Открыт 94-й аукцион «21-й век. Современное российское искусство»
ARTinvestment.RU   29 ноября 2021

В каталоге собраны произведения Семёна Агроскина, Алексея Алпатова, Рубена Апресяна, Нисо Атахановой, Сергея Базилева, Сергея Бордачёва, Анастасии Вахненко, Марины Венедиктовой, Анатолия Горяинова, Дубосарского и Виноградова, Михаила Ермолова, Евгения Зевина, Анатолия Чечика

Комиссионный сбор с покупателей составляет 18 %.

Каталог AI Аукциона № 408 и 94-го аукциона «21-й век. Современное российское искусство».

Лоты 94-го кураторского аукциона «21-й век. Современное российское искусство» представлены в экспозиции онлайн-выставки AI.

В составе аукциона 13 лотов — девять живописных произведений, один лист оригинальной и один — печатной графики и две работы в смешанной технике.

Семён Агроскин. Туфли. Из серии «Распаковка». 2019

«Мы знаем, какие радости и страдания заключены в арке ворот, в каком-нибудь уголке улицы, между стен комнаты или в пространстве ящика», — писал де Кирико.

Это «пространство ящика», его содержимое, вещи, снятые с антресоли или вынутые из старых чемоданов... Коробки ждут переезда или смены содержимого или окажутся на помойке в ближайшее время.

Лишенные реального цвета предметы, вынутые автором из воображаемых коробок и чемоданов, «разговаривают» друг с другом. Автор предоставляет зрителям возможность вспомнить свои «кладовки и антресоли».

Ассоциативный ряд появляется у каждого свой, в чем-то биографический. Некоторые предметы не вполне понятного или забытого назначения соседствуют с обычными предметами обихода и отдыха. Оболочка предметов отсылает к событиям жизни, дачного детства, походам и увлечениям юности зрителя. Вещи в роли свидетелей сами рассказывают о нас (Семён Агроскин, cultobzor.ru).

Старые термосы, чемоданы, коньки, документы близких — все это возвращает обладателя «упакованных» к встречам, разговорам, смеху за кухонным столом, прикосновению рук на катке, мягким и любящим взглядам уже ушедших близких. Это не просто предметы, интересные своей «пожитостью» и фактурой, старым дизайном или забытым предназначением, — это прежде всего мы сами, память поколений.

Взгляд в себя, обнажение своих чувств, «распаковка» эмоций. Это серьёзное, но позитивное переживание, которое художник дарит своим зрителям, разговаривая с нами визуальным языком со сдержанной колористической палитрой, трепетно и бережно обнажая нашу индивидуальность (artmoskovia.ru).

Алексей Алпатов. Без названия. 2011

Природа и город — главные персонажи картин Алексея Алпатова , и именно поэтому излюбленный жанр художника — пейзаж. Несмотря на то, что работы отличает монохромная холодная цветовая гамма, эта живописная палитра, наполненная внутренним свечением, формирует его неповторимую манеру.

Лет десять назад иллюзионизм Алпатова прорастал сквозь наслоения газетных обрывков, фрагментов текста, экспрессивных потеков краски. Он брал за основу препарированное фотографическое изображение, по своей искусственной природе представляющее интеллигибельную, а не чувственную иллюзию, и освобождал снимок 10 × 15 из двумерных тисков. Безжизненная, «глянцевая» картинка приобретала объем, глубину и неизбежные для всего живого утраты: она возвращалась в поток времени, откуда была изъята безжалостной фотокамерой. Отсюда городские руины в ранних работах Алпатова, отсюда коллажная техника и работа сериями. Включить изображение в историю, у которой нет конца и начала, — только так, по мнению художника, можно превратить моментальный отпечаток в захватывающий зрение образ.

Заметно, что многие городские сюжеты Алпатова написаны со взгляда автомобилиста, а не пешехода. Прием этот выглядит необычно (начиная с «Новой Москвы» Пименова), но является неизбежным следствием использования фотоснимка как подложки картины. Если бы Файбисович водил автомобиль, мы бы имели, наверное, совершенно другого художника. Однако у Алпатова этот сдвиг точки зрения выглядит абсолютно осознанным (online.11-12gallery.com ).

