фигурами, пересечением линий и объёмов, декоративностью композиции. Полистилизм эпохи постмодернизма как один из методов изображения и достижения художественного целого используется художником во всех видах искусства артистично и выразительно, без потери индивидуальности, и задает направление развития и становления его собственной творческой манеры (Нана Шервашидзе).
От автора: Истоки скульптурных форм лежат в первобытном, пещерном. В сознании первобытных людей очень сложно переплетались два начала — иллюзорное и реалистическое.
Мистическая африканская скульптура произвела на меня неизгладимое впечатление еще во время учебы в академии и стала таким же предметом увлечения и восхищения, как наскальные рисунки и архаика. Связано это не с идеальной эстетикой и тонким творческим талантом мастеров, а с невероятной энергетикой, которой пропитан каждый предмет африканского искусства.
Загадочные ритуалы и первобытные традиции, распределение энергии и незыблемая вера в духов и богов (Паата Мерабишвили).
В малой скульптуре Мерабишвили 1980–90-х годов особенно ясно и оригинально выявляется синтез традиций и новаторства, органично переплетаются особенности древнегрузинской малой пластики и поиски новой выразительности линии и формы. Орнаментальность силуэтов, текучесть линии, сложная фактура поверхности отсылают нас к древнейшим произведениям грузинского искусства. Стилизованные фигуры людей и животных поражают выразительностью образов, экспрессивностью и декоративностью линий и силуэтов. Но даже в своих стремительных движениях эти фигуры замкнуты в силуэтный овал — не нарушают целостности композиции. Эти скульптуры несут в себе не только формальное сходство с древними памятниками искусства, но наполнены мистической силой первозданной природы, таинственностью, загадочностью (Нана Шервашидзе).
От автора: Жил-был художник один, домик имел и холсты, но он актрису любил, ту, что любила цветы…
О Маргарите де Севр, выступавшей в тифлисских кафешантанах, говорил весь Тифлис. Пораженный ее пением и красотой, Нико Пиросмани продал свою молочную лавку, свои картины, краски, дом и имущество, на вырученные деньги купил «целое море цветов», а сам отправился пить с друзьями — пожар в сердце необходимо было чем-то тушить. Маргарита была тронута, но в целом взаимностью не ответила — вскоре Маргарита покинула город.
Константин Паустовский, пересказал эту историю в своей «Повести о жизни». Все детали варьируются в зависимости от того, кем является очередной сказитель — романтиком или скептиком (Паата Мерабишвили).
Глубокие знания мировой художественной культуры позволяют художнику блестяще реализовать свою экспериментаторскую страсть. Паата свободно оперирует художественными стилями, придумывает новые техники работы с материалами на плоскости и в пространстве, добиваясь наибольшей выразительности собственного художественного высказывания.
Для Пааты Мерабишвили быть скульптором — это «внутреннее состояние восприятия всего окружающего в пространстве, когда мысль уже имеет объем и даже цвет». Воплощение этой мысли на языке искусства на плоскости или в пространстве и есть его образ окружающего мира. Чудо, которое становится зримым благодаря творческим исканиям, разочарованиям и победам художника.
Желаем удачи на 97-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!
Постоянный адрес статьи:
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20211220_auctionAI_XXI.html
https://artinvestment.ru/en/invest/xxicentury/20211220_auctionAI_XXI.html
© artinvestment.ru, 2024
Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.