Художник пишет высотку на Садово-Спасской улице в необычном диагональном ракурсе. Скупая палитра строится на контрастном сочетании бежевого и черного цвета, что создает эффект подсвеченного здания, выразительно выделяющегося на фоне ночного города. Работе свойственна импрессионистическая незавершенность, а множественные потеки, царапины на фактуре полотна производят впечатление «стертости» изображения временем. «Многослойность, свойственная визуальным объектам Алпатова, провоцирует на интерпретацию его картин как неких фиксаций сновидений-воспоминаний», — пишет о работах живописца С. Иванников (topos.ru). Боковые части здания художник намеренно оставляет недописанными — высотка словно растворяется в темном пространстве города. Так, преобразуя мотив, изначально подсказанный фотографией, мастер создает атмосферный городской вид, привлекая внимание зрителя к тем объектам, которые ускользают от его внимания в повседневной рутине (Мария Беликова).

Рубен Апресян. Композиция на белом фоне № 2. 2010

Главное для меня в изобразительном искусстве — философское осмысление всего видимого мира и человеческого бытия, образно-символическое переживание формы, свое видение живописного пространства, самовыражение. Это происходит на глубинном внутреннем чувстве и художнической интуиции, которая формируется самой природой творчества и опытом общения с мировым искусством.

На свете нет ничего сильнее и загадочнее природы, но животворящий человеческий разум и большая духовная энергия даёт возможность художнику войти в неё, погрузиться, впитать в себя её тайну, и, переплавив, пропустив это ощущение через своё сознание, дать ему выход в свою, вновь созданную реальность. Поль Сезанн говорил: «Я стою на пленэре, солнце обогревает меня, и мы вместе даём всходы».

Абстрактная форма наиболее подходит для ассоциативно-импровизационного выражения чувств и переживаний, поиска духовной гармонии. По существу, она всеобъемлюща и универсальна (Рубен Апресян, armmuseum.ru).

Рубен Апресян (1963) развивает в своем творчестве целый спектр модернистских течений, тяготея в последние десятилетия к абстракции. Будучи учеником «советского сезанниста» Иосифа Гурвича, в ранний период Апресян закономерно испытал влияние французских живописцев, а также мастеров «Бубнового валета». Далее он все больше и больше погружался в беспредметное искусство, переосмысляя достижения русского авангарда и европейской абстракции. Подобно Малевичу и художникам его круга, Апресян исследует возможности геометрической абстракции, обращаясь к знаковым образам, отражающим универсальные законы мироздания и создавая аналитические работы, близкие к минимализму (Мария Беликова).

Нисо Атаханова. Художник и модель. 2014

В своих работах я использую образы, увиденные в культурах Европы и Азии. Меня интересуют привычки людей, их практики, мировоззрение и то, как они связаны с окружающей средой, образом жизни людей. Часть работ посвящена уникальной природе мест, в которых я побывала. Поэтому путешествия и знакомства с традициями других стран очень тесно связаны с тем, что я создаю в своей мастерской в Москве.

Таким образом, в картинах соединяются образы идеализированного мной мира и реальные события из жизни общества. Угол зрения постепенно меняется. Раньше героями картин часто бывали животные и райские птицы. Сейчас все события развиваются в основном вокруг человека (Нисо Атаханова).

Нисо Атаханова родилась в 1989 в Москве в семье художников Светланы и Азама Атахановых. Окончила Московскую государственную художественно-промышленную академию им С. Г. Строганова. Занимается живописью, мозаикой и инсталляцией. Работает в архитектуре как художник монументалист.

Азам Атаханов родом из Душанбе, Светлана Атаханова родилась в Киргизии, «Нисо Атаханова родилась в Москве, но унаследовала от родителей любовь к восточному миру в искусстве. Она окончила то же учебное заведение, что и родители, получив основы своих навыков на факультете монументально-декоративной живописи. Активно участвует в различных выставках и конкурсах. Она тоже много путешествует, а затем яркие и богатые впечатления трансформирует на полотнах. В волшебном саду Нисо Атахановой живут Феникс, Дневной и Ночной стражи и прекрасные птицы. В мозаике цвета переплетаются животный и растительный мир, геометрические фигуры, демонстрируя смелость и безудержный полет фантазии автора.

“Мои работы часто сравнивают с произведениями родителей, — говорит художник. — Это естественно, ведь мы — одна творческая семья, придерживаемся одних и тех же законов в живописи, любим цвет. Но в то же время мы говорим о разных темах, у каждого свой путь. Я черпаю вдохновение от ощущения счастья — от путешествий, от общения с людьми, и мне хочется это передать всем вокруг!» (sovetskaya-adygeya.ru).

Сергей Базилев. Глупая ностальгия. 2014

Я очень не люблю обобщений. Мне кажется, что, когда человек обобщает, он просто уходит от ответственности. Мне всегда нужна конкретика. Я люблю уточнения (Сергей Базилев, gallerix.ru).

Сергей Базилев — один из лидеров советского гиперреализма; ключевые проблемы которого он разрабатывает в живописи на протяжении десятилетий. Главная особенность направления и исходный материал для создания художественного произведения — фотографический образ. Важно отметить, что в 1970–80-е годы технические возможности не позволяли проецировать слайд прямо на холст, поэтому художники перерисовывали изображение с маленького проектора.

Советские гиперреалисты… интригуют зрителя всеми возможными способами, начиная от выбора тем — странных, захватывающих, шокирующих — и заканчивая эффектами живописной манеры. И если американские художники методично оттачивали технику гладкого сплавленного письма, то советские зачастую интересовались техническими сбоями и акцентировали неоднородность живописной поверхности, когда пастозные мазки могли соседствовать с прозрачными лессировками. В интерпретации советских «гиперов» картина реальности расслаивается, раскалывается и выглядит повреждённой множественными разрывами.

Сергей Базилев радикально обновил свою манеру и «вышел из сумрака» напряжённых и драматичных композиций конца 1980-х. Его постсоветские серии на первый взгляд решены в мажорных интонациях и наделены пленэрными качествами, как будто художник покинул мастерскую и начал работать в открытом пространстве. Этот переход из гипер- и фотореализма в импрессионизм не имеет отношения к историческому пленэрному импрессионизму, поскольку источниками для картин Базилева по-прежнему остаются фотографии в широком диапазоне — от архивных до современных снимков. А эффекты пленэрного освещения и свободная манера письма — это мнимые свидетельства непосредственности восприятия и естественности поведения в условиях некоего «искусственного рая» в эпоху постмодерна.

Доминанта пленэрных качеств определяет и выбор тем: вместо сюжетных композиций, претендующих на глобальное обобщение, художник предпочитает камерные портреты, сцены из частной жизни, пейзажные и натюрмортные мотивы. Сама эстетика пленэра — работы на открытом воздухе — стимулирует Базилева апробировать варианты уличного искусства и сводить их с традицией гиперреализма. Пленэр располагает к дальнему видению, и многие мотивы, зафиксированные в “упор” с помощью фотоаппарата, Базилев, соответственно, пропускает через дальнее видение. Таким образом ему удаётся совместить дистанцированный взгляд снаружи и максимально приближённый взгляд “изнутри” (как в ситуации создания “селфи”) (Кирилл Светляков, искусствовед, заведующий отделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи, sergeybazilev.ru).

Коммунальная квартира — «завоевание» первых лет революции, сохранившееся, увы, до наших дней. «Все жили вровень, скромно так: система коридорная, / На тридцать восемь комнаток всего одна уборная», — слова Высоцкого понимали все. «Вороньи слободки» — дверные косяки, облепленные звонками, указания, кому сколько раз звонить, график мытья мест общего пользования, двадцать хозяек у одной плиты, керосинки, шкафы и сундуки, корыта и велосипеды в коридорах, сплетни, ссоры, взаимная ненависть, комичные истории и подлинные драмы, чужие люди, вынужденные годами жить под одной крышей. В советской сатире не было другой столь же благодатной темы: самые невероятные коммунальные фантазии где-то существовали. Коммуналка в «Покровских воротах» — недостижимый идеал, да и в ней что-то случалось. Так о чем же ностальгия художника? Может, о том, что чужие иной раз были ближе и отзывчивее родных, делились последним (вспомните украденные карточки в «Месте встречи…»), делили и горе и радость? Но скорее о том времени, когда по коридору можно было кататься на велосипеде, без спросу заходить к соседям и деревья были большими. Ностальгия по коммуналке? Пожалуй, глупая ностальгия…

Сергей Бордачёв. Контраст № 2. 1979

Абстрактной живописью он начинал заниматься в середине 1960-х. В его экспериментах переплелись орнаменты и письменности древних культур, искусство скифов, увиденное на раскопках древних курганов, творчество Кандинского, Малевича, Татлина. «Работы Бордачева полны цитат авангардного наследия, переосмысленного, перекроенного» (smotrim.ru). «Сергей Бордачёв демонстрирует редкое для современного художника совершенство, помноженное на его самобытное видение авангардных традиций» (Вольфганг Лехман, критик).

Живописные абстракции Сергея Бордачёва обычно не очень строги, больше тяготеют к декоративности. В отличие, например, от единожды найденных «личин» Олега Целкова, «Бордачёв много раз менял стили своих абстракций, его серии зачастую совсем не похожи. Да, у него есть свои закономерности: приверженность абстракции, выраженная экспериментальность с узнаваемыми влияниями. А еще страсть к “смягченной” геометрии прямоугольника, круга и треугольника. Но универсальную стилистическую формулу зритель вряд ли обнаружит» (artinvestment.ru).

«Редкий художник, которому посчастливилось участвовать почти во всех исторических неофициальных выставках 1970-х годов. После Беляево (15 сентября 1974) картины Сергея Бордачёва были представлены и на выставке в Измайлово (29 сентября 1974), и в павильоне “Дом Культуры” на ВДНХ (20 сентября 1975). После этого его работы были на многих “квартирниках” весны 1976-го (дома у Владимира Сычёва и др.). Бордачёв участвовал в первой и последующих выставках живописной секции при горкоме графиков на Малой Грузинской, 28, с января 1977-го. Там же он позже выставлялся в составе горкомовской группы “21” (со своим другом Зверевым и др.). С конца 1970-х работы Бордачёва путешествовали по Европе и Америке в составе “Музея современного русского искусства в изгнании” Александра Глезера, участвовали во многих зарубежных выставочных проектах неофициального советского искусства» (artinvestment.ru).

Анастасия Вахненко. Прогулка по Фонтанке. Из серии «Санкт-Петербург». 2021

Анастасия Вахненко — график, выпускница Астраханского художественного училища им. П. А. Власова (2003), МГАХИ им. Сурикова, (2010, графический факультет, мастерская «Искусство книги»), награждена Медалью Российской Академии Художеств (2007), проходила стажировку в Творческих мастерских Российской Академии Художеств (2010–2014, мастерская графики под руководством А. Д. Шмаринова). Член Московского союза художников и ТСХ России (2010). Автор цикла иллюстраций к произведениям Н. В. Гоголя, получившего высокую оценку в профессиональной среде. Персональные выставки прошли в Московском театре Гоголя (2010) и Российской академии искусств (2019). Работы Вахненко находятся в частных коллекциях в России и за рубежом.

Мало увидеть Санкт-Петербург — его нужно почувствовать, и каждому человеку он открывается по-своему. Лист Анастасии Вахненко «Прогулка по Фонтанке» (2021) из серии «Санкт-Петербург» с блестящим техническим мастерством передает самое главное: простор, морской воздух, свободу, врожденную графичность города, вдохновение его архитекторов и строителей. Зритель может не прочитать названия серии, не знать места, но он с первого же взгляда узнаёт на рисунке Санкт-Петербург, его дух и красоту.

Марина Венедиктова. Кувшины — не кувшины 1. 2021

Астрология дала мне тот самый уникальный акцент в моих картинах, вдохновила на новый этап моего творчества. Теперь я не просто смотрю на мир, на людей, я вижу их своим взглядом, я вижу особенность каждой личности, каждой души, даже если это неживой предмет. Но слова слишком скупы, чтобы описать это, поэтому я выбрала свой язык — язык холста и красок. Я знаю, что я на правильном пути, я знаю это, потому что я испытываю безумное удовольствие от времени, проведенного за рисованием. Я разговариваю с моим внутренним Я, и эта беседа может длиться часами.

Мои работы — это не статичная картинка, это медитация, это жизненный поток, это опыт, который каждый раз будет открываться вам по-новому. Возможно, вы разгадаете эту загадку, возможно, мои сюжеты навсегда останутся для вас тайной. Но только одно важно — вам будет хорошо наедине с моими картинами… (Марина Венедиктова, realgallery.ru).

Анатолий Горяинов. В усадьбе. 2020

Анатолий Петрович Горяинов (1957) — известный российский фотограф, его работы неоднократно публиковались, выставлялись на многих отечественных и зарубежных площадках. В каждом жанре фотоискусства, в котором он работает, — любимом городском пейзаже, сельских пейзажах, натюрмортах, флоральных композициях и т.д. — Горяинов нашел собственный авторский язык. Он всегда разный, и в этом его своеобразие, но объединяет все его фотоработы очевидная композиционная стройность и сделанность (выверенность до миллиметра), а еще — насыщенность каждого снимка действием, движением. Это наполненные воздухом и одновременно удивительно плотные работы: взгляд мастера не терпит неоправданной пустоты. Московские фотографы — люди замечательные и очень интересные, каждый может часами рассказывать о своих профессиональных приключениях, хотя, конечно, есть истории легендарные — о том, например, как Николай Рахманов снимал Соборную площадь Кремля или как Анатолию Горяинову в девяностых удалось перекрыть движение на Тверской, чтобы с самой середины проезжей части сделать красивейшую ночную панораму в огнях от Пушкинской площади к Кремлю.

По образованию Горяинов — профессиональный художник, график, выпускник Московского государственного художественного института им. Сурикова. Как живописец он развивает в своем творчестве достижения европейского модернизма первой трети ХХ века — Парижской школы, фовизма, экспрессионизма, а также наивного искусства.

Русская провинция, Москва и люди — это моя любимая тема творчества, и когда есть возможность, я беру, краски и холсты и с удовольствием делаю композиции города, провинции и людей! Это самое счастливое время, когда находишь тему с удачным светом и композицией. Главное в искусстве — это не объяснение своего творчества, а когда зритель получает творческий контакт с автором, видит его картины глазами и воспринимает сердцем! (Анатолий Горяинов).

Небольшой холст «В усадьбе» (2020) отсылает зрителя к огромному пласту русской культуры нескольких столетий — культуре летней усадебной жизни и ее отражению в картинах и романах. Яркий солнечный день. Дамское общество расположилось на террасе, огороженной перилами с белыми балясинами. Это прекрасные дамы в красочных открытых платьях, с элегантными прическами — словно диковинные цветы в буйной зелени. На столиках рядом с ними цветы, фрукты, бутылка вина, книга. За деревьями виднеются соседние дома. Интересная деталь: головка только одной из женщин украшена шляпкой, век назад такое было немыслимо, и можно предположить, что перед нами наши современницы. Хотя что толку разбираться, какой век пишет художник, когда он пишет прекрасных дам! Умиротворенная летняя сцена из красивой жизни.

Дубосарский и Виноградов. Пикассо в Москве 2. 1994

Сложившийся еще в 1990-е годы творческий тандем Александра Виноградова и Владимира Дубосарского стал одним из самых успешных художественных проектов на отечественной сцене современного искусства. Разработав оригинальный эклектичный стиль, основанный на соцреализме, совмещенном с эстетикой поп- и соц-арта, художники создают ироничные произведения, в которых обыгрываются образы как из советской истории, так и из современной массовой культуры и рекламы. По словам куратора и критика В. Мизиано, этот яркий дуэт двух авторов «с исчерпывающей емкостью воплотил постсоветскую эпоху — владевшие ею фантазмы, осознанные или вытесненные, определявшие ее идеологемы, воспринятые программно или же бессознательно» (kandinsky-prize.ru).

Шелкография «Пикассо в Москве 2» (1994) создана в первый год совместного творчества Виноградова и Дубосарского.

Александр Виноградов родился в 1963 в Москве. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года (1984), МГАХИ им. В.И. Сурикова (1995). Член Московского союза художников (1994). Член-корреспондент Академии художеств РФ (2012).

Владимир Дубосарский родился в 1964 году в Москве. Окончил Московское художественное училище памяти 1905 года (1984), с 1988 по 1991 обучался в МГАХИ им. В. И. Сурикова. Член Московского союза художников (1994). Член-корреспондент Академии художеств РФ (2012).

Владимир Дубосарский и Александр Виноградов вместе работали с 1994 по 2015 год.

Первая персональная совместная выставка Дубосарского и Виноградова «Пикассо в Москве» состоялась в 1994 году (галерея «Студия», ЦДХ, Москва).

Работы находятся в собраниях ГТГ, ГРМ, Центра Жоржа Помпиду (Париж), МАК (Вена), музеев Италии, США и других стран.

Михаил Ермолов. Роза. 2019

Михаил Ермолов — автор серии оригинальных работ «Парк им. памяти культуры и отдыха».

«Мой Парк — особенный мир, где было всё: качели-карусели, фонтаны, каток, горячие бублики, беседки, чертово колесо, лимонад, клоуны, голуби, скамейки, пиво-шпикачки, лошадки, сахарная вата, самолетики, клумбы, вазоны, игрушки, сосиски в тесте, музыка, комната смеха, леденцы, тир, урны, кино, воздушные шары, скульптуры, зелёный театр и т.д., и т.д., и т.д.» (Михаил Ермолов, dotart.info).

«Это ностальгический проект о детстве, которое живет в нас до конца дней, о детстве без гаджетов, Интернета, мобильных телефонов, видеокамер, компьютерных игр и т.д., о детстве с играми во дворах — с утра и до вечера без надзора взрослых, о побегах в кино с любимыми героями, на которых так хотелось походить. А походы в цирк с клоуном Карандашом, воскресные гуляния с родителями в парках, катание на чертовом колесе, на качелях, наперегонки на великах, на картонках с ледяных горок, а деревянные кони и другие немногочисленные игрушки, часто самодельные, грубо раскрашенные, но такие любимые? Конечно, это память поколения дедов и немолодых отцов. <…> Сегодняшнее молодое поколение, напротив, будет вспоминать, как до самого совершеннолетия их за руку водили взрослые, куда, в какие страны ездили с родителями летом, как учили языки по обмену и т.д. а виртуальная реальность и реальная жизнь не разделимы, о дворовых играх в казаки-разбойники, 12 палочек, штандер и др. будут узнавать, если прочтут, из книг. Все проходит, как рассказал нам царь Соломон» (Ирина Филатова).

«Парк — памяти и культуры, и отдыха. Как бы вместе со временем в прошлое канула и культура», — пишет искусствовед Ирина Филатова. Может, и не канула, но точно стала другой. Какими будут детские воспоминания тех, кто растет сегодня? Время покажет, но пусть в них будет хоть немного тех простых, чистых детских радостей, какие во множестве населяют Парк Михаила Ермолова.

Греческое слово eironeia буквально означает «притворство». Современное искусство переполнено иронией. Кто-то иронизирует удачно, и зритель с интересом наблюдает результат и оценивает тонкость шутки. Другие прикрывают иронией подлинные чувства, и если зрителю удается их понять, он настраивается с художником на одну волну и откликается. Третьи никаких чувств ею не прикрывают, а орудуют как кувалдой, как инструментом коммерческого благополучия.

Михаил Ермолов пользуется иронией тонко, умно и, самое главное, к месту, как художественным средством выразительности. Одновременно он не боится быть искренним. Его роза растет в том самом Парке имени памяти культуры и отдыха. Она проступает из золотистой пелены времени — живая, свежая, с влажными бархатистыми лепестками. Куда более настоящая, чем яркие пластиковые цветы нашего времени.

Евгений Зевин. Время — вперёд! 2013

Главное, не поддаваться унылой прозе жизни. Мне всегда хочется передать в своих работах позитивное отношение к жизни. Светом, цветом, эмоциями. Жизнь прекрасна, даже если случается, что ты не соответствуешь ей… (Евгений Зевин, rg.ru).

В своей живописи я всегда стараюсь найти что-то новое, неизведанное, не опробованное раньше, это и есть мое авангардное устремление. Я хочу, чтобы мои картины помогали людям жить в наше непростое время, сделать их жизнь лучше, добрее, устойчивее, если хотите, надежнее. Я хотел бы морально, духовно, нравственно поддержать человека. Искусство должно давать человеку радость, доброту, нравственную и духовную опору (Евгений Зевин, ru.wikipedia.org).

Есть какая-то мистическая точность. Когда художник ее достигает, картина, независимо от своего содержания, утешает, примиряет всех нас с жизнью. Я думаю, главная цель искусства — утешать человека и Евгений Зевин почти всегда достигает этой цели. Его новаторство тут же на месте оплачивается самой верной и самой старинной монетой — талантом. (Фазиль Искандер, aris-art.ru).

Искусствоведы не раз отмечали сходство полотен Зевина с музыкальными произведениями, поскольку им также свойственны понятия формы, ритма, эмоционального окраса. Более того, многие сюжеты его произведений вдохновлены музыкальными композициями. Так, название «Время — вперёд!» отсылает к известной оркестровой сюите советского композитора Георгия Свиридова, которая задает «темп» и самому живописному произведению (Мария Беликова).

Евгений Зевин — народный художник России, Президент Российской Академии Искусств, заслуженный деятель искусств РФ, почетный член Российской академии художеств.

Читайте о художнике на AI: «Персона недели: Евгений Зевин».

Анатолий Чечик. Похищение Европы. 2013

Я хочу узнать тайну, скрывающуюся на границе света и тьмы.

Я видел море в штиль на восходе солнца и белую лошадь в тумане на косогоре у Ферапонтова монастыря (Анатолий Чечик).

Анатолий Чечик — художник, сценограф, режиссер. Живописные произведения Чечика характеризуются выраженной театральностью образов и наполнены явными или скрытыми отсылками к истории мирового искусства, которую автор воспринимает как единое пространство человеческой культуры. В творчестве художника можно найти оригинальные интерпретации известных сюжетов, а среди наиболее частых мотивов, встречающихся в его произведениях, особенно выделяются античные мифы и библейские истории.

В полотне «Похищение Европы» (2013) Чечик обращается к древнегреческому мифу о похищении Зевсом в облике быка дочери финикийского царя Европы. История образа испуганной героини, уносимой в морскую даль огромным животным, насчитывает несколько веков: он встречается и на античных вазах, и на полотнах старых мастеров, и в работах русских художников Серебряного века, и в произведениях авторов ХХI века.

Своеобразие работы Анатолия Чечика проявляется в оригинальной интерпретации сюжета: отказавшись от традиционной трактовки, художник пишет отнюдь не жертву, а полную достоинства обнаженную демоницу с растрепанными волосами и горящими глазами, уверенно сидящую верхом на быке. Кажется, что Европа сама управляет животным, ощущая себя при этом невероятно свободной (Мария Беликова).

Желаем удачи на 94-м аукционе «21-й век. Современное российское искусство»!

AI